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Otilia Donaire : keepin’ the Blues alive [Interview]

Feutré et sensuel, tout en dégageant une énergie brute, le Blues teinté de Soul et de R&B d’OTILIA DONAIRE est autant un appel à la danse qu’à une écoute très attentive. En effet, riche d’une section cuivre dynamique, il combine divers univers pour n’en faire qu’un. Soutenue par de belles guitares et des claviers chaleureux, l’Américaine vient de livrer « Bluesin’ It Up », un album qui se veut très personnel et fédérateur. De quoi enthousiasmer un large panel d’amoureux des notes bleues. Rencontre avec une chanteuse à la voix suave et puissante.

– Ton album « Bluesin’ It Up » vient de sortir, mais à t’écouter chanter, on se doute que tu n’en es pas à ton premier coup d’essai. Peux-tu revenir sur ton parcours et les étapes qui ont forgé ton style et ta voix ?

J’ai toujours eu une certaine prédisposition pour le chant, mais je n’ai commencé à faire de la musique professionnellement qu’en 2009, après avoir terminé mon atelier de performance en groupe à la ‘Blues Bear School of Music’ de San Francisco. C’est mon instructeur, feu le bluesman de San Francisco, Johnny Nitro, qui m’a fortement encouragé à chanter le Blues. Mon premier CD avec, disons, un guitariste anonyme, était horrible et lorsque j’ai quitté ce groupe en 2014, j’ai enfin pu naviguer de manière plus créative avec l’aide de mon bassiste, Chris Matheos et du guitariste Joe Lococo. J’ai enfin eu un contrôle créatif total et je suis restée fidèle à mon propre style vocal, embrassant le timbre naturel de ma voix. Koko Taylor, la regrettée icône du Blues de Chicago et qui a également un grain assez brut, est l’une de mes principales influences musicales.

– Tu es chanteuse, leader de ton groupe et également compositrice. Est-ce que tu écris paroles et musique et as-tu un instrument de prédilection, car cet album est musicalement très riche et dense ?

J’écris les paroles et je compose avec mon bassiste, Chris Matheos et mon guitariste Joe Lococo. Je ne sais ni lire, ni écrire la musique, mais je peux l’entendre dans ma tête et j’ai la capacité de la traduire en sachant quel style et quel tempo jouer, y compris au niveau des mélodies, des riffs et des solos. Je n’ai pas vraiment d’instrument de prédilection, mais j’apprécie la guitare slide électrique et les claviers up-tempo. J’adore le Chicago Blues et j’ajouterai aussi de l’harmonica sur mon prochain album, ainsi que de la flûte.

– Justement, pour l’essentiel, tes morceaux sont guidés par les claviers, que ce soit le piano ou l’orgue. Le Blues est pourtant très souvent porté par la guitare. Tu as toujours procédé ainsi ?

En fait, je n’avais pas le budget pour ajouter des claviers et des cuivres sur mon dernier EP, « Queen Bee ». Alors, j’ai pris certaines de ces chansons et je les ai réarrangé, soit en les réenregistrant, soit en ajoutant des claviers et/ou des cuivres. Je joue désormais davantage de concerts live de cette manière, avec des claviers, car le son est beaucoup plus riche. Ils ont été enregistrés séparément dans les home-studios des deux claviéristes, qui jouent sur l’album : Greg Rahn et Pamela Charles-Arthur, qui est ma claviériste actuelle de la SF Bay Area. Pamela est dynamique et talentueuse, et c’est merveilleux de partager et de diffuser une énergie féminine si féroce sur scène avec elle.

– Il y a un autre élément qui domine sur « Bluesin’ It Up », ce sont les cuivres qui sont omniprésents, un peu à la façon d’un Big Band. Ce sont des orchestrations qui t’inspirent beaucoup, car on y perçoit également quelques touches jazzy ?

Je n’ai généralement pas le budget nécessaire pour ajouter des cuivres à la plupart de mes concerts, mais mon objectif est faire plus de spectacles avec un groupe complet, incluant claviers, saxophone et trompette. Je chante avec mon cœur et j’aime aussi le Blues jazzy, donc il y a une influence de Billie Holiday sur quelques-unes de mes chansons. Daniel Casares, saxophoniste de SF Bay Area, a écrit la plupart des sessions cuivre et je suis très satisfaite du son Soul et jazzy qu’il a ajouté aux arrangements.

– Par ailleurs, il y a un grand nombre de musiciens qui t’accompagnent sur « Bluesin’ It Up ». Est-ce que tu considères cet album comme l’œuvre d’un collectif ou, plus simplement, tu souhaitais avoir leur présence à tous sur ces 12 morceaux ?

C’est un album collectif et collaboratif, c’est vrai. Je savais ce que j’attendais de chaque musicien et je leur ai donné toute la liberté d’apporter des idées, de créer des arrangements et des solos. C’était génial d’avoir des cuivres à fond sur certaines chansons et sur mon prochain album, ce sera le cas pour chaque morceau.

– Parallèlement, est-ce que tu as un groupe fixe pour les concerts ? Quelques musiciens attitrés qui te suivent depuis longtemps ?

J’aime jouer avec un line-up régulier composé de musiciens talentueux : Joe Lococo à la guitare, Edgar San Gabriel à la basse, Robi Bean à la batterie et Pamela Charlles-Arthur (Pamma Jamma) aux claviers. Chris Matheos, qui est le directeur musical de cet album et de mon précédent EP, joue de la basse sur toutes les chansons à l’exception de « Hoochie Coochie Woman » et « Voodoo Woman ». Malheureusement, il a déménagé dans le sud de la Californie, donc il ne joue plus régulièrement avec moi. Mais quand je partirai en tournée, il le fera certainement s’il est disponible.

– Il y a également quelques reprises sur l’album. Peux-tu nous en dire plus sur ces choix et pour quelle raisons tu n’as pas réalisé un album entièrement original ?

