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Acid’s Trip : une charge émotionnelle brute [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 31 mai 2021
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Aussi brut dans l’attitude que dans sa musique, ACID’S TRIP débarque avec un premier album fortement imbibé de Rock’n’Roll aux effluves bluesy et Southern. Originaire de Göteborg en Suède, le quatuor vient de livrer un « Strings Of Soul » aussi ébouriffant qu’intemporel entre riffs Hard Rock et ambiance Psych. Anna, guitariste et chanteuse de la formation, revient sur la conception de ce premier album et aussi sur sa vision de la musique à travers le groupe.

– Avant tout, j’aimerais qu’on revienne sur la formation d’ACID’S TRIP en 2018. Tu jouais avec Honeymoon Disease jusqu’à ce moment-là. Que s’est-il passé ? Tu as senti que c’était le moment de passer à autre chose ?

ACID’S TRIP est né dans mon esprit bien avant que nous ayons jamais parlé de nous séparer avec Honeymoon Disease. Je voulais jouer un Rock plus dur et plus technique, et je n’avais pas le sentiment que le groupe était le bon pour ce genre-là. Je voulais donc créer ACID’S TRIP en tant que groupe parallèle, tout en conservant Honeymoon Disease pour continuer d’exprimer ma créativité. Mais après la dernière tournée espagnole, les autres membres ont abandonné et je n’ai eu d’autre choix que de me concentrer à 100% sur ACID’S TRIP, qui est alors devenu mon groupe principal. C’est ce qui pouvait arriver de mieux d’ailleurs. J’adore le mélange de Soul et de Hard Rock que nous produisons, et nous ne pourrions pas être plus heureux de la sortie de notre nouvel album. J’ai même l’impression que nous venons juste de commencer à jouer même si ça fait déjà trois ans. Le temps passe si vite quand on s’amuse !

– Avec ACID’S TRIP, on a l’impression d’un retour aux sources du Rock’n’Roll avec un son brut, efficace et sans concession. C’est l’objectif ? Aucun artifice ?

Oui, notre principal objectif était ce retour aux sources avec un son plus brut et technique même s’il reste facile d’accès. Nous aimons les riffs intelligents, amusants mais qui sont bien pensés et qui donnent une note personnelle à la tonalité dans laquelle nous jouons. Ce genre de riffs est original, car il n’y a pas beaucoup de groupes aujourd’hui, qui consacrent autant de temps juste pour trouver « ce riff parfait ». De nos jours, tout semble axé sur une voix entraînante et des accords Rock, ce qui n’est pas grave, mais les gens ne se souviendront plus de ces morceaux dans quelques années. Notre album fait partie de ceux qui dureront des décennies et plus, vous ne vous ennuierez jamais en l’écoutant. Laissez-vous aller !

– Et il y a cette superbe Flying V sur laquelle tu joues. On en voit beaucoup trop peu depuis un moment, et notamment dans la nouvelle génération. J’imagine qu’il y a une histoire personnelle autour de cette guitare aussi, non ?

Ouais, ma Vera est ma principale et la seule guitare sur laquelle que je joue en fait. J’ai aussi une excellente guitare JPN SG, mais elle est ma guitare de secours en tournée, car j’aime un peu trop la V. J’ai vu cette édition spéciale de 1998 en 2014-2015, lorsque je passais devant un magasin de guitares ici à Göteborg. Je l’ai vu à travers la vitrine et 10 minutes plus tard, j’ai acheté la guitare de mes rêves. Elle a un son génial et surtout, le manche me parle et je joue beaucoup mieux. Les guitares sont très personnelles et j’adore la forme en V. J’élargirai ma collection V, lorsque le groupe atteindra les grands charts ! (Rires !) Et si Gibson lit ceci, passez-moi un coup de fil !!!

– Avec une inspiration très 70’s, ACID’S TRIP est résolument ancré dans son temps entre Rock lourd et Stoner Psych. L’accent est aussi porté sur un groove imparable et une folie permanente dans l’attitude, comme une sorte de défouloir très orchestré finalement. C’est votre comportement qui guide votre musique, ou l’inverse ?

Oui, c’est l’amour de vieux groupes comme Captain Beyond, The Dead Boys, MC5 et le Kiss des 70’s à leur apogée. Nous écoutons beaucoup de musique Rock et Heavy, et depuis que je collectionne les vinyles, j’ai écouté des milliers de disques qui ont perfectionné mon style d’écriture et la façon dont j’entends les mélodies. Tout ce que j’écris fait référence à quelque chose que j’ai entendu auparavant, et cela sonne comme je l’entends. J’adore l’album, car il a une âme, peu de groupes de Rock aborde le Rock de cette façon.

– J’aimerais que tu me dises un mot sur l’intro de l’album, « Prelude », elle aussi très originale. Quand on connait la suite de « Strings Of Soul », on imagine que vous avez voulu désorienter votre auditoire dès le début, non ?

Quand l’album était presque terminé, il nous restait quelques notes d’orgue à enregistrer. Mon père jouait sur tous les disques Honeymoon Disease, alors je lui ai demandé s’il voulait aussi le faire sur l’album d’ACID’S TRIP. Je connais sa façon de jouer, et lui celle dont je chante les mélodies. C’est comme ça aussi que j’entends les arrangements de chorale et ça sort naturellement pour moi. Je lui ai demandé de jouer un morceau mélancolique auquel j’ajouterai plus tard des voix. Je veux que les gens réfléchissent lorsqu’ils écoutent notre album, et « Prelude » était un moyen de mettre les gens de bonne humeur. Certaines personnes aiment ça et d’autres veulent juste des chansons Rock pour ensuite passer à l’album suivant. Je viens du milieu Psych Prog avec beaucoup de Blues, et on ne peut pas donner une âme à un album sans une bonne intro à mon avis.

– Avec ACID’S TRIP, on touche au Hard Rock un peu Old School, mais aussi à des ambiances Stoner, bluesy et même Southern. En, fait, vous êtes un groupe de cow-boys and girls scandinaves des temps modernes ! C’est ça ?

(Rires) Oui, je suppose que oui ! Quand je cherche une grande variété d’émotions, je mets du Lynyrd Skynyrd. Quand j’ai besoin de réfléchir à quelque chose, je me tourne plutôt vers des sons de Floride, et quand j’ai besoin d’inspiration pour des harmonies, je mets du Allman Brothers et du Big Mama Thorton. Et quand j’ai besoin de vitesse, les Hellacopters sont le meilleur choix. Et voilà, vous avez le mix d’ACID’S TRIP ! Le voyage que j’ai fait en 2018 à Nashville puis à Jacksonville, en Floride, m’a vraiment donné une perspective sur les choses et j’ai réalisé que le Rock peut être beaucoup plus que simplement maltraiter des guitares. Bien que ce soit amusant à faire, il faut être plus intelligent que ça.

– Vous avez entièrement enregistré « Strings Of Soul » vous-mêmes, qui a ensuite été mixé et masterisé par Ola Ersfjord. La première étape était importante pour vous, afin de délivrer ce son particulier qui forge vraiment l’identité d’ACID’S TRIP ?

Je pense que oui, surtout quand il s’agit du chant et de toute la production de l’album. Lorsque vous entrez en studio, le résultat est souvent ce que le producteur est capable de faire. Cela peut être une expérience vraiment géniale et qui peut également améliorer la qualité de l’album, car c’est un travail de professionnel. Mais cela peut aussi compromettre le son, le rendre trop commercial et « trop » clean, car il n’y a plus de place pour les erreurs et les joyeux petits accidents. J’ai pris le rôle de producteur pour cet album, ce qui m’a pris beaucoup de temps et d’efforts. Sans mon intervention, l’album aurait probablement un son plus moderne, ce qui pourrait être une bonne chose. Mais nous voulions garder l’ambiance que nous avions sur ce projet : beaucoup de café et de longues heures passées à répéter. J’ai fait le chant dans une pièce sombre toute seule, ce qui a été une expérience formidable. J’ai fait confiance à mon instinct et ça s’est bien passé.

– Assez rapidement et notamment du à la qualité de vos concerts, vous vous êtes faits remarquer par le patron du très réputé label underground Heavy Psych Sounds Records. C’est une belle récompense, en plus d’être la maison de disques idéale pour vous aussi, non ? Elle vous ressemble beaucoup…

Elle nous ressemble beaucoup, c’est vrai. Oui, on adore Heavy Psych Sounds Records ! Le label nous a vraiment pris sous son aile et nous n’aurions pas pu avoir de meilleurs partenaires dans ce domaine. L’ambiance et le style sont parfaits pour nous. Et c’est très direct !

– Le printemps est là et la pandémie semble nous laisser un peu respirer. Avec un album encore tout chaud, vous devez bouillir d’impatience de remonter sur scène ?

Absolument, mais à l’heure où nous parlons, nous prévoyons des concerts pour 2022, car nous ne voulons pas le faire cet automne. Il y a de grandes choses à venir et nous visons les festivals pour l’année prochaine. L’album est pertinent et il le sera encore à l’avenir !

L’album « Strings of Soul » d’ACID’S TRIP est disponible chez Heavy Psych Sounds Records depuis le 7 mai !

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Heavy metal International Metal

Void Vator : loud & fun [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 26 mai 2021
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Nourri de la frustration née au cœur de la pandémie, VOID VATOR s’est attelé à l’écriture de son deuxième album, et il en résulte un opus franchement étonnant. Certes, le power trio américain a musclé son jeu et ses nouvelles compos sont robustes et terriblement Heavy, mais « Great Fear Rising » est également très positif et fun. Décidément, en Californie, c’est toujours avec le sourire qu’on livre les productions les plus rentre-dedans !

– Avant la sortie de votre premier EP, « Dehumanized » en 2017, VOID VATOR s’est beaucoup produit en concert notamment à Los Angeles et en Californie. Ce sont ces trois premières années qui ont vraiment forgé votre style et votre son, ou vous sentez-vous toujours en pleine évolution ?

Nous évoluons constamment. Notre style et notre son ont vraiment commencé à prendre forme, lorsque notre bassiste actuel, Sam Harman, a rejoint le groupe. Ce n’est pas seulement dû à son arrivée et au fait qu’il ait pris le relais, mais il est plutôt la pièce manquante du puzzle. D’ailleurs, notre dernier album, « Great Fear Rising », montre notre son le plus lourd à ce jour.

– Justement VOID VATOR est très Metal avec des côtés Heavy, presque Thrash et franchement décomplexé. Même si votre style est solide et massif, il y a aussi des aspects plus légers, qui le rendent très fédérateur. On vous sent très libres et presque à contre-courant…

Nous écoutons toutes sortes de musiques différentes, donc je pense que cela se ressent aussi dans l’écriture des chansons. Notre but, en tant que musicien, est d’être libre. On compose ce que l’on veut et le reste se fait tout seul.

– Après avoir travaillé avec Ulrich Wild (Pantera, Deftones) et Bill Metoyer (Slayer, Body Count), ce sont Michael Spreitzer (DevilDriver) et Nick Bellmore (Toxic Holocaust) qui ont travaillé sur ce très bon nouvel album, « Great Fear Rising ». Vous avez des goûts de luxe, ou c’est parce que vous n’avez trouvé personne à la hauteur ?

C’est avant tout une question de relationnel. Nous avons rencontré Ulrich après un concert à Hollywood au ‘Rainbow’ et il nous a demandé si nous serions intéressés de travailler sur un album avec lui. Bill, que nous connaissions par un musicien du coin, nous a accroché à North Hollywood. Quant à Lucas, il a remplacé Mike de DevilDriver au ‘OzzFest’ à Mexico et Nick, nous l’avons rencontré par l’intermédiaire de notre ami Joey DiBiase. Joey a aussi joué de la batterie sur « Great Fear Rising ». Tous ces gens font désormais partie de la famille VOID VATOR, c’est pourquoi nous travaillons avec eux.

– Vous mariez avec facilité le fun, le groove et le Metal le plus puissant sur ce nouvel album. C’est une façon de vous démarquer, d’éviter de se prendre trop au sérieux ou c’est tout simplement l’esprit californien ?

Je pense que c’est une combinaison des trois. Quand nous avons commencé à écrire ce nouvel album, l’accent était mis sur des morceaux plus lourd et plus Metal. Sur « Dehumanized » et « Stranded », nous essayions de comprendre notre son, qui était volontairement plus léger. Mais c’était presque comme si nous nous mettions en travers de notre chemin en nous brindant finalement. Donc, pour ce nouvel album, nous avons décidé d’être nous-mêmes sans retenue et le résultat est beaucoup plus Metal.

– Outre les riffs tranchants et incisifs, la marque de fabrique de VOID VATOR réside aussi dans des refrains très accrocheurs avec des sonorités très 80’s et 90’s, mais actualisées. On a l’impression que c’est l’ambiance de vos morceaux qui prime avant tout. C’est le cas ?

Habituellement, le processus d’écriture d’une chanson commence par un riff ou une mélodie. Erik ou Lucas font souvent des petites démonstrations avant de commencer les répétitions. C’est un effort assez collaboratif. Nous pensons tous que nous pouvons partager des idées sans jugement et sans s’offusquer, si elle n’est pas retenue.

– Votre batteur Moura a aussi eu des soucis de visa qui l’ont obligé à rentrer en Angleterre, peu après votre signature chez Ripple Music. Où est-ce que cela en est ? Votre trio est-il dorénavant stable et serein ?

Moura est toujours en Angleterre en raison de ses problèmes de visa. Nous ne prévoyons pas qu’il revienne de sitôt, même si nous l’adorons, lui et sa femme Janilee. Je ne pense pas qu’il y ait quelque chose de serein dans le Rock’n’Roll. Pour le moment, nous prenons les choses telles qu’elles se présentent. Du coup, Joey DiBiase, qui a joué de la batterie sur le disque, jouera avec nous en tournée cet été.

– Pour conclure, VOIOD VATOR joue une musique résolument positive, libre et enjouée. Pourquoi avez-vous opté pour un visuel si sombre et un peu en contradiction avec l’esprit qui règne sur « Great Fear Rising » ?

Parce que la vie est une question de contraste et de dynamique !

« Great Fear Rising » de VOID VATOR est disponible chez Ripple Music depuis le 23 avril !

Bandcamp : https://ripplemusic.bandcamp.com/album/great-fear-rising

Retrouvez la chronique de l’album : https://rocknforce.com/void-vator-quand-rugit-la-californie/

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Blues International

Archie Lee Hooker : entre héritage et transmission [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 14 mai 2021
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Etre le neveu d’un géant comme John Lee Hooker pourrait être un fardeau bien trop lourd à porter pour beaucoup. Et pourtant, c’est l’esprit de famille gravé dans le cœur et un amour immense du Blues qui poussent ARCHIE LEE HOOKER dans cette voie qu’il aurait, de toute façon, eu du mal à éviter. Vivre le Blues et le chanter est bien plus qu’une passion pour l’Américain, installé en France depuis une dizaine d’année. C’est une nécessité et presqu’un devoir. Entretien avec l’un des derniers grands musiciens et détenteur de l’âme première du Blues…

– Né dans le Mississippi, c’est pourtant en arrivant à Memphis, Tennessee, que tu t’es réellement investit dans la musique et notamment dans un groupe de Gospel où tu chantais. Qui avait-il de différent là-bas ? Le Mississippi est une terre très musicale pourtant aussi ?

Au Mississippi, la musique était une activité de week-end, parce que tout le monde travaillait dans les plantations pendant la semaine. La musique gospel était jouée dans les offices religieux, donc c’était surtout le week-end, et parfois le mercredi. Mais le dimanche était le jour le plus important pour les églises. Cela commencerait à 9 heures pour les enfants de l’école catholique, puis il y avait de la musique jusqu’à 13 heures et aussi à 15 heures généralement au deuxième office, où des personnes extérieures à l’église pouvaient venir. C’était une fête.

– Le Blues est finalement entré assez tard dans ta vie, en 1989. A cette époque, tu vis chez ton oncle, le grand John Lee Hooker, The Boogieman. Te souviens-tu de tes premiers sentiments à l’écoute de ses notes de Blues et dans quelles circonstances cela a-t-il eu lieu ?

Pour moi, écouter son blues revenait à écouter sa vie, son parcours et de la raison pour laquelle il était tel qu’il était. Sa musique racontait vraiment sa vie. Et écouter ses paroles se reflétait sur ma propre vie. Nous avions eu tous les deux une enfance similaire, car nous étions tous deux issus des plantations. Ecouter sa musique m’a aidé à faire des choix dans ma propre vie.

– Tous les bluesmen rêvent d’une telle initiation, ainsi que de pouvoir rencontrer les grands musiciens que tu as pu côtoyer à l’époque. Etais-tu conscient de la chance que tu avais et du privilège de pouvoir écouter et jouer avec de tels musiciens ?

J’étais reconnaissant de pouvoir les écouter tous. Non seulement d’écouter leur musique, mais aussi d’écouter les histoires qu’ils racontaient. J’ai eu beaucoup de chance de rencontrer autant de musiciens de Blues qui comptent parmi les plus grands.

– Est-ce que c’est à ce moment-là que tu as vraiment trouvé ton chemin et surtout le ton, les sonorités et le style que tu voulais donner à ton jeu ?

Oui, quand j’ai rencontré tous ces différents musiciens, ils ont tous projeté leur art d’une manière différente. Et c’est là que j’ai décidé de trouver ma propre voie, de ne pas les copier, mais de trouver mon truc. Etre naturel et concret. Quand vous touchez et approchez ces musiciens, vous vous rendez compte de qui ils sont, et qu’ils sont bien réels au sens de qui ils sont véritablement. Et c’est ce que je voulais faire moi-même !

– Est-ce que, dès le départ, ton intention a été de te démarquer de cet immense héritage familial, ou au contraire d’apporter une pierre supplémentaire à l’édifice ?

C’est ce que j’essaie de faire, c’est-à-dire de garder vivant ce que faisait John et d’y ajouter quelque chose de personnel au lieu de prendre quelque chose qu’il aurait déjà fait. Je ne veux pas le copier. Quelque part dans notre lignée, un autre membre de la famille prendra le flambeau et le portera encore plus loin, du moins c’est ce que j’espère !

– Il y a 10 ans, tu as décidé de venir t’installer en France. C’est assez surprenant de quitter la patrie du Blues. Pourquoi la France a-t-elle été ta destination privilégiée ? Tu as eu un feeling particulier, ou est-ce juste par exotisme musical ?

C’était une suggestion de John. Si je voulais faire du blues, je devais voyager en Europe ! Je lui ai demandé où et il a dit qu’il ne pouvait pas me le dire, mais que je le saurais une fois que j’y serai. Et c’est arrivé en France et c’est ici que la roue a commencé à tourner en ma faveur. Cela aurait pu être n’importe où, mais pour moi c’était la France. Ce n’était pas quelque chose de prévu, c’est simplement arrivé naturellement ! Et j’aime ça !

– C’est après une tournée européenne avec Carl Wyatt & The Delta Voodoo que tu as décidé de monter ton propre groupe. Que cherchais-tu que tu ne trouvais pas à ce moment-là musicalement ?

Je cherchais à me trouver véritablement, ce qu’il y avait au fond de moi. Je cherchais des musiciens qui pourraient projeter le son que j’avais en moi dans un groupe. Carl est mon frère et nous sommes encore de très bons amis. Il a son style et je l’adore, mais pour mon groupe, je cherchais un son différent. Je voulais jouer mon propre style. La musique que je fais aujourd’hui est celle que j’entendais quand j’étais jeune. C’est pourquoi j’ai décidé de créer le Coast To Coast Blues Band. Juste pour jouer ce que j’ai dans le cœur et dans la tête…

– Justement aujourd’hui ton groupe, le Coast To Coast Blues Band, est constitué de musiciens brésiliens, français et luxembourgeois, le tout mené par un Américain. Comment as-tu monté ce casting éclectique et tellement complémentaire ? Le Blues n’a donc pas de frontières ?

Non, le Blues n’a pas de frontière. C’est pour ça que je n’ai pas choisi les musiciens d’après leur pays d’origine, mais juste pour leur talent. Et comme ils venaient tous de régions côtières différentes, le nom du groupe est venu naturellement. Tout le monde vient d’une partie du monde différente, tout le monde a eu une enfance différente et écouté de la musique différente. Tout cela s’infiltre dans le son d’un océan à l’autre. Nous avons réussi à réaliser ce que nous voulions vraiment. Nous avons tous un rêve et se retrouver pour jouer cette musique est magnifique.

– Après « Chilling » en 2018, « Living In A Memory » vient de sortir et il respire le Blues, la Soul avec toujours ce petit côté Gospel. Comment composes-tu et qu’est-ce qui t’a guidé cette fois dans tes compositions ?

La vie ! C’est elle qui m’a guidé. Je la revis, car je regarde en arrière pour voir ce que j’ai vécu, les routes que j’ai parcouru et emprunté pour me souvenir de tous ces jours et les mettre en mots. Beaucoup de gens dans ce monde pourraient vivre la même chose que moi et s’ils peuvent apprendre de mes erreurs, alors j’aurais fait la meilleure chose qu’on puisse faire sur cette planète : j’aurais aidé quelqu’un d’autre. Si quelqu’un passe par la même chose que moi, il peut apprendre de mes erreurs et ne pas avoir à en faire l’expérience lui-même.

– Cet album sonne très américain, même après 10 ans passés en France. Le son européen n’a pas eu d’influence sur ton jeu ou même tes envies de création ?

Le son européen est différent, c’est vrai. Je dirais que notre son est américain, mais surtout américano-européen ! (Rires) Le son du groupe vient de ce que les musiciens ont entendu dans la musique américaine et de la manière dont ils l’ont traduit dans leur façon de jouer. Et c’est vraiment ce qui la rend très excitante pour moi.

– Est-ce que tu suis un peu la scène Blues française, et quel regard y portes-tu ? Il y a des groupes que tu apprécies tout particulièrement ?

Oui, j’écoute la scène française. Les musiciens prennent la musique américaine et se l’approprient, ce qui est génial. Je prendrais comme exemple Fred Chapellier, Bâton Bleu, Charlie Fabert ou Dom Ferrer pour n’en citer que quelques uns.

– Enfin, j’imagine que tu gardes aussi un œil sur la scène américaine. Quels sont les talents émergents qui ont attiré ton regard dernièrement ?

La jeune génération, celle qui est dans la trentaine, a grandi avec le Blues traditionnel et elle retourne à ses racines. Phillip Michael Scales, Christine Kingfish Ingram de Clarksdale sont très jeunes, mais ils jouent tous un Blues traditionnel. Le simple fait de les voir se l’approprier et ne pas le laisser mourir me rend heureux. Le Blues, c’est l’histoire de l’Amérique. C’est ce qui a permis au pays de rester uni, car c’était la musique qui les avait réunis. Ce sont nos racines.

« Living In A Memory » est disponible depuis le 16 avril chez Dixiefrog/PIAS.

Retrouvez la chronique de l’album : https://rocknforce.com/archie-lee-hooker-the-coast-to-coast-blues-band-un-prenom-qui-en-impose/

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Hard Rock International Rock

The Damn Truth : highway to Rock [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 12 mai 2021
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THE DAMN TRUTH, c’est avant tout une musique chargée d’ondes positives, de vibrations intenses d’où émane un aspect solaire et créatif incroyable. Après moins de dix ans d’existence, le quatuor de Montréal vient tout juste de sortir « Now Or Nowhere », son troisième album, et celui-ci se présente comme celui de l’éclosion véritable des Canadiens. Entretien avec un groupe qui ne devrait pas mettre bien longtemps à faire beaucoup parler de lui et à déferler sur les scènes du monde entier.

– Avant d’entrer dans le détail, quels sont les sentiments qui vous animent quelques jours après la sortie de « Now Or Nowhere », un album aussi époustouflant qu’ébouriffant ?

On est très excité de pouvoir enfin partager « Now Or Nowhere » avec nos fans et avec beaucoup d’autres aussi, on l’espère ! Et puis, on a tellement travaillé dur sur l’album et tout ce qui l’entoure.

– THE DAMN TRUTH existe depuis maintenant neuf ans et est l’un des fers de lance de la scène Rock underground de Montréal. Est-ce que toutes ces années et les deux premiers albums sortis en indépendant étaient nécessaires et indispensables pour forger votre identité musicale et aller au bout de votre expérience en autoproduction ?

Oui, certainement. Notre groupe et notre musique sont un amalgame de toutes nos histoires et nos expériences de vie. Chaque concert et chaque album nous ont guidé vers ce que nous sommes aujourd’hui. Chaque jour est une leçon et on a beaucoup appris durant toutes ces années, qui ont été très formatrices.

– Même si vous avez tourné en Europe et aux Etats-Unis voisins aux côtés de grands noms, quel a été le déclic pour ce nouvel album, car on ressent une réelle évolution et même un nouveau cap de franchi ?

Pour cet album, on a pris la décision très consciemment d’écrire des chansons plus positives et remplies d’amour. Pendant ces quatre dernières années de tournées intenses, on a eu la chance de rencontrer des milliers de personnes. On a vraiment pu avoir une vue à la fois très large, mais aussi très intime de notre société. Nous avons partagé des histoires et beaucoup de moments intenses avec énormément de monde. Et le lien commun entre tous, c’est le désir d’amitié, d’amour et de vibrations positives. Alors cette fois-ci, on a voulu apporter avec nous tous ces éléments en studio pour les retranscrire dans les arrangements de nos chansons.

– Comment a eu lieu cette connexion avec le grand producteur Bob Rock ? Qui a contacté l’autre ? J’imagine que si malheureusement l’album n’a pas été jusqu’à son terme, ce doit être une expérience très enrichissante ?

On a eu la chance que notre manageur, Ralph Alfonso, ait travaillé avec The Payolas, qui était le groupe de Bob Rock dans les années 80. Quand on est rentré de notre tournée européenne à Montréal, on voulait vraiment envoyer nos chansons à Bob. Ralph nous a dit : « Avec Bob, on a une seule chance, alors on a besoin de bonnes chansons ! » On pensait vraiment les avoir, alors Tom (Shemer, guitariste – NDR) a appelé Ralph à tous les jours jusqu’au moment où il a envoyé les chansons ! (Rires) En moins de 24 heures, Bob nous a invité à venir enregistrer l’album à Vancouver au Warehouse.

– Justement, a-t-il changé et fait évoluer votre son, ou tout du moins votre approche musicale, lors de l’enregistrement dans le studio de Bryan Adams à Vancouver ?

Oui, vraiment. Il nous a beaucoup appris et il nous a projeté dans un monde hyper-créatif dès notre arrivée à Vancouver. Avant d’y aller, on avait travaillé les chansons pendant cinq mois et 6 jours par semaine. On voulait vraiment essayer tout ce qu’on pouvait en termes d’arrangements pour être prêts pour n’importe quelle configuration en studio. On était sûrement un petit peu nerveux aussi ! (Rires) Mais en arrivant, Bob nous a mis à l’aise en quelques secondes.

Bob Rock a une façon tellement sensible de faire ressortir ce qu’il veut entendre, presque sans dire un mot ! Il est extrêmement doué en musique et il a une culture encyclopédique ! Nous nous sommes tous profondément investis et il était vraiment exciter de travailler sur un album de Rock’n’Roll. Il nous a dit : « Je vais faire des suggestions, on essaie tout et on garde juste ce que l’on aime ». Du coup, on avait énormément de liberté pour tenter beaucoup de nouvelles choses. Il y a vraiment eu une belle alchimie. On a appris tellement de choses durant cette expérience avec Bob. Et ça nous a aussi aidé au moment de produire les trois dernières chansons à Montréal dans nos studios Freqshop et Grandma’s house.

– Vous avez terminé l’album avec Jean Massicotte, Vance Powell, Nick Didia et Mike Plotnikoff, qui sont autant de grands noms. Leur avez-vous demandé, ou ont-ils décidé, de travailler dans la même logique et la continuité de ce qu’avait déjà effectué Bob Rock, afin de ne pas perdre l’unité de l’album ?

En fait, on a fini l’album nous-mêmes à Montréal. Ensuite, Vance, Nick, Mike et Jean ont travaillé sur le mix de certaines chansons. C’était durant la période de confinement, alors on a fait des sessions de mixage à distance. C’était vraiment cool d’entendre Vance travailler depuis Nashville pendant qu’on l’écoutait en live au Freqshop, qui est le studio de Dave ici à Montréal. Un grand merci à la technologie !

– Pour « Now Or Nowhere », vous avez mis toutes les chances de votre côté en allant dans un grand studio avec de grands producteurs et le résultat est très franchement à la hauteur. C’est aussi ce que vous aviez en tête dès le début ? Les morceaux devaient sonner comme cela dans votre esprit, ou est-ce que de nouvelles idées et de nouvelles envies sont apparues au fur et à mesure ?

On voulait vraiment garder notre esprit et notre cœur ouverts. On avait déjà des démos de très bonne qualité. Après des mois de répétitions, nous sommes partis à l’aventure en studio à Vancouver sans vraiment savoir à quoi s’attendre. On avait déjà trouvé beaucoup de sons, alors on a amené beaucoup d’équipement pour pouvoir les reproduire. On savait aussi qu’on avait seulement quatre jours pour enregistrer six chansons, c’est-à-dire assez peu de temps. Quand on est arrivé, la batterie était déjà prête pour les sessions d’enregistrement. C’était celle d’Abe Laboriel Jr., le batteur de Paul McCartney. Le set-up était vraiment nouveau pour nous et avec les hauts plafonds le son était franchement massif et impressionnant ! Pendant les sessions, Bob a sorti plein de guitares de rêves ! Tom a utilisé la Stratocaster de Richie Sambora sur le solo de « This is Who We Are Now » et PY a utilisé la basse de Bryan Adams sur « Look Innocent ». Lee-La a même eu la chance de chanter dans le micro de Frank Sinatra. On avait l’impression que tout cet équipement très vintage et chargé de tant d’histoires a fait ressortir quelque chose en nous de très spécial. Avant les sessions, Bob nous avait dit : « Attendez d’entrer dans le studio A, c’est là que la magie va se faire ». Et il avait raison !

– Vos compos sont toutes très abouties et matures et dégagent une énergie incroyable. Il y a un côté très live et on a même l’impression que vous les avez enregistrées en prise directe. C’est cette sensation très brute que vous recherchiez ?

Oui, c’était très important pour nous que la plupart des morceaux soit enregistrée en prise directe. On croit vraiment en notre musicalité et en l’énergie d’une performance. Dans beaucoup de musique actuelle, tout est coupé, copié et collé et ce n’est vraiment pas notre son. On voulait livrer quelque chose d’authentique et d’organique. Bob était vraiment concentré sur le côté ‘vibe’ des performances tout au long des sessions. Je crois qu’on a vraiment pu capter ces moments-là durant l’enregistrement.

– En plus d’être très dynamique et mélodique, il y a un côté très solaire et positif qui se ressent à travers l’ensemble de l’album. On vous sent aussi libérés qu’appliqués d’autant qu’il en émane une force et une grande puissance. C’est quelque chose que vous gardez toujours à l’esprit en composant ?

Sous une étiquette Rock, on peut prendre beaucoup de directions. Les fans de Rock ont un esprit ouvert et on a l’avantage de composer une musique très vaste. D’ailleurs, nos grandes influences comme Led Zeppelin, les Beatles ou Jefferson Airplane avaient tous cette grande diversité. Et on adore ça.

Cela se ressent énormément sur « Now Or Nowhere », je pense. Nos deux premiers albums étaient beaucoup plus sombres avec des textes assez revendicatifs. Après nos expériences diverses à travers le monde, on a ressenti que nos fans et nous-mêmes avions besoin de plus de positivité et d’optimisme.

C’est un message qui a toujours été présent dans notre musique, mais on l’a poussé plus en avant cette fois. Surtout qu’aujourd’hui, nous avons tous besoin de sentir de l’amour et de ressentir des vibrations et des influences positives autour de nous. On a vraiment hâte que tout le monde puisse enfin se serrer dans les bras, et plus fort que jamais.

– Musicalement, votre Rock sonne très américain avec d’évidentes vibrations 70’s et assez vintage. Tout en étant très actuel, votre style semble intemporel. C’est une façon de libérer les musiques qui vous ont influencé tout en leur donnant un sacré coup de boost ?

On est quatre musiciens avec des influences très diverses. On aime le Classic Rock, le Psychédélique, la Folk, le Rock Progressif, le Hard Rock, le Metal et même la Pop et beaucoup d’autres choses encore… N’oublions pas que nous avons tous grandi pendant les années Grunge. Alors nos influences viennent vraiment de partout, puis on passe tout ça à la moulinette THE DAMN TRUTH !

– De cette puissance affichée se dégage une chaleur et une générosité sur chaque note et à travers chaque parole. Quel est le processus de création au sein de THE DAMN TRUTH ? C’est un travail en commun, ou est-ce que chacun apporte ses idées, ses textes ?

Les idées sont partagées pendant les jams et chaque morceau évolue dans cet espace-là. On peut commencer avec un ou deux riffs, ou bien un couplet-refrain, et on travaille dessus tous ensemble. Dès le moment où nous jouons ensemble, ça évolue et ça sonne assez rapidement et instinctivement THE DAMN TRUTH. Le processus est très démocratique, il y a des moments chargés d’émotions, et nous connaissons très bien nos forces aussi. On essaie à ce moment-là de toujours les utiliser à notre avantage.

– Avec un album aussi réussi, vous vous doutez bien que votre exposition et votre notoriété vont exploser. C’est quelque chose que vous attendez depuis longtemps et à laquelle vous êtes préparés ou, au contraire, qui ne changera rien à votre quotidien ?

On fait de la musique pour le frisson de voyager et d’être créatif ensemble. Partir à l’aventure et vivre une vie unique. C’est ça notre but et si on peut continuer à faire ça, alors on aura réussi.

– Un dernière question : si « Now Or Nowhere » s’adresse bien sûr aux amateurs de Rock, voire même de Hard Rock, il y a une telle diversité et un son qui le rendent aussi très accessible. Votre démarche est aussi de vous adresser au plus grand nombre ?

On écrit d’abord la musique pour nous-mêmes et également pour faire des albums qu’on voudrait sans cesse écouter. Alors si en plus les gens aiment ça, c’est du bonus. Comme nous allons jouer ces morceaux des milliers fois, il faut d’abord les aimer comme nos propres enfants. C’est notre point de départ et si, en plus, le succès vient s’y ajouter, ce ne sera que mieux !

« Now Or Nowhere » de THE DAMN TRUTH est disponible chez Spectra Musique/Sony Music.

Retrouvez la chronique de l’album : https://rocknforce.com/the-damn-truth-lexplosive-revelation-quebecoise/

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Hard Rock International Progressif Rock

The Vintage Caravan : résolument moderne ! [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 10 mai 2021
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C’est en 2006 sur leur île, l’Islande, qu’ont résonné les premiers riffs, les premières rythmiques et les premiers refrains de THE VINTAGE CARAVAN. Cinq albums plus tard, c’est un trio plus qu’aguerri, sûr de lui et terriblement inspiré qui arpentent les scènes du monde entier. Avant de les retrouver pour quatre dates françaises l’an prochain, entretien avec le très bon et très sympathique bassiste du trio, Alexander Örn Númason, qui revient sur cette belle épopée et une aventure faite de persévérance et de travail.

– Vous avez créé THE VINTAGE CARAVAN alors que vous étiez très jeunes et avec un premier deal d’album il y a presque 10 ans. J’imagine que cette déjà longue expérience vous a permis d’éviter certains écueils professionnellement ?

Oui, c’est vrai que le groupe existe depuis un certain temps maintenant. Je pense que nous avons eu la chance d’avoir beaucoup d’opportunités dans notre carrière, mais nous avons aussi commis beaucoup d’erreurs. C’est inévitable, mais cela vous oblige à faire de meilleurs choix par la suite. Ça a été financièrement difficile de faire fonctionner le groupe, mais cela s’améliore avec l’expérience que nous avons maintenant !

– Après votre premier album éponyme, « Voyage », « Arrival » et « Gateway » ont assis votre réputation qui a été confortée par de très bonnes prestations live. Quel regard portez-vous aujourd’hui sur cette dernière décennie, alors que sort votre cinquième album « Monuments » ?

Eh bien, je pense que les choses se sont toujours déroulées assez lentement mais toujours régulièrement pour THE VINTAGE CARAVAN. Rien n’a vraiment été jamais tout noir ou tout blanc. Nous travaillons très dur à la fois sur scène et en dehors, et finalement on récolte ce que l’on sème. Nous sommes toujours aussi impatients et nous cherchons à être meilleurs dans ce que nous faisons. Alors, on attend avec impatience ce que la nouvelle décennie nous réserve !

– Avant de parler du nouvel album, pourquoi avoir quitté Nuclear Blast pour Napalm Records ? Votre collaboration ne répondait plus à vos attentes ?

Nuclear Blast a récemment été rachetée par un grand conglomérat de médias et ils ont procédé à un changement complet de personnel dans tous les départements. Nous avions la possibilité d’aller chez Napalm Records et nous avons pensé que c’était le moment idéal. Nous espérons beaucoup des nombreuses années à venir chez Napalm. Ce sont vraiment des gens formidables !

– Il y a quelques années, en 2014, vous avez aussi quitté votre Islande natale pour le Danemark. C’était devenu compliqué pour vous de tout gérer depuis votre île ?

C’est tout simplement impossible sur le plan logistique, notamment pour les tournées, car il faillait toujours s’envoler vers et depuis l’Islande. Nous avons eu la chance de pouvoir déménager au Danemark et de vivre juste à côté de la frontière allemande. Alors, c’est ce que nous avons fait. Nous y sommes restés deux ans et nous avons fait en moyenne 80 à 90 concerts par an, ce qui n’aurait jamais été possible depuis l’Islande. Nous voulions juste jouer tous les spectacles qui présentaient, peu importe d’ailleurs le tarif ou le nombre de spectateurs. Maintenant, c’est un peu différent, nous sommes plus établis et que nous pouvons choisir avec une plus grande liberté.

– THE VINTAGE CARAVAN présente aussi un line-up stable depuis le départ de votre premier batteur. Le côté solaire et positif de votre musique vient-il aussi de cette sérénité acquise dans la durée ? Vous vous connaissez très bien tous les trois…

Nous avons le même line-up maintenant depuis environ 6 ans, ce qui est vraiment agréable. Le changement de batteur a été une situation très stressante, il a donc fallu un certain temps pour s’adapter. Mais maintenant, nous nous sommes posés et avec ce deuxième album avec ce même line-up, nous savons comment travailler ensemble plus simplement, tout en restant très concentrés pour obtenir le meilleur résultat.

– L’ADN du groupe réside dans ce groove incroyable guidé par des influences très 70’s, Psych et progressive. Vous qui n’avez pas connu cette époque très créative, comment êtes-vous tombés amoureux de ce style et que lui trouvez-vous de si pertinent ?

La musique qui vient de cette époque est tout simplement incroyable et aussi très diversifiée. Il y a une grande liberté qui s’entend sur les albums Prog qui sont sortis comme King Crimson, Yes, Rush et beaucoup d’autres. C’est juste quelque chose qui a toujours résonné en nous. Mais il y a aussi beaucoup d’influences modernes et, honnêtement, je pense qu’il n’y a pas de groupe de Rock qui ne soit pas, au moins un peu, influencés par les groupes des années 70, à savoir Led Zeppelin, Black Sabbath, Jimi Hendrix, etc.

– Sur ce nouvel album, on sent qu’un cap a été franchi dans les compostions comme dans les arrangements, qui sont beaucoup plus riches que sur « Gateway » notamment. C’est aussi votre sentiment ?

Bien sûr, nous nous efforçons toujours d’être meilleurs dans ce que nous faisons et cela implique bien sûr les compositions, mais aussi les arrangements. Personnellement, cela fait longtemps que je ne me concentre plus sur le simple fait de devenir un meilleur bassiste. Maintenant, il s’agit plus concrètement de comprendre l’espace et la profondeur qui accompagnent les morceaux et les enregistrements, ainsi que d’essayer de créer des chansons qui n’ont pas de points faibles en termes de flux. C’est le processus actuel et j’espère qu’avec le prochain album, nous serons encore meilleurs !

– Sur « Monuments », on retrouve les ingrédients de THE VINTAGE CARAVAN avec des envolées très Hard Rock, parfois Metal, et cette fois il y a aussi un côté Stoner plus prononcé. Et c’est vrai que votre style s’y prête bien. C’est un registre que vous vouliez explorer depuis longtemps ?

Je pense que nous avons atteint le sommet dans notre côté Stoner Rock avec « Arrival ». Il y a énormément d’influences sur ce nouvel album avec notamment du Rock, du Metal et du Stoner, mais aussi beaucoup de Funk, de Jazz, voire de Hip-Hop. Nous avons tous des goûts musicaux assez variés, donc cela finit par être un joli melting-pot. C’est parfois difficile de déterminer d’où tout cela provient, mais c’est une bonne chose car je pense que cela signifie que nous nous ressemblons de plus en plus, et que notre style est de plus en plus personnel.

– Un mot aussi sur la production de « Monuments » qui est dense et massive. Dans quelles conditions avez-vous enregistré l’album, et aviez-vous des exigences particulières quant à sa couleur sonore ?

Oui, il s’est passé beaucoup de choses, et nous avons eu beaucoup de chance de retravailler avec Ian Davenport (Band of Skulls, Gaz Coombes, Philip Selway, etc …), qui a fait un excellent travail de production et de mixage. L’album a été enregistré dans les fameux studios de Hljóðriti en Islande, qui a un caractère sonore très spécial et un matériel à peine croyable. Alors, nous avons passé de longs moments à expérimenter pendant les 22 jours que nous avons passés là-bas.

– Justement, vous venez d’annoncer les dates de votre prochaine tournée en 2022, avec d’ailleurs quatre passages par la France. Vous qui êtes véritablement un groupe de scène, vous devez être plus qu’impatients, non ?

Bien sûr, nous avons hâte de remonter sur scène. Nous attendions juste le bon moment. C’est une situation difficile, car les concerts ont été reportés si souvent qu’il était presque difficile de croire que les tournées allaient reprendre un jour !

« Monuments » est disponible depuis le 16 avril chez Napalm Records.

Retrouvez la chronique de l’album : https://rocknforce.com/the-vintage-caravan-une-eruption-irresistible/

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Extrême International Progressif

Tassi : entre deux mondes [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 25 avril 2021
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Le chanteur et compositeur Dryad, leader du groupe post-Black Metal chinois Bliss-Illusion, revient cette fois en solo dans un univers onirique entre réalité, poésie et divinités à l’œuvre dans un « Northland I & II » saisissant. A travers ce double-album concept, le musicien explore des contrées musicales assez inédites. L’occasion de poser quelques questions au chanteur aussi habité que la trame de l’histoire qu’il nous conte.

– On te connait comme leader du groupe post-Black Metal/Blackgaze Bliss-Illusion avec qui tu as sorti le très bon « Shinrabansho ». Tu sors cet album solo à la faveur d’une pause avec ton groupe, où c’est quelque chose sur laquelle tu travailles depuis longtemps ?

En fait, mon album personnel n’était pas planifié de longue date. C’est arrivé soudainement, et je me suis senti à la fois surpris et satisfait.

– J’aimerais tout d’abord qu’on revienne sur ce double-album, « Northland I & II », qui sort actuellement dans une version différente de la première, qui est sorti en deux temps. Quelles sont les principales différences entre les deux éditions ? Et y as-tu effectué des modifications, notamment musicales en ajoutant ou en retirant certains passages ?

C’est vrai que l’album est sorti de deux façons différentes dans sa forme, mais les morceaux et les paroles sont identiques. C’est vrai que la version européenne du design de la pochette est vraiment géniale ! Je tiens d’ailleurs à remercier Alcide, Abel et mon ami William pour tout ce qu’ils ont fait pour mon album.

– Pour sa conception, tu t’es appuyé sur un recueil de nouvelles et de poésie que tu as toi-même écrit. Tu avais déjà en tête le fait de le mettre un jour en musique ?

Je n’avais pas vraiment de plan à ce moment-là, mais j’ai senti que l’année dernière a été vraiment difficile pour tout le monde. Alors j’ai voulu faire quelque chose pour moi, et pas seulement, en cette période spéciale. J’ai donc sorti ces deux albums et j’espère qu’ils pourront apporter joie et paix aux gens.

– « Northland I & II » est aussi un concept-album, avec une trame et une histoire très construites. Peux-tu nous en tracer les grandes lignes et l’histoire qui sert de fil rouge à l’album ?

TASSI, le héro, se situe dans un monde entre l’homme et Dieu. Je crois que c’est aussi l’endroit où je résidais. Car bien sûr, je connais aussi des choses de ma vie antérieure. En fait, le rôle d’Uni (l’amant de Tassi) est devenu une croyance pour Tassi. Elle n’est pas seulement une personne, elle représente son voyage accompagné de nombreuses divinités.

J’étais (Tassi) très fatigué du monde. Plus tard, j’ai rencontré mon amante et ma foi. Puis, j’ai compris ce que je voulais dire dans ce monde. Et je suis très reconnaissant pour tout cela. J’espère que ces gens tristes pourront mener une belle vie, que nos ennuis et nos inquiétudes disparaitront.

– L’album est emprunt de poésie bien sûr, mais aussi d’ésotérisme et même de Bouddhisme, dans une atmosphère très onirique et assez mystique. On y retrouve aussi des sonorités issues de la tradition chinoise et japonaise. Ces différents aspects étaient indissociables dans la conception et pour la cohérence de l’album ?

Bien que ces deux albums soient des visions du monde bouddhistes, ils ne comportent aucun élément bouddhiste. J’ai voulu me débarrasser du thème musical de Bliss-Illusion C’est un album plein de romance et de divinité. Je dois aussi dire que ces deux albums sont profondément influencés par Sigur Ró s et Dante Alighieri.

– Si « Northland I & II » garde des sonorités Black Metal, l’ensemble est très atmosphérique et progressif avec des passages acoustiques et Folk, ainsi que des bruits de nature. C’est un album très organique et narratif et il est même assez cinématographique dans son ensemble. C’est une touche et une ambiance que tu souhaitais apporter à l’album ?

J’ai utilisé des dialogues de mes films préférés. Mon troisième album est toujours en cours d’enregistrement, et j’ai l’intention d’ajouter des sons ambiants et d’autres éléments musicaux. Je ne suis pas seulement un blackgazer. Je suis très fan de Rock indépendant et de Dream Pop. Je veux essayer de les intégrer dans de futurs albums. Parce que « Caelum Deva » est un monde coloré.

– Le chant est lui aussi assez différent d’avec Bliss-Illusion puisque s’il y a toujours du growl, tu chantes beaucoup en clair et les passages parlés sont eux aussi très nombreux. Vocalement, rester dans un registre exclusivement Metal était impossible pour un tel album ?

Les chansons de Bliss-Illusion sont toutes chantées par Dryad, tandis que les chansons de Northland sont chantées par TASSI. Parce que mon signe astral est celui des gémeaux ! (Rires)

– Maintenant que tu as exploré d’autres registres avec TASSI, cela a-t-il donné des envies et des idées pour la suite et mener en parallèle de ton groupe ce projet solo encore un peu plus loin ? Ou au contraire, était-ce un one-shot au concept unique qui n’aura pas de suite ?

Sérieusement, j’y ai réfléchi. Je ne sais pas pour l’avenir, mais je ferai de mon mieux. Je continuerai à faire l’histoire et la musique de « Northland », car c’est l’endroit où ma femme et moi vivions. Ça me manque beaucoup. Bien sûr, nous chérirons chaque jour dans ce monde. Enfin, j’espère que vous pourrez tous être en bonne santé et en sécurité, merci à toi.

« Northland I & II », l’album de TASSI, est disponible chez Anesthetize Productions

https://anesthetize.fr/produit/tassi-northland

Bandcamp : https://tassi.bandcamp.com/music

Retrouvez également la chronique de l’album : https://rocknforce.com/tassi-epopee-orientale/

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Hard Rock International Rock

Hound : vibrations vintage [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 14 avril 2021
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Depuis sa création en 2014, HOUND écoute ses émotions, ses envies et les libère dans un Hard Rock très 70’s sauvage et aux mélodies imparables. Toujours privés de leur terrain de jeu favori qu’est la scène, les Allemands viennent de sortir un deuxième album farouche et indomptable dans un style unique qui marie une approche très moderne et des atmosphères résolument vintage. La chaleur du son du quatuor n’a d’égal que sa fougue. Entretien avec Wanja Neite, un chanteur à la voix étonnante…

– Avant de parler de votre premier album, « Settle Your Scores », qui vous a fait connaître, j’aimerais que tu reviennes sur vos débuts en 2014 et vos deux EP… Dès le départ, vous avez opté pour ce Hard Rock Old School et vintage, ou avez-vous mis un peu de temps avant de trouver votre style actuel ?

Oui, ça s’est fait dès le début, car nous sommes tous accros à ce son depuis notre plus jeune âge. Nous avions un endroit très isolé et presque insalubre, où nous rencontrions d’autres musiciens pour jouer toutes sortes de musique Rock pendant des années. Et finalement, nous avons formé HOUND. Le premier EP a été fait très artisanalement dans un grenier. Et je pense que cette tendance à négliger un peu les arrangements avec un jeu brut est née à ce moment-là. Nous aimons et nous jouons beaucoup de musiques différentes, mais c’est vraiment le son qui émerge lorsque nous sommes ensemble. J’adore ce style Rock Old School, sa chaleur et sa vibration.

– Vous avez rapidement acquis une solide réputation de groupe de scène grâce à des prestations très fortes. Est-ce qu’on construit un répertoire en pensant à ce qu’il va provoquer sur scène ?

Oui, c’est vrai et c’est quelque chose à laquelle nous pensons souvent. Nous développons une chanson sur une longue période et on en enregistre différentes versions avant le rendu final. Ça nous arrive d’ailleurs de jouer une toute autre version en concert, car c’est plus spontané contrairement à un disque. Sur le nouvel album, nous nous sommes souvent laissé aller sur la production en incluant de nombreuses improvisations et des idées très impulsives.

– Après vos deux EP, vous avez signé chez Metalville. Qu’est-ce qui a changé pour vous à ce moment-là ? Une meilleure visibilité ? Des tournées aussi plus faciles à mettre en place ?

Pour être honnête, artistiquement : rien. Nous avons juste continué à faire notre truc. Les gens de Metalville ont non seulement un réseau splendide, mais surtout ils sont très engagés dans ce style de musique. Nous travaillons en étroite collaboration avec eux, ce qui nous permet de nous concentrer beaucoup plus sur l’artistique et faire notre musique.

– J’aimerais qu’on revienne sur ce style si particulier qui vous caractérise et vous démarque des groupes du même registre. On y trouve une solide base Hard Rock 70’s avec de nombreux éléments comme la Funk, le Blues et des aspects Punk et Psych. HOUND ne se ferme aucune porte tout en réactualisant un style qui a fait ses preuves…

J’aime me dire que nous plongeons dans un immense bassin plein de diversités pour n’en faire ressortir que ce qui nous plait. Je ne comprends pas ceux qui veulent ajouter des choses à un style déjà existant. Lorsque nous jouons du Rock, des trucs plus funky ou bluesy, ce n’est pas comme si nous étions attachés à un genre ou à un code. Je m’en fiche vraiment, en fait. J’espère toujours que les auditeurs ressentiront le profond dévouement et la dévotion au Classic Rock qui traverse chaque mesure de nos albums. J’avoue que j’adore profondément le Rock des années 60, 70 et 80. Enfant, on me disait : « Ecoute Tommy (de The Who) avec une bougie allumée et tu verras ton avenir ! ». J’adore cet album, tout comme beaucoup de trucs récents que ce soit du Rock, de la Pop, de la Folk, du Hip-Hop, du Dub, de l’Indus… Peu importe.

– Sur votre premier album, la présence très forte de bouillantes parties d’orgue ressort de belle manière et donne une couleur incroyable à l’album. Pourquoi est-il moins présent sur « I Know My Enemies » ?

L’année dernière, Jonas, qui jouait les claviers depuis le tout début, a quitté le groupe. Alors, nous avons continué tous les quatre. Comme on ne pouvait pas le remplacer sur scène et dans la composition, nous avons dû avoir beaucoup d’autres idées. Yannick (basse) et Nando (guitare) sont des musiciens très créatifs et ludiques, et leurs idées se répandent partout dans les morceaux. John (batterie) est du même genre, et aussi capable de garder le groupe dans les clous. Et puis, nous avons eu le grand plaisir d’accueillir Anders Becker de Liquid Orbit comme invité, qui a joué de l’orgue sur quelques morceaux avec beaucoup de talent.

– D’ailleurs et même si l’on retrouve cette même énergie communicative, on sent ce nouvel album plus sombre, avec des riffs plus costauds et Heavy et des textes souvent assez mélancoliques. Comment l’expliques-tu ?

Depuis l’année dernière, je suis heureux en dehors de cette pandémie, bien sûr. Je trouve de la joie dans beaucoup de choses et surtout dans la musique. Mais à côté, il y a beaucoup de choses qui me font peur, qu’elles soient collectives ou individuelles, et qui ont un impact sur moi. Tout cela, bien sûr, s’infiltre dans la musique et c’est aussi très stimulant. Vous laissez aller la frustration, le désir, l’oppression et les peurs intériorisées et BOOM ! Il en ressort un riff qui te détend et qui transforme le tout en joie. Donc, même si l’album jette parfois un coup d’œil dans l’abîme, j’espère que la musique émet toujours ce sentiment de joie profonde. En ce qui concerne les paroles, les mots doivent avant tout bien sonner. Mon couplet préféré de l’album vient de la dernière chanson « The Downfall », qui fait : « Ouais, ouais, ouais, ouais ! ». (Rires)

– J’aimerais justement que l’on parle de ta voix qui est si particulière et d’une incroyable polyvalence. Elle est incontestablement une force pour HOUND. Il y a même un petit côté androgyne saisissant. J’imagine qu’elle est le point de départ de vos compositions pour les mélodies, non ?

Dans la plupart des cas, les parties instrumentales existent déjà. J’essaie différentes choses et j’improvise encore et encore jusqu’à ce que je rassemble des idées qui me plaisent. Et puis, il y a des mélodies et des idées qui me viennent en tête dès que j’entends un riff pour la première fois. Et il m’arrive aussi de tout changer à nouveau. Nous parvenons rarement à calibrer une chanson et une version définitive instantanément. Et généralement, on change aussi les arrangements de nos morceaux environ tous les deux ans.

– On peut qualifier le style de HOUND de Hard Rock vintage et Old School. Pourtant, je le trouve au contraire très novateur, actuel et vivifiant même avec des bases très 70’s. Est-ce que tu partages ce sentiment et surtout cette vision de votre jeu ?

Oui, c’est bien analysé. La musique que nous jouons nous sort des tripes, donc nous ne pouvons pas vraiment dire d’où nous viennent les idées. On ne cherche jamais à reproduire ce que nous avons aimé, mais plutôt à créer quelque chose de neuf. Et puis, nous avons tous des périodes où nous écoutions telle ou telle musique. J’adore profondément le Rock des années 60 et 70 comme tout le monde dans le groupe. Mais je ne ressens pas le besoin d’y ajouter quelque chose. Je ne me lasserai jamais d’écouter l’original de « Fireball » de Deep Purple. Il y a quelque chose de très spécial à jouer ce genre de musique et cela provient de la chaleur qu’elle dégage. Pour moi, jouer de la musique dépasse le fait d’innover ou de reproduire ce qui a déjà été fait. Et tu vois depuis que Nando (guitare) a commencé à chanter un peu plus, notre musique a gagné en légèreté avec son petit côté enfantin ! (Rires)

– Pour conclure, avec cet album très mature et intemporel, et malgré la situation sanitaire, quels sont vos projets à courts et moyens termes ? Vous devez être très impatients de remonter sur scène, car vous n’y avez pas encore joué votre album ?

Nous sommes réellement un groupe de scène dans l’âme. Et la situation actuelle est pourrie. Ça craint ! Avec le temps, on devient méfiant et on cherche tous la lumière au bout du tunnel. Ne pas pouvoir jouer ces chansons devant des gens m’est insupportable et je sens que je vais éclater. Mais je dis cela d’un point de vue de privilégié quand même. A la fin, j’espère juste que tout ira bien. En ce moment, je suis fier de ce que nous avons fait avec le nouvel album et j’aime franchement écouter ces nouveaux titres. Et je commence déjà à avoir de nouveau faim !

Le deuxième album de HOUND, « I Know My Enemies », est disponible depuis le 26 mars chez Metalville Records

Retrouvez la chronique : https://rocknforce.com/hound-une-tradition-bien-secouee/

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International Stoner/Desert

Yawning Sons : un concept rare et précieux [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 12 avril 2021
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YAWNING SONS est une entité transatlantique née de la rencontre entre les Anglais de Sons Of Alpha Centauri (SOAC) et les Américains de Yawning Man. Dans un Desert Rock progressif devenu mythique, le groupe est une évasion musicale sans pareil entre longs jams et fulgurances Rock très instrumentales. Pour la sortie du très attendu deuxième album (après 12 ans !), c’est le britannique Nick Hannon, bassiste de SOAC et pilier du groupe, qui nous en dit un peu plus sur le génial « Sky Island ». Rencontre…

– J’aimerais tout d’abord que tu reviennes sur la création de YAWNING SONS. Comment vous êtes-vous rencontrés et qu’est-ce qui vous avait poussé à enregistrer « Ceremony To The Sunset » à l’époque ?

Avec SOAC, nous travaillions sur notre deuxième album et Gary (Arce de Yawning Man) venait de sortir l’album « Dark Tooth Encounter », ou du moins les démos, et j’ai été complètement époustouflé. Nous l’avons contacté pour lui demander s’il serait intéressé pour s’impliquer sur le deuxième album de SOAC à l’époque. Il est venu en Angleterre et tout est devenu évident à son arrivée, tant l’alchimie musicale était phénoménale et complètement organique. YAWNING SONS était né.

– 12 ans séparent les deux albums. Pourquoi avez-vous attendu si longtemps avant d’enregistrer « Sky Island » ? Ce sont vos emplois du temps respectifs qui ont compliqué les choses ?

Oui, Gary a été très occupé avec Yawning Man. Ils tournent autant qu’ils le peuvent et lorsque nous avons travaillé ensemble pour la première fois, seuls « Rock Formations » et le EP « Pot Head » étaient sortis. Depuis, ils ont sorti quatre albums, plusieurs live et entrepris de nombreuses tournées. De notre côté, nous avons travaillé sur de nombreuses versions en collaboration avec Karma to Burn, et ensuite un deuxième album, puis un album-concept avec Justin Broadrick. Alors oui, nous étions très occupés chacun de notre côté.

– Maintenant qu’on a un point de comparaison entre les deux albums, je trouve que « Sky Island » sonne très américain, alors que « Ceremony To The Sunset » avait une sonorité très anglaise…

Je suis heureux qu’il y ait cette perception de contraste. Après ce grand laps de temps, il n’aurait pas été judicieux, ni utile de livrer un second « Ceremony To The Sunset ». Chaque album doit avoir sa propre identité et le groupe ne pourrait pas survivre s’il était purement enraciné sur un seul album après tant d’années. C’est bien qu’il y ait ce contraste pour créer un certain équilibre.

– « Sky Island » est aussi moins instrumental que le précédent. C’était une envie commune d’avoir plus de chant et donc aussi du texte ? D’ailleurs, par qui sont-ils écrits ?

Avec deux groupes entièrement instrumentaux, pouvoir travailler avec des chanteurs est passionnant ! Les paroles sont écrites par eux-mêmes, et elles captent toujours des vibrations vraiment cool dans les morceaux, ce qui les rend tout à fait uniques.

– Est-ce qu’avec YAWNING SONS, tu t’autorises des choses que tu ne fais pas avec SOAC ?

Absolument. Nous avons tendance à explorer davantage de thèmes précis dans YAWNING SONS et à les poursuivre jusqu’à ce qu’ils soient suffisamment organiques pour serpenter doucement d’une ambiance à une autre. C’est un processus progressif très naturel. La façon dont les deux guitares et la basse se lient est tout à fait unique et nous pousse à des performances différentes que nous ne ferions pas autrement dans nos groupes respectifs, je pense.

– Vous avez enregistré « Sky Island » à Joshua Tree et il en ressort d’ailleurs une atmosphère très particulière. Dans quelles conditions cela s’est-il passé et quels souvenirs gardez-vous de la conception de ce nouvel album ?

Ce fût un moment très agréable. Nous avions prévu que Bill Stinson soit à la batterie pour l’album, mais nous étions si loin dans le désert qu’il s’est perdu ! Du coup, nous avons demandé à Clive (notre producteur) s’il connaissait quelqu’un de la région qui savait exactement où nous étions et qui pouvait aussi jouer de la batterie. Et c’est Kyle (Hanson) qui s’y est collé et qui a rendu vraiment rendu l’album spécial. Gary (Arce) venait de rentrer de tournée et avait de très bonnes idées. Sur laligne de basse de ce qui est devenu « Shadows and Echoes », tout s’est parfaitement imbriqué. C’est ça aussi YAWNING SONS.

– Sur ce nouvel album, il ressort une couleur sonore étonnante, une ambiance musicale profonde et pleine de relief. C’est le son que vous souhaitiez donner à YAWNING SONS dès le début ?

La profondeur du son et l’ambiance sont plus définies sur ce deuxième album. Tant que cela reste organique et planant, alors c’est cool. Les retours et les critiques ont été incroyables, et nous avons travaillé dur pour capturer cette atmosphère rare, mais constante, en sachant que l’ambiance est la chose la plus importante.

– Est-ce que vous suivez vos carrières respectives, et quel regard portez-vous sur vos derniers albums à savoir « Continuum » pour SOAC et « Macedonian Lines » pour Yawning Man ?

Eh bien, je ne peux parler que pour SOAC, même si bien sûr je suis un grand fan de mes frères de Yawning Man. Pour moi, « Continuum » a été un grand pas en avant pour SOAC. Nous avons réuni un Rock Ambiant et Progressif dans un voyage instrumental. Nous avons vraiment apprécié de pouvoir faire les choses vraiment librement et sans contrainte. Il est imprévisible, enfin j’espère ! Je ne pense vraiment pas que nous ayons un style immédiatement identifiable.

– Pour conclure, une question s’impose : considérez-vous toujours, et tous, YAWNING SONS comme un side-project ou un groupe à part entière ?

Ce deuxième album contribue certainement à élargir l’horizon de ce qu’est YAWNING SONS. Ce n’est plus seulement une simple idée ou un projet : c’est un groupe. Cependant, c’est un concept rare et précieux et j’espère que les astres s’aligneront à nouveau un jour …

L’excellent « Sky Island » est disponible depuis le 26 mars chez Ripple Music.

Retrouvez la chronique de l’album :

Yawning Sons : l’attraction solaire du désert

Alternative Metal Extrême International Metal

While She Sleeps : une société pas si anonyme [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 2 avril 2021
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Originaire de Sheffield en Angleterre, WHILE SHE SLEEPS est un groupe très actif et activiste de la scène MetalCore depuis 2009 surtout. Après avoir créé son studio et son propre label, le quintet vient de concevoir Patreon, une plateforme où les fans deviennent les principaux acteurs de l’économie du groupe à travers leur participation. Grâce à ses abonnés, le groupe devient producteur de contenus en tout genre à la demande de leurs fans : c’est l’objectif de la « Sleeps Society ». Lawrence « Loz » Taylor, chanteur du groupe, en dit plus sur cette nouvelle démarche, ainsi que sur l’album qui va bientôt sortir…

– Avant de parler de ce nouvel album, j’aimerais que tu nous expliques en quelques mots ce qui vous a motivé à créer la « Sleeps Society »…

En fait, le processus a commencé avec « You Are We » en 2017, parce que c’était la première fois que nous produisions notre album nous-mêmes. Et il a été l’un de nos plus grands succès. Nous avions tout gérer de A à Z, c’est-à-dire de la production du disque à la promotion, les concerts, etc… C’est vraiment à ce moment-là que l’idée de la « Sleeps Society » a germé. On a pu mettre le doigt sur ce qui n’allait pas dans l’industrie musicale depuis ces dernières années. Il fallait effectuer un changement, car le système ne fonctionnait plus. On ne pouvait plus faire carrière dans cet establishment-là. Cette notion de communauté nous a donc paru essentielle et nécessaire. Le fait de s’adresser directement à la fan-base était évident, car ce sont les premiers concernés et notre relation avec elle fonctionne très bien. Ce rapport direct avec nos fans a changé beaucoup de choses. Cette plateforme nous sert à nous adresser à eux et à échanger en évitant le système en place. Ce n’est pas facile pour les groupes en ce moment. Le streaming représente aujourd’hui 95% de l’écoute de musique, ce qui est énorme et ce changement a bouleversé beaucoup de choses. Alors, si on veut que le milieu underground survive, il fallait apporter quelque chose de supplémentaire, car que nous ne sommes pas dans le même système qu’un groupe de Pop commercial. On a du faire évoluer notre façon de travailler.

– Concrètement, comment fonctionne-t-elle d’autant qu’elle peut s’adapter à tous les groupes qui le souhaitent, non ?

Oui bien sûr, mais tu sais, ce n’est pas quelque chose de très nouveau en fait. Cela permet de tout gérer soi-même, en direct et sans intermédiaire. La liberté est totale. C’est une plateforme qui permet de se passer de l’establishment en place, d’être indépendant. Nous avons beaucoup appris avec cette façon de faire et je pense que cela peut aussi aider beaucoup de groupes.

– En 2019, vous aviez alerté des dangers du streaming en éditant un t-shirt pour souligner l’importance des ventes de merchandising pour la survie des groupes. Penses-tu que cette sensibilisation ait porté ses fruits ?

Oui, ce t-shirt a beaucoup sensibilisé, c’est sûr. Le message était très clair et beaucoup de gens en ont pris conscience. Ils ont compris que 5.000 streams correspondaient environ à 20£. Quand tu mets tout ça dans la balance, c’est un truc de fou. Il fallait vraiment en informer les gens. Je pense que maintenant beaucoup de monde a compris que ça n’allait pas et qu’il fallait faire quelque chose. Au final, ce sont encore et toujours les gros de l’industrie musicale qui raflent la mise, et non les artistes. D’où l’importance du merchandising direct, même si cela ne remplace pas la vente physique d’albums.

**Le fameux t-shirt avec lequel WHILE SHE SLEEPS a commencé à éveiller les consciences en 2019.**

– Revenons en 2021. Face à vos multiples campagnes et votre militantisme, comment réagit votre maison de disques ? Avez-vous son soutien ?

Oui, c’est assez génial d’ailleurs ! La « Sleeps Society » bénéficie d’un grand soutien de la part de notre maison de disques. Tout le monde a appris énormément avec cette démarche. C’est aussi plus simple pour nous de pouvoir composer et faire les choses quand nous en avons envie, gérer nous-mêmes les réseaux sociaux et leurs contenus. On sait qu’on s’adresse aux bonnes personnes au bon moment. Tout le monde peut aussi voir ce que l’on fait et nous sommes vraiment contents du soutien que l’on reçoit : les gens sont au cœur du projet. Tout le monde y trouve son compte et c’est une très bonne chose.

– Votre cinquième album va bientôt sortir (le 16 avril) et la première chose qui interpelle, ce sont ces morceaux beaucoup plus directs et incisifs. Vous avez cherché à être encore plus efficaces dans le songwriting ?

Je ne pense pas que c’était quelque chose de conscient lorsque nous avons écrit les morceaux. C’est ce que beaucoup de gens nous ont dit. Le message était beaucoup plus direct et indépendant sur ce nouvel album. Nous aimons toujours beaucoup parler de politique dans nos textes, et chacun peut y faire son interprétation. Notre message n’a pas tellement changé depuis toutes ces années. Nous parlons d’unité et des situations difficiles qu’on peut rencontrer en y apportant notre point de vue. C’est vrai que beaucoup de monde s’y retrouve surtout dans cette période de pandémie, où nous sommes encore plus isolés que jamais. Nous restons toujours positifs et j’espère que les fans ressentent toute cette énergie positive. Nous sommes une sorte de confident, c’est pourquoi cette communauté est importante.

– Musicalement, votre style s’affine aussi de plus en plus et tout en gardant cette puissance énorme. Ce nouvel album est beaucoup plus mélodique et peut-être moins brutal. Le but est-il de fédérer le plus possible en étant un peu plus accessible ?

Comme je te le disais, il n’y avait rien de prémédité au moment de l’écriture. On voulait juste faire un album différent. Nous jouons ensemble depuis de longues années maintenant et nous aimons des styles de musique très variés. Ce nouvel album est juste une nouvelle collaboration où chacun apporte ses idées. Nos influences sont variées et nous emportent dans des registres et aussi un flow nouveau à chaque fois. On n’a jamais voulu sortir deux fois le même album, et sur « Sleeps Society », on voulait vraiment quelque chose de collectif. Je pense que nous sommes chanceux de pouvoir changer ainsi de terrain de jeu et de faire grandir et évoluer WHILE SHE SLEEPS. Nous ne voulons pas sonner comme les autres. Un groupe qui ne sonne pas comme tout le monde est un bon groupe, je pense. Nous créons notre propre vision de la musique à partir de tout ce que nous écoutons, et c’est vraiment ce que nous aimons faire.

– Une fois encore « Sleeps Society » est toujours aussi bien produit. Comment avez-vous travaillé pour la composition de l’album ?

Il m’arrive d’enregistrer des textes sur mon téléphone, les gars proposent des idées de morceaux, et ainsi de suite…. chacun apporte sa pierre à l’édifice. Nous avons enregistré cet album pendant le confinement, ce qui aurait du être compliqué car nous ne pouvions pas être dans la même pièce ensemble. Mais nous avons notre propre endroit pour travailler, ce qui nous a beaucoup aidé. C’est le QG de WHILE SHE SLEEPS. Ici, on peut être tous ensemble tout en gardant de bonnes distanciations. On a vraiment de la chance d’avoir ce lieu pour pouvoir travailler tranquillement. Malgré la pandémie, tout s’est presque normalement passé et ça nous a permis de ne pas trop nous préoccuper de la situation.

– Vous avez aussi invité Simon Neil de Biffy Clyro sur « Nervous », et Deryck Whibley de Sum 41 sur « Defeat For The Brave ». Qu’est-ce qui vous a rapproché, car vos univers sont assez différents ?

Ah oui, définitivement ! Simon était assez nerveux, car tout le monde a été très touché par la pandémie. Et donc l’avoir comme guest sur l’album était très important pour nous. Et beaucoup de très bonnes choses se sont passées. Nous avons vraiment voulu que les invités apportent un vrai plus sur l’album en y apportant leur patte, leur style et leur vision du morceau. Ils ont choisi leur façon de chanter les titres. C’est cela qui nous intéressait vraiment. Et puis, ce sont deux chanteurs que nous respectons énormément. C’était vraiment génial et incroyable pour nous de les avoir sur le disque. Il s’est vraiment passé quelque chose de spécial avec eux. Ils sont très positifs et je pense que les gens vont s’en rendre compte en écoutant les morceaux.

– Il y a aussi ce morceau « Call Of The Void » avec le featuring de la Sleep Society. De qui est-elle composée ?

A la base, nous avons lancé un appel sur nos réseaux en demandant à nos fans de participer à l’album pour les remercier. On leur a donc donné les paroles du premier morceau qu’on avait écrit avec le groupe avec deux versions différentes. Du coup, ils se sont enregistrés avec leur téléphone ou un micro, et l’objectif était de les intégrer sur l’album. C’est ça la « Sleeps Society » ! Ca a donné quelque chose de vraiment spécial de pouvoir faire participer nos fans à ce nouveau disque sur ce morceau.

– Enfin, en menant votre combat pour la reconnaissance des droits des groupes en plus de cette pandémie, comment arrivez-vous à rester positif en cette période trouble et inédite ?

C’est vrai que c’est difficile pour le monde de rester positif sur une aussi longue période. Pour ma part, j’aime parler de petites victoires en restant concentrer sur le fait de vivre tout ça semaine après semaine. Rester positif tous les jours n’est pas évident, quand on ne sait pas quand tout reviendra à la normale. Il faut y aller petit à petit et surtout garder espoir.

« Sleeps Society », le nouvel album de WHILE SHE SLEEPS, sortira le 16 avril chez Spinefarm Records/ Universal.

Doom Extrême International Stoner/Desert

Acid Mammoth : une ascension à marche soutenue [Interview]

Auteur de l’article Par One-Man-Zine
Date de l’article 30 mars 2021
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En l’espace de seulement trois albums et d’un split EP, le quatuor grec ACID MAMMOTH s’est fait une solide réputation dans l’univers Doom européen. Une position qu’il faudra maintenant confirmer sur scène, dès que possible. Une chose est sûre, on a franchement hâte de les découvrir en concert et prendre en pleine face le Stoner Doom lourd et épais des Hellènes. Entretien avec Chris Babalis Jr., guitariste et chanteur du combo.

– Le moins que l’on puisse dire, c’est qu’ACID MAMMOTH n’évolue pas vraiment à l’allure d’un pachyderme. Trois albums et un split EP en trois ans : la cadence est soutenue. On a presque le sentiment que vous êtes dans l’urgence, c’est le cas ?

C’est vrai que nous avons été très occupés ces deux dernières années. Nous n’étions forcément pressés, mais le processus de chacun de ces albums s’est déroulé de manière assez fluide et naturelle. Nous avions beaucoup d’idées de chansons, donc c’était logique pour nous de les enregistrer plutôt que d’attendre. Nous avons pris notre temps avec « Acid Mammoth » et le suivant « Under Acid Hoof », avec des sorties espacées de trois ans. Quant à « Doom Sessions Vol.2 » et « Caravan », nous pouvons remercier les confinements pour avoir été une source d’inspiration. Dès que nous avons été coincés chez nous, écrire de la musique et être créatif était le seul moyen de préserver notre santé mentale en ces temps sombres. C’’est pour ça que nous avons pu enregistrer ces deux disques en si peu de temps.

– Avant d’entrer dans le vif du sujet, il faut rappeler qu’ACID MAMMOTH est aussi une affaire de famille, puisqu’on te retrouve aux côtés de ton père aux guitares, et vous êtes tous des amis d’enfance. Comment cela se passe-t-il au sein du groupe ? Qui écoute qui ? C’est qui le patron ?

Il n’y a pas de patron dans le groupe, nous travaillons tous ensemble pour atteindre les mêmes buts et les mêmes objectifs. Le simple fait que nous nous connaissons si bien nous permet de travailler encore plus facilement, car nous ne sommes pas seulement les membres d’un groupe qui se rencontrent une fois par semaine pour les répétitions, mais de très bons amis qui traînent ensemble tout le temps. Bien sûr, avoir mon père dans le groupe rend l’équipe encore plus forte, car notre lien indéfectible père/fils nous permet de travailler harmonieusement et ensemble les guitares. Dimos et Marios sont aussi ravis de travailler avec lui car, après tout, ils l’ont bien connu avant qu’on joue tous ensemble. Et nous partageons tous la même fascination pour Black Sabbath. En grandissant et à travers différentes générations bien sûr, on a pu se réaliser à travers le groupe, en jouant ensemble des airs de ‘Sabbath’ et en partageant la même passion pour le Heavy.

– Après un premier album éponyme et autoproduit, vous signez chez l’excellent label Heavy Psych Sounds Records, reconnu pour son catalogue exceptionnel. Quelle a été tout d’abord votre premier sentiment ? Un certain accomplissement, une fierté ?

Nous sommes vraiment fiers de faire partie de la famille HPS et de faire partie de cette liste d’artistes incroyables et que nous admirons. HPS a été formidable depuis le premier jour et nous sommes vraiment heureux. C’est un peu comme notre maison maintenant, après quatre albums sortis chez eux. Nous avons hâte de voir ce que nous ferons ensemble à l’avenir. Si tu me disais quand nous avons commencé ce groupe que, non seulement nous signerions avec Heavy Psych Sounds, mais aussi que nous ferions quatre albums ensemble, je ne l’aurais pas cru. Nous les avons contacté pour une signature potentielle après l’enregistrement de « Under Acid Hoof », et Heavy Psych Sounds nous a accueilli après la première écoute du disque !

– « Under Acid Hoof » sort donc en 2019 et on découvre le Stoner Doom puissant du groupe. Même si on sent encore une certaine influence sabbathienne, le chant surprend par sa clarté et une certaine douceur très contenue. C’est à ce moment-là que vous avez peaufiné et que vous avez affirmé vraiment votre style ?

Nos influences sabbathiennes sont présentes et ce n’est pas un secret : nous sommes tous de grands fans. Cependant, nous essayons de présenter notre propre version du Doom. Nous intégrons toutes ces influences, en essayant toujours de produire quelque chose d’authentique et personnel, même si ce n’est peut-être pas quelque chose de nouveau ou de révolutionnaire. Nous n’avons jamais cherché à révolutionner le genre, nous sommes d’abord des fans, puis des musiciens. Tout ce que nous avons toujours voulu depuis le début était de créer ensemble des morceaux que nous aimons. Nous avons réussi à cet égard, car nous sommes vraiment satisfaits de chaque disque que nous produisons. Chacun est fait avec beaucoup d’amour. Il peut en effet y avoir une certaine douceur à certains moments dans nos chansons, car nous voulons leur apporter une sensation apaisante, une atmosphère familière qui vous fait vous sentir chez vous à chaque fois que vous faites tourner nos disques.

– En septembre dernier, vous figurez sur le volume 2 des « Doom Sessions » de votre label aux côtés du groupe 1782. Comment s’est passée cette nouvelle expérience, où vous signez trois inédits franchement massifs. Vous n’avez pas été tentés par une collaboration directe avec 1782 ?

C’est vraiment génial de partager un disque avec 1782. C’est un groupe de Doom fantastique, ainsi que des gars formidables. Il y a des différences dans nos sons respectifs. 1782 adopte un son plus vintage et Old School dans leurs albums, qui fonctionne très bien et vous emmène directement aux profondeurs de l’enfer. Au contraire, nous adoptons un son plus cristallin et plus moderne dans nos chansons. Chaque style fonctionne parfaitement pour chaque groupe et malgré nos différences, les deux styles s’accordent très bien. C’est un disque vraiment sombre et occulte, et nous croyons fermement que les deux groupes ont tout donné pour produire des chansons qui nous parlent vraiment plutôt que d’adopter une approche « gardons les bonnes chansons pour le prochain album », qui aurait entaché la sortie.

– Il y a quelques jours, vous sortiez « Caravan » que vous avez écrit, enregistré et produit en plein confinement. Qu’est-ce que cette situation a apporté à ce troisième album ? J’imagine que les conditions étaient très particulières ?

Composer les chansons de « Caravan », tout en étant coincé à la maison, a été une belle expérience, apaisante même. L’enregistrement de l’album n’était pas du tout problématique, car Athènes venait de sortir du premier confinement, donc c’était génial. Cependant, dès que nous avons commencé à mixer l’album, la ville a subi à nouveau un verrouillage total. Puis la situation a changé et certainement pas pour le meilleur. Faire la post-production de l’album sans pouvoir se rencontrer a été une tâche vraiment ardue, car presque tout devait être fait à distance. Il y a eu quelques visites secrètes au studio très discrètement, mais il a définitivement fallu beaucoup d’énergie pour que ça marche. En fin de compte, nous sommes tous très satisfaits du produit final et je ne pense pas que le son et la qualité auraient été différents de toute façon. Nous avons tous les cinq, y compris notre ingénieur du son, travaillé dur pour réaliser et apporter notre vision comme elle était initialement prévue.

– « Caravan » est très mélodique et pourtant très lourd et épais. Malgré le très Stoner « Berserker », l’ensemble se fond dans un Doom profond. Il y règne pourtant une certaine luminosité, comment l’expliquez-vous ?

« Caravan » reflète vraiment notre humeur pendant cette période sombre, cette frustration de ne pas pouvoir réaliser notre passion au maximum et d’attendre que les choses s’améliorent à nouveau. Il y a une certaine mélancolie dans son essence, un sentiment morne de désespoir et de destin imminent qui se réalise à travers quelques morceaux plus mélodiques. Il conserve sa lourdeur : c’est encore 40 minutes de Doom lourd et très fuzz, mais aussi plus personnel. On aurait pu jouer la sécurité et sortir un copier-coller de « Under Acid Hoof », mais aucun de nous ne le voulait. Nous voulions sortir quelque chose qui nous parle vraiment et reflète nos pensées et nos sentiments à un moment où nous avions le plus besoin d’écrire de la musique. C’était aussi le seul moyen de préserver notre santé mentale, en bloquant nos frustrations.

– Là encore, vous avez fait appel à votre producteur Dionysis Dimitrakos, qui commence à bien connaître ACID MAMMOTH. Ce qui surprend en écoutant les deux derniers albums à la suite, c’est que les deux ne forment presqu’un tant l’unité sonore et musicale est manifeste. C’était votre volonté ?

Dionysis est comme le cinquième membre du groupe. Il a travaillé très dur pour retranscrire notre vision, tout en y mettant ses formidables compétences, ainsi que son identité sur les albums. Il fait tellement partie intégrante du groupe car, sans lui, nous serions complètement différents en termes de son et d’esthétique. Il y a définitivement une unité musicale, ainsi que de continuité entre les deux albums. Nous avons trouvé notre son et nous n’avons pas l’intention de faire de changement majeur à l’avenir. Nous voulons être cohérents, et nous avons toujours voulu que le lien entre les albums soit aussi fluide que possible. Il y a bien sûr des différences entre les deux disques. « Caravan » est sans doute plus organique que « Under Acid Hoof », mais les deux possèdent le même caractère.

– Enfin, vous reprenez sur « Caravan » le même concept graphique que sur « Under Acid Hoof ». Est-ce à dire que les couleurs rouges et noires, qui enveloppent les spécimens présents sur les pochettes, sont devenues l’identité visuelle d’ACID MAMMOTH ?

Nous pouvons remercier Branca Studio pour les pochettes. L’esthétique honore et complète parfaitement notre musique. Nous pensons que cette combinaison de rouge et de blanc jaunâtre apporte un certain côté vintage et Old School, comme un film d’horreur des années 60. Et la combinaison avec les riffs Doom Metal conduit l’ensemble à un résultat vraiment épanouissant. En effet, ces deux couleurs sont devenues notre identité visuelle, mais cela ne signifie pas que nous ne sommes pas disposés à utiliser des couleurs différentes à l’avenir. Mais oui, nous sommes tous d’accord pour dire que le rouge, en tout cas, est la couleur d’ACID MAMMOTH puisqu’elle est présente sur nos trois albums.

« Caravan » est disponible depuis le 5 mars chez Heavy Psych Sounds Records.

Bandcamp : https://acidmammoth.bandcamp.com

Retrouvez la chronique de « Caravan » : https://rocknforce.com/acid-mammoth-cest-la-que-les-atheniens-aneantirent

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