Eddie Vedder et ses compagnons sont l’un des très rares combos à ne décevoir que très rarement, tant la classe qui émane de leur musique est incontestable. Et le plus étonnant est de voir que, si cela pourrait être un poids pour certains, elle semble même les pousser à aller encore de l’avant, à faire toujours mieux. Et avec une telle réunion de talents, il semble même que PEARL JAM s’en amuse. Et il y a de quoi à en juger par ce « Dark Matter », pas si sombre que ça, mais plutôt engagé, dynamique et solaire. La formation de Seattle n’a franchement plus rien à prouver à qui que ce soit, sauf peut-être encore à elle-même… et elle y parvient sans mal !
PEARL JAM
« Dark Matter »
(Monkeywrench Records/Republic Records/Polydor)
En livrant en amont trois singles de son douzième album studio, PEARL JAM l’a finalement joue très finement. Car en y regardant de plus près, « Dark Matter », l’anecdotique « Running » et « Wreckage » sorti il y a quelques jours ne sont pas très représentatifs de l’ensemble du disque, même s’ils découvrent quelques unes de ses saveurs. Encore différent de son prédécesseur « Gigaton », ce nouvel opus vient démontrer que le quintet est littéralement hors-norme au regard des formations Rock estampillées ‘Grunge’, presque toutes mortes dans l’œuf. Il est l’un des rares à continuer à explorer, et à pouvoir le faire surtout, son propre style en réussissant le tour de force de surprendre et de séduire à chaque fois.
Attaché à ce son éternellement identifiable entre tous, c’est aux fameux studios Shangri-La de Malibu en Californie et sous la houlette du producteur Andrew Watt, un fidèle, que PEARL JAM est allé immortaliser les onze chansons de « Dark Matter ». Avec un Eddie Vedder lumineux, capable de se faire aussi brutal que d’une extrême douceur, les cinq musiciens font ce qu’ils savent faire de mieux : livrer un Rock direct, tout en nuances et surtout en élevant leur niveau de jeu à chaque fois. Certes, les Américains font parler l’expérience, mais pas seulement, ils creusent aussi dans leurs propres entrailles pour en sortir des refrains, des mélodies et des riffs qui n’en finissent plus d’envoûter. La marque des très grands !
Et si la première partie de « Dark Matter » semble presque facile, il ne faut pas attendre longtemps pour que les morceaux et l’atmosphère prennent une toute autre tournure sur la seconde moitié de l’album. « Upper Hand » amorce le virage, suivi du très bon « Waiting For Stevie » et un peu plus loin par « Something Special ». PEARL JAM alterne avec des titres qui sortent directement de son ADN avec une écriture qui rappelle souvent celle de son chanteur en solo. Le mix entre les deux est parfait et ne souffre d’aucun défaut, ni de baisse de régime (« Got To Give »). Mâtinés d’une poésie très personnelle, les textes sont toujours aussi cinglants, gorgés de vérités et d’appels à la réflexion (« Scared To Fear », « React, Respond », « Setting Sun »). Magique !
Mené par un D.K. Revelle impérial au chant, KICKIN VALENTINA remet le Hard US version déjanté et aguicheuse au firmament, où il siégeait il y a encore quelques décennies. Les bases sont épaisses, le sens de l’audace nourrit les chansons avec appétit et les refrains pénètrent le cerveau pour ne plus en sortir. Avec « Star Spangled Fist First », l’exaltation se fond dans une fièvre très Rock, comme on en n’avait plus entendu depuis de longues années. Le quatuor est aussi ravageur qu’accrocheur : une belle prouesse !
KICKIN VALENTINA
« Star Spangled Fist Fight »
(Mighty Music)
Le bouillonnant combo d’Atlanta est de retour, et quel retour ! Depuis ses débuts en 2013 avec un EP éponyme qui avait fait beaucoup de bruit, il poursuit son ascension en étoffant régulièrement son répertoire. Dorénavant, aux côtés de trois formats courts, il faut ajouter un quatrième album, qui ferait presque passer le brûlant « The Revenge Of Rock » (2021) pour une simple mise en jambe. KICKIN VALENTINA a sorti la sulfateuse et ce « Star Spangled Fist Fight » démonte tout sur son passage… et dans les règles.
