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Heavy metal International Neo-Classic Metal

Yngwie Malmsteen : héro insatiable [Interview]

A peine avait-il quitté Alcatrazz que le jeune suédois se lançait en solo sans se douter, peut-être, qu’il allait provoquer une petite révolution guitaristique. De 1984 à 1988, il livre quatre albums qui changeront la manière de percevoir son instrument et créé un style dans lequel beaucoup tenteront ensuite de se faire une place : le Metal Néo-Classique. Un genre d’une grande technicité et qui requiert une inspiration nourrie d’un genre presque méprisé par la scène Heavy Metal. Plus de quatre décennies plus tard, YNGWIE MALMSTEEN est toujours animé de la même passion et paraît toujours aussi émerveillé par cette musique née de cette fusion si particulière. Si le multi-instrumentiste est aussi chanteur et producteur de ses propres disques et n’a plus rien à prouver depuis bien longtemps, il reste toujours émerveillé par les multiples possibilités qui lui sont offertes artistiquement. Après plus d’une vingtaine de réalisations studio, il surgit avec « Hell Or High Water », un peu de la même manière dont les notes et les mélodies viennent à lui : avec fulgurance. Personnage à part et musicien hors-norme, il partage ici son approche et sa vision de la créativité qu’il voit, en toute simplicité, comme un cadeau.

– Pour ce nouvel album, tu as dit avoir choisi ces dix morceaux parmi un très grand nombre de compositions. Qu’est-ce qui fait que tu en sélectionnes une plus qu’une autre ? C’est d’abord le plaisir de la jouer, ou d’autres paramètres entrent aussi en compte ?

En fait, c’est un processus de sélection très naturel. J’écris et je compose beaucoup de choses et je vais les écouter en voiture. Je sors de mon studio et je les passe dans ma Ferrari pour avoir une écoute différente. Les chansons viennent alors à moi avec une nouvelle perspective. A ce moment-là, certaines me parlent plus que d’autres. J’aime beaucoup travailler de cette manière. Je vois tout de suite ce qui doit être retravaillé, ou pas. C’est finalement très naturel, parce que je finis par obtenir la sélection dont j’ai besoin. Il faut aussi que je m’assure que l’ensemble corresponde bien à un album complet. Donc, en toute fin, je suis sûr d’avoir le meilleur ! La crème de la crème ! (Sourires)

– Depuis un peu plus de 10 ans et l’album « Spellbound », tu chantes toi-même sur tes disques. Beaucoup t’ont aussi accompagné, même si tu l’avais déjà fait à tes débuts. C’est si difficile pour toi de trouver un chanteur qui saurait se fondre dans ta musique ?

(Rires) Non, ce n’est pas vraiment ça. Bon, par où vais-je commencer ? (Sourires) J’ai commencé la guitare à l’âge de sept ans, il y a plus de cinquante ans maintenant. Avant, j’ai eu un violon et une trompette. Quand je me suis vraiment mis à la guitare, je faisais beaucoup de bruit. Alors, comme mon oncle avait construit un studio en 1950, il me mettait là-dedans. Il était trompettiste et il avait tout un set. Et mon grand-père était batteur aussi. Alors, je me suis mis à jouer de la basse, de la batterie, de la trompette bien sûr, de la guitare aussi évidement et je chantais. Et j’ai commencé à écrire des chansons comme ça.

Ensuite, ce n’est qu’en 1982 que je suis allé aux Etats-Unis, à Los Angeles. Je voulais vraiment rejoindre un groupe typiquement californien, car je voulais absolument faire de la scène, ce qui était très difficile en Suède. Ensuite, il y a eu Alcatrazz et je me suis mis à écrire mes propres morceaux à ce moment-là. Mes débuts en solo datent donc de 1984. je voulais tout simplement que les chanteurs chantent mes chansons. Seulement, nous sommes très différents et ils avaient souvent une haute opinion d’eux-mêmes et les musiciens n’étaient pour eux que ceux qui jouent derrière. Je voulais que chacun jouer sa partie et que le chanteur chante ce que je lui demandais de chanter. Et c’est là que les choses devenaient compliquées.

Alors, je suis parti en solo. Et quand je dis en solo, cela signifie que j’écris et que je joue tout. Je me suis donc dit qu’il fallait que je revienne aussi au chant. En fait, tout cela doit bien s’imbriquer et correspondre à l’idée initial du morceau. Et ce n’était pas souvent le cas. C’est le truc bizarre d’un groupe, en fait. Quand une chanson est écrite avec les arrangements compris, il ne peut pas y avoir de positions différentes. Il faut que tout le monde aille dans le même sens. Bref, aujourd’hui, je suis très content comme ça. J’aime la manière dont ça sonne et comme ça fonctionne. Je suis heureux de cette façon et je ne reviendrai pour rien au monde à la même merde qu’avant ! (Rires)

– D’ailleurs, par rapport à la guitare, prends-tu autant de plaisir derrière le micro ? Et en quoi les deux exercices se distinguent pour toi ? Lequel te demande le plus d’effort finalement ?

Tu sais, je joue d’autres instruments aussi. J’ai plusieurs casquettes. Alors, quand je suis producteur, je ne pense ni à la guitare, ni à la basse, ni aux claviers, etc… C’est la même chose quand je m’occupe du mix. Je reste dans mon rôle du moment. Alors, quand je chante, je ne me préoccupe pas de mon jeu de guitare. En fait, c’est juste un autre aspect. C’est comme un peintre qui peint sa toile. Il n’appelle pas quelqu’un pour qu’il la finisse. Ma vision créative est exactement pareille. Je fonctionne de cette façon. Je ne dénigre pas les autres artistes, mais c’est ma façon de faire. C’est comme ça que je m’exprime le mieux, c’est tout. 

– « Hell Or High Water » sort cinq ans après « Parabellum » pour lequel tu avais mis en place une certaine discipline de composition. Qu’est-ce qui a changé et que fallait-il changer, selon toi ?

Je ne dirai pas que j’ai changé certaines choses. Le truc, c’est que je tourne tout le temps. Donc pour moi, ces cinq ans ne représentent rien. Avec le recul, c’est juste ce que j’avais fait avant ! (Rires) Comme j’ai mon studio, j’y vais lorsque j’ai une idée ou que quelque chose m’inspire. Je reste focalisé là-dessus. J’ai tout ce qu’il me faut, il me permet de tout faire et quand j’en ai envie. Donc, quand je sens que j’ai suffisamment de matériel pour en faire un album, je sais que c’est le bon moment pour le réaliser. En fait, je n’ai pas attendu cinq ans. J’ai commencé à enregistrer l’an dernier… (Sourires)

– Ce nouvel album contient à nouveau un équilibre entre morceaux chantés et instrumentaux. Quand et comment décides-tu de poser des mots sur tes mélodies ? Ressens-tu à ce moment-là un manque que seules les paroles peuvent combler ?

C’est une bonne question… Cela ne se passe jamais de la même manière. La plupart du temps, j’arrive à trouver des mélodies, je m’assois avec ma guitare et je me mets à jouer et à chanter en même temps. J’ai toujours plein de mélodies qui m’arrivent et parfois, elles n’ont pas besoin de mots. Si je me sens à l’aise, je chante, mais si cela ne me convient pas, je me concentre sur mon jeu de guitare. Ce n’est pas une décision que je prends en amont. Par exemple, j’ai voulu chanter sur le morceau « Father ». Et lorsque j’ai posé les mélodies de guitare, j’ai tout de suite senti que c’était parfait comme ça, qu’il n’y avait pas besoin de mots. Mais c’est juste un exemple, il n’y a pas de règles. Chaque morceau vit à sa manière.

– Tu t’es inspiré de découvertes scientifiques pour composer « Antikythera » et « Beyond Zeta Reticuli », ce qui peut paraître assez surprenant. Comment de telles idées naissent-telles, car cela peut sembler assez froid et peu ludique comme thème a priori ?

C’est parti de quelque chose que j’ai lue sur mon ordinateur. Cela parlait d’un mécanisme très avancé, qui date de la Grèce antique, je crois. Ils pensaient avoir découvert quelque chose de très compliqué… J’ai trouvé ça intriguant et intéressant. Cela m’a inspiré un morceau, de fait, très compliqué. Mais c’est très logique finalement. J’ai donc eu cette idée et je me suis dit que cela correspondrait parfaitement à cette chose très compliquée. C’est pour ça que je l’ai fait ! (Rires)

– Tu conclues l’album avec « Father », un titre que tu as dédié à ton père récemment disparu. Est-ce quelque chose de plus difficile émotionnellement à réaliser, ou au contraire cela se passe de manière presque naturelle ?