Ce sont des chansons que j’aime chanter en concert et qui sont généralement une manière d’amener tout le monde sur la piste de danse. Je ne me lasse jamais de les chanter, donc c’était une évidence de les ajouter, en particulier « Hoochie Coochie Woman » (un morceau de Muddy Waters – NDR), qui a été ma première chanson de Blues que j’ai commencé et qui est devenue l’une de mes chansons signatures. J’ajouterai très probablement toujours quelques reprises, des classiques, que j’aime chanter pour garder le Blues vivant.

– Tu as beaucoup de sensualité dans la voix, ce qui donne beaucoup de charme à tes morceaux. Est-ce que tu penses que le Blues est le style qui véhicule le mieux cette approche si attractive et sexy auprès du public ? Et donc, qui est un énorme atout…

Merci ! Je chante avec mon cœur et la musique Blues pénètre au plus profond de mon âme. Je sens que je peux me connecter avec les gens, parce qu’ils peuvent ressentir la passion authentique que j’éprouve lorsque je chante.

– Pour conclure, quel est ton objectif principal pour le futur ? Faire le plus de concerts possible à travers les Etats-Unis et même au-delà, ou peut-être trouver un label pour un prochain album ?

Tout cela en même temps ! Entrer sur le circuit des festivals Blues avec des tournées nationales et internationales, signer avec un label de Blues et enregistrer au début de l’année prochaine. C’est difficile d’être une artiste indépendante, et je dirais que c’est vraiment un travail d’amour. J’ai enregistré mon album, « Bluesin’ It Up », chez Afterdark Recording à San Francisco, le studio d’enregistrement d’Armando Rosales, mon cousin. C’était une joie absolue et maintenant, j’ai vraiment la fièvre de l’enregistrement ! Donc, j’y retournerai au début de l’année prochaine. Peut-être aussi participer à un festival en France dans un futur proche ? Ce sont tous les rêves sur lesquels je travaille.

Le dernier album d’OTILIA DONAIRE, « Bluesin’ It Up », est disponible sur le site de l’artiste :

www.otiliadonaire.com

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Doom Rock Occult Rock Rock 70's

Lucifer : a dark smile

Tout en cultivant un univers occulte, la formation germano-suédoise va un peu à contre-sens d’une certaine tradition qui exigerait de la dureté et un peu de brutalité même, dans le propos comme dans la forme. Or, LUCIFER semble plutôt destiné à s’extraire de cette niche musicale souvent peu accessible pour qui se tiendrait en dehors du monde du Metal. Définitivement Rock et flirtant aussi avec la Pop, la chanteuse guide main de maître(sse) un combo de plus en plus lumineux. 

LUCIFER

« Lucifer V »

(Nuclear Blast)

Depuis quelques années maintenant, c’est en Suède que LUCIFER conçoit ses albums et, comme son nom l’indique, voici le cinquième d’une discographie qui commence à avoir fière allure. Puisant désormais son inspiration dans les flammes de l’enfer scandinave, ses racines sont toujours très présentes. Très revival, le Rock à l’œuvre ici fleure bon l’occultisme, le Heavy et le Doom, façon seventies et sur fond de Pop assez décomplexée. Un mix accrocheur et explosif finalement.

La production de « Lucifer V » est toujours aussi soignée et brute. Quant à la faculté d’envoûtement de Johanna Sadonis Anderson, elle est à son sommet. Concoctés avec Nick Anderson, guitariste et batteur, ces nouveaux morceaux ont aussi la particularité de montrer autant d’authenticité que d’aspects très mainstream dans leur composition. LUCIFER semble avoir trouvé le juste milieu, nous rappelant au bon souvenir de Black Sabbath, Blue Öyster Cult et même Heart dans les harmonies.

C’est forcément avec beaucoup d’humour noir que le groupe se livre dans un Heavy Rock enflammé. Grosses guitares, lourde rythmique et des chœurs omniprésents, « Lucifer V » se montre très aussi mélodique que rugueux, faisant un bel amalgame entre des titres massifs et des refrains entêtants (« Fallen Angel », « At The Mortuary », « Riding Reaper », « A Coffin Has No Silver Lining », « Strange Sister », « Nothing Left To Lose But My Life »). Et avec ce petit côté Kim Wilde dans la voix, la frontwoman de LUCIFER est irrésistible. 

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Heavy Rock International

Cassidy Paris : next generation [Interview]

Avec « New Sensation », la jeune Australienne se présente comme faisant partie de la nouvelle génération du Rock au féminin. Fraîchement signée sur le label italien Frontiers Music, CASSIDY PARIS a parfaitement su s’entourer pour passer le cap toujours délicat du premier effort. Avec un Heavy Rock personnel et solide, la chanteuse et guitariste laisse déjà une belle impression, grâce à une performance toute en maîtrise et des compos accrocheuses et dynamiques, et loin d’être mielleuses. Actuellement en Europe pour une tournée au Royaume-Uni, elle s’est livrée sur son album, les musiciens qui l’entourent et sa vision de la musique.

– Avant de parler de ton premier album, tu étais dernièrement en tournée au Royaume-Uni. Comment « New Sensation » a-t-il été accueilli, car tu as aussi de nombreux fans là-bas ?

J’ai vraiment été bouleversée et touchée par la réaction suscitée pour l’accueil de « New Sensation ». J’avais six cartons remplis de CD qui se sont tous vendus lors de la tournée. C’était une expérience tellement surréaliste. C’est vraiment un rêve devenu réalité d’avoir cette connexion avec les gens. Ce disque représente beaucoup de travail, toute ma sueur et mes larmes de ces six dernières années.

– Pour cette venue en Europe, tu étais entourée de ton groupe habituel, ou par les musiciens qui jouent sur ton album, comme Alessandro Del Vecchio que l’on connait bien chez Frontiers Music, ton label ?

