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France Musique traditionnelle Rock

Red Cardell : l’heureux reuz d’un territoire ! [Interview]

Parti pour faire du ‘reuz’ (le presqu’équivalent du titre de l’album en breton), RED CARDELL livre pourtant un disque délicat et très bien arrangé, mais qui ne s’interdit pas quelques accélérations bien senties. Sur des chansons dont les textes, plus personnels cette fois, s’adressent finalement à tous, les Finistériens continuent leur ancrage musical dans ce territoire qui les a vu grandir et aussi s’épanouir. Véritable groupe de scène, le quatuor dégage toujours cette énergie live, comme chevillée au corps et à l’âme. Pilier et fondateur du groupe, Jean-Pierre Riou revient sur la conception de « Bordel » et pose son regard sur le désormais imposant répertoire dont dispose la formation.

Photo : Fred Lucas

– Même si je connais l’explication du titre de l’album, l’avoir intitulé « Bordel » en 2024 en pleine culture du lisse n’est pas très politiquement correct, Jean-Pierre ! Il faut avoir un sacré capital sympathie pour se le permettre, non ?

Oui, sûrement… Je n’y ai pas vraiment pensé, en fait. Mais avec la période actuelle, oui, peut-être… L’idée est surtout que c’est juste un mot d’argot. Et puis, ça ne me fait pas peur, non plus. Il y a un moment où on peut aussi dire les choses et des gros mots : ce n’est pas grave ! On entend tellement de bêtises, alors une de plus, une de moins… Et puis surtout, ça rime avec RED CARDELL. Et si tu écoutes les vieux Dutronc avec Jacques Lanzmann, on ne nous a pas attendus ! (Rires) Ce n’est pas provocateur, il y a un jeu de mot sur la rime avec le groupe et puis il y a un lien avec ce monde et toutes les informations qu’on peut recevoir aujourd’hui et qui partent dans tous les sens. Alors, comment on trie tout ça ? C’est un peu comme quand tu montes dans ton grenier et que tu te dis : « Quel bordel ! ». C’est ça la signification : comment fait-on le tri dans toute une histoire ?

– Entrons dans le vif du sujet. Tu as dit que « Bordel » avait des saveurs de premier album, puisque c’est le premier de RED CARDELL en studio sous cette formation. Si l’émotion est particulière, comment se traduit-elle ?

C’est vrai que l’émotion est particulière. Cela fait maintenant huit ans qu’on est ensemble avec Pierre (Sangra) et Hibu (Corbel), puis avec Fred (Lucas) qui est arrivé il y a six ans déjà. Bien sûr, on avait fait « Nerzh » avec le Bagad Kemper, mais c’était un travail collectif. C’est la première fois qu’on se retrouve à quatre avec également une autre méthode forcément. Au début, avec Jean-Michel (Moal), on travaillait sur les compos à deux, puis on les arrangeait avec les autres. L’organisation était très différente. Cette fois, il a fallu trouver des compromis entre nous, car tout le monde est intervenu à tous les niveaux. D’ailleurs, les autres ont même eu un regard sur mes textes. Certains ont même disparu et d’autres sont arrivés. Tout a vraiment été collégial et c’est une très bonne chose. Les enregistrements ont eu lieu dans des lieux différents et ensuite, on a tous participé au mix et avec l’oreille extérieure de Bertrand Bouessay. C’est comme ça que l’on a construit « Bordel », c’est un travail à cinq et on en est vachement content !

– C’est finalement dans l’écoute entre vous que ça a changé, elle a été plus importante…

Oui, et avec l’âge, je n’aborde plus un album dans les mêmes conditions qu’auparavant. Ce n’est pas plus facile pour autant d’ailleurs. Il y a une autre écoute de l’autre par rapport aux textes, aux mélodies, aux transitions, aux effets sur les voix, les guitares, etc… Ça a été une façon de faire très intéressante et nous sommes parvenus à trouver des compromis tous les cinq.

Photo : Vonnic Bulteau

– Comme souvent chez RED CARDELL, la danse est omniprésente, comme un fil conducteur basé sur des plinn, des jigs, des andro dro, des gavottes,… C’est difficile pour toi de concevoir un concert devant un public assis et contemplatif ? Il y manquerait l’énergie du live ?

Oui, je pense un peu. RED CARDELL est un groupe de Rock. Nos concerts depuis six ans sont Rock, à base de guitare, basse, batterie et de violon. On peut bien sûr jouer devant des salles assisses et ne sortir que le répertoire chanson. Mais comme tu l’as bien résumé, c’est avant tout la danse qui nous guide et nous sommes inscrits dans le paysage musical breton, de la musique d’ici. On y tient vraiment et on progresse en continuant à travailler sur les danses traditionnelles. On continue dans cette voie-là. Donc, c’est assez difficile d’imaginer un public assis, alors qu’on fait des chansons de danse. 