Je dirai que cela s’est fait très naturellement. La mélodie est venue de nulle part. Le morceau n’a rien à voir avec celui que j’avais composé pour mon frère. J’ai d’ailleurs dédicacé tout l’album à mon père. Mais celui-ci lui est particulièrement destiné. Je l’ai conçu comme un hommage. C’était un homme incroyable…

– Tu fais partie, avec quelques autres, de ces guitaristes qui ont eu un impact considérable sur l’univers du Heavy Metal et la façon d’aborder l’instrument surtout. Avec le recul de quelques décennies, comment regardes-tu l’héritage laissé et ce style tellement identifiable ? Et imaginais-tu d’ailleurs son impact à tes débuts ?

Non, je ne l’ai jamais imaginé. En revanche, je me souviens que je me disais tout le temps que je ne pouvais pas faire ça, que c’était un truc de dingue ! J’ai commencé à joué du Heavy Metal néo-classique en 1970 en Suède. C’est vrai que cela n’avait jamais été fait. Ce n’était d’ailleurs ni un format, ni une niche commerciale. J’ai alors senti très fortement que c’était ce que je devais faire ! C’est une forme d’art qui est sortie de moi et que je ne pouvais pas contrôler. Je savais juste que je devais le faire. A l’époque, j’ai entendu beaucoup de choses négatives, mais aussi tellement d’avis positifs ! Mais je n’en ai pas tenu compte, sinon cela aurait affecté mon style. Il fallait qu’on le laisse respirer librement pour que cela devienne évident. Il faut que cela vienne à toi naturellement. Quand les gens disaient que c’était incroyable, c’était bien. S’ils me disaient que c’était de la merde, ce n’était pas trop mal ! (Rires) On ne doit pas laisser ça affecter que l’on fait, car cela vient du cœur et du plus profond de votre âme. Et c’est beaucoup plus important que ce que les gens peuvent penser ! (Sourires) Niccolò Paganini pensait qu’il fallait se sentir fort pour faire des choses fortes. On peut le comprendre et c’est un peu ce que je fais. Mais je ne veux pas prendre ces choses-là trop au pied de la lettre. Si on me dit que je suis incroyable, je ne vais pas le prendre au mot, bien sûr. Et c’est pareil dans le sens inverse. Je sais ce que je suis, ce que je peux faire et ce que j’ai déjà fait. De même que je sais ce que je ne peux pas faire ! Mais tu sais, je suis très détaché de tout ça, ça ne veut rien dire pour moi… (Sourires)

– En terme de style, et peut-être aussi de technique, quels guitaristes parviennent à t’impressionner sur la scène actuelle ? Y en a-t-il, selon toi, qui proposent quelque chose d’aussi original et distinctif que toi ? Ou la messe est-elle dite ?

En fait, pour ceux qui ne le savent pas, j’ai eu ma première guitare à cinq ans et j’ai commencé à jouer à sept. Je faisais du Rock’n’Roll et j’ai vite réalisé qu’il n’y avait que cinq notes et un octave. J’étais très limité par ça. Alors, j’ai commencé à écouter de la musique classique et surtout du violon avec Paganini, Tchaïkovski, Vivaldi et Bach, bien sûr, et cela m’a énormément influencé. Comme je te le disais, cela fait presque un demi-siècle que je fais ça ! (Rires) Plus rien ne m’influence aujourd’hui. Aucun groupe, aucune musique. Tout est dans mon disque dur interne en quelque sorte, et cela sort naturellement. Je n’écoute pas de musique récente et je ne regarde pas non plus les nouveaux guitaristes. Mais je suis sûr qu’il y en a de très bons ! Je ne pense pas être la bonne personne pour répondre à ça. Je ne suis pas très attentif aux guitaristes. Si je me mettais à en écouter un par inadvertance, ce serait probablement Jimi Hendrix ou Allan Holdsworth. Juste parce que c’est toujours génial, je les adore ! Mais je ne connais pas les nouveaux, donc je ne sais pas s’ils sont bons ou mauvais. Je n’ai pas de commentaires à faire là-dessus, mais je suis sûr que certains se détachent. Les gens ont développé beaucoup de choses, mais je ne les connais pas. Cela dit, je serai surpris qu’ils soient si nombreux que ça… (Sourires)

– J’aimerais que l’on dise un mot sur le Metal Néo-Classique, dont tu es le pionnier et que tu as démocratisé. As-tu le sentiment d’avoir aussi ouvert les portes de la musique classique aux fans de Metal ?

Je ne sais pas, mais il y a une chose dont je suis sûr. Quand tu lis un livre et que tu vas voir le film, ce n’est pas la même chose. Tu sais pourquoi ? Parce que ceux qui ont lu le livre ont vécu une expérience personnelle et ont développé leur imagination. Et chacun à sa façon. Je pense que ma musique a du faire quelque curieux. Je le sais, car on me l’a dit. Mais je ne me suis jamais demandé si c’était une bonne chose, ou pas. Je reste concentré sur ce que je fais. Je ne réfléchis pas de cette manière. Je pense que l’instant présent est déjà nouveau, et que demain sera aussi un nouveau jour. Ce qui est fait est fait, je ne regarde pas vraiment en arrière. Je reste concentré sur l’instant présent.

– Enfin te reste-t-il encore des objectifs à atteindre sur ton instrument ? Que ce soit techniquement ou au niveau du son, peut-être ? Ou y a-t-il un moment où l’on vit sur ses acquis ?

Oh non, jamais ! En fait, je ne recherche rien, je capture juste ce qui arrive. A chaque fois que je prends ma guitare, il se passe quelque chose de nouveau. A chaque fois ! La musique n’est pas statique, elle est en mouvement permanent. C’est un peu comme si tu écrivais un livre et que tu n’utilisais qu’un seul alphabet. Et tu fais ça, parce que c’est le seul que tu as. Tu vois ce que je veux dire ? La musique est un langage beaucoup plus large et étendu. Et on peut en faire que ce l’on veut. C’est de cette façon que j’appréhende la musique et l’ultime cadeau est lorsqu’elle vient à moi sans que je n’ai rien demandé ! Et ça arrive ! (Sourires)

Le nouvel album d’YNGWIE MALMSTEEN, « High Of Hell Water », est disponible chez Music Theories Recordings.

Photos : Hikari Yuba et Getty Images (3).

Retrouvez aussi la chronique de « Tokyo Live », sorti l’an dernier :

Yngwie Malmsteen : l’indomptable
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Americana folk Rock

Bryan Adams : Canadian pride

En plus de quarante ans de carrière, BRYAN ADAMS a fait bien plus que d’imposer un style très personnel au panthéon du Rock, il est aussi l’un des plus ardents représentants du Canada sur la scène mondiale. S’il a un don pour rendre ses mélodies intemporelles, il sait aussi volontiers se poser en défenseur de valeurs universelles, surtout lorsqu’on vient titiller les libertés profondes et immuables des terres marquées de la feuille d’érable qu’il chérit. Avec « How’s It Goin’ », c’est toute son âme qu’il dépeint en parcourant des paysages sonores à la fois amples, mais aussi plus délicats dans des atmosphères Americana très authentiques.

BRYAN ADAMS

« How’s It Goin’ »

(Bad Records)

En ces lendemains d’élections américaines, ce seizième opus de BRYAN ADAMS a forcément une saveur très particulière et, avouons-le, franchement savoureuse ! Ouvertement moqueur à l’égard de son grand et bruyant voisin, le Canadien revient avec un plaisir communicatif à ses racines musicales à travers un disque où le Rock se mêle à l’Americana et à la Folk dans une ambiance douce et enjouée. Le chanteur aime son pays et le clame haut et fort avec beaucoup de tendresse et de sensibilité, tout en se montrant mordant et impliqué. Un engagement tout en finesse.

Un an tout juste après « Roll With The Punches », on aurait pu penser que l’auteur-compositeur prendrait son temps, mais c’était sans compter sur une inspiration que l’on sent décuplée par l’actualité. Réactif et passionné, BRYAN ADAMS livre peut-être même son disque le plus intime à ce jour. « How’s It Goin’ » s’écoute d’une traite et son ambiance nous invite à le réécouter aussitôt. Typiquement ancré dans la culture nord-américaine, son style comme sa voix paraissent traverser le temps en se bonifiant, avec toute l’élégance qui le caractérise depuis 46 ans maintenant.

