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International Rap Metal

Clawfinger : get in the ring [Interview]

Que l’attente fut longue ! Fer de lance d’une scène Rap/Metal en pleine ébullition dans les années 90, les Scandinaves (le combo se partage entre Suède et Norvège) offre enfin un successeur « Life Will Kill You » sorti en… 2007 ! Pourtant, rien ne semble avoir véritablement changé au sein de la formation. Bien au contraire, avec « Before All We Die », CLAWFINGER s’inscrit dans son époque grâce à des textes cinglants, des riffs tendus et tranchants et cette touche Hip-hop qui vient donner du corps au flow de l’inamovible Zak Tell, toujours aussi incisif dans sa dénonciation d’un monde en faillite à bien des niveaux. Entretien avec un frontman lucide et engagé, qui manie le second degré avec une précision chirurgicale, comme pour mieux faire tomber les masques.

– Je vous ai découvert avec « Deaf Dumb Blind » en 1993 et j’ai souvenir de prestations survoltées à Paris à l’Elysée Montmartre cette année-là et deux ans plus tard aussi. A l’époque, CLAWFINGER avait créé un petit séisme dans le monde du Metal. Qu’est-ce que a profondément changé selon toi depuis vos débuts ?

Pour nous, personnellement, rien n’a vraiment changé. On a pris de l’âge, on est peut-être un peu plus sages, on se soucie moins du regard des autres et on s’amuse plus que jamais ensemble avec le groupe. Par contre, l’industrie musicale a beaucoup évolué : les albums ont perdu de leur importance et seuls les passionnés les achètent encore. Aujourd’hui, tout tourne autour du streaming et des réseaux sociaux, et les gens n’ont plus la même patience, ni la même capacité de concentration. On essaie de s’adapter et de rester ouverts d’esprit face à tout ça, mais honnêtement, on ne comprend pas toujours tout. Au final, notre métier, c’est de faire la musique qu’on aime, et c’est bien là l’essentiel.

– Vous êtes des précurseurs du Rap Metal avec Body Count et RATM. Et c’est vrai que ce sont sûrement les deux styles les plus revendicatifs et engagés. Vous êtes très forts dans les deux registres, mais quel est celui que vous écoutez le plus et où puisez-vous l’inspiration musicalement ?

Parmi ces deux groupes, personnellement, je préfère RATM. Pour moi, Ice-T est un rappeur et c’est ce que j’écoutais en grandissant, bien avant même que Body Count n’existe. Je respecte son travail avec Body Count, même si je ne le trouve pas très excitant. Quant à l’inspiration musicale, elle vient de partout. Je ne suis absolument pas un fan de Metal pur et dur, j’adore la Country et le Western ! (Sourires) L’inspiration ne vient pas uniquement de la musique, elle vient de toutes sortes de sources : les amis, l’actualité, les livres, le travail, les rêves, etc… Musicalement, j’ai grandi en adorant les collections de disques de mes parents. Il y avait de tout, de Joan Armatrading à Led Zeppelin, en passant par John Lee Hooker, Ten Years After, les Beatles, Muddy Waters, Bob Marley, Bob Dylan, … et la liste est longue. A l’adolescence, j’ai découvert le Rap et le Punk, et c’est de là que je tire une grande partie de mon inspiration pour mes textes.

– Dans les années 90 et début 2000, CLAWFINGER était au top artistiquement, puis les choses se sont arrêtées après la sortie de « Life Will Kill You » en 2007. Il vous aura fallu presque 20 ans pour ressortir un album. Y a-t-il eu une sorte de lassitude, ou un changement dans le paysage et l’industrie musicale dans lesquels vous ne vous reconnaissiez plus ?

Nous n’avions plus d’argent et on devait trouver du travail pour payer nos factures et nous loger. Plusieurs d’entre nous avions de jeunes enfants et, oui, après sept albums et vingt ans de carrière, nous étions sans doute un peu fatigués. Et puis, l’industrie musicale a changé. Le téléchargement et le streaming sont probablement la principale raison de nos difficultés financières, et les maisons de disques n’étaient plus ce qu’elles étaient. Nous avons donc dû nous adapter, faire face à la réalité et essayer de survivre, avec ou sans le groupe.

– Vous êtes enfin de retour avec « Before All We Die » sur lequel on retrouve avec plaisir les fondamentaux de CLAWFINGER avec une rage et un humour intacts. Est-ce que vous avez senti, avec tout ce qui se passe dans nos sociétés, qu’il était à nouveau temps d’élever la voix ?

Non, on avait juste assez de chansons pour enfin sortir un album, en fait. Ce n’est pas tellement en rapport avec un engagement quelconque. Mais tout ce qu’on touche devient du CLAWFINGER et c’est ça nous plaît. On est à l’aise avec ça, c’est notre identité. Si notre son est toujours le même, c’est tout simplement parce qu’on n’a jamais vraiment arrêté de jouer et de faire des concerts. Du coup, notre nouvel album ne sonne pas comme si c’était le premier en 19 ans : c’est juste un autre album de CLAWFINGER… parce que ça reste du pur CLAWFINGER ! (Sourires)

– Ce nouvel album est très direct, incisif et sans fioriture. Il est aussi très politique, plein d’auto-dérision et assez sombre à l’instar de notre époque. Il y a tant de choses révoltantes aujourd’hui qu’il aura fallu un triple album ! Comment avez-vous procédé quant au choix des thématiques ?

Il n’y a pas de grande réflexion derrière tout ça, on n’est pas si intelligents, on fait des trucs, c’est tout ! (Sourires) Si ça marche, tant mieux, sinon, on ne fait pas de chansons. J’ai toujours aimé l’idée d’essayer de dire quelque chose qui ait du sens, c’est tout simplement important pour moi. Il y a tellement de groupes qui ne disent rien sur rien, nous, on n’est pas de ceux-là. On vit à notre époque, avec tout ce qui se passe, alors c’est assez naturel d’en parler dans notre musique. On y met aussi beaucoup de réflexions personnelles et toutes les épreuves et les tribulations liées à la condition humaine dans cette société pourrie qu’on essaie tous de comprendre et dans laquelle on essaie aussi de vivre.

– Preuve aussi que notre époque va mal, j’ai lu que vous ne jouiez plus « Nigger » sur scène. Or, c’est justement un morceau très tolérant et l’un des plus emblématiques de CLAWFINGER. C’est donc un signe de plus que nos sociétés sont malades. N’est-ce pas pourtant le bon moment pour le jouer et même encore plus fort ? Et ce serait aussi un beau pied-de-nez, non ?

Peut-être, mais c’est plus complexe que ça. C’est un sujet chargé d’Histoire, et vu le chemin parcouru depuis que nous avons écrit cette chanson il y a 34 ou 35 ans, il ne nous appartient peut-être plus d’en être les porteurs, si tant est que cela ait jamais été le cas. C’est un problème bien plus important que de savoir si nous jouons ou non cette chanson, et nous devons le respecter. Le véritable problème du racisme et de l’injustice dépasse largement le cadre de notre petit groupe.

– En écoutant « Before All We Die », j’ai aussi eu l’impression qu’il marquait un retour tout en puissance de CLAWFINGER, comme une sorte de renaissance. Le voyez-vous également de cette façon et commencez-vous déjà à vous projeter dans l’avenir… c’est-à-dire sans attendre 20 ans cette fois-ci ?

Nous faisons simplement ce que nous avons toujours fait. Nous comprenons que cela puisse paraître comme un retour ou une renaissance, mais encore une fois, nous n’avons jamais vraiment cessé de jouer. C’est donc une continuité dans notre parcours. Quant à l’avenir et d’éventuelles nouvelles sorties, nous n’en savons pas plus que toi. Mais s’il y a d’autres albums, je suis presque certain qu’ils sortiront plus rapidement. L’avenir nous le dira… (Sourires)

– Enfin, au regard de vos textes, CLAWFINGER se pose clairement comme un groupe anti-système. Est-ce que le monde vogue comme le Titanic (en référence au morceau « Going Down (Like Titanic ) » de l’album), selon vous, peut-on encore éviter les icebergs ?

Oui, nous naviguons comme le Titanic et nous pensons que c’est le symbole parfait de l’état du monde, malheureusement. Cependant, l’espoir demeure. Pour chaque malheur, il y a un bien qui arrive. Il faut juste parfois que la balance penche un peu avant que les choses s’améliorent. L’espoir est toujours permis. Nous ne sommes pas totalement inutiles, mais nous sommes sacrément mauvais et nous pourrions faire beaucoup mieux. Il suffit d’un peu de patience, de gratitude, de respect, d’ouverture d’esprit et d’un minimum de décence. Ce n’est vraiment pas si compliqué, finalement. Malheureusement, nous sommes distraits par le pouvoir, l’argent et la cupidité, et pour une raison ou une autre, nous leur accordons plus d’importance qu’à la bienveillance et à la gentillesse.

Le nouvel album de CLAWFINGER, « Before All We Die », est disponible chez Perception.

Photos : Peter Bjoens

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Hard Rock

CoreLeoni : adrenaline distiller

Avec son nouveau combo, Leo Leoni poursuit d’une certaine manière l’aventure Gotthard, dont il semble avoir du mal à se défaire, malgré de solides albums avec CORELEONI. Ainsi, il n’est pas vraiment étonnant de voir que la tracklist de « Live At Hallenstadion Zürich » est surtout issue de son ancien groupe. Fers de lance d’un Hard Rock à l’européenne, les cinq musiciens passent par la case souvenir pour entretenir la flamme avec ardeur et dévouement. Un beau moment de pur Rock.

CORELEONI

« Live At Hallenstadion Zurich »

(Perception)

Il n’y avait pas de meilleur endroit pour CORELEONI pour mettre en feu au public, lors du caniculaire 3 juillet dernier, que le Hallenstadion, lieu même où fut enregistré le légendaire « Made In Switzerland/Live In Zürich » en 2006 par Gotthard. Leon Leoni et ses musiciens ne pouvaient rendre un meilleur hommage à leurs fans de la première heure, sachant que l’actuelle formation se voulait au départ un Tribute Band dédiée au mythique groupe helvétique. Le quintet a en quelque sorte bouclé la boucle… et avec la manière.

Entouré du line-up à l’œuvre sur « III » sorti en 2022, le guitariste se produisait en première partie de Judas Priest devant une foule aux anges pour une soirée qui s’annonçait inoubliable, d’autant qu’il était pioché dans le répertoire du Gotthard des origines. Et cette configuration explique aussi le fait que « Live At Hallenstadion Zürich » ne dure qu’une quarantaine de minutes. Mais la passion d’un côté et la ferveur de l’autre ont fait toute la différence, et CORELEONI a livré un set époustouflant.

Avec un Eugent Bushpepa des grands soirs au chant, le quintet a ouvert avec « Sister Moon » et ainsi rappelé d’où il venait, tout en mesurant le chemin parcouru. Si « Like It Or Not » et « Sick & Tired », issus de « III » ont remué la salle, les Suisses avaient surtout l’œil dans le rétro et on ressent clairement le plaisir qu’ils ont à interpréter leurs classiques (« Downtown », « Firedance », « Mountain Mama » et « Standing In The Light »). CORELEONI a fait plus que tenir son rang en déployant une énergie folle dans un Hard Rock flamboyant.

Photo : Alexandre Zveige

Retrouvez les chroniques des dernières sorties de CORLEONI, ainsi que celle de Gotthard :

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Hard Rock Power Rock

Danko Jones : animal

Vigoureux et précis dans son jeu, le groupe de l’Ontario a toujours affiché beaucoup de fraîcheur et de liberté à travers ses disques, et « Leo Rising » ne vient pas trahir l’ADN du combo. Intense et bien charpenté, ce nouvel opus est aussi fougueux que groovy et, comme toujours, DANKO JONES est sûr de sa force, se montre également sleazy à l’occasion et surtout, il semble mettre un point d’honneur à ne pas sombrer dans des sonorités actuelles fadasses et stéréotypées.

DANKO JONES

« Leo Rising »

(Perception)

Après une trentaine d’année de carrière, DANKO JONES fait toujours figure d’électron libre. Un pied dans l’underground malgré une reconnaissance mondiale, il ne dévie pas d’un iota de sa trajectoire musicale. Comme toujours, « Leo Rising » percute d’entrée de jeu et les Canadiens ne lèvent pas le pied un seul instant. Imperturbables, ils balancent leur Hard Rock brut et tendu, délivrant au passage une énergie communicative. A priori franchement rude, ce douzième album est surtout une invitation au partage. En effet, il y a toujours cette envie très perceptible, qui transpire de ses morceaux et leur offre cette vélocité particulière.

Et la première chose que DANKO JONES a à partager, c’est son puissant Rock virevoltant et incisif. Coriace et sans compromis, « Leo Rising » ne manque pourtant pas d’humour et d’ironie, et avance au pas de charge. Le power trio se fait plaisir et la bonne production signée Erik Ratz ferait presque oublier que les chansons ont été enregistrées à distance, le bassiste John Calabrese étant en Finlande. Cependant, il y a une réelle cohésion et un bel esprit de corps, et cela se sent sur ces onze bâtons de dynamite. L’alchimie fait le reste et on peut compter l’implication de chacun d’entre eux pour faire parler la poudre.

Il y a aussi ce côté évident chez les Nord-Américains. L’aspect direct et frontal de leur musique y est pour beaucoup, tant le rythme est effréné et la succession de riffs tranchants efficace (« Diamond In The Rough » avec un solo de Marty Friedman, « Everyday Is Saturday Night », « Hot Fox », « Gotta Let In Go », « I ‘m Going Blind », « Pretty Stuff »). Tout en diffusant des titres costauds, DANKO JONES n’élude pas une certaine légèreté, et reste fidèle à une ligne de conduite très Rock’n’Roll. Taillée pour la scène, cette nouvelle réalisation s’inscrit dans une belle et robuste continuité et sans renier sa ligne de conduite.

Photo : Ole Martin Wold

Retrouvez l’interview du groupe à l’occasion de la sortie de « Power Trio » en 2021 et la chronique de l’album :

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Hard 70's Proto-Metal Psych

Siena Root : vintage steam

Avec ce nouveau double-album live, la formation de Stockhölm propose un voyage dont il a le secret à travers 12 morceaux soigneusement choisis et sur plus d’une heure et quart. SIENA ROOT y parcourt l’essentiel de sa discographie avec cette liberté qu’on lui connaît, c’est-à-dire une proportion à réarranger ses compostions pour les laisser atteindre des sommets d’improvisation. Capté sur bandes, « Made In KuBa » offre une chaleur et une proximité qui font le sel de ses productions depuis la fin des années 90.

SIENA ROOT

« Made In KuBa (Live) »

(Perception)

Après son dernier album studio, le très bon « Revelation » (2022), SIENA ROOT revient à ce qui fait l’essence-même de sa musique : la scène. Si le quatuor a déjà sorti huit opus, il faut revenir en 2011 et à « Root Jam » pour trouver une trace discographique du groupe en live. « Made In KuBa » est donc très attendu par les fans, et pas seulement. C’est en mars 2024 que les Suédois ont donné une série de concerts à Iéna en Allemagne et précisément au ‘Kulturbahnhof’, plus communément appelé le ‘KuBa’. 

Entièrement enregistré en analogique par l’ingénieur du son du combo, Ove Noring, qui travaille avec lui depuis « Kaleidoscope » paru en 2006, « Made In KuBa » relate à la perfection l’ambiance de ces trois soirées et surtout ce ‘Classic Roots Rock’ que SIENA ROOT élabore depuis une vingtaine d’années maintenant. Cultivant un esprit jam très créatif qui prend régulièrement le dessus, son registre défie le temps et se montre captivant dès les premières notes, où le Psych Rock côtoie le proto-Metal.

Sous l’impulsion de sa frontwoman, Zubaida Solid, également à l’orgue, les quatre musiciens s’engouffrent dans un répertoire savamment sélectionné pour le plus grand plaisir de la chanceuse assemblée présente ces soirs-là. Délicatement rétro, atmosphérique et capable d’éruptions sonores déflagrantes, SIENA ROOT accueille aussi à ses côtés Erik Petersson aux claviers Rhodes et la flûtiste et chanteuse Lisa Isaksson, qui viennent enrichir des morceaux aux riches tessitures. Une saveur vintage qui devient très vite envoûtante.  

Photo : Petter Hilber

Retrouvez la chronique de « Revelation » :