A peine avait-il quitté Alcatrazz que le jeune suédois se lançait en solo sans se douter, peut-être, qu’il allait provoquer une petite révolution guitaristique. De 1984 à 1988, il livre quatre albums qui changeront la manière de percevoir son instrument et créé un style dans lequel beaucoup tenteront ensuite de se faire une place : le Metal Néo-Classique. Un genre d’une grande technicité et qui requiert une inspiration nourrie d’un genre presque méprisé par la scène Heavy Metal. Plus de quatre décennies plus tard, YNGWIE MALMSTEEN est toujours animé de la même passion et paraît toujours aussi émerveillé par cette musique née de cette fusion si particulière. Si le multi-instrumentiste est aussi chanteur et producteur de ses propres disques et n’a plus rien à prouver depuis bien longtemps, il reste toujours émerveillé par les multiples possibilités qui lui sont offertes artistiquement. Après plus d’une vingtaine de réalisations studio, il surgit avec « Hell Or High Water », un peu de la même manière dont les notes et les mélodies viennent à lui : avec fulgurance. Personnage à part et musicien hors-norme, il partage ici son approche et sa vision de la créativité qu’il voit, en toute simplicité, comme un cadeau.
– Pour ce nouvel album, tu as dit avoir choisi ces dix morceaux parmi un très grand nombre de compositions. Qu’est-ce qui fait que tu en sélectionnes une plus qu’une autre ? C’est d’abord le plaisir de la jouer, ou d’autres paramètres entrent aussi en compte ?
En fait, c’est un processus de sélection très naturel. J’écris et je compose beaucoup de choses et je vais les écouter en voiture. Je sors de mon studio et je les passe dans ma Ferrari pour avoir une écoute différente. Les chansons viennent alors à moi avec une nouvelle perspective. A ce moment-là, certaines me parlent plus que d’autres. J’aime beaucoup travailler de cette manière. Je vois tout de suite ce qui doit être retravaillé, ou pas. C’est finalement très naturel, parce que je finis par obtenir la sélection dont j’ai besoin. Il faut aussi que je m’assure que l’ensemble corresponde bien à un album complet. Donc, en toute fin, je suis sûr d’avoir le meilleur ! La crème de la crème ! (Sourires)
– Depuis un peu plus de 10 ans et l’album « Spellbound », tu chantes toi-même sur tes disques. Beaucoup t’ont aussi accompagné, même si tu l’avais déjà fait à tes débuts. C’est si difficile pour toi de trouver un chanteur qui saurait se fondre dans ta musique ?
(Rires) Non, ce n’est pas vraiment ça. Bon, par où vais-je commencer ? (Sourires) J’ai commencé la guitare à l’âge de sept ans, il y a plus de cinquante ans maintenant. Avant, j’ai eu un violon et une trompette. Quand je me suis vraiment mis à la guitare, je faisais beaucoup de bruit. Alors, comme mon oncle avait construit un studio en 1950, il me mettait là-dedans. Il était trompettiste et il avait tout un set. Et mon grand-père était batteur aussi. Alors, je me suis mis à jouer de la basse, de la batterie, de la trompette bien sûr, de la guitare aussi évidement et je chantais. Et j’ai commencé à écrire des chansons comme ça.
Ensuite, ce n’est qu’en 1982 que je suis allé aux Etats-Unis, à Los Angeles. Je voulais vraiment rejoindre un groupe typiquement californien, car je voulais absolument faire de la scène, ce qui était très difficile en Suède. Ensuite, il y a eu Alcatrazz et je me suis mis à écrire mes propres morceaux à ce moment-là. Mes débuts en solo datent donc de 1984. je voulais tout simplement que les chanteurs chantent mes chansons. Seulement, nous sommes très différents et ils avaient souvent une haute opinion d’eux-mêmes et les musiciens n’étaient pour eux que ceux qui jouent derrière. Je voulais que chacun jouer sa partie et que le chanteur chante ce que je lui demandais de chanter. Et c’est là que les choses devenaient compliquées.
Alors, je suis parti en solo. Et quand je dis en solo, cela signifie que j’écris et que je joue tout. Je me suis donc dit qu’il fallait que je revienne aussi au chant. En fait, tout cela doit bien s’imbriquer et correspondre à l’idée initial du morceau. Et ce n’était pas souvent le cas. C’est le truc bizarre d’un groupe, en fait. Quand une chanson est écrite avec les arrangements compris, il ne peut pas y avoir de positions différentes. Il faut que tout le monde aille dans le même sens. Bref, aujourd’hui, je suis très content comme ça. J’aime la manière dont ça sonne et comme ça fonctionne. Je suis heureux de cette façon et je ne reviendrai pour rien au monde à la même merde qu’avant ! (Rires)
– D’ailleurs, par rapport à la guitare, prends-tu autant de plaisir derrière le micro ? Et en quoi les deux exercices se distinguent pour toi ? Lequel te demande le plus d’effort finalement ?
Tu sais, je joue d’autres instruments aussi. J’ai plusieurs casquettes. Alors, quand je suis producteur, je ne pense ni à la guitare, ni à la basse, ni aux claviers, etc… C’est la même chose quand je m’occupe du mix. Je reste dans mon rôle du moment. Alors, quand je chante, je ne me préoccupe pas de mon jeu de guitare. En fait, c’est juste un autre aspect. C’est comme un peintre qui peint sa toile. Il n’appelle pas quelqu’un pour qu’il la finisse. Ma vision créative est exactement pareille. Je fonctionne de cette façon. Je ne dénigre pas les autres artistes, mais c’est ma façon de faire. C’est comme ça que je m’exprime le mieux, c’est tout.
– « Hell Or High Water » sort cinq ans après « Parabellum » pour lequel tu avais mis en place une certaine discipline de composition. Qu’est-ce qui a changé et que fallait-il changer, selon toi ?
Je ne dirai pas que j’ai changé certaines choses. Le truc, c’est que je tourne tout le temps. Donc pour moi, ces cinq ans ne représentent rien. Avec le recul, c’est juste ce que j’avais fait avant ! (Rires) Comme j’ai mon studio, j’y vais lorsque j’ai une idée ou que quelque chose m’inspire. Je reste focalisé là-dessus. J’ai tout ce qu’il me faut, il me permet de tout faire et quand j’en ai envie. Donc, quand je sens que j’ai suffisamment de matériel pour en faire un album, je sais que c’est le bon moment pour le réaliser. En fait, je n’ai pas attendu cinq ans. J’ai commencé à enregistrer l’an dernier… (Sourires)
– Ce nouvel album contient à nouveau un équilibre entre morceaux chantés et instrumentaux. Quand et comment décides-tu de poser des mots sur tes mélodies ? Ressens-tu à ce moment-là un manque que seules les paroles peuvent combler ?
C’est une bonne question… Cela ne se passe jamais de la même manière. La plupart du temps, j’arrive à trouver des mélodies, je m’assois avec ma guitare et je me mets à jouer et à chanter en même temps. J’ai toujours plein de mélodies qui m’arrivent et parfois, elles n’ont pas besoin de mots. Si je me sens à l’aise, je chante, mais si cela ne me convient pas, je me concentre sur mon jeu de guitare. Ce n’est pas une décision que je prends en amont. Par exemple, j’ai voulu chanter sur le morceau « Father ». Et lorsque j’ai posé les mélodies de guitare, j’ai tout de suite senti que c’était parfait comme ça, qu’il n’y avait pas besoin de mots. Mais c’est juste un exemple, il n’y a pas de règles. Chaque morceau vit à sa manière.
– Tu t’es inspiré de découvertes scientifiques pour composer « Antikythera » et « Beyond Zeta Reticuli », ce qui peut paraître assez surprenant. Comment de telles idées naissent-telles, car cela peut sembler assez froid et peu ludique comme thème a priori ?
C’est parti de quelque chose que j’ai lue sur mon ordinateur. Cela parlait d’un mécanisme très avancé, qui date de la Grèce antique, je crois. Ils pensaient avoir découvert quelque chose de très compliqué… J’ai trouvé ça intriguant et intéressant. Cela m’a inspiré un morceau, de fait, très compliqué. Mais c’est très logique finalement. J’ai donc eu cette idée et je me suis dit que cela correspondrait parfaitement à cette chose très compliquée. C’est pour ça que je l’ai fait ! (Rires)
– Tu conclues l’album avec « Father », un titre que tu as dédié à ton père récemment disparu. Est-ce quelque chose de plus difficile émotionnellement à réaliser, ou au contraire cela se passe de manière presque naturelle ?
Je dirai que cela s’est fait très naturellement. La mélodie est venue de nulle part. Le morceau n’a rien à voir avec celui que j’avais composé pour mon frère. J’ai d’ailleurs dédicacé tout l’album à mon père. Mais celui-ci lui est particulièrement destiné. Je l’ai conçu comme un hommage. C’était un homme incroyable…
– Tu fais partie, avec quelques autres, de ces guitaristes qui ont eu un impact considérable sur l’univers du Heavy Metal et la façon d’aborder l’instrument surtout. Avec le recul de quelques décennies, comment regardes-tu l’héritage laissé et ce style tellement identifiable ? Et imaginais-tu d’ailleurs son impact à tes débuts ?
Non, je ne l’ai jamais imaginé. En revanche, je me souviens que je me disais tout le temps que je ne pouvais pas faire ça, que c’était un truc de dingue ! J’ai commencé à joué du Heavy Metal néo-classique en 1970 en Suède. C’est vrai que cela n’avait jamais été fait. Ce n’était d’ailleurs ni un format, ni une niche commerciale. J’ai alors senti très fortement que c’était ce que je devais faire ! C’est une forme d’art qui est sortie de moi et que je ne pouvais pas contrôler. Je savais juste que je devais le faire. A l’époque, j’ai entendu beaucoup de choses négatives, mais aussi tellement d’avis positifs ! Mais je n’en ai pas tenu compte, sinon cela aurait affecté mon style. Il fallait qu’on le laisse respirer librement pour que cela devienne évident. Il faut que cela vienne à toi naturellement. Quand les gens disaient que c’était incroyable, c’était bien. S’ils me disaient que c’était de la merde, ce n’était pas trop mal ! (Rires) On ne doit pas laisser ça affecter que l’on fait, car cela vient du cœur et du plus profond de votre âme. Et c’est beaucoup plus important que ce que les gens peuvent penser ! (Sourires) Niccolò Paganini pensait qu’il fallait se sentir fort pour faire des choses fortes. On peut le comprendre et c’est un peu ce que je fais. Mais je ne veux pas prendre ces choses-là trop au pied de la lettre. Si on me dit que je suis incroyable, je ne vais pas le prendre au mot, bien sûr. Et c’est pareil dans le sens inverse. Je sais ce que je suis, ce que je peux faire et ce que j’ai déjà fait. De même que je sais ce que je ne peux pas faire ! Mais tu sais, je suis très détaché de tout ça, ça ne veut rien dire pour moi… (Sourires)
– En terme de style, et peut-être aussi de technique, quels guitaristes parviennent à t’impressionner sur la scène actuelle ? Y en a-t-il, selon toi, qui proposent quelque chose d’aussi original et distinctif que toi ? Ou la messe est-elle dite ?
En fait, pour ceux qui ne le savent pas, j’ai eu ma première guitare à cinq ans et j’ai commencé à jouer à sept. Je faisais du Rock’n’Roll et j’ai vite réalisé qu’il n’y avait que cinq notes et un octave. J’étais très limité par ça. Alors, j’ai commencé à écouter de la musique classique et surtout du violon avec Paganini, Tchaïkovski, Vivaldi et Bach, bien sûr, et cela m’a énormément influencé. Comme je te le disais, cela fait presque un demi-siècle que je fais ça ! (Rires) Plus rien ne m’influence aujourd’hui. Aucun groupe, aucune musique. Tout est dans mon disque dur interne en quelque sorte, et cela sort naturellement. Je n’écoute pas de musique récente et je ne regarde pas non plus les nouveaux guitaristes. Mais je suis sûr qu’il y en a de très bons ! Je ne pense pas être la bonne personne pour répondre à ça. Je ne suis pas très attentif aux guitaristes. Si je me mettais à en écouter un par inadvertance, ce serait probablement Jimi Hendrix ou Allan Holdsworth. Juste parce que c’est toujours génial, je les adore ! Mais je ne connais pas les nouveaux, donc je ne sais pas s’ils sont bons ou mauvais. Je n’ai pas de commentaires à faire là-dessus, mais je suis sûr que certains se détachent. Les gens ont développé beaucoup de choses, mais je ne les connais pas. Cela dit, je serai surpris qu’ils soient si nombreux que ça… (Sourires)
– J’aimerais que l’on dise un mot sur le Metal Néo-Classique, dont tu es le pionnier et que tu as démocratisé. As-tu le sentiment d’avoir aussi ouvert les portes de la musique classique aux fans de Metal ?
Je ne sais pas, mais il y a une chose dont je suis sûr. Quand tu lis un livre et que tu vas voir le film, ce n’est pas la même chose. Tu sais pourquoi ? Parce que ceux qui ont lu le livre ont vécu une expérience personnelle et ont développé leur imagination. Et chacun à sa façon. Je pense que ma musique a du faire quelque curieux. Je le sais, car on me l’a dit. Mais je ne me suis jamais demandé si c’était une bonne chose, ou pas. Je reste concentré sur ce que je fais. Je ne réfléchis pas de cette manière. Je pense que l’instant présent est déjà nouveau, et que demain sera aussi un nouveau jour. Ce qui est fait est fait, je ne regarde pas vraiment en arrière. Je reste concentré sur l’instant présent.
– Enfin te reste-t-il encore des objectifs à atteindre sur ton instrument ? Que ce soit techniquement ou au niveau du son, peut-être ? Ou y a-t-il un moment où l’on vit sur ses acquis ?
Oh non, jamais ! En fait, je ne recherche rien, je capture juste ce qui arrive. A chaque fois que je prends ma guitare, il se passe quelque chose de nouveau. A chaque fois ! La musique n’est pas statique, elle est en mouvement permanent. C’est un peu comme si tu écrivais un livre et que tu n’utilisais qu’un seul alphabet. Et tu fais ça, parce que c’est le seul que tu as. Tu vois ce que je veux dire ? La musique est un langage beaucoup plus large et étendu. Et on peut en faire que ce l’on veut. C’est de cette façon que j’appréhende la musique et l’ultime cadeau est lorsqu’elle vient à moi sans que je n’ai rien demandé ! Et ça arrive ! (Sourires)
Le nouvel album d’YNGWIE MALMSTEEN, « High Of Hell Water », est disponible chez Music Theories Recordings.
Photos : Hikari Yuba et Getty Images (3).
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