Ne plus y trompons pas, en dehors des protest songs « 51st State » et « Lake Ontario », « How’s It Goin’ » n’est pas un album politique, mais plutôt une balade à travers les vastes étendues du Canada. L’approche reste essentiellement acoustique, ce qui n’empêche d’ailleurs pas une belle dynamique de s’installer tout au long des 13 chansons. En tant que chevronné songwriter qu’il est, BRYAN ADAMS nous embarque aussi au Québec (« Heave Away »), dresse de beaux portraits (« The Ballad Of Terry Fox ») et observe (« Diesel And Dirt », « Iron Ribbon »). Une sincérité intacte.

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International Power Rock

The Last Internationale : fighting for freedom [Interview]

Dans un Rock brut, autant nourri de Hard Rock que de sonorités bluesy et paré d’un léger voile vintage, les New-yorkais font un peu figure d’épouvantail dans un paysage musical, où la fraîcheur manque souvent et où les cases se remplissent de bons élèves bien tranquilles. THE LAST INTERNATIONALE est là pour sonner la révolte et la liberté, n’en déplaisent aux rockeurs de salon. Avec la musique comme instrument de lutte, il porte haut et fort une parole qui alerte sur l’état de notre société et les inquiétudes qu’elle suscite. Pour autant, le duo chante l’espoir et ce nouvel album est exaltant à plus d’un titre. Sensible et percutant, il continue aussi d’avancer en totale indépendance en ne suivant que les contraintes qu’il se fixe lui-même. Forcément, en plus d’être musicalement appliquée, fougueuse et inspirée, la démarche du groupe est également très engagée. Une chose qui tend aussi à disparaître dans une industrie musicale apathique. Avec « Road To Freedom », la chanteuse Delila Paz et le guitariste Edgey Pires donnent des indication sur la voie à suivre dans un style authentique aux riffs appuyés, qui ne ressemble qu’à eux et qui conjugue la force des émotions d’une voix libre dans un combat artistique captivant et saisissant de vérité. Un entretien évidemment un peu politique…

– Avant de parler de ce nouvel album, j’aimerais que l’on revienne sur ce « Live In Europe » que vous avez sorti en janvier dernier. On sait, et on y reviendra, que vous tournez beaucoup. Est-ce que c’est important aussi pour vous d’en garder une trace sur disque ?

Delila : Cela fait déjà un moment qu’on voulait le faire, alors nous avons décidé d’enregistrer nos concerts, spécialement quand nous venons en Europe. Il se passe aussi quelque chose au niveau du son. Je trouve qu’il s’améliore au fil des dates. C’est aussi pour ça qu’on avait envie de montrer à quoi ressemblent nos concerts. Ce sont toujours des moments particuliers et nous avions choisi les meilleurs.

– A propos de concert justement, vous allez entamer une grande tournée européenne ce mois-ci avant de revenir en France pour une douzaine de dates en février prochain. J’ai l’impression que vous entretenez une relation particulière avec le public européen et notamment français. Qu’est-ce qui change par rapport aux Etats-Unis notamment ?

Edgey : Oui, c’est vrai que nous entretenons une relation particulière avec le public français, c’est sûr, beaucoup plus qu’avec Los Angeles ! (Rires) Et c’est pour ça qu’on revient toujours ! (Sourires) Et puis, nous ne tournons pas beaucoup aux Etats-Unis, non plus ! (Sourires) La France est spéciale pour nous…

Delila : Même si nous chantons en anglais, les Français sont attentifs et très concentrés sur les paroles. Ils viennent toujours nous en parler avec beaucoup de profondeur et de sens, c’est très intéressant.

– D’ailleurs, quand on parle de THE LAST INTERNATIONALE, on parle essentiellement de votre duo et à juste titre. Pourtant, vous êtes accompagnés en concert. Est-ce que vous avez aujourd’hui un groupe stable pour la scène ?

Edgey : Oh non, je ne pense pas ! Nous n’en avons jamais vraiment eu ! (Rires) Mais ce sera le cas sur notre prochaine tournée. On a joué avec le batteur anglais Joe Lazarus, qui est phénoménal et à la basse, on avait Chris #2 d’Anti-Flag. Mais c’était surtout un line-up spécial pour des festivals qui étaient des évènements un peu spéciaux. Pour la prochaine tournée, notre ami et bassiste Anthony Meier, qui a joué avec Radio Moscow, va nous rejoindre. Nous travaillons avec lui depuis longtemps et il est vraiment incroyable. C’est vrai que nous avons une rythmique fantastique pour cette prochaine tournée. Donc, cette année, c’est stable, mais on verra bien ce qu’il se passe ! (Rires) Après, tu sais, c’est toujours compliqué lorsque tu veux avoir les meilleurs musiciens. Ils ont toujours d’autres groupes ou d’autres engagements et c’est parfois difficile de concilier les plannings, car on veut toujours jouer avec les meilleurs. Et puis, on annonce souvent nos tournées à la dernière minute aussi, ce qui n’aide pas beaucoup ! (Sourires) Pour l’instant, nous sommes très chanceux pour l’année prochaine, car tout le monde est à bord.

– Parlons de ce sixième album, qui est tout en contraste. De prime abord, c’est peut-être le plus sombre et d’un autre côté, il est réellement porteur d’espoir. Est-ce une manière de dire que, même si l’époque est difficile et incertaine, il faut rester optimiste quoiqu’il arrive et relever le défi de l’actuelle dérive mondiale ?

Delila : C’était vrai qu’il est difficile de trouver de l’espoir sur l’album. Mais c’est pourtant ce que nous avons tenté de faire avec « Road To Freedom », et on peut aussi en retrouver jusque sur la pochette de l’album d’ailleurs. L’idée n’est pas tellement de rester optimiste, car le monde est tellement sombre. Il s’agit plutôt de se concentrer que ce qui est en train de se passer et d’essayer de trouver quelques fragments d’espoir. C’est ça qui peut atteindre les gens.

Edgey : Oui, et cela a beaucoup de sens pour moi. La musique sert à ce dessein. Elle apporte l’espoir dans les vies, mais c’est une chose difficile à diffuser. Lorsque j’ai lu les ‘Situationnistes’ (organisation de théoriciens, stratèges et activistes révolutionnaires opérant dans les domaines culturels, artistiques, politiques, sociaux et désireux d’en finir avec la société de classes et la « dictature de la marchandise » – NDR), il y a une phrase qui m’a frappé. Elle disait que l’espoir est la main de la soumission. Donc, l’espoir peut être une mauvaise chose, si vous ne la transformez pas en une action concrète. Et c’est précisément ce que nous essayons de faire, c’est le but de notre musique. Ne pas juste espérer un meilleur avenir, mais faire en sorte qu’il arrive à travers l’action justement.

– THE LAST INTERNATIONALE a toujours été un groupe engagé sur un terrain social et humain d’abord. Avec « Road To Freedom », on sent des positions clairement politiques, même si elles sont passées sous un prisme personnel. Selon vous, est-ce que, plus que jamais, le premier des combats à mener actuellement est-il celui de la liberté ?

Delila & Edgey : Plus que jamais ! (Rires)

Edgey : Oui, plus que jamais, bien sûr. Cette lutte pour la liberté a toujours existé, cela fait des générations. C’est la même que menait Martin Luther King. S’il était encore vivant, il serait dans la rue et aussi radicalisé que Malcolm X ou Che Guevera. En tout cas, c’est mon opinion, car les risques sont très élevés. Il y a les armes nucléaires, le réchauffement climatique, etc… Je pourrais te donner une liste complète de tous ces risques, mais tout le monde les connaît. Le monde entier connaît ces problèmes et sait qui en est responsable. Ce dont nous avons besoin aujourd’hui, c’est de nous organiser et de trouver une manière de nous défendre.

– Pour rester sur cette thématique de la liberté, j’ai aussi remarqué que c’était un mot qui revenait souvent dans vos chansons, et pas seulement sur ce nouvel album. Est-ce quelque chose qui reste au cœur de la musique et de la démarche de THE LAST INTERNATIONALE ?

Edgey : Delila aime chanter la liberté, c’est sûr ! (Sourires)

Delila : Oui, il y en a, mais il n’y en a pas encore assez ! (Sourires) C’est vrai que c’est un mot qui revient souvent dans notre musique. C’est une question de liberté personnelle, car on peut vite se sentir emprisonnés en tant qu’être humain. D’ailleurs, je porte un t-shirt avec le mot ‘Liberté’ écrit dessus ! C’est inconscient ! (Rires)

Edgey : Oui, je n’avais même fait fait attention ! (Rires) Et puis, tu sais, si vous avions cette liberté, nous ne la chanterions pas…

– En 2014, vous chantiez « 1968 », qui faisait écho aux mouvements sociaux en France, en 2023 c’était « 1984 » en référence au livre d’Orwell et aujourd’hui « Animals » décrit parfaitement ce que l’on retrouve un peu partout dans le monde, y compris dans nos démocraties. THE LAST INTERNATIONALE est-il plus que jamais un groupe engagé et revendicatif ? On a vraiment le sentiment que votre démarche va bien au-delà de la musique…

Edgey : Oui, je pense que c’est l’essentiel. Que disait déjà le grand Pete Seeger que j’adore ? ‘La musique peut changer le monde, mais pas un seul musicien dans son coin’, ou quelque chose comme ça. Cela signifie que la musique est une chose puissante, mais qui a aussi ses limites. Pour nous, en tant que groupe, nous utilisons notre musique comme un outil. Mais en dehors du groupe, chaque artiste dans le monde est un individu et un citoyen. C’est une responsabilité que nous n’oublions pas, que ce soit en tant qu’artistes ou comme citoyens. Tout cela va bien au-delà de la musique. Donc, si nous n’avions pas été musiciens, tu nous aurais de toutes façons aussi vu dans les rues !

Delila : Tout a commencé pour moi lorsque j’avais huit ou dix ans. Je suis allée protester devant un cirque. Je pense que c’est là que tout a commencé. On écrivait déjà des pamphlets sur la cruauté animale envers les éléphants. De New-York à Paris, les gens protestent d’une manière ou d’une autre. D’ailleurs actuellement en France, les lycéens et les étudiants manifestent en nombre. C’est la même chose ici.

– D’ailleurs et pour clore le sujet, comment vivez-vous l’actuelle situation chez vous à New-York ? Même si votre maire est un homme ouvert et attentif à l’aspect social de sa politique, quel est l’état d’esprit et l’ambiance globale aux Etats-Unis, en tout cas de votre point de vue ? L’atmosphère a-t-elle beaucoup changé ces dernières années ?

Edgey : Oui et c’est totalement l’inverse de ce que portent les médias. Le peuple américain et sa population sont toujours déconstruits par les médias. C’est pour cette raison que les organisations sociales ont du mal à se mettre en place. Les médias, le gouvernement et la classe aisée travaillent ensemble pour s’assurer que le peuple soit divisé. Et tu peux le constater dans la mouvance MAGA. Tu poses là une question complexe, qui demanderait des heures de discussion. Si je peux la résumer rapidement, je dirai que les Etats-Unis ont également une classe ouvrière, mais elle n’est pas aussi consciente comme elle peut l’être en France, par exemple. C’est donc plus facile de nous diviser. Les aspirations des classes ouvrières et moyennes sont légitimes, tout comme leurs préoccupations. C’est là-dessus que le mouvement fasciste porté par quelqu’un comme Donald Trump a capitalisé sur les deux dernières élections présidentielles. Dieu merci, il n’a rien de d’impressionnant. C’est un idiot, un abruti et ça, tout le monde le sait. Il nous faut donc une personne charismatique et intelligente pour galvaniser les gens, comme Trump l’a fait. La réponse est très simple. Nous devons non seulement tous nous unir sur des lignes idéologiques claires, mais aussi sur le fait qu’il faille bâtir des digues pour que des gens comme Trump ne soient plus élus. C’est un coup de pression qu’il faut mettre. C’est une lutte très sérieuse, car nous sommes tous de la classe ouvrière et il faut éviter que l’on puisse nous diviser. Nous devons débattre intelligemment de tout ça.

– Revenons à votre album et j’aimerais qu’on dise un mot de la production de « Road To Freedom » que vous avez assuré avec trois autres producteurs. Elle est nettement plus ample et bénéficie d’un gros travail sur les arrangements. Aviez-vous besoin de passer un cap au niveau du son ? D’être peut-être un peu moins ‘roots’ et brut qu’auparavant ?

Edgey : Oui, peut-être, mais ce n’est pas si évident. Je me suis beaucoup impliqué dans le mixage, c’est vrai. Et j’ai appris tellement de choses. J’ai commencé à m’en occuper et j’ai donc beaucoup appris la prise de son et le mix pour que l’album sonne mieux. Et crois-moi, cela s’est traduit par des nuits blanches et pas mal de frustration… De quoi s’arracher les cheveux ! (Rires) Ce n’est pas un processus si amusant que ça. De manière générale, il y a eu quelques changements dans l’écriture et aussi peut-être un peu dans la façon de chanter de Delila…

Delila : Je pense qu’on a travaillé différemment et on a aussi beaucoup appris, c’est vrai. On n’a jamais abordé un album en se disant qu’on allait le faire sans en retirer quelque chose et en se disant que ce serait bon de toutes façons. Nous sommes allés plus loin, on a vraiment poussé tous les paramètres au maximum.

Edgey : Cela dit, il n’y a jamais eu le moindre compromis au niveau du son. L’album nous a coûté très cher, car nous avons voulu enregistrer certaines chansons deux ou trois fois. Et on a aussi joué certains titres avec plusieurs batteurs que l’on n’a pas retenu…

– Enfin, vous avez enregistré « Road To Freedom » loin de New-York, puisque vous êtes allés au Portugal. Aviez-vous besoin de vous couper de votre milieu urbain au point de mettre un océan entre vous ?

Delila : Oui, nous avons même conçu un studio nous-mêmes là-bas. Par ailleurs, Edgey a des racines familiales au Portugal, et c’est vrai que c’est un endroit vraiment super pour réfléchir tranquillement et se concentrer sur la musique. Cela nous a permis de nous poser. Nous avons même travaillé le bois pour construire le studio. Mais New-York est en nous et on ne peut pas y échapper ! (Rires)

Edgey : En fait, une bonne partie de l’album a été composée à New-York. Une fois que le travail d’écriture était fait, nous sommes ensuite partis au Portugal nous isoler et enregistrer les morceaux. Là, nous nous sommes vraiment déconnectés de tout. Nous n’avons parlé à personne et notre seule interaction avec le monde extérieur était avec la caissière du supermarché, notamment. C’est quelque chose que nous faisons en général quand nous enregistrons, mais cette fois, nous étions encore plus isolés de tout. Bien sûr, nos avons beaucoup interagis avec les autres musiciens et nous savions aussi ce qui se passait dans le monde, mais nous n’avons vraiment réellement rencontré personne. Et pour conclure, je voulais dire quelque chose qui m’a un peu déçu concernant ce nouvel album. Nous avons enregistré une chanson avec Tom Morello, mais comme nous étions hors délai, elle ne figure pas sur l’album. Cependant, vous allez bientôt la découvrir. Nous ne savons pas encore sous quel format, ni quand, mais elle arrive ! Peut-être sur une version Deluxe de l’album ! (Rires)

Le nouvel album de THE LAST INTERNATIONALE, « Road To Freedom », est disponible chez Vivienne Music Label.

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Alternative Rock

Nickelback : tout un univers

Loin de se reposer sur ses lauriers, la formation d’Alberta est plus solide que jamais et, au regard de ce onzième effort, on pourrait parler d’une grande maturité dans l’approche de son jeu et surtout au niveau de la composition. « Everything Under The Sun » marque même un cap dans le travail accompli jusqu’ici. NICKELBACK percute autant qu’il joue sur les émotions avec talent. Son Alternative Rock est unique en son genre et peu savent aujourd’hui se faire aussi rassembleur. Une démonstration qui ne dit pas son nom.

NICKELBACK

« Everything Under The Sun »

(Virgin Music Group)

En 30 ans d’une carrière menée à bâtons rompus, les Canadiens ont imposé leur style et, mieux encore, parviennent à se renouveler. Encensés depuis leurs débuts, chaque album est scruté de près, mais NICKELBACK semble se nourrir de cette pression avec appétit, tant « Everything Under The Sun » atteint des sommets. Surfant sur une créativité en pleine ébullition depuis « Get Rollin’ » il y a quatre ans, il s’est ouvert de nouveaux horizons sonores. L’influence du son de Nashville plane à nouveau sur ce nouvel opus et il conserve cette imperturbable authenticité.