Et les Américains se sont aussi très bien entourés, puisqu’ils ont confié la production du disque à Andy Reilly (UFO, Bruce Dickinson, Cradle Of Filth) et le résultat est massif, moderne et véloce. Du Hard Rock très Sleaze version 2024 ! Certes, les références à la scène du Los Angeles de la grande époque, les 90’s, sont évidentes, mais KICKIN VALENTINA y a injecté le souffle vivifiant de sa Georgie natale. Mélodiques et musclés, les morceaux de « Star Spangled Fist Fight » transpirent le Rock’n’Roll par tous leurs pores.
Avec irrévérence, le groupe affiche un Hard Rock direct, où se mêlent avec parcimonie des effluves de Glam, de Sleaze et de Hard US dans un élan dénoué de toute fioriture. « Star Spangled Fist First » avance avec un enthousiasme palpable sur un groove irrésistible, bardé de gros riffs, de solos hyper-Heavy et avec un duo basse/batterie plus que complice. KICKIN VALENTINA est précis et joue brillamment avec les clichés sexy du genre (« Gettin Off », « Dirty Rythm », « Died Laughing », « Takin A Ride » et le morceau-titre). Hell Yeah !
Après s’être remise en question et avoir procédé à des changements de line-up conséquents, la formation Hard Rock du Danemark fait son retour avec « Look At Me Now », une galette de dix morceaux à croquer et très bien produite par Soren Andersen (Glenn Hughes, Thundermother). Intense et percutant, JUNKYARD DRIVE montre une belle envie et beaucoup d’assurance, qui se ressentent jusque dans la composition de ses nouveaux titres. Entre modernité et tradition, ce nouvel opus amorce même un nouveau départ plein de promesses.
JUNKYARD DRIVE
« Look At Me Now »
(Mighty Music/Target Group)
L’air de rien, cela fait déjà dix ans que JUNKYARD DRIVE a pris la route et qu’il impose son Hard Rock musclé méticuleusement mis à jour. Les Danois sont toujours restés ancrés dans leur époque, même s’ils abordent sans détour un style qui a certainement baigné leur adolescence. Avec un œil neuf, ils empruntent le sentier très bien balisé par leurs aînés, à savoir Guns n’Roses, Skid Row et Audioslave entre autres, et ils y ont injecté un grain de folie qui rend leur patte très accrocheuse. Bardé de mélodies entêtantes et d’une fougue constante, « Look At Me Now » est leur quatrième album et il y a du neuf !
La première petite révolution du quintet est d’avoir entièrement renouvelé sa section guitare, ce qui n’est pas rien, notamment dans un style comme celui-ci où il constitue souvent l’identité sonore d’un groupe. Bienvenue donc à Oliver Hartmann et Kristoffer Kristensen, qui font beaucoup de bien à JUNKYARD DRIVE, non que leurs prédécesseurs ne fussent pas à la hauteur, loin de là. Mais il faut bien reconnaître que le sang neuf apporté au combo l’a complètement réoxygéné et revigoré. Les deux artilleurs s’entendent parfaitement et leur complicité est évidente, tant sur les riffs que sur le partage des solos.
Vocalement, Kristian Johansen semble même avoir gagné en vigueur et ose bien plus de choses que sur « Electric Love » (2022), pourtant très bon. Les Scandinaves ont fait le plein d’énergie et leur Hard Rock s’affirme de plus en plus. Très varié dans l’ensemble, « Look at Me Now » montre toute l’étendue musicale dont est capable JUNKYARD DRIVE. Bluesy, véloce, Heavy, épais et plus tendre sur les ballades, ce nouvel opus révèle une belle créativité à l’œuvre et techniquement, c’est irréprochable (« Somewhere To Hide », « Landslide », « Beauty Fool », « Blood Red Sky », « The Tide Is High »). Well done !
Il se dégage une impression de grande liberté dans le jeu des cinq musiciens de VOYAGER-X, qui vient rappeler ce qu’on faisait de mieux en matière de Hard Rock et de Heavy Progressif à la toute fin du siècle dernier. Aérien et mélodique autant que racé et solide, « Magic » présente une très belle et large palette d’un style qui défie le temps et les modes, et avec des musiciens de ce calibre, on peut s’attendre au meilleur. C’est d’ailleurs le cas tout au long de cette épopée aux teintes légèrement rétro-futuristes.