– Justement, RED CARDELL a toujours canalisé cette énergie dans un rapport fort avec son public. A l’instar des propos de Denez notamment, cet état de ‘transe’ à travers la musique est toujours l’objectif à atteindre ? Se perdre dans les notes…

Oui, bien sûr…! C’est intéressant, parce que qu’est-ce qu’un concert réussi ? Cela peut être quelque chose de millimétré dans la construction et le déroulé, mais ça m’emmerde un peu, ça. Il faut laisser de la place à ce qui va se passer. Chaque concert est différent, car les publics sont différents, les regards ne sont pas les mêmes. Il faut garder en tête la possibilité d’aller à l’envers de la chose que tu as pensé au départ. Il faut pouvoir sentir le public que tu as devant toi et pouvoir te dire que tu vas lui parler différemment et l’amener ailleurs. Il faut essayer de trouver encore et toujours cette fusion qu’il peut y avoir. Comme tu dis, il y a du lâcher-prise et c’est ce moment qui est génial. Les gens sont venus voir un concert aussi pour ça, pour sortir de leur quotidien, pour voyager. Et c’est à travers cette transe qu’on peut parvenir à le faire.

Jean-Pierre Riou – Photo : Phot’eau 85

– La scène Rock bretonne a eu plusieurs vagues, plus ou moins importantes, et elles se renouvellent suivant les générations aussi. Beaucoup ont disparu et plus de 30 ans après (32 !), RED CARDELL est toujours là. On parle même du groupe comme étant l’ADN du Rock breton, comme Alan Stivell et Dan Ar Braz le sont dans la musique traditionnelle. Au-delà du fait que ce soit flatteur, te sens-tu détenteur et aussi responsable ou garant de ce mouvement ?

Non ! En fait, plus ça va et on affine notre travail et plus j’ai l’impression d’être un musicien qui s’inscrit dans son territoire, qui est la Bretagne. Après, notre vocabulaire est le Rock,  les musiques du monde et plein d’autres choses. Ce n’est pas forcément ce à quoi on s’attend. Je n’ai pas du tout ce sentiment d’être un représentant. La seule chose qu’on sait, c’est que l’on garde de la cohérence dans ce mélange, où l’on retrouve de la chanson française, des musiques bretonnes et du monde.

On reste forcément un repère à travers toutes ces vagues. RED CARDELL est peut-être une référence, ou l’un des premiers groupes à l’avoir fait, mais c’est tout. Je n’ai pas un regard avec de la hauteur là-dessus, car j’ai toujours le sentiment d’être dans le grand bain de ce qu’est la musique d’ici.

Et il y a cette nouvelle génération qui arrive. Dans le trad’, il y a des musiciens terribles, il y a vraiment une énergie qui est là. Dans le Rock breton, on sent qu’il y en a moins. C’est plutôt du Rock celtique avec des sonorités irlandaises ou écossaises et ça marche encore très bien. Je reste très attaché à la musique d’ici et c’est ce que j’ai envie de traduire, car elle est très attachée aussi à mon parcours d’homme depuis l’adolescence jusqu’à aujourd’hui. L’autre aspect réside aussi dans les paysages, la mer, les hommes et la terre sur laquelle on est. Et je pense que plus tu étudies l’endroit d’où tu viens et où tu vis et travailles, plus tu arrives à trouver des choses qui parlent du monde et qui sont partagés partout. Et c’est super !

Photo : Fred Lucas

– Tu as aussi dit que les textes de « Bordel » étaient autobiographiques. Or, tu t’exprimes régulièrement, et depuis longtemps, à la première personne dans tes chansons. Qu’est-ce qui a changé cette fois-ci ?

Quand je dis ça, c’est qu’il y a des titres où je raconte vraiment mon histoire. Mais tu as raison, j’ai souvent parlé à la première personne. Mais je parle plus d’un état en fin de compte. Si tu prends un album comme « Rock’n Roll Comédie » (sorti en 2000 – NDR) et la chanson-titre, elle est parle du métier dans lequel j’évolue avec les tournées, le camion, la fatigue et avec un certain recul par rapport à tout ça. Mais c’est traduit par des états, dans ce que je ressens. Là, sur l’album, il y a trois/quatre chansons où je suis parti d’une histoire, plus anecdotique dans un sens. Auparavant, cela partait d’un mot ou d’un vers que je trouvais intéressant. Cette fois, en amont, j’ai plus réfléchi au contenu dans le sens où je me suis demandé de quoi j’allais parler. Mais comme tu dis, mes chansons ont toujours un peu parlé de moi. Avec « Bordel », la réflexion sur le thème est arrivée bien avant le début de l’écriture. Ce sont des morceaux de ma vie, de mon enfance, de certains moments. Tout est toujours question de sentiments, de ressentis. Et puis, après avoir proposé les textes au groupe, qui en a trouvé quelques-uns un peu tristes, j’ai dû en retravailler certains dans l’urgence pour aller aussi au plus simple. C’était très intéressant.

– J’aimerais que l’on dise un mot de la chanson « Au Diable », qui devait d’ailleurs donner son nom à l’album. Le ton et la voix sont très sombres, presque froids, et inattendus. Il dénote même du reste du disque. Il y a quelque chose de particulier avec ce morceau ?

Oui, c’est vrai que c’est une chanson assez sombre. C’est un cercle circassien (une danse traditionnelle originaire d’Écosse, originellement dansée sur une mélodie de reel, que l’on retrouve aujourd’hui dans les bals folk sur un air de jig et très fréquemment dans les festoù-noz en Bretagne – NDR). De là, on a dédoublé le tempo pour obtenir un peu un groove à la Beck. On a tout changé ensuite pour ne garder que la mélodie et ses airs très Morricone. Le reste a été composé de manière assez traditionnel finalement. Il y a un côté un peu plus froid, qui se retrouve dans la mandoline, le son de la bombarde et cet aspect un peu italien, qui rappelle des films comme « Le Clan Des Siciliens ». Ce n’est pas très gai, c’est vrai. (Sourires)

– Vous jouez tous les quatre de nombreux instruments, dont certains en commun d’ailleurs, ce qui est bien sûr une aubaine qui ouvre de très nombreux horizons et des possibilités multiples. Le fait d’être tous multi-instrumentistes intervient surtout au niveau des arrangements, ou alors dès le début de la composition, car RED CARDELL compte quand même trois guitaristes ?

Oui, ça commence dès la composition, car on est tous capable de jouer plein d’instruments. Cela offre beaucoup de possibilités de mélodies à travers les guitares, bien sûr, mais aussi la mandoline, les claviers, une flûte, etc… Chacun est à même de prendre un instrument pour apporter son sentiment sur telle ou telle ligne de basse ou autres. Tout ça est très collectif, très chouette et ça nous aide beaucoup de pouvoir jouer autant d’instruments. Et cela commence même dès les pré-maquettes, où on peut chercher tout de suite de quelle manière on fera les arrangements. Ça ouvre des pistes, c’est sûr.

– Enfin, « Bordel » est votre onzième album studio et le 23ème en comptant les lives et les collaborations diverses. Les setlists des concerts doivent parfois tourner au casse-tête. Est-ce que, finalement, le concert idéal de RED CARDELL ne serait pas une performance de 4 à 5h avec un répertoire aussi vaste ?

(Rires) Oui, c’est vrai ! Ce qui est bien, et on le fait depuis plusieurs années maintenant, c’est qu’on a pu faire de très nombreuses choses avec RED CARDELL. Il y a eu le travail avec le Bagad Kemper, on avait aussi fait tout un répertoire acoustique, un set avec Fred Guichen, on a apporté de nouveaux morceaux et aussi ressorti des anciens. Tout cela fait qu’on commence à avoir un large panel et on ne joue jamais le même concert. Il y a toujours les titres incontournables évidemment, mais il y a la place pour plein de choses. Par exemple, en novembre et décembre dernier, on a joué tout l’album avec juste cinq anciens titres.

Et ce qu’on a envie de faire pour la tournée qui arrive, c’est d’aller chercher de vieux morceaux qu’on n’a pas joué depuis longtemps sur scène, ou pas du tout d’ailleurs. Comme ça, on se construit aussi un répertoire très vaste avec tout ce que l’on est capable de faire en concert. L’idéal serait d’avoir 60 titres et de pouvoir piocher au gré de ce que le public peut aussi demander. Et ça fait aussi beaucoup de bien de pouvoir varier les choses et ne jamais donner le même spectacle. On va donc reprendre tous nos morceaux bientôt lors de grandes répétitions qu’on va faire. Après, sur scène, on ne les jouera peut-être pas tous, mais on sait qu’on pourra les jouer ! En tout cas, je m’éclate !

« Bordel », le nouvel album de RED CARDELL est disponible chez Arfolk.

Retrouvez aussi la chronique de l’album « Climatik » :

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Alternative Metal Alternative Rock

Scott Stapp : combatif

Frontman iconique de Creed, puis d’Art Of Anarchy deux petites années, SCOTT STAPP mène également une carrière sous son nom depuis 2005 et cinq ans après « The Space Between The Shadows », son dernier fait d’armes, il signe « Higher Power » au moment-même où toutes les planètes sont alignées. Le Floridien démontre qu’il demeure un chanteur hors-norme, déterminé et toujours capable de livrer des lignes vocales imparables. Percutant, il combat ses tourments dans un disque très personnel et toujours fédérateur.

SCOTT STAPP

« Higher Power »

(Napalm Records)

Alors que Creed va enchaîner les concerts avec 3 Doors Down, Daughtry et quelques autres, puis avec Mammoth WVH en remplacement de ce dernier, son leader revient avec un nouvel album solo, son quatrième, comme pour mieux sonner la charge. Et ce cumul de bonnes nouvelles nous replonge à l’aube des années 2000, où l’Alternative Metal/Rock submergeait les Etats-Unis et un tout petit peu l’Europe aux côtés des inévitables Nickelback. Et l’autre bonne nouvelle est que SCOTT STAPP est en pleine forme.

Toujours marqué par les séquelles de son accident à Miami en 2006, le chanteur semble avoir mené à terme son combat contre la dépression et la dépendance. D’ailleurs, « Higher Power » vient clore en quelque sorte ce chapitre, même si les textes sont, pour l’essentiel, assez sombres et ténébreux. Mais SCOTT STAPP affiche beaucoup de détermination et celle-ci se traduit par une performance vocale puissante et toujours très mélodique. Certes, le virtuose Mark Tremonti n’est pas de la partie, mais d’autres ressources sont à l’œuvre.

Entouré d’une belle équipe de production, dont il fait partie, l’Américain surfe sur une sorte de Hard Rock moderne et accrocheur, pêchu et assez mid-tempo aussi sur la seconde partie de « Higher Power ». La présence du guitariste grec Yiannis Papadopoulos sur trois titres et le duo avec Dorothy Martin (« If These Walls Could Talk »), ainsi que la collaboration de Steve McEwan, faiseur de hits, à l’écriture donnent un souffle de fraîcheur à cette réalisation solo d’un SCOTT STAPP revigoré, entreprenant et qui se bonifie avec l’âge.

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Metal Progressif

The Progressive Souls Collective : no reset

Deuxième partie du concept amorcé et développé par la tête pensante du projet, Florian Zepf, pour THE PROGRESSIVE SOULS COLLECTIVE. Cette réunion autour du Metal Progressif démarrée il y a quatre ans a trouvé ses repères, son ton et une patte qui le rendent désormais identifiable. Formé autour d’un line-up changeant, hormis son frontman, le collectif présente la suite de « Sonic Birth » avec « Sonic Rebirth », une production exceptionnelle, riche et d’une fluidité de chaque instant qui la rend assez unique.

THE PROGRESSIVE SOULS COLLECTIVE

« Sonic Rebirth »

(Metalville Records)

Lorsque que j’avais interviewé Florian Zepf, guitariste, compositeur et maître d’œuvre de THE PROGRESSIVE SOULS COLLECTIVE en 2020 à la sortie de « Sonic Birth », il m’avait confié qu’il ne s’agissait nullement d’un groupe, mais d’un projet dédié à l’amour de la musique progressive. Et pour mener à bien cette aventure, il avait réuni un casting international de haut vol, qui s’était vraiment investi dans la création d’un album très abouti et moderne. Et grâce à un savant mélange d’éléments numériques et organiques, le résultat était assez bluffant de vérité.

Pour « Sonic Rebirth », l’Américain continue sur cette belle lancée et il est toujours aussi bien entouré. A commencer par le chanteur Vladimir Lalic (Organized Chaos) qui est devenu bien plus que la simple signature vocale du collectif. Sont venus grossir les rangs : Megan Burtt (Gingerbomb), Jamie Powell et Simen Børven (Leprous), Gerald Peter (Jordan Rudess), Tim Korycki (Tomorrow’s Eve), ainsi que des membres de Special Providence et des musiciens d’Eric Clapton, Joe Cocker… THE PROGRESSIVE SOULS COLLECTIVE a donc encore fière allure, tout comme l’ensemble de ce nouvel opus.    

Les deux réalisations s’inscrivent dans un même concept et l’on reprend là où en était « Sonic Birth ». Toujours aussi affiné et élégant, le Metal Progressif du combo brille par la technicité de ses membres, mais pas seulement. Les mélodies sont accrocheuses, les thèmes très bien développés et les compositions de Florian Zepf montrent d’étonnantes facettes dans leurs structures. Si l’on pense parfois à Pain Of Salvation ou Haken, THE PROGRESSIVE SOULS COLLECTIVE s’étend dans un style très personnel et dans des ambiances très variées. Une nouvelle réussite.  

Le créateur du projet : Florian Zepf
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Post-HardCore

Junon : viscéral

Sorte de mariage forcé entre souffrance et colère et entre mélodies et brutalité, « Dragging Bodies To The Fall » se lit comme une plaie que la formation de Béthune ne cherche d’ailleurs pas forcément à refermer ou à panser, mais plutôt à extraire. Les morceaux sont combatifs, jamais résignés, ils prennent aussi de la hauteur dans des sphères plus élevées laissant passer un halo de lumière dans cette noirceur, parfois abyssale. Tout en contrôle, JUNON met la pression, impose son style et son jeu avec autant de force que de précision.  Un véritable modèle du genre !  