S’il collabore avec d’autres, NICKELBACK garde aussi la main sur la production et celle-ci est une fois encore imparable. De même, l’essentiel de ce onzième album est composé par son leader, chanteur et guitariste Chad Kroeger. Affûté et terriblement efficace, son songwriting fait encore des étincelles grâce à un relief très maîtrisé et un sens de la mélodie hors-norme. Conjugué à une puissance phénoménale et une précision absolue, « Everything Under The Sun » fait partie de ces disques irréprochables, addictifs et taillés pour la scène.

D’entrée de jeu, NICKELBACK frappe fort avec le terrassant « Rattle The Cage », où s’illustre d’ailleurs John 5. L’explosivité du quatuor se répercute sur « Bones For The Crows » et « Chasin’ Famous ». Ryan Peake (guitare), Daniel Adair (batterie) et la fratrie Kroeger avec Mike à la basse semblent détenir la recette pour capter l’attention et fédérer. Bien sûr, l’aspect plus délicat de leur registre est toujours en bonne place et n’a pas son pareil pour libérer un optimisme sans faille (« If I Don’t Go », « Technicolor Steamboat », « Lift Somebody Up »). Magistral !

Retrouvez aussi la chronique de « Get Rollin’ » :

Nickelback : keep rockin’
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Blues Rock

Robin Trower : le temps suspendu

La longue carrière de ROBIN TROWER est assez unique en son genre. Traversant les époques avec un talent qui témoigne d’une certaine intemporalité et fédérant au fur et à mesure les nouvelles générations, il a inscrit ce son de guitare si particulier dans l’inconscient collectif des fans de Blues. Tout en variation, son instrument fait littéralement parler ses accords dans des échanges musicaux majestueux. Une signature qui est même devenue une référence pour beaucoup, tant elle est singulière et toujours en mouvement. Avec « Shine », le bluesman écrit un nouveau chapitre étincelant et atteste d’une créativité qui se renouvelle avec beauté.

ROBIN TROWER

« Shine »

(Mascot Label Group)

Après une belle tournée aux Etats-Unis, immortalisée sur « One Moment In Time : Live In The USA » et un peu plus d’un an après « Come And Find Me », ROBIN TROWER n’a pas pris le temps de souffler et a préféré s’engouffrer en studio et concevoir « Shine ». A 81 ans, il n’aura jamais été aussi prolifique que ces dix derniers dernières années. Pourtant, chaque album se distingue du précédent, grâce à un jeu qui se bonifie au fil du temps et des musiciens partageant une même vision. Le Blues du Britannique conserve cette étincelle si particulière.  

Enregistré entre les studios 91 de Newbury et The Pines Recording Studio, la nouvelle antre de l’ingénieur Sam Winfield, « Shine » rayonne une fois encore du feeling et du toucher de ce ROBIN TROWER décidément infatigable et à l’inspiration intarissable. A ses côtés, on retrouve Richard Watts et sa voix délicatement éraillée, qui sert si bien ces nouveaux morceaux, et Chris Taggart derrière les fûts. Un trio affûté, en parfaite osmose, et qui se meut avec élégance sur un groove presque félin. Le reste est affaire de mélodies ensorceleuses, de riffs brûlants et de solos lumineux.

Loin de se reposer sur un héritage personnel conséquent, ce maître du British Blues continue son aventure en explorant de nouvelles contrées bleutées. « Shine » respire de ses ondes réconfortantes, tout en gardant une part de mystère à travers les paroles. ROBIN TROWER donne un rythme tonique, alternant les ambiances Rock et Funky avec d’autres plus lancinantes. On notera la présence de la chanteuse Jess Hayes sur le profond « Truth », qui vient flirter avec le R&B. Une fois encore, l’Anglais régale et son langage musical est plus expressif que jamais.

Photo : Blackham

Retrouvez les chroniques de ses récents albums :

Robin Trower : one moment of grace
Robin Trower : étincelant
Robin Trower featuring Sari Schorr : éblouissant
Robin Trower : mister Blues
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Southern Blues Rock

Warren Haynes : orchestral Blues

Le temps que l’orchestre s’accorde et c’est une salve d’applaudissements qui accueille le héro local et son groupe. Ils étaient plusieurs dizaines sur scène ces deux soirs-là, il y a sept ans, pour accompagner WARREN HAYNES dans l’une de ses plus aventureuses performances. Et comme par magie, le Blues et le Southern Rock de cette légende se sont parés de notes symphoniques pour prendre encore plus d’ampleur et de volume, tout en ne s’éloignant pas d’un accord de ses racines. Tout simplement exceptionnel !

WARREN HAYNES

« Dreams & Songs : A Symphonic Journey »

(Artone Label Group/Provogue)

WARREN HAYNES est aussi créatif qu’il aime les défis. Et c’est dans sa ville natale d’Asheville en Caroline du Nord, là où tout a commencé et où il est venu applaudir d’autres dans sa jeunesse, qu’il avait posé ses guitares le temps de deux soirées mémorables en 2019. Le Thomas Wolfe Auditorium avait vibré à l’unisson grâce à ce grand bluesman, bien sûr, mais aussi aux 64 musiciens composant l’incroyable Asheville Symphony Orchestra. Et ceux qui l’accompagnent étaient sur la même longueur d’onde pour parcourir trois décennies d’une carrière époustouflante.

En effet, l’objectif de WARREN HAYNES était plutôt ambitieux, mais très largement à sa portée, si l’on en juge par le résultat. Ainsi, de Grateful Dead au Allman Brothers Band, en passant par Gov’t Mule bien sûr, sa carrière solo et quelques reprises auxquelles ils avaient participé, c’est tout un pan du Southern Rock et du Blues qui rayonne sur les 16 morceaux de ce « Dreams & Songs : A Symphonic Journey ». Orchestral sans être pompeux, ce nouvel album live se distingue aussi par les prouesses du grand Bob Clearmountain, dont le mix est magistral.

Comme toujours avec WARREN HAYNES, l’ensemble donne l’impression d’une vaste improvisation, tant il est surprenant et fluide. Pourtant, derrière ce feeling de chaque instant, se cache une précision d’orfèvre rendue possible après des heures de répétitions et un travail minutieux sur les arrangements. Ovationné titre après titre dans une ambiance chaleureuse, le citoyen d’Asheville effectue un retour aux sources encore et toujours virtuose (« Banks Of The Deep End », « Spots Of Time », « Broken Promised Land », « Just Another Rider », « Whipping Post »). Magistral !

Photo : David Simchock

Retrouvez l’interview de WARREN HAYNES à l’occasion de la sortie de « Million Voices Whisper » et la chronique de l’album…

Warren Haynes : l’alchimiste [Interview]
Warren Haynes : soulman

… Et les chroniques des derniers albums de GOV’T MULE :

Gov’t Mule : une boulimie créative
Gov’t Mule : stupéfiant de vérité
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International Metal Progressif Sludge

Mastodon : l’introspection [Interview]

Soyons clairs, le 28 août dernier, MASTODON a sorti l’album de l’année. Une évidence difficilement contestable pour tout fan de Metal, tant « Marrow Deep » explore des sphères et des atmosphères multiples, en puisant au plus profond de l’identité-même du groupe et avec la technicité qu’on lui connaît. Avec un style d’une telle richesse, regroupant en son sein autant de courants, la formation d’Atlanta semble être parvenue sur ce neuvième opus à un sommet de son art. Son Metal aux accents Sludge et aux teintes progressives, est plus percutant que jamais et la maîtrise affichée dévoile une musique d’une fluidité absolue. Si la présence d’une impressionnante liste d’invités apporte encore plus de saveur à l’ensemble, on retiendra aussi le moment très particulier dans lequel « Marrow Deep » surgit dans la vie du quintet. Fondateur, batteur, chanteur et compositeur, Brann Dailor revient sur ces dernières années en évoquant «Hushed And Grim », le concert-hommage à Black Sabbath, les récents changements de line-up et plus largement sa vision de la musique. Entretien.

– Sans revenir sur les drames personnels qui vous ont directement touchés, ainsi que l’ouragan Hélène il y a deux ans et dont vous parlez dans le morceaux « In The Ruins », est-ce qu’il y a eu un moment où vous avez pu vous dire : ça commence à faire beaucoup ? Y a-t-il eu un certain fatalisme au sein du groupe à une période ?

(Silence) Je ne suis pas sûr… (Rires) Cela a été un moment difficile et long. Mais ça n’a pas été comme si nous nous étions arrêtés, car nous avons continué malgré tout. L’album a été compliqué à faire, car beaucoup de choses ont été bousculées, beaucoup plus que d’habitude. Que ce soit dans notre vie de manière générale et collective comme dans la vie personnelle de chaque membre, tout a été compliqué. Je pense que c’est ce qui explique qu’il nous aura fallu cinq ans pour y arriver. Mais nous sommes là, nous sommes passés de l’autre côté ! (Sourires)

– Ce qui est assez extraordinaire, c’est que vous donnez le sentiment de vous être alimentés de tous ces évènements pour afficher aujourd’hui une énergie et une force décuplée. « Marrow Deep » est probablement votre album le plus intense et dense à ce jour. Est-ce que tout ça vous a finalement aidés à inverser le cours des choses et à nourrir aussi votre inspiration ?

Oui, c’est certain. Je sais qu’à la sortie de « Hushed And Grim » (en 2021 – NDR), il y avait beaucoup de mélancolie qui se ressentait sur l’album. C’était dû à la pandémie et aux divers sentiments qui nous ont traversés à ce moment-là. Et puis, nous avions aussi perdu notre ami et manager Nick John… C’est comme ça que nous nous sentions à l’époque. Ensuite, on s’est retrouvés à avoir beaucoup de temps devant nous, comme la majorité des gens, et c’est ce qui nous a conduit à composer ce double-album. Cela dit, je pense que nous avions aussi voulu faire une sorte de volte-face en catalysant toute cette énergie engrangée à ce moment-là. Ça a été une espèce de mission, car nous n’avions bien sûr pas anticipé tous ces changements et ces tragédies. C’est une combinaison de tout ça.

Et puis, tu sais, quand tu perds un frère comme Brent (Hinds, guitariste et chanteur décédé en 2025 – NDR) et que tu dois aller en studio dix jours après, tu ressens vraiment le besoin de jouer, de chanter et d’écrire sur ce qui vient de se passer. Quand c’est quelqu’un d’aussi proche de toi et qui a le même âge, tu te sens obligé de chérir ta vie. Tu veux à tout prix te sentir vivant et je pense que c’est ce qui s’est passé pour nous tous pendant l’enregistrement. L’urgence à ce moment-là était de jouer quelque chose de rapide et de chaotique. J’avais vraiment besoin de me sentir vivant derrière ma batterie et en chantant… Et cela se ressent forcément dans l’album. Cela a aussi, d’une certaine manière, aidé à sa construction.

– « Marrow Deep » est donc votre neuvième album et peut-être aussi le plus contrasté. Il y a une tension très palpable, qui tient presque de la rage et de la colère, et aussi des moments très aériens et délicats, comme si vous observiez les choses de plus haut. Est-ce l’album le plus personnel et introspectif que vous ayez enregistré jusqu’à présent ?

Oui, je pense. Tout était tellement frais quand nous sommes allés en studio enregistrer. Tout ce que vous entendez sur l’album est le reflet de ce que nous sommes en tant que groupe dans notre quotidien. Les sentiments sont partout, mais ils sont finalement très rares. Il nous a fallu prendre la décision de sortir de tout ça, de nous mettre à nu, ou au contraire aussi de se cacher. On s’est retrouvé dans l’obligation de s’ouvrir à la critique de nos sentiments les plus profonds et les plus sombres. C’est parfois très difficile à faire. Mais je pense qu’avec l’aide de tous ceux qui étaient là avec nous en studio, nous avons acquis le fait qu’il n’y avait pas de mal à être si vulnérables et on a retrouvé beaucoup d’assurance. En effet, c’est probablement notre album le plus personnel, notamment au niveau des textes.

– Dans cette même optique, vous vous êtes aussi inspirés des Moires de la mythologie grecque et de ses trois divinités qui relient la vie, la perte et le destin en conclusion de l’album sur le morceau « The Three Fates », avec Neil Fallon de Clutch. Est-ce que, de cette manière, vous considérez « Marrow Deep » comme le début d’un nouveau chapitre pour MASTODON, car c’est un peu l’impression qu’il donne ?

Oui, je le pense vraiment et spécialement sur et avec cette dernière chanson, « The Three Fates ». Cela se ressent surtout sur le troisième mouvement, qui est une conversation musicale entre João (Nogueira, claviers – NDR) et Nick (Johnston, guitare – NDR) qui devient fusionnelle. Pour nous, c’est un regard très réconfortant sur l’avenir du groupe. Cela arrive en fin d’album et on ressent peut-être l’angoisse, la tristesse et l’introspection qu’il y a tout au long de l’album. C’est un focus sur la musique de ces deux musiciens, qui sont les derniers arrivés dans l’équipe. Pour moi, cela représente l’avenir et ça dit aussi que tout va bien. C’est une fin très réconfortante ! (Sourires)

– Justement, un mot aussi sur Nick Johnston (guitare) et João Nogueira (claviers), vos deux anciens musiciens de scène qui vous ont officiellement rejoints. J’imagine que leur intégration s’est faite naturellement, mais est-ce que vous avez songé un moment à d’autres nouveaux partenaires ?

Non, pas du tout, car João est arrivé au moment de « Hushed And Grim ». il a joué un peu en studio, puis il est venu avec nous en tournée. Cela fait maintenant cinq ans qu’il est avec nous et c’est un musicien incroyable. Et Nick est là depuis environ deux ans et c’est un mec formidable aussi et un grand musicien. Même s’il a été créatif, il n’a pas eu l’occasion de s’exprimer pleinement, parce que nous avions déjà écrit beaucoup de choses avant son arrivée. J’ai vraiment hâte de répéter avec eux deux dans le futur. Nick a déjà proposé des riffs, des parties entières et des morceaux presque complets et il est vraiment très enthousiaste ! Ce sont tous les deux des gens et des musiciens incroyables et il y a une super ambiance entre nous. Ils sont très créatifs et c’est exactement ce dont nous avons besoin.

– D’ailleurs, vous coproduisez aussi « Marrow Deep ». Est-ce que, vu le contexte, vous avez tenu à être plus présents que d’habitude dans le processus complet de l’album, qui a été enregistré dans votre studio, mais que vous avez laissé d’autres mixer ?

En fait, nous sommes toujours producteurs, ou coproducteurs de nos albums. Nous n’avons jamais envoyé nos idées à quelqu’un d’autre. En revanche, c’est agréable d’avoir un regard extérieur une fois que les choses ont bien avancé. On peut rester bloqué sur un arrangement ou une chanson pendant des mois et c’est là qu’une autre perspective peut faire avancer des situations. Changer ou déplacer une partie, par exemple, peut vraiment changer un morceau. Donc, pour cette raison, c’est sympa. Mais pas trop non plus, c’est notre groupe ! (Rires) Nous sommes des grands garçons et nous savons ce que nous voulons. Mais nous restons ouverts à d’autres propositions quand elles viennent de personnes, qui ont suffisamment d’expérience pour cela. Oui, nous sommes toujours les seuls responsables de notre musique ! (Sourires)

– Sur « Marrow Deep », vous accueillez aussi des guests de renom comme Josh Homme, la rythmique de Converge, le chanteur de Clutch, Neil Fallon, votre ami Randy Blythe de Lamb Of God ou encore l’ex-Black Sabbath Geezer Butler. Est-ce que les circonstances ont fait que vous aviez besoin du soutien d’amis musiciens, ou est-ce une démarche purement artistique ?

C’est un peu des deux, à mon avis. En le faisant, je n’ai pas réfléchi à ce que nos amis pouvaient s’imaginer. Peut-être qu’ils pensaient que nous étions blessés et qu’ils aimeraient aider si possible. Après, ce n’est pas quelque chose d’exceptionnel. Nous avons toujours eu des invités sur nos albums. En fait, nous sommes même toujours en train de chercher ! (Sourires) Le plus spécial était probablement d’avoir Geezer Butler. Nous avons baigné pendant des mois dans Black Sabbath, ce qui a aussi été amplifié avec le concert ‘Back To The Beginning’. Donc, tout était très frais dans nos esprits. Je me suis dit que l’intro d’une chanson comme « The Vanishing » lui conviendrait parfaitement. On lui a demandé et on a eu la chance qu’il accepte. C’était très excitant et aussi un grand honneur de l’avoir sur l’album. C’est le mec le plus cool que j’ai jamais vu ! (Sourires)

– Un mot aussi sur notre ‘Frenchy’, Joe Duplantier de Gojira, sur « The Vanishing » avec qui vous êtes amis de longues dates. Comment se concrétise cette connexion entre vous depuis si longtemps ?

Nous avons toujours été similaires dans notre façon de nous présenter l’un à l’autre et nous sommes animés d’une même mentalité artistique, je crois. Nous nous connaissons depuis de longues années et nous sommes très proches. On a toujours eu envie d’avoir Joe, ou l’un des membres de Gojira sur nos morceaux. Et ce moment s’est présenté avec ce titre très lourd. Joe possède la voix parfaite avec son scream puissant. C’était l’occasion idéale pour l’accueillir. Il était super content et qu’il y ait aussi Geezer Butler sur le morceau a été la cerise sur le gâteau ! (Sourires) Nous aimons vraiment les gars de Gojira. On a commencé à tourner ensemble en 2014 et notre relation a beaucoup de sens. Nous sommes toujours en contact et on s’envoie beaucoup de messages. Nous sommes de bons amis et c’était génial d’avoir Joe sur l’album. C’est le meilleur ! (Sourires)

– Par ailleurs, les gens te connaissent surtout en tant que batteur, mais tu es aussi chanteur, bassiste et compositeur. Comment se passe le processus d’écriture au sein de MASTODON ? Chacun apporte ses morceaux ou le travail est-il plutôt collectif ?

C’est un peu plus collaboratif aujourd’hui. Avant, quand nous commencions à écrite, je m’en occupais en général avec Bill (Kelliher – NDR). Nous sommes très proches, car nous vivons à un peu plus d’un quartier l’un de l’autre. Donc, je passe le matin avec un café dans son studio et on commence à tester et imaginer des riffs pour voir si ça sonne bien. Ou alors, j’arrive avec une idée de morceau, par exemple. Je la lui soumets et on en parle. Ensuite, on prend nos guitares et on joue ce qu’on a aimé. Puis, si on se dit qu’il fait trois parties, il nous faut un chorus, un pont, un riff de fin, etc… C’est un peu comme ça qu’on bosse ! (Sourires) On travaille tous les deux environ huit heures par jour, peu importe le nombre de journées qu’on y passe. On pose les bases, en fait. Mais parfois, il arrive aussi que quelqu’un arrive avec un morceau complet et c’est toujours bienvenu. Mais c’est vrai que sur les derniers albums, Bill et moi entrions en studio avec beaucoup de matières, plus ou moins abouties, que nous présentions. Cela dit, sur « Hushed And Grim », Brent (Hinds – NDR) avait aussi apporté quelques idées et nous avions travaillé les arrangements ensemble pour les faire aboutir.

– L’an dernier, vous avez joué au fameux concert ‘Back To The Beginning’ pour célébrer Black Sabbath. Comment as-tu vécu ce moment et que représentait Ozzy pour toi ? Une sorte de père spirituel ? Un mentor ?

Oui, Black Sabbath et Ozzy sont tout pour moi. Ils ont inventé cette forme d’art qu’on appelle le Heavy Metal. C’est une sorte de lieu où nous pouvons nous exprimer et laisser flotter le drapeau de cette musique. C’est la tribu à laquelle j’appartiens ! Tu sais, j’écoute toutes sortes de musiques et il y a beaucoup de choses que j’aime dans tous les genres. Mais le Heavy Metal est vraiment celui auquel je m’identifie. Et cela vient aussi de mes souvenirs d’enfance. J’ai grandi en écoutant du Metal avec Black Sabbath et Ozzy, Iron Maiden et Judas Priest. Un peu plus tard dans ma scolarité, ça a été Metallica, Slayer et les autres. Tous mes amis écoutaient ça ! Depuis mes six ans, Ozzy a toujours été là. Quand j’étais petit, je croyais même que c’était un personnage de dessin animé ! Je trouvais qu’il avait une tête de chauve-souris et qu’il était fou ! (Rires) Tout le monde autour de moi aimait Ozzy !

Alors, être invité à ce concert a été l’un des plus beaux jours de ma vie. Jouer dans ce stade et en premier… C’était le plus grand honneur que je pouvais espérer. Et puis, je ne voulais pas qu’on soit le groupe qui fait de la merde ! (Rires) J’avais carrément toutes les paroles des morceaux sur un tom de ma batterie. C’est vraiment le truc le plus cool que j’ai pu faire ! (Sourires) C’était juste 15 minutes, mais c’était comme sortir d’un avion après avoir fait un voyage. Cela a vraiment été l’une des expériences musicales les plus marquantes que je n’ai jamais faites. Et il y avait tellement d’amour dans l’air, tout le monde était très excité. C’est l’un des meilleurs concerts auquel j’ai assisté aussi, car c’était la célébration des fans de Heavy Metal pour eux-mêmes et ils honoraient aussi leurs pères en montrant qu’ils étaient très fiers de faire partie de cette communauté. La veille à Birmingham, l’ambiance était incroyable. Et puis, c’était également la même chose pour tous les groupes qui ont joué. On avait tous le même objectif. Nous étions là pour honorer Black Sabbath et Ozzy et leur offrir le rendez-vous qu’ils méritaient en leur montrant tout notre respect pour tout ce qu’ils ont donné en tant que musiciens. Il y avait un sentiment très fort de fierté. Que ce soit Metallica, Slayer, Tool, Alice In Chains, Lamb Of God, Gojira et tous les autres : on leur a tout donné. Personne n’était au-dessus de l’autre. Et ensuite, je suis allé dans le public, j’ai pris une bière et j’ai commencé à fêter ça avec tout le monde. Et quand Ozzy est arrivé, on a tous commencé à pleurer ensemble et à chanter. C’était vraiment incroyable…

– J’aimerais qu’on dise aussi un mot de « Floods Of Triton », ce morceau que vous aviez sorti avec Lamb Of God il y a deux ans. Outre le fait de vous retrouver entre amis, quelle était votre intention en sortant un titre hors-album, pour les deux groupes d’ailleurs ?

En fait, nous étions en tournée pour célébrer l’anniversaire des vingt ans de leur album « Ashes Of The Wake » et celui de « Leviathan », le nôtre. Par pure coïncidence, ils étaient sortis le même jour en 2004. Et il y a dix ans peut-être, nous nous sommes dits que si nous étions encore vivants, il faudrait faire une tournée ensemble pour célébrer ces deux disques qui sont sortis ensemble ! (Sourires) Tu sais, c’est compliqué d’être dans un groupe qui dure dans le temps. Nous sommes chanceux de ce point de vue-là. Alors, il fallait fêter ça ! Donc, c’était cool de faire le lien entre nos deux groupes à travers cette tournée. Et puis, nous avions ce morceau que nous pensions parfait pour Randy (Blythe, chanteur de Lamb Of God – NDR). Oui, je pense que cela s’est bien passé et j’aime beaucoup ce titre ! (Sourires) Les gars de Lamb Of God sont des gens que j’adore, ce sont vraiment des amis.

– Enfin, pour vous suivre depuis longtemps et pour vous avoir aussi vu au Bataclan à Paris en 2012 sur la tournée de « The Hunter », MASTODON donne l’impression d’avoir éclairci son jeu, tout en restant fidèle au Sludge et au Stoner. Etes-vous en quête de précision musicale, ou c’est une évolution finalement très naturelle ?

Je pense que c’est assez naturel. Quand tu as l’opportunité d’écrire de nouvelles chansons, tu vois ce qui se passe et tu es toujours excité de continuer dans cette perspective. C’est intéressant de regarder le passé avec le recul et de voir ce qui te fait toujours vibrer. Pour ce qui concerne la précision musicale, de mon pont de vue, quand je suis derrière ma batterie et que je fais un concert, j’essaie toujours d’être le plus parfait dans mon jeu. En tout cas, j’essaie ! (Sourires) Et il y a toujours des trucs qu’on oublie de faire, ou d’autres qu’on est content d’avoir trouvés ! C’est toujours très amusant ! (Rires) Par ailleurs, je recherche aussi cette expérience spirituelle en étant sur scène avec les gars et toucher cet instant dans une chanson qui peut atteindre un sommet. Je cherche toujours ce moment-là. Atteindre ça derrière ma batterie, le tout combiné à d’autres impacts émotionnels, est une chose qui reste gravée pour toujours. A ce moment-là, il y a une véritable et réelle connexion avec le public… Je les vois chanter… C’est ça que je recherche en fin de compte ! (Sourires)

Le nouvel album de MASTODON, « Marrow Deep », est disponible chez Loma Vista Recordings.

Photos : William Lacalmontie (1, 4, 5) et Deathcats (2).

Retrouvez la chronique de l’album…

Mastodon : une bascule impériale

… Et celle de « Hushed And Grim » :

Mastodon : précieux et unique
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Hard Rock Sleaze Rock

Velveteen Queen : high voltage

La Suède a toujours été le creuset du Sleaze Rock à l’européenne, qui a su s’imposer sur la scène mondiale en lui redonnant même un certain lustre. Alors, même si ce deuxième album de VELVETEEN QUEEN nous renvoie irrémédiablement aux années 90, il n’y a rien de vintage ou de nostalgique sur ce très bon « The Greater Good » livré par le très prometteur quintet. Au contraire, il va de l’avant avec insouciance peut-être, mais laquelle sert surtout de façade à un Hard Rock très travaillé, instinctif et musclé, autant que touchant à travers des ballades bien ciselées. Une vitalité qui fait franchement très plaisir à écouter !

VELVETEEN QUEEN

« The Greater Good »

(Silver Lining Music)

C’est en 2021 que cinq amis de Göteborg décident de monter VELVETEEN QUEEN, un combo destiné à distiller son amour pour le Hard Rock et, en particulier, celui qui sévissait jadis sur le Sunset Strip de la Cité des Anges. Cependant, la scène suédoise étant très active et possédant aussi sa propre touche, c’est un beau mélange de ces deux cultures que présentent les Scandinaves. Le Hard Rock US y côtoie le Sleaze nordique et après un premier effort il y a deux ans, « Consequence Of The City », « The Greater Good » confirme l’assise et l’aisance du groupe.

Bien réalisé et bénéficiant d’un son clair et puissant, VELVETEEN QUEEN s’inscrit dans la veine de formations majeures du siècle dernier comme G N’R surtout (« The Greater Good », « Can’t Go Back In Time ») , mais aussi Aerosmith et The Black Crowes. Bien assimilées, ces références se fondent dans un style personnel explosif. Aux guitares, Lukas Axx et Noah Mårdh multiplient les riffs tranchants et des solos plus incisifs que démonstratifs. Solide, le duo basse/batterie (Vilmer Fall et Isac Borg) offre les inébranlables fondations à un Rock’n Roll débridé.

Fougueux et fort d’une belle assurance, Samuel Nilsson est impérial au chant et vient démontrer que la nouvelle génération a aussi mon mot à dire dans un registre qui peine à se renouveler, voire même à se trouver une place dans l’espace actuel. VELVETEEN QUEEN sait se montrer audacieux avec des morceaux accrocheurs, contemporains et à l’énergie folle (« Too Far Gone », « Adrenaline », « Talk Or Walk », « It Ain’t Over », « Liar »). Cerise sur la gâteau, le claviériste de Lynyrd Skynyrd, Peter Keys, accompagne brillamment nos rockeurs sur le morceau-titre. Survoltés !

Photo : Walter Hamilton

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Metal Progressif Sludge

Mastodon : une bascule impériale

Sous couvert d’un sludge Progressif fulgurant et massif, MASTODON s’offre une introspection pour le moins explosive. Très technique, mais accrocheuse, la formation d’Atlanta est aussi Heavy que tortueuse et parvient avec classe à renverser un destin qui semble s’acharner sur elle depuis quelques année. Complexe et moderne, « Marrow Deep » fend l’armure et repasse à l’attaque en restant attaché au jeu et à la virtuosité, qui ont toujours fait la particularité du désormais quintet. En patron, il impose sa marque et se montre particulièrement inspiré.

MASTODON

« Marrow Deep »

(Loma Vista Recordings)

Depuis des années, MASTODON fait face aux tragédies avec abnégation, et là où certains auraient sans doute baissé les bras, il sait faire preuve d’une incroyable force mentale. Cinq ans après le double-album « Hushed And Grim » qui était marqué d’une certaine mélancolie après la perte de son ami et manager Nick John, le groupe a dû essuyer d’autres drames personnels, ce qui a finalement décuplé son envie de se remettre à l’ouvrage et de se surpasser. Et « Marrow Deep » se présente comme le coup de semonce attendu et la réponse à de nombreuses questions.

Autour de Brann Dailor (batterie, chant), Bill Kelliher (guitare) et Troy Sanders (basse, chant), MASTODON accueille João Nogueira (claviers) et Nick Johnston (guitare), qui apportent leur touche et leur fraîcheur. « Marrow Deep » laisse ainsi plus de place aux synthés, renforçant les mélodies et son côté Prog pour afficher sa pleine puissance. Intenable et costaud, le combo est plus vivant que jamais, se dévoile aussi beaucoup plus, comme pour mieux évacuer de vieux démons et conjurer le sort. Son identité est intacte et elle resplendit avec une énergie accrue.

Pour ce phénoménal retour, les Américains ont invité quelques amis, une habitude, mais qui prend ici tout son sens. Ainsi, Josh Homme (QOTSA) est de la partie (« Snakes For Dinner »), Randy Blythe de Lamb Of God (« A Vampire’s Demeanor »), Neil Fallon de Clutch (« The Three Fates »), ainsi que Geezer Butler et Joe Duplantier de Gojira sur « The Vanishing ». Nate Newton et Ben Koller, la section rythmique de Converge, enfoncent le clou, mais MASTODON reste seul maître à bord et garant de son œuvre (« Poisonous Weapons », « Out Like A Lamb », « Moth And Bone ») Magistral !

A noter qu’une longue interview de Brann Dailor sera très bientôt en ligne sur le site !

En attendant, retrouvez aussi la chronique de « Hushed And Grim » :

Mastodon : précieux et unique
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Blues R&B Soul

Steve Cropper & The Midnight Hour : brother forever

Bien plus qu’un emblématique guitariste de studio qui a posé ses accords sur des hits planétaires devenus intemporels et entrés dans le patrimoine musical mondial, STEVE CROPPER nous fait de nouveau vibrer avec cet album posthume qui le voit entrer dans la postérité. Ayant eu la possibilité de l’écouter quelques jours avant sa mort, il était fier et d’un enthousiasme communicatif au sujet de ce nouvel opus, qui vient clore un parcours fantastique. C’est donc une page qui se tourne avec ce « Watching The Tide » lumineux.

STEVE CROPPER & THE MIDNIGHT HOUR

« Watching The Tide »

(Provogue) 

Avec la disparition de STEVE CROPPER en décembre dernier, c’est tout un pan de l’Histoire du Blues, de la Soul, du R&B et du Rock qui s’en est allé. Originaire du Missouri, le guitariste, compositeur, producteur et ingénieur du son a longtemps été un pilier des studios Stax et a participé aux grandes heures notamment d’Otis Redding, Sam & Dave et The Blues Brothers, dont il fut de tous les classiques. Rarement démonstratif, ce sont sa précision et son feeling qui ont écrit sa légende… et elle n’a pas fini de nous hanter sur ce « Watching The Tide ».

Collaborateur de prestige, STEVE CROPPER a aussi mené, plus discrètement, une carrière solo constituée d’une bonne douzaine de réalisations, dont « Friendlytown » sorti en 2024. Peu après, c’est au mythique studio RCA C à Nashville qu’il était allé enregistrer « Watching The Tide ». Composé avec Jon Tiven, également producteur du disque, et le chanteur de son groupe THE MIDNIGHT HOUR, Roger C. Reale, il est une dernière fois entouré de la crème de la crème pour un résultat éblouissant, chaleureux et aussi authentique que virtuose.

Sur cet ultime effort, on retrouve la chanteuse Ana Grosh (« Here & Gone », « Stand Right Here »), Nioshi Jackson à la batterie et l’ingénieur du son et claviériste Eddie Gore sur des compositions au groove unique et à la fluidité exceptionnelle. Musicien partageur, STEVE CROPPER accueille également quelques guests de renom comme Eric Clapton (« Ticket First »), Brian May et Billy Gibbons ensemble sur « My Angels Are Calling », puis ce dernier seul sur « Stand Right Here ». Décédé à 84 ans, le musicien laisse une splendide discographie et s’offre un final magistral.

Photo : Michael Wilson

Retrouvez la chronique de « Fire It Up » :

Steve Cropper : maître à jouer