VOYAGER-X
« Magic »
(Dr. Music Records)
L’histoire de VOYAGER-X est assez singulière. Formé en Allemagne du côté de Nuremberg au milieu des années 80, le quintet a vécu une décennie assez dynamique avant de se mettre en veille en 1997, après dix ans d’activité. Chacun est parti de son côté, à l’instar de Mario Gansen devenu chanteur de Grim Reaper et ensuite de Dynasty. Mais il faut croire que le plaisir de composer et de jouer ensemble à très vite rattraper Stephan Baumgärtner (guitare), Jörg Schreiber (basse), Chris Mordek (claviers) et Peter Webert (batterie), qui se sont remis au travail, ou plutôt qui ont repris les choses là où elles en étaient.
Car « Magic » devait sortir initialement en 1997. Il était même prêt et le groupe s’appelait alors Voyager… comme quelques autres, ce qui a poussé les Allemands à ajouter ce X, qui les distingue aujourd’hui. 27 ans plus tard, j’imagine volontiers que les chansons ont été retouchées, peut-être réarrangées et que la production aussi a été actualisée. Car, même si les influences et les compositions s’inscrivent dans une dynamique très 90’s, le son est très actuel et on n’imagine pas VOYAGER-X avoir ressorti ce très bon « Magic » de sa boîte sans une petite mise à jour, car il n’a rien à envier aux réalisations actuelles.
Musicalement, on peut situer le groupe dans la même mouvance que Queensrÿche, Savatage, Accept et Fates Warning pour son côté Progressif et Heavy. Cela dit, La puissance vocale de son frontman lui permet d’aborder des aspects plus accessibles et Rock, façon Marillion. Mais VOYAGER-X est résolument Metal, entre Hard et Heavy, et la virtuosité de son guitariste, entre autres, est saisissante. Entraînant et musclé, l’ensemble présente même un côté épique et intemporel (« Janus Face », « Hypnotize You », « Don’t Lose The Pain », « Crime Of The Century »). Un opus qui doit prendre toute sa dimension sur scène.
Cela faisait plus de dix ans que ROLLYWOODLAND était (presque) en sommeil. Le power trio basé dans le sud-est de la France revient en force avec un deuxième album, « Dark Fate For Judgment Day », sorte de flashback musical et cinématographique des années 80/90, celles d’un Hard Rock qui savait aussi se faire très Heavy. Sans nostalgie et avec une production très actuelle, le groupe aborde cette nouvelle étape avec enthousiasme et un regard clair sur ses intentions. Entretien avec Rolly Wood, chanteur et bassiste du combo.
– « Appetite For Seduction », votre premier album, était sorti en 2012 et il aura fallu attendre 2024 pour vous retrouver avec « Dark Fate For Judgment Day ». Que s’est-il passé en plus de 10 ans ? Vous avez fait une pause musicale, ou est-ce que chacun d’entre-vous s’est concentré sur d’autres projets artistiques ?
Il y a un peu de tout ça. On a commencé à bosser sur l’album presque tout de suite après la sortie du premier. Ensuite, on a fait un break de trois ans en 2015, suite à des changements de boulot, des enfants, … On a repris en 2018 et quand on a commencé à être bien, il y a eu le Covid. Comme on habite tous assez loin les uns des autres, on n’a pas pu se voir. Pendant, cette période, j’ai réenregistré le chant chez moi. Ensuite, on a fait les grattes chez le guitariste entre 2020 et 2022 environ. Et tout ce qui est additionnel a aussi été réalisé à ce moment-là. C’est vrai que l’album est prêt quelque temps, mais la recherche de label et puis le calendrier de sorties des autres groupes ont fait que l’album sort aujourd’hui.
– ROLLYWOODLAND a forcément beaucoup changé en plus d’une décennie. Quels ont été les changements majeurs que vous souhaitiez apporté au groupe, si tant est qu’il y en est eu ?
Il y a déjà eu un changement de line-up. Notre batteur, Ben avec qui je jouais déjà avant notre premier album, nous a rejoints. Yohan, le guitariste qui était avec nous depuis 2013, est aussi revenu en 2018, lorsque l’on s’est reformé. Le line-up est stable depuis quelques années maintenant.
– Avant de parler de l’album, j’aimerais aussi avoir ton regard sur le petit monde de la musique qui a aussi beaucoup changé. Le milieu a connu une certaine métamorphose dans son fonctionnement avec surtout la main mise des réseaux sociaux sur cet environnement au détriment assez souvent de la musique. « Dark Fate For Judgement Day » arrive un peu dans un autre monde, non ?