De tous nouveaux membres ont rejoint le groupe. Deux frères, Alex et Tom Rogowski, qui sont des musiciens très talentueux et ils ont été incroyables en apprenant mes chansons. Ils sont maintenant permanents et ils sont impatients de continuer la tournée et de participer à l’écriture et à l’enregistrement de nouveaux morceaux avec moi. Nous avons une vision commune et je suis incroyablement reconnaissante d’avoir autour de moi des gens qui croient en moi comme mon père aussi, Steve Janevski, qui a toujours joué à mes côtés, et Dave Graham à la guitare. La chose la plus importante lorsque je travaille avec des musiciens, c’est qu’ils soient de bonnes personnes qu’ils me soutiennent dans mon parcours, même s’ils jouent aussi dans d’autres groupes. Et j’adorerais bien sûr jouer un jour avec un musicien aussi expérimenté et génial qu’Alessandro.

– D’ailleurs, comment as-tu choisi les musiciens qui t’accompagnent sur « New Sensation », car ce ne sont pas ceux avec lesquels tu joues habituellement. Pourquoi ces changements ? L’album n’a pas enregistré chez toi, en Australie ?

Comme je n’avais pas de membres permanents dans le groupe à l’époque, mon label a fait en sorte que des musiciens enregistrent la basse et la batterie. Alessandro, par exemple, fait partie de ces personnes. Il a produit et joué sur l’album et je suis vraiment contente du résultat final. J’ai été tellement honorée qu’il soit si impliqué. Mirko DeMaio joue également de la batterie sur l’album et il a fait un travail brillant. Pour être honnête, je n’aurais pas pu rêver d’un meilleur groupe avec qui travailler en studio et en live.

Alessandro Del Vecchio a été remarquable dans les différents rôles qu’il a assumé, c’est-à-dire comme producteur, bassiste, pour les chœurs et sur quelques parties de guitare. Ce fut un plaisir absolu de travailler avec lui. Je ne le remercierai jamais assez. Nous avons eu la même vision pour l’album. En fait, l’enregistrer a été un processus très simple, même si j’étais à l’autre bout du monde. J’ai suggéré à mon père et à Dave Graham d’enregistrer les guitares. Il était absolument ouvert à cela. Alessandro leur a fait confiance pour les jouer et je pense que le produit final témoigne véritablement de la musicalité exemplaire de l’album.

– A tout juste 21 ans et avec déjà deux EP à ton actif (« Broken Hearted » et « Flirt »), tu sors ton premier album, qui est d’ailleurs très réussi. Tu avais un peu plus de pression, ou c’était dans l’ordre naturel des choses ?

De la pression ? Pas vraiment, non. J’aime la musique et c’est dans mon ADN. Je joue du Rock’n’Roll, car c’est amusant et que c’est ma passion. Je me sens à l’aise dans ce que je fais et cela me permet de m’exprimer. J’ai évolué à mon rythme et je continue d’apprendre et de me développer dans toutes les facettes de la musique, que ce soit le chant, l’écriture, l’enregistrement et les tournées. J’ai un solide réseau de soutien autour de moi. Cela a été la clef pour devenir l’artiste que je suis aujourd’hui. C’est vrai que, parfois, cela peut être écrasant, surtout quand vous êtes en tournée. J’adore jouer en live, mais en tant que chanteuse, cela peut devenir très exigeant quand on est malade, par exemple. Du coup, la pression que l’on ressent en montant sur scène, si sa voix n’est pas à 100%, peut être forte. Mais c’est la même chose pour tous les artistes. Je suis une artiste Rock et j’adore ça ! Certains disent que je suis trop Pop, mais regardez des groupes comme Def Leppard, Bon Jovi, Poison, Warrant et Vixen. Tous avaient un côté Pop à l’époque. Alors, je fais ce que j’aime et si les gens aiment ça, tant mieux !

– Sur « New Sensation », on retrouve aussi ton mentor Paul Laine (ex-Danger Danger, The Defiants) qui est présent sur les chœurs et aussi comme compositeur. C’était important pour toi qu’il soit présent sur ton premier album ?

Oui et je lui suis très reconnaissante. Il a été une grande source d’inspiration pour moi en tant qu’artiste et aussi en tant que personne. J’ai toujours été fan de Danger Danger et maintenant de The Defiants. Paul fait partie de ces personnes qui sont phénoménales et si naturelles. Je me sens vraiment chanceuse de pouvoir l’avoir comme mentor et ami. Quand nous nous sommes rencontrés, j’avais 11 ou 12 ans. J’en ai maintenant 21 ans et il m’a vu grandir. Il m’a beaucoup appris au niveau du chant et de la composition, et il m’a aussi donné quelques leçons de vie. Paul a eu un impact énorme, non seulement sur ma croissance en tant qu’artiste, mais aussi sur ma vie en général.

– Tu t’es toujours présentée sous ton nom et en tant qu’artiste solo. Tu n’as jamais été tentée de faire partie d’un groupe et d’appartenir à un collectif sous une autre appellation ?

En fait, j’ai toujours eu l’impression que CASSIDY PARIS était un groupe. J’ai trouvé les bonnes personnes avec les frères Rogowski. Ils partagent ma vision et ma passion pour ce type de musique. Dans le même sens et à un moindre niveau, Ils font autant partie de mon groupe que Ritchie Sambora et Tico Torres faisaient partie de Bon Jovi. C’était le nom de Jon, mais ils faisaient tous partie intégrante du groupe. C’est ce que je cherchais aussi de mon côté. Je suis reconnaissante envers tous les musiciens qui ont fait partie de mon voyage. Parfois, il faut juste plus de temps pour les trouver.

– Par ailleurs, tu as déjà beaucoup voyagé et tu as constitué une solide fan-base aux quatre coins de la planète. Toi qui es née avec les réseaux sociaux, est-ce que tu penses que cette nouvelle donne aide beaucoup les artistes émergeants comme toi ?

Les réseaux sociaux ont leurs avantages et leurs inconvénients. Je pense que cela permet aux artistes de promouvoir très largement leur musique. Cela m’a permis d’atteindre un public beaucoup plus large que chez moi en Australie. Cependant, cela présente également des désagréments, comme par exemple les ‘haters’ qui prennent plaisir à s’asseoir derrière leur clavier et être négatifs. J’ai été élevée pour être toujours positive. Si vous n’avez rien de gentil à dire, ne dites rien. C’est juste une question de décence. Pourquoi essayer de démoraliser les gens qui ont des rêves et des aspirations ? Donc, personnellement, je trouve assez alarmant que les gens pensent qu’ils ont le droit de tout critiquer en permanence.

– « New Sensation » est très Rock avec des sonorités tirant aussi sur le Hard Rock avec toujours un côté très mélodique. Y compris dans certaines attitudes, on te sent très proche du monde du Metal. C’est le cas ?

J’ai grandi avec la musique Rock et avec l’aide de mon label, je suis plus qu’heureuse de hisser le drapeau du Rock’n’Roll de la prochaine génération. Je suis une artiste Rock et j’adore ça. J’ai été élevée dans le Classic Rock et le Heavy Metal. On m’a toujours appris à reconnaître une bonne chanson quel que soit le genre. Heureusement, il n’y a que quelques personnes bornées qui ne comprennent pas que ma musique est liée au Hard Rock. Dans le monde du Rock, il existe de nombreux sous-genres. Par exemple, regardez la liste des groupes présents dans un festival majeur comme le ‘Hellfest’. Cela va de Metallica à Foo Fighters, The Offspring et Simple Plan. Tous sont très différents, mais partagent la même scène lors d’un festival. Il y a de la place pour tous styles de groupes.

– Tu es aussi guitariste, et même ambassadrice de la marque Fender, et pourtant sur « New Sensation », Steve Janevski et Dave Graham jouent les guitares. Tu souhaitais te concentrer sur le chant, où est-ce que tu as aussi participé aux rythmiques et aux solos, car trois guitaristes sur un album, ça commence à compter…

Oui, chanter est mon premier amour. Je joue de la guitare en live et j’adore ça. Je suis surtout guitariste rythmique. Mais j’aime les gens brillants et impliqués et je voulais leur donner l’opportunité de montrer leur sens musical sur l’album.

– Pour conclure, nous n’avons pas parlé de composition. Est-ce que tu écris les paroles et la musique de tous tes morceaux, ou est-ce que tu apprécies aussi de collaborer avec d’autres musiciens ?

C’est un mix des deux. J’ai l’impression d’être encore en apprentissage en tant qu’auteure-compositrice. J’ai beaucoup appris, mais j’ai encore tellement à apprendre. Ensuite, certaines chansons sont des collaborations, d’autres sont celles que j’ai écrites moi-même et il y en a quelques-unes écrites par d’autres. Des gens m’envoient aussi parfois des chansons, donc si je peux me connecter à eux, et que je pense que c’est une bonne chanson, je vais l’essayer.

L’album de CASSIDY PARIS, « New Sensation », est disponible chez Frontiers Music.

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International Symphonic Metal

Blackbriar : la beauté de l’obscurité [Interview]

Très dark et avec un imaginaire souvent proche du gothique, BLACKBRIAR commence à faire parler de lui sur la scène européenne. Comme beaucoup de ses compatriotes, le quintet hollandais œuvre dans un Metal Symphonique où le tragique côtoie le féérique comme en témoigne ce deuxième album « A Dark Euphony ». Porté par une frontwoman inspirée, le groupe semble prêt à confirmer sa belle évolution. Zora Cock (chant) et René Boxem (batterie, composition) ont répondu à l’unisson à quelques questions. Entretien.

– BLACKBRIAR existe depuis plus d’une décennie maintenant et tout juste deux ans après « The Cause Of Shipwreck », vous sortez « A Dark Euphony ». Votre jeu a énormément évolué depuis vos débuts, alors quel regard portez-vous sur votre parcours avec le recul ?

Les premières années ont été consacrées à la recherche de notre propre son. Au départ, nous nous sommes inspirés du groupe Halestorm pour former BLACKBRIAR, et nous avons donc commencé par faire un style de musique assez différent, plus orienté vers le Hard Rock. Mais cela ne correspondait pas du tout à la voix de Zora. Tout a commencé lorsque nous avons décidé de changer les choses et de laisser Zora décider de la direction à prendre, puis avec l’écriture de choses dans lesquelles elle avait vraiment l’impression que sa voix pouvait atteindre son plein potentiel. Cela a donné le single « Until Eternity ». Dès lors, nous avons commencé à enfin sentir que nous allions dans la bonne direction et que nous pouvions continuer notre voyage. Ensuite, nous n’avons pas voulu attendre plus longtemps pour sortir d’autres morceaux. Nous avons commencé par des singles et des EP. C’est pour cette raison que notre premier album a pris du temps, nous devions d’abord construire les choses. Maintenant, nous pensons que tout s’est passé pour le mieux et nous avons même pu sortir le deuxième sur l’incroyable label Nuclear Blast Records !

– Vous avez, en effet, la particularité d’avoir sorti beaucoup de singles et d’EP avant d’enregistrer votre premier album. C’est assez atypique dans la démarche. Vous ne vous sentiez pas prêts, ou est-ce que ces formats correspondaient mieux à vos attentes de l’époque ?

Pour être tout à fait honnête, cela était principalement dû aux restrictions financières et au temps dont nous disposions en tant que groupe autoproduit. Ecrire, enregistrer et sortir un album complet coûte nettement plus cher que l’enregistrement d’un EP. Et nous n’avions pas les fonds à l’époque. Nous avons donc lentement construit notre premier album, au fil des années. Grâce à nos fans et nos followers, nous avons réussi à le sortir nous-mêmes en avril 2021 et nous leur en sommes extrêmement reconnaissants.

– « A Dark Euphony » est sorti il y a quelques semaines et il marque un grand bond en avant pour BLACKBRIAR. On a vraiment l’impression que vous prenez une nouvelle dimension artistiquement. C’est aussi votre sentiment ?

Vraiment, oui ! Il est important pour nous de conserver notre son et dans chaque chanson, y verser toute notre inspiration. Nous aimons donc penser que sur chaque nouveau morceau, il y a une nouvelle dimension, un nouveau monde et de nouveaux sentiments qui émergent.

– D’ailleurs, j’aimerais que vous me disiez un mot sur la pochette de l’album, qui est en noir et blanc dans un style souvent utilisé dans le Metal extrême. Et il y a ce titre avec le mot ‘Euphony’, qui paraît opposé et en contraste avec votre style ‘symphonique’… Vous vouliez jouer sur cette symbolique ?

Nous travaillons avec le même designer artistique, Alip, depuis le tout début, depuis la création du logo du groupe. Nous avons l’impression que les œuvres appartiennent à l’ensemble du monde BLACKBRIAR et nous voulons continuer dans ce style. On aime le contraste élevé, le style noir et blanc et tout ce qu’Alip fait pour nous. Nous avions l’impression que la pochette de « A Dark Euphony » convenait parfaitement à l’album, parce que nous pensons qu’il y a de la beauté dans l’obscurité. Et le titre vient en partie des paroles de l’une des chansons, « Cicada ».

– Ce nouvel album est très bien produit et bénéficie d’une réalisation ample et puissante. Dans quelles conditions et avec qui avez-vous travaillé, car le résultat est également  étonnant de fraîcheur ?

Notre processus d’écriture commence généralement avec Zora et ses paroles. Elle crée ensuite les mélodies et les lignes vocales. Elle enregistre a cappella et me les envoie. Je continue ensuite à créer la musique à partir de la voix. Et une fois qu’il y a une première version, nous l’apportons à notre producteur Joost van den Broek, avec qui nous travaillons depuis notre EP, « I’d Rather Burn ».

– Vous comptez ‘seulement’ deux albums à votre actif, mais déjà une longue expérience. Est-ce que sur « A Dark Euphony », vous avez pu mettre en place et réaliser des idées que vous aviez depuis longtemps, car on vous sent pleinement épanouis et très confiants ?

Pour nous, c’est un processus continu. Dès que nous terminons un album, nous commençons à écrire de nouvelles chansons. D’un point de vue créatif, nous faisons simplement ce qui nous vient sur le moment, en plongeant profondément dans la création de chaque chanson. C’est très spontané, donc on n’utilise pas tellement d’idées qu’on pourrait avoir depuis longtemps.

– A l’écoute de l’album, il y a aussi une chose qui s’impose comme une évidence, c’est la voix de Zora, qui est immédiatement identifiable et s’affirme avec beaucoup de caractère. Est-ce que c’est un aspect sur lequel vous avez tout particulièrement travaillé pour une mise en valeur plus forte ?

Zora a toujours été la pièce maîtresse de BLACKBRIAR, en tant que chanteuse principale, bien sûr, mais la musique tourne aussi entièrement autour de son écriture. Tous les instruments, les arrangements et l’orchestration soutiennent ses lignes vocales, afin que nous puissions pleinement embrasser et mettre en valeur ses idées.

– Enfin, le Metal Symphonique est un style qui se prête bien aux albums-concepts. Est-ce que vous y avez déjà pensé ? Et est-ce que c’est un exercice qui vous attire ?

Nous n’avons pas encore réalisé d’album-concept jusqu’à ce jour, c’est vrai. Zora aime écrire tout ce qui lui passe par la tête, en toute liberté, sans avoir à s’en tenir à quelque chose de précis. Elle m’a dit vouloir essayer, alors peut-être qu’un jour… Nous avons quelques chansons qui ont une sorte de lien les unes avec les autres, mais elles figurent sur des albums différents.

Le nouvel album de BLACKBRIAR, « A Dark Euphony », est disponible chez Nuclear Blast Records.

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Crossover France

Koudeta : un soulèvement musical [Interview]

Mené par sa très combative frontwoman, KOUTENA est la réunion de musiciens aguerris unis par une même envie, celle de livrer un Metal Crossover rassemblant des influences au large spectre, mais ayant en commun un esprit très 90’s. Direct et sans concession, le quatuor se présente avec un premier album efficace et brut, dont l’énergie se distille dans des riffs acérés, des rythmiques véloces et un chant redoutable de percussion. Rémi Verger, guitariste du quatuor, nous en dit plus sur la démarche du groupe et sa création.  

Photo : Pierre Guerin

– KOUDETA existe depuis maintenant quatre ans et votre premier album éponyme vient tout juste de sortir. Vous avez préféré prendre votre temps pour peaufiner votre style et votre jeu avant d’entrer en studio ?

Oui effectivement, le groupe a été créé durant l’été 2019 et on est rentré en studio à l’automne 2022. C’était le temps nécessaire pour composer et arranger les neuf chansons qui composent l’album. Le Covid a également un peu ralenti le processus.

– Vous êtes tous issus de plusieurs groupes à savoir Trepalium, New Assholes, War Inside et Vanilla Cage. Qu’est-ce qui vous a rapproché ? L’occasion de pouvoir faire autre chose que ce que vous faites déjà ou plus simplement par amitié ? Ou même les deux ?

A la base, le projet vient juste de l’envie de se retrouver entre potes pour envoyer du gros son. Avec Tom (batterie) et Ludo (basse), on se connaît depuis de longues années. On vit dans la même ville, on traîne dans les mêmes coins et on avait juste envie de jouer ensemble pour s’amuser. On a commencé à composer quelques titres, puis rapidement on a cherché un chanteur et c’est là que Ludo, qui joue également dans Trepalium, nous a suggéré d’intégrer Téona, qui se trouve être la femme de Sylvain Bouvier, le batteur de Trepalium. On a commencé à jouer ensemble et ça a tout de suite fonctionné !

– Justement, comment considérez-vous KOUDETA ? Comme un side-project ponctuel, ou est-ce que, plus clairement, votre intention est d’inscrire le groupe dans la durée ?

Notre objectif est bien de continuer à jouer le plus longtemps possible avec KOUDETA et de faire grossir le plus possible le projet. On est d’ailleurs déjà sur la composition du deuxième album !

Photo : Pierre Guerin

– Il émane une énergie très live de votre album, grâce à une proximité sonore évidente. Dans quelles conditions avez-vous enregistré « Koudeta » et sur quelle durée ?

On l’a enregistré durant l’automne 2022 au Nomad Audio en Vendée, le studio de Fabien Guilloteau. On avait maquetté tous les titres durant l’été et on est donc arrivé assez préparé et l’enregistrement s’est fait en une semaine. Il n’a pas été effectué en live, mais bien instrument après instrument, mais sans beaucoup de retouches et sans non plus empiler les couches sonores. C’est de là que vient, à mon avis, le côté live du son de l’album. On avait demandé à Fabien un mix, qui soit assez naturel et vivant et il a réussi à rendre la dynamique sonore que l’on désirait.

– Contrairement à beaucoup de groupes, votre style ne s’inscrit pas spécialement dans un registre précis, mais balaie au contraire de nombreux courants du Metal. C’est parce que vous écoutez tous des choses différentes qu’on perçoit autant d’influences chez KOUDETA ?

Oui, c’est exactement ça. On est tous fans de plein de courants et même de nombreux autres styles musicaux ! Cela va du gros Brutal Death jusqu’au Rock Progressif. On ne s’intéresse d’ailleurs pas tellement aux étiquettes, mais plutôt à la qualité intrinsèque de la musique quand on se penche sur un groupe. Et c’est certain qu’on ne souhaitait pas du tout s’enfermer dans un courant bien délimité, mais plutôt pouvoir exprimer une large palette musicale, d’autant plus qu’on peut compter sur la voix de Téona pour assurer dans un grand nombre de registres !

Photo : Pierre Guerin

– En revanche, il y a un aspect évident sur l’album, c’est qu’il est fortement ancré dans les années 90 et le spectre est même assez large. Beaucoup de nouveaux groupes surtout usent et abusent de samples, de boucles et de programmations. Est-ce que KOUDETA avance avec cette formule assez classique pour plus d’authenticité ?

On a tous été bercés par le Metal des années 90 et c’est là qu’on va trouver les principales influences du groupe : Pantera, Morbid Angel, Alice In Chains, Rage Against The Machine, Death pour citer celles qui nous paraissent les plus évidentes. Au niveau sonore, on souhaite en effet conserver une approche assez live et brute avec une formule basse-guitare-batterie, sans samples ou autre couche sonore. On ne s’interdit pas dans de futurs enregistrements d’enrichir la production, notamment avec du travail sur les voix et pourquoi un peu d’autres instruments mais, si c’est le cas, ce seront des titres qu’on ne reproduira pas en live. Le concept musical du groupe est d’être direct et authentique : notre son doit sortir des amplis, pas d’un ordinateur !

– Téona est géorgienne et plusieurs chansons sont très explicites au sujet de la Russie sur l’album. Au-delà de cette relation directe, est-ce que vous considérez KOUDETA comme un groupe engagé, ce qui se fait d’ailleurs de plus en plus rare en France ?

Certains textes ont effectivement une portée politique, mais KOUDETA est avant tout un projet artistique et le moyen d’exprimer nos émotions, nos frustrations, nos ressentis… Lorsqu’on évoque la politique, il s’agit avant tout d’exprimer ce qu’on a dans les tripes et dans le cœur sur ces sujets-là, comme lorsqu’on parle d’autres sujets non-politiques. La chanson « Bastard », qui parle de l’impérialisme russe et des conséquences sur la Géorgie ou l’Ukraine, n’a pas pour objectif d’avoir un quelconque impact politique, mais simplement de permettre à Téona de cracher la rage que lui inspire cette situation. Notre musique exprime ce qu’on ressent dans nos vies au quotidien, et la politique en fait partie, mais KOUDETA n’est pas pour autant un groupe qui se définit comme engagé politiquement.

Photo : Pierre Guerin

– Depuis quelques années, et c’est une très bonne chose, de nombreux groupes comptent une frontwoman dans leurs rangs. Est-ce que chez KOUDETA, c’était une volonté dès le départ, ou la question ne s’est même pas posée et Téona s’est imposée comme une évidence ?

Rien de prémédité là-dedans, on cherchait un chanteur et on savait que Téona avait un super potentiel, que ce soit au niveau musical ou scénique, et qu’elle avait un registre vocal assez large. Mais pour nous, garçon ou fille, ça n’a pas d’importance. Ce qui compte, c’est que ça marche aussi bien humainement que musicalement !!!

– Enfin, et malgré votre expérience personnelle et individuelle, KOUDETA fait partie de cette nouvelle vague de groupes Metal français sans complexe et il faut bien reconnaître que la scène hexagonale ne s’est jamais aussi bien portée, tant dans ses multiples talents que sur le nombre. Quel regard portez-vous là-dessus et votre envie est-elle aussi de vous exporter à courts ou moyens termes ?

C’est super que le Metal français commence à être présent à l’international et on aurait évidemment très envie de pouvoir défendre l’album à l’étranger !

Le premier album éponyme de KOUDETA est disponible chez Klonosphere.

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Blues Contemporary Blues

Maria Daines : true color

Chaque nouvelle réalisation de MARIA DAINES est toujours un enchantement. Dans un Blues délicat, moderne et envoûtant, la chanteuse et compositrice présente des chansons surtout mid-tempo dans un registre British Blues d’une clarté rayonnante. Avec son complice Paul Killington, musicien et producteur, elle pose sa voix sur une musique pleine de sensibilité et d’émotion. « Blue » est un modèle du genre qu’on ne se lasse pas d’écouter.

MARIA DAINES

« Blue »

(Independant)

Il aura donc fallu attendre trois ans pour réentendre la voix exceptionnelle de MARIA DAINES. En effet, c’est en 2020 que la Britannique avait sorti le très, très bon « The River », toujours en indépendant. Même si elle s’est essayée à d’autres styles, c’est bel et bien au Blues qu’elle revient toujours, et toujours accompagnée par le multi-instrumentiste, producteur et exceptionnel guitariste Paul Killington. Le duo est en symbiose totale et cela s’entend une fois encore sur « Blue ».

On pourrait s’étendre longuement sur la voix cristalline de MARIA DAINES, tant il est rare de voir une chanteuse dotée d’un spectre vocal capable de jouer sur une finesse incroyable et l’instant suivant de se déployer dans une énergie dont la puissance est tout aussi spectaculaire. Le chant de l’Anglaise est un instrument à part entière et, comme tous les virtuoses, elle n’a pas besoin d’en abuser pour marquer ses morceaux d’une empreinte indélébile. Et les dix titres sont d’une classe et d’une justesse absolue.

Le Blues du duo de Cambridge peut paraître d’une grande simplicité, tant il est d’une évidence et d’une fluidité absolues. Pourtant, tous deux guidés par un feeling constant, ils ont bâti un nouvel opus aux multiples détails et aux arrangements très soignés. Ouvrir « Blue » avec « Beyond Me », long de 7mn30, montre toute l’audace et le savoir-faire de MARIA DAINES et de Paul Killington, et d’autres perles suivent ensuite (« Sundown Blues », « Ain’t Your Man », « The River », « Blue », …) Brillant !

L’album est disponible sur le Bandcamp de la chanteuse : https://mariadaines.bandcamp.com/album/blue

L’incroyable duo formé par Maria Daines et Paul Killington

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Atmospheric Avant-Garde Doom

The Answer Lies In The Black Void : l’envoûtement

Rompu aux registres avant-gardistes, Martina Horváth et Jason Köhnen se sont attelés à la création d’un deuxième opus et celui-ci s’avère encore plus fascinant. Entre Metal et passages très aériens, THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID aborde le Doom sous tous les angles dans une approche atmosphérique très novatrice. Sur « Thou Shalt », la magie opère brillamment  pour produire un ‘Avant-Doom’ astral et fulgurant.

THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID

« Thou Shalt »

(Burning World Records)

La chanteuse hongroise Martina Horváth (Thy Catafalque) et le multi-instrumentiste hollandais Jason Köhnen (Celestial Season, The Lovecraft Sextet, Bong-Ra) continuent leurs expérimentations musicales communes, en marge de Mansur, et présentent le nouvel album de THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID, « Thou Shalt ». Deux ans à peine après l’étonnant « Forlorn », le duo nous replonge dans les méandres saisissants de son Doom Metal atmosphérique avec tout que cela comporte de nuances et de paysages sonores panoramiques.

Accompagné de Botond Fogi (guitare), Attila Kovacs (guitare) et de Mark Potkovacz (batterie), le combo se fond dans l’obscurité pour mieux jaillir sur des fulgurances très Metal. La frontwoman se fait presqu’obsédante tant la variété et la qualité de son chant sont exceptionnelles. THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID repousse l’univers du Doom dans ses derniers retranchements avec une créativité d’une grande richesse. A la fois complexe et évidente, la musique du quintet donne des frissons de plaisir tout en s’ouvrant à des dimensions multiples.

Tour à tour extrême et très mélodique, le style affiché est hallucinant de variations et « Thou Shalt » demande donc plusieurs écoutes avant d’en saisir l’entièreté. Lentes, écrasantes, mystérieuses, sauvages, démoniaques ou sensibles, d’une rare beauté et insaisissables, les atmosphères et les ambiances explorées par THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID transcendent les frontières du genre pour se faire ‘Avant-Doom’, comme le décrit la formation. Et pour que l’expérience soit totale, il faut se perdre dans ce monument artistique hors-norme. 

Photo : Peter Palotas
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Blues Blues Rock Shuffle Blues Southern Blues

Ghalia Volt : aux portes du désert

Dans une atmosphère très vintage, mêlant sonorités Country, Boogie, Rockabilly et Shuffle, le Blues GHALIA VOLT revêt une parure bien différente de ce à quoi elle nous a habitué. Toujours incisive et aussi un peu plus légère, elle livre un manifeste féministe d’une grande finesse d’écriture et d’une musicalité très colorée. Avec « Shout Sister Shout ! », la musicienne ouvre un nouveau chapitre de sa belle carrière sur de nouveaux horizons.

GHALIA VOLT

« Shout Sister Shout! »

(Ruf Records)

Une fois franchi l’océan qui sépare la capital belge de la Nouvelle-Orléans, GHALIA VOLT n’a pas perdu de temps et a rapidement pris les choses en main. Dès son premier album autoproduit en 2016, « Have You Seen My Woman », jusqu’à « One Woman Band » qu’elle a enregistré seule en live au mythique Royal Sound Studio de Memphis, la blueswoman est dorénavant une artiste reconnue sur la scène internationale et avec « Shout Sister Shout ! », c’est une nouvelle facette de sa personnalité qu’elle dévoile.

Après s’être exprimée dans un registre assez traditionnel et un Blues Rock électrisant, GHALIA VOLT s’essaie à autre chose en passant de la chaleur Southern de la Louisiane et du Tennessee à celle, nettement plus aride, de Joshua Tree dans le désert californien de Mojave. Et si les célèbres studios Rancho De La Luna sont surtout réputés pour leurs joutes Desert Rock, Stoner et Psych, c’est dans un style très marqué Hill Country Blues que la Bruxelloise présente ses nouveaux morceaux.

Sur ce cinquième opus, la songwriter n’est plus seule et est même particulièrement bien entourée. Sous la houlette de David Catching à la production et à la guitare, on retrouve le batteur Danny Frankel et le claviériste Ben Alleman. Avec Eddie 9V qui co-signe « Hope On A Rides », GHALIA VOLT forme aussi un duo complice. Jouant sur la diversité, la chanteuse montre une incroyable polyvalence et beaucoup de facilité (« Every Cloud », « No Happy Home », « Shout Sister Shout ! », « Can’t Have It All », « Po’ Boy John »). Très rafraîchissant !

Retrouvez l’artiste en interview…

… Et la chronique de l’album « One Woman Band »

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Blues Rock

Erja Lyytinen : le diamant de Finlande

Dès la fin des confinements, la virtuose ERJA LYYTINEN a repris le chemin des concerts avec une énergie folle et une incroyable intensité. C’est chez elle, en Finlande, qu’elle a immortalisé « Diamonds On The Road – Live 2023 » le 11 mars dernier. Parfaitement capté et remarquablement produit, c’est une véritable immersion que propose la chanteuse et songwriter scandinave. Un pur moment d’émotion gorgé de feeling.

ERJA LYYTINEN

« Diamonds On The Road – Live 2023 »

(Tuohi Records)

Considérée à juste titre comme l’une des meilleures performeuses live actuelles en matière de Blues Rock, la Finlandaise vient confirmer sur « Diamonds On The Road » l’étendue de sa vaste palette. Ce double-album enregistré à Rytmikorjaemo, Seinäjoki, est déjà le quatrième qu’elle capture sur scène et il vient s’ajouter à ses douze albums studio. Alors que le précédent, « Lockdown Live », reste un témoignage de la période de la pandémie, on retrouve ici ERJA LYYTINEN dans une salle comble et électrisée.

Devant un public totalement acquis, la blueswoman balaie son répertoire avec talent en alternant des morceaux de ses anciens disques avec le dernier en date, « Waiting For The Daylight », qui est largement représenté pour le plus grand plaisir de ses fans… et le nôtre ! ERJA LYYTINEN reprend aussi à son compte le « Crosstown Traffic » de Jimi Hendrix avec beaucoup de personnalité. Long d’une heure et demie, « Diamonds On The Road », nous plonge littéralement au coeur du concert.

Ce qui est aussi assez renversant avec ce double-album, c’est de mesurer l’évolution de la guitariste, qui utilise jusqu’à six instruments différents qu’elle adapte aux titres joués. Son jeu est varié, explosif et l’on décèle même des touches Hard Rock, histoire d’apporter encore plus de puissance à son set. ERJA LYYTINEN nous gratifie également d’un inédit chanté en Finnois (« Vaïnämöinen Tuonelassa ») inspiré du tableau du peintre Pekka Halonen et dans une ambiance très Folk Metal. Brillante… une fois encore !

Photo : Peter Verstraeten

Retrouvez la chronique du dernier album studio de l’artiste :

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Alternative Rock Pop Rock Power Rock

Amy Montgomery : une explosive dualité

Elle rayonne, elle rugit et elle envoûte une fois encore sur ce nouvel EP. Avec « Astil », AMY MONTGOMERY prouve qu’elle est aussi à son aise sur des morceaux massifs et rentre-dedans que sur des chansons poignantes. La spontanéité de la volcanique irlandaise fait des merveilles sur ce nouvel effort, qui promet un bel album à venir l’an prochain. 2024 sera sans nul doute son année et ces nouveaux titres sont autant de perles à déguster pour patienter… avant de l’accueillir sur les scènes françaises.  

AMY MONTGOMERY

« Astil »

(Independant)

Au printemps dernier, la déflagration Rock est venue de Belfast avec le single « Change Change » d’AMY MONTGOMERY qui, petit à petit et à force de tourner aux quatre coins de l’Europe, commence à se faire un nom. Il faut dire que la jeune chanteuse (et multi-instrumentiste) n’a pas froid aux yeux et se livre dans un registre explosif, mélodique et très rapidement addictif. Inspirée de figures féminines comme Alanis Morissette, Beth Hart et quelques autres, elle a su imposer son style, grâce à une forte personnalité et une combinaison de sons d’une puissance rare et d’une sincérité absolue.

Après un été passé sur les routes, l’Irlandaise est de retour avec « Astil », un nouvel EP qui nous permet de découvrir d’autres facettes de son jeu. Très bien autoproduit avec son partenaire Michael Mormecha, également touche-à-tout, le duo fait des étincelles en combinant les ambiances, des approches musicales différentes et une émotion qui se traduisent autant dans de délicates déclarations (« Forever And You ») comme sur des intentions plus guerrières (« Astil »). AMY MONTGOMERY ne s’interdit rien et se montre même d’une incroyable polyvalence.

Oser affirmer que la songwriter est l’incarnation-même du Power Rock moderne au féminin n’a flanchement rien d’extravaguant ou d’exagéré. Les morceaux d’« Astil » sont d’une telle variété que rien ne semble lui résister. Sensible et d’un dynamisme à toute épreuve, la frontwoman livre des morceaux très bien arrangés, où les guitares et sa voix percutent à l’envie, bien aidées par des synthés discrets et témoins d’une orchestration très maîtrisée (« Way For Free Limit », « Meet You In The  Sun »). Solaire et fougueuse, AMY MONTGOMERY fait bel et bien partie de ses futures très grandes, qu’on se le dise !

Le nouvel Ep d’AMY MONTGOMERY, « Astil » est disponible sur le Bandcamp de l’artiste :

https://amymontgomery.bandcamp.com/album/astil

Retrouvez également la longue interview qu’elle a accordé à Rock’n Force en mars dernier :