JUNON

« Dragging Bodies To The Fall»

(Source Atone Records)

La tension est loin d’être retombée chez JUNON. Il y a deux ans, les Nordistes nous avaient livré avec l’EP « The Shadow Lenghten » (2021) un avant-goût de son Post-HardCore à travers quatre morceaux, qui avaient déjà fait l’effet d’une bombe à fragmentation. Aussi changeants qu’insaisissables, ils se présentent cette fois sur la longueur avec « Dragging Bodies To The Fall », un premier album où ils se déploient dans une certaine fureur. Avec Francis Castre du Studio Sainte-Marthe aux commandes, les ex-General Lee ont mis toutes les chances de leur côté et l’ensemble bénéficie d’une production massive et équilibrée.

Parce que sans un son irréprochable, impossible de saisir toutes les subtilités à l’œuvre ici. JUNON dispose toujours de ce mur de guitare, formé par ses trois six-cordistes, qui trouvent vraiment l’harmonie dans ce dédale de riffs. Mais on est loin du chaos. Personne ne joue sa partition dans son coin, et chacun œuvre à une même dynamique. Là aussi, toute la pertinence du jeu du sextet se trouve dans les détails… et ils sont nombreux. Le sextet articule ses compos sur des rythmes à géométrie variables, tantôt fulgurants ou plus aériens. La rythmique basse/batterie s’avère redoutable et donne le cap de manière magistrale.

L’univers de JUNON est obscur, parfois terrifiant et oppressant à l’instar du chant d’Arnaud Palmowski, rugueux et tenace. En ouvrant avec « Segue 1 – The Final Voyage », sorte de capsule, dont on retrouve une seconde partie un peu plus tard (« Segue 2 –Dragbody »), le groupe fait dans la nuance et scinde ce nouvel opus en deux parties distinctes. Les émotions se bousculent, s’entrechoquent et se percutent sans jamais perdre le fil. Les déchirures sont nombreuses, mais la solidité et le refus d’abdiquer aussi. Il y a dans ce « Dragging Bodies To The Fall » beaucoup plus de résistance que de résilience, et ça : c’est bien ! Bravo !

Photo : Emmanuel Poteau

Retrouvez la chronique du premier EP, « The Shadows Lenghten » :

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Southern Rock

The Black Crowes : la fratrie retrouvée

Après les si peu convaincants « Croweology » et « 1972 » il y a deux ans, ainsi que la tournée des retrouvailles qui a débouché sur « Shake Your Money Maker Live », version public de leur premier et plus grand succès, THE BLACK CROWES est attendu au tournant… et c’est peu de le dire ! On sait les hommes d’Atlanta investis et aussi connus pour afficher des caractères bien trempés, mais « Happiness Bastards » confirme et rassure sur leur inébranlable passion. De plus, la production au lustre poussiéreux de Jay Joyce est le tour de magie qui rend son âme au combo, grâce aussi à des chœurs enchanteurs et des guitares scintillantes. En un mot, c’est bon de les retrouver avec cette envie et cette audace !

THE BLACK CROWES

« Happiness Bastards »

(Silver Arrow Records)

Que l’attente fut longue… au point qu’on y croyait presque plus. 15 ans après leur dernière réalisation studio, les frères Robinson se sont enfin de nouveau réunis pour s’atteler au successeur de « Before the Frost…Until the Freeze » et faire un retour très convaincant avec « Happiness Bastards », un disque au titre joyeux et à la vilaine pochette. Mais c’est ce qui se passe au cœur des dix nouvelles compositions qui nous intéresse ici, d’autant qu’elles viennent aussi, pour l’anecdote, célébrer les 40 ans d’existence du groupe. Ce neuvième opus est résolument tourné vers le Rock très Southern qui a fait l’identité de THE BLACK CROWES et il dégage une fraîcheur et une hardiesse qu’on espérait tellement.  

Si le calme est revenu dans cette fratrie aux egos plus qu’affirmés et dans les vies de Chris et Rich, « Happiness Bastards », ne manque pas d’énergie pour autant et renoue avec un son authentique, légèrement gras et épais à souhait. Et cela n’est nullement dû au hasard, puisque c’est l’excellent et désormais incontournable producteur Jay Joyce, qui est aux manettes. Et question musique roots, il en connaît un rayon, puisqu’on lui doit les récentes réalisations de Carrie Underwood, Osborne Brothers, Miranda Lambert ou encore Zac Brown. THE BLACK CROWES a appelé en renfort celui qui fait briller la musique de l’Amérique profonde d’aujourd’hui. Electrique et relativement dépouillé, c’est irrésistible.  

Les frangins brandissent cet esprit sudiste comme pour mieux faire sonner ce Rock véritable et relevé. « Bedside Manners » et « Rats And Clowns » donnent le ton avant le très attachant « Cross Your Fingers ». Pourtant, c’est bel et bien « Wanting And Waiting », qui met le feu aux poudres avec son riff démoniaque. THE BLACK CROWES a même convié (pour la forme) la belle étoile montante de la Country Music Lainey Wilson sur le délicat « Wilted Rose ». Mais Chris Robinson retrouve vite sa verve accrocheuse et les titres aux refrains entêtants s’enchaînent (« Dirty Cold Sun », « Flesh Wound », « Follow The Moon »). Bluesy, lumineux et avec le groove aux tripes, les Américains semblent repartis un tour !

Photo : Ross Halfin
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Blues Rock Contemporary Blues

Ellis Mano Band : un moment de grâce

Les albums live sont souvent des instants hors du temps et en matière de Blues, cela se vérifie quasi-systématiquement tant ils se vivent intensément… et ils n’ont d’ailleurs pas vraiment le choix, sinon c’est la chute. ELLIS MANO BAND est un groupe de scène et il ne faut pas bien longtemps pour s’en rendre compte. Sur un groove constant, une délicatesse et une finesse qui font dans la dentelle et un chanteur totalement investi, la formation helvète fait plus que jouer du Blues, elle le respire à travers chaque note. « Live : All Access Areas » n’est pas une démonstration, mais une parfaite partition.

ELLIS MANO BAND

« Live : Access All Areas »

(SPV Recordings/SPV)

Pour celles et ceux qui l’ignorent, ELLIS MANO BAND est la rencontre explosive et placée sous le signe du feeling et de la complicité entre le chanteur Chris Ellis et le guitariste Edis Mano. Musiciens chevronnés, c’est assez naturellement qu’ils sont rejoints par le bassiste Séverin Graf, le batteur Nico Looser et Luc Bosshardt aux claviers. Basé en Suisse, comme l’équipe de France de tennis (pardon…!), le quintet s’est vite retrouvé autour d’un Contemporary Blues, comme on dit aujourd’hui, c’est-à-dire un style très actuel, mais qui fait aussi beaucoup de place à des teintes Soul, R&B et à quelques jams bien senties sur scène. 

Et c’est précisément en concert que le ELLIS MANO BAND nous embarque cette fois et la balade sur les 15 morceaux est majestueuse, n’ayons pas peur des superlatifs, car ils sont plus que justifiés. Le groupe, qui présente d’ailleurs un line-up multinational, passe en revue ses trois albums studio, histoire de nous faire patienter jusqu’à la sortie du quatrième, qui devrait intervenir à la fin de l’année ou au tout début de 2025. Et ce « Live : Access All Areas » se perçoit comme une visite guidée d’un parcours sans faute et ouvre les portes de son répertoire avec classe et une fluidité dans le jeu exemplaire de leur part à tous.

Et quoi de plus normal que d’entamer l’album avec « Whiskey », leur tout premier single, suivi quelques mois plus tard par un premier opus, « Here & Now », déjà prometteur ? Le ton est donné et le public chaleureux n’en perd pas une miette. Enregistré en Allemagne et en Suisse, « Live : Access All Areas » livre quelques pépites et autres moments suspendus particulièrement immersifs. ELLIS MANO BAND se faufile dans toutes les ambiances avec une facilité déconcertante, qui donnent lieu à des versions de haut vol (« Bad News Blues », « Forsaken », l’enivrant « Bad Water », « Only With You », « Johnny & Suzy »). Magique !   

Photo : Isaak LiveArt
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Heavy Stoner Rock Stoner Doom

Greyborn : clair-obscur

Les Limougeauds continuent leurs explorations Stoner Doom avec un nouvel effort, qui vient faire suite à « Leeches », sorti il y a deux ans. Sur une production-maison très organique, GREYBORN côtoie le lugubre sans s’apitoyer et en se montrant plutôt obstiné. En s’immergeant aussi dans des atmosphères Space Rock, « Scars » avance dans cette introspection torturée, où seule la voix de son batteur libère quelques éclaircies, même fragmentées.

GREYBORN

« Scars »

(F2M Planet)

Avec « Scars », son deuxième EP, GREYBORN continue son cheminement dans un style où, forcément, le gris est teinté d’autres variations de gris. Une façon aussi et sûrement pour le power trio de ne pas se perdre dans le trop sombre, ou dans le trop lumineux, mais d’évoluer dans des ambiances claires-obscures et de bénéficier d’un champ d’action bien plus vaste. Comme pour « Leeches », le groupe s’est encore attelé à l’enregistrement et au mix de son nouveau format court, une manière de garder la main sur un univers très personnel, où la lourdeur des notes et la clarté du chant font cause commune.

Loin du Heavy Stoner Blues de Blackbird Hill, l’autre formation menée par Maxime Conan (guitare) et Théo Jude (chant, batterie – ex-Mama’s Gun), GREYBORN évolue sur un Doom écrasant et épais, tout en restant dans un Stoner Rock massif. Ils sont accompagnés par le bassiste Guillaume Barrou (ex-Mama’s Gun), une nouvelle histoire entre amis qui se connaissent bien en somme. Le groupe tire ici sa force d’une rage et d’une violence à l’œuvre sur les quatre morceaux, auxquels s’ajoute « Tetany », une virgule instrumentale suspendue, qui apporte une note de légèreté dans ce sombre océan.

Malgré une formation assez récente, GREYBORN a déjà parfaitement cerné les contours de son style et pour mieux en saisir l’entièreté, rien de mieux que d’écouter les deux EP dans l’ordre. C’est le gros et ultime défaut de ce genre de réalisations car, en l’occurrence, le groupe se savoure sur la longueur. Dès le morceau-titre, on entre dans le vif du sujet et « Ravenous » vient confirmer cette densité presque hypnotique, qui se forme dans un fuzz appuyé. Plus véloce sur « A Thousand Dreams Away », c’est « The Grand Design » qui clot ce chapitre d’un Doom solide. On attend maintenant impatiemment le premier album.

Photo : Victor Leonchenko

Retrouvez la chronique du premier EP du groupe, « Leeches » :

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Hard US Hard'n Heavy

The End Machine : brand new machine

C’est avec son nouveau chanteur, Girish Pradhan, que le légendaire bassiste Jeff Pilson a enregistré et produit le nouvel opus de THE END MACHINE dans son studio de Santa Clarita en Californie. Et complétée par George Lynch et Steve Brown, la machine est plus que rôdée. Le Hard US, toujours assez Heavy, du combo claque comme il se doit. Ces quatre-là se font vraiment plaisir et cela s’entend tant la communion est évidente. « The Quantum Phase » avance à grand coup de riffs étincelants et d’éclatants solos sur des tempos véloces, le tout porté par un frontman dans une forme exceptionnelle.

THE END MACHINE

« The Quantum Phase »

(Frontiers Music)

Parmi les multiples projets du très prolifique George Lynch, il y a THE END MACHINE, qui est probablement le plus intéressant d’entre eux. Au départ, formé autour du guitariste, ses anciens compagnons de Dokken, Jeff Pilson à la basse et Mick Brown à la batterie, le groupe avait sorti un très bon premier album éponyme, renouant avec le son de leur ancienne formation. Mais les aléas se sont multipliés et c’est aujourd’hui le chanteur Girish Pradhan (Firstborne, Girish And The Chronicles) qui tient le micro, tandis que l’excellent Steve Brown de Tesla, Ronnie Montrose et Oleander officie derrière les fûts.

Cela dit, sur le papier, c’est à se demander si le line-up actuel n’est pas le meilleur, du moins le plus cohérent, malgré tout. Car, même si le deuxième effort, « Phase 2 », avait tenu toutes ses promesses, THE END MACHINE se surpasse sur « The Quantum Phase ». En effet, le quatuor est beaucoup plus direct et donc efficace dans ces nouveaux titres, qui sont la quintessence-même d’un Hard’n Heavy, qui ne renie pas ses origines, mais qui se projettent aussi très habillement dans l’air du temps. Même Lynch, qui a une forte tendance à en mettre partout, donne une petite impression de sobriété dans son jeu.   

Girish Pradhan s’éclate comme au premier jour, sûr de son chant et de ses lignes mélodiques. Il est le parfait ‘rockeur’ dont le groupe avait besoin. Sa voix éraillée et puissante offre cette tonalité très Hard US à ce troisième album, qui ne manque pas de fraîcheur. Bien sûr, THE END MACHINE ne révolutionne pas le genre, et ce n’est pas ce qu’on lui demande, mais il redonne des couleurs à un style toujours aussi fédérateur. Le duo basse/batterie cinq étoiles impose le rythme et Lynch y va de ses riffs tranchants, de ses solos si relevés où le tapping et la wah-wah règnent en maître. Gourmand et généreux.

Retrouvez la chronique de « Phase 2 » :

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Hard Blues Southern Rock

These Wicked Rivers : southern flood

Entre un Classic Rock débridé et un Southern Rock très Heavy dans le son, l’intention et la manière, THESE WICKED RIVERS sait se montrer aussi rentre-dedans que délicat sur des morceaux plus acoustiques et dans ses textes, souvent noirs mais à l’énergie solaire. « Force Of Nature » est un disque déterminé et montre une hardiesse jouissive. Le quintet sait où il va, présente un ton et un style très personnel rugueux et légèrement âpre, mais subtilement addictif. Un bonheur en somme !  

THESE WICKED RIVERS

« Force Of Nature »

(Fat Earth Records)

Si la perspective d’une jubilatoire rencontre entre The Black Crowes, Rival Sons, Pride & Glory et Clutch éveille en vous quelques frissons, c’est le moment de vous ruer sur ce deuxième opus de THESE WICKED RIVERS. Après deux EP qui les ont menés à réaliser « Eden », un premier album qui a fait beaucoup parler outre-Manche, les Britanniques reviennent encore plus forts et inspirés. « Force Of Nature » fait plus que bien porter son nom, il synthétise avec brio le Classic Rock et Southern avec une modernité indéfectible. La fusion est évidente, percutante et le voltage monte vite en puissance.

Fondé en 2014 dans le Derbyshire, le quintet a fait une entrée fracassante dans son pays, en parcourant les villes de scène en scène à grand renfort de concerts intenses, où il s’est forgé une solide réputation en rameutant de plus en plus de fans. Car le son si spécifique de THESE WICKED RIVERS tient autour d’un Rock musclé et accrocheur, teinté de Soul et de Blues dans une atmosphère sudiste irrésistible. Guidé par son leader John Hartwell (également guitariste) dont la voix hypnotise autant qu’elle fédère, les sensations qui parcourent « Force Of Nature » sont brutes et le travail sur les mélodies exceptionnel.

Les Anglais tiennent à ce rôle fédérateur, qui jaillit de ses morceaux et c’est probablement cela qui les rend si attachants et sincères dans la démarche (« The Family »). Pourtant, ils s’enfoncent aussi dans des atmosphères aux paroles plus introspectives et sombres (« The Riverboat Man », « Just To Be A Man » et « When The War Is Won »). THESE WICKED RIVERS dégage une puissance de groupe, c’est indéniable, et les deux guitaristes libèrent vraiment cette fougue puissante à travers des riffs musclés et groovy, mais aussi des solos imparables (« Force Of Nature » et le génial « Don’t Pray For Me »). Epoustouflant !  

Catégories
Americana Country folk

Jesper Lindell : une douce mélodie nordique

Et si un souffle frais venu d’Europe du Nord venait rafraîchir et revigorer le petit monde de l’Americana ? C’est en tout cas la promesse faite avec « Before The Rain », troisième réalisation en cinq ans du songwriter JESPER LINDELL. L’écriture et la composition sont très sûres, l’interprétation en sextet donne du volume et un relief mélodique souvent familier. Les morceaux du chanteur dévoilent une âme de caractère et un cœur tendre et entier. Un disque qui fait du bien !

JESPER LINDELL

« Before The Sun »

(Brunnsvik Sounds)

S’il n’était pas originaire du nord-ouest de Stockhölm, on aurait peine à imaginer JESPER LINDELL les pieds dans la neige, mais plutôt en balade du côté des Appalaches ou dans l’Amérique profonde. Avec son Americana, teinté de Folk, de Soul et de Country Rock, le Suédois est au diapason d’un registre qu’il embrasse pleinement et avec beaucoup d’élégance et de finesse. Bien sûr, on perçoit une sensibilité proche de The Band, Ray LaMontagne et surtout Van Morrison et Chris Stapleton. Pour autant, son style est très personnel, lumineux et ce troisième album l’inscrit parmi les valeurs sûres du genre. 

Enregistré chez lui, dans son studio, et avec ses cinq musiciens de tournée, JESPER LINDELL a écrit et composé l’ensemble de « Before The Sun », excepté « Honesty Is No Excuse » du grand Phil Lynnot. Et le songwriter ne manque pas d’inspiration puisque ce nouvel opus arrive dans la foulée de « Twilights », sorti il y a à peine deux ans. Des ennuis de santé désormais derrière lui (il a subi une greffe de rein), le Scandinave se meut dans une certaine mélancolie assez positive et ensoleillée, offrant de beaux contrastes à travers des chansons à la narration douce et à l’interprétation souvent surprenante.

Très cuivré, « Before The Sun » a un aspect très ‘Muscle Shoals’ dans la couleur et la chaleur très organique qu’il dégage. « One Of These Rainy Day » donne une pulsation originale dès l’entame et tout en émotion par la suite (« A Little Light In The Dark »), JESPER LINDELL montre un large spectre musical et ce n’est pas tout. L’un des moments forts est aussi le duo avec la chanteuse de l’Oregon Kassi Valazza, valeur montante de la Country Folk (« A Strange Goodbye »), puis le génial « Do Me In » où il alterne un chant très aigu avec sa voix normale. Il se montre bluffant de bout en bout. Un futur très grand !

Photo : Emilia Bergmark Jiménez