Complètement ! Et un monde qui n’est pas le mien ! (Rires) Au sein du groupe, on n’est pas branché réseaux sociaux. On n’est pas récalcitrant, mais ce n’est pas notre façon de fonctionner en montrant notre vie en permanence. Le ‘m’as-tu vu’ et le voyeurisme, on n’est pas trop dedans. Avant, les choses se faisaient via le bouche à oreille et les concerts faisaient parler toi. Aujourd’hui, j’ai l’impression que ça se joue au nombre de followers. Sachant qu’en plus, c’est un peu biaisé car on peut en acheter, je ne vois pas vraiment l’intérêt de tout ça.
– En tout cas, une chose est sûre, votre musique reste dans la lignée de ce vous avez toujours fait avec les mêmes repères aussi. Finalement, ce Hard Rock aux teintes Glam Metal un peu Sleaze est quelque chose d’assez immuable et d’intemporel ? D’ailleurs, comment vivez-vous ce petit ‘revival’ actuel à l’étranger comme en France ? Et est-ce que vous avez gardé un œil là-dessus ?
C’est peut-être que cette musique est la bonne, tout simplement ! (Rires) Je pense que la bonne musique ne suit pas les modes, c’est quelque chose d’intemporel. Par ailleurs, parmi tous ces groupes un peu ‘revival’, il y a un grand côté parodique. Maintenant, je ne sais pas si nous sommes les rois de l’originalité, mais il y a souvent ce manque dans les groupes actuels. Ils ne cherchent pas forcément à s’émanciper d’une certaine masse. Tous ces groupes actuels de Glam, de Sleaze, etc… me font penser aux Inconnus (les humoristes ! – NDR). C’est vrai que ce n’est pas une scène que je suis vraiment. Le plus Glam que j’écoute, ça doit être Mötley. Ce n’est pas vraiment ma tasse de thé, je suis plus Hard Rock pur. C’est pour ça que j’ai du mal à nous identifier à cette scène, car tous les chanteurs ont un peu la même voix. C’est ça qui me manque actuellement, ce sont les chanteurs qui ont une voix à part. Il n’y a plus grand-chose d’immédiatement identifiable. Et puis, tout le monde a le même son de batterie, etc… C’est un peu mon ressenti là-dessus. Aujourd’hui, les deux seuls groupes que j’écoute de cette nouvelle scène sont Audrey Horne et Volbeat, qui ont une identité musicale assez marquée et puis, ça joue !
– Parlons de ce nouvel album. Même si les références américaines et surtout californiennes ont assez évidentes sur certains morceaux, le son de ROLLYWOODLAND s’inscrit tout de même dans un registre français et plus largement européen. C’est quelque chose à laquelle vous tenez, ou cela s’est fait finalement inconsciemment ?
Sonner à tout prix américain est quelque chose que je refuse de faire. Tu vois, j’adore Steel Panther, mais je trouve que tous leurs albums se ressemblent. Je n’ai pas du tout envie qu’on entre dans ce genre de truc. Je trouve que beaucoup de groupe essaient de faire comme les autres, histoire d’être sûrs que leur musique va être bien reçue. Alors que je pense que ce qui plait aux gens, c’est peut-être les 2% d’originalité que tu peux avoir. Une chanson, c’est un type de mélodie et un son que tu vas aller rechercher. Alors, si les gens peuvent venir à nous pour cette raison, j’en serai le premier ravi et satisfait.
– Lorsque l’on parle de ce type de Hard Rock, c’est-à-dire avec des couleurs assez Glam et Sleaze, on pense à un style forcément festif. Or, ce n’est pas forcément le cas sur « Dark Fate For Judgement Day », qui est souvent sombre, même un peu sérieux et finalement très Heavy. Pour vous, c’est dû à cette époque que l’on vit et qui n’invite pas toujours à la rigolade, ou alors, ce n’est pas votre vision avec ROLLYWOODLAND, malgré des morceaux comme « JCVD » ou « Nunchaku »…
C’est vrai que la plupart des gens pensent d’abord au côté festif, et c’est intéressant de voir que chacun peut avoir un ressenti différent par rapport au contenu ou à travers les textes. Notre album est très Hard’n Heavy avec des thèmes très différents, à travers des morceaux très introspectifs comme « Militærritory » ou « We All Come From Outer Space », par exemple. C’est une façon pudique finalement de m’exprimer aussi dans une autre langue. C’est vrai que « JCVD » et « Nunchaku » sont des titres plus légers qui s’inscrivent dans un univers de films d’action. Finalement, le morceau le plus sombre est « Heaven For Paradise », qui est ma chanson anti-jihad que j’ai écrite juste après les attentas de Charlie.
– Les clins d’œil aux années 80 et 90 ne manquent pas, et c’était déjà le cas sur « Appetite For Seduction », mais elles ne concernent pas seulement la musique. Cette fois, c’est un véritable hommage à ‘Terminator’ avec « « Dark Fate For Judgement Day ». Ce sont deux décennie et un groupe (Guns N’Roses a aussi chanté « You Could Be Mine » sur la BO – NDR) qui vous a marqué à ce point-là, car on ne vous sent pas forcément nostalgique ?
En fait, l’idée de ‘Terminator’ est partie d’un délire, puisqu’on jouait le thème en répétition et on a ensuite décidé d’en faire une vraie intro pour les concerts. Finalement, on l’a enregistré et c’est à ce moment-là que l’idée d’appeler l’album « Judgement Day » est arrivée. C’est quand même un titre qui claque ! Pour la pochette, j’avais d’ailleurs pensé au pouce levé à la fin du film. Et on a finalement choisi cette main, qui est propre à l’univers du Rock et du Metal. On s’est dit que cela parlerait aux gens en s’appropriant la scène, et c’est là qu’avec l’arrivée du dernier film, on a opté pour « Dark Fate For A Judgement Day ».
On a réussi à avoir les droits avec le Studio Canal pour la reproduction du thème. On avait fait la démarche auprès de la SACEM. Pareil pour « Another Part Of Me » de Michael Jackson, qui était au départ assez mal embarqué, puisque la personne de Sony que j’avais eu m’avait dit que les ayants droits refusaient systématiquement toute demande. Elle a d’ailleurs été la première surprise qu’ils aient validé positivement. C’est un morceau que j’avais retravaillé en me disant que ce serait une bonne reprise et elle s’inscrit finalement hyper bien à notre répertoire. On dirait presque une compo ! Si tu ne sais pas que c’est une chanson de Michael Jackson, elle passe comme une composition du groupe. Pour moi, c’est d‘ailleurs le propre d’une reprise réussie.
– Votre album est très varié, puisqu’on y trouve aussi des ballades et même des morceaux instrumentaux. C’est d’ailleurs assez étonnant de trouver une telle diversité aujourd’hui dans le Heavy Rock. C’est une volonté de ne pas se laisser enfermer dans un seul registre ?
J’ai toujours aimé les petits instrus, comme dans les albums de Van Halen, ainsi que l’idée que cela t’amène sur un thème. Par exemple, « The Epic Split » a été composé pour faire introduction à « JVCD ». Il y a un but précis. On l’a écrit parce qu’on voulait une partie instrumentale. Je trouve, en fait, qu’un album est un peu comme un film. C’est une succession de scènes différentes. C’est pour ça aussi que c’est intéressant de l’écouter dans son entier, car on retrouve cette sensation.
– Un mot aussi sur la durée de l’album qui atteint presque l’heure, ce qui est devenu très rare. Aujourd’hui, tout est très formaté et tout le monde reste dans les clous. Pourquoi avoir sorti un album aussi long ? C’est parce que vous aviez plus de 10 ans à rattraper ?
(Rires) A l’origine, on avait enregistré 14 titres en 2015. Donc, on avait déjà tous ces morceaux. Et puis, à l’instar du « Black Album », sans comparaison aucune et avec beaucoup de modestie, enlever un morceau était juste quelque chose d’impossible pour nous. Ensuite, quitte à payer du studio, on a cherché le meilleur ordre possible et aujourd’hui, j’aurais vraiment du mal à imaginer l’album, sans l’un des morceaux qui le compose.
– Pour conclure, j’imagine qu’avec un tel album, vous allez prendre la route pour le défendre. D’ailleurs, avec cet écart entre vos deux disques, est-ce que vous allez réarranger certains morceaux du premier ? Leur faire un petit lifting ?
En fait, il y a juste deux morceaux du premier album que l’on joue encore. Ils sont dans la lignée de ce qui a été enregistré dernièrement, même si cela s’est fait avec des personnes différentes. Globalement, les structures n’ont pas changé. C’est vrai qu’on pourrait en prendre d’autres, mais on est déjà en train de bosser sur le prochain. Pour le moment, on est plutôt dans l’optique de développer de nouveaux titres. D’ailleurs, on devrait être prêt à enregistrer en fin d’année ou en début d’année prochaine.
L’album « Dark Fate For A Judgement Day » de ROLLYWOODLAND est disponible chez M&O Music.
Avec ce quatrième album, les trois Américains risquent de marquer les esprits, tant la lourdeur vibratoire qui enveloppe et s’étend sur l’ensemble de « Garden Creatures » a de quoi faire trembler la faille de San Andreas. Massifs et percutants, les morceaux de ce nouvel opus de DISASTROID prennent tous les chemins de traverse, via un flux où s’entrechoquent Stoner, Noise, Grunge et un soupçon de Psych. Une synthèse palpitante et insaisissable.
DISASTROID
« Garden Creatures »
(Heavy Psych Sounds)
A en croire le groupe, les recoins des maisons résidentielles de San Francisco ne sont pas si sûrs que ça et il s’y passe même des choses sinon terrifiantes, tout au moins lugubres. Au sein des jardins envahis de végétation, dans les caves pleines de secrets et au hasard des crimes et dans une solitude pesante, DISASTROID a imaginé et conçu un album assez obsessionnel, à l’épaisseur trouble et dans un registre où le Grunge et le Noise se fondent dans un Stoner Rock vrombissant et sérieusement Heavy.
Et l’un des grands artisans de l’atmosphère si spéciale de « Garden Creatures » est aussi Billy Anderson, connu pour ses collaborations avec Sleep, Melvins et Neurosis entre autres, qui a réalisé une incroyable production, que ce soit dans l’ambiance globale du disque que dans chaque détail. Si DISASTROID se sert du Stoner Rock comme socle principal et aussi comme fil conducteur, c’est pour mieux distiller un Grunge 90’s hyper-fuzz, d’où la voix d’Enver Koneya, également guitariste, s’envole dans une forme de songe vaporeux, mais appuyé.
Entre Noise et Heavy Rock, le power trio nous présente probablement la facette la moins glamour de San Francisco. De leur côté, Travis Williams (basse) et Braden McGaw (batterie) procèdent à un broyage en règle sur un groove dévastateur, flirtant même avec certains aspects Doom. Décidemment, DISASTROID n’est jamais à court d’idées, n’hésitant à mêler le son de la scène de Seattle du siècle dernier avec un Stoner moderne et pachydermique (« Garden Creatures », « Figurative Object », « 24 », « Light’Em Up, « Jack Londonin’ »). Une baffe !
Si l’esprit est ouvertement 80’s/90’s, les compos et l’interprétation ne dévoilent pas la moindre ride. Chevronnés et très inspirés, les musiciens de LIONHEART surfent toujours sur une belle vague de Hard Rock mélodique, entre Hard FM et AOR (oui, il y a une différence !). Solide et fédératrice, leur dernière production navigue entre des émotions dues au thème à l’œuvre ici et des envolées dignes des plus belles heures du genre. « The Grace Of A Dragonfly » allie puissance et intemporalité.
LIONHEART
« The Grace Of A Dragonfly »
(Metalville)
Malgré une histoire qui a commence à la fin des années 80 et un line-up qui a tout du ‘All-Stars Band’, LIONHEART ne compte que quatre opus à son actif, en incluant « The Grace Of A Dragonfly ». Mais depuis « Second Nature » en 2017, les Anglais sont sur une belle dynamique et cette nouvelle réalisation vient confirmer les belles choses entrevues sur « The Reality Of Miracles » (2020). Avec une base Hard Rock, la cuvée 2024 nous embarque sur des refrains accrocheurs dans un Hard FM très soigné.
Forts une réputation qui les précède, Dennis Stratton (guitare, ex-Maiden), Steven Mann (guitare, MSG), Rocky Newton (basse, Wildfire, Schenker), Clive Edwards (batterie, Uli Jon Roth)v et Lee Small (chant, Shy) livrent leur premier concept-album. Centré sur la Seconde Guerre Mondiale, celui-ci se veut un hommage anti-guerre basé sur un travail mélodique exceptionnel. LIONHEART s’est focalisé sur les voix et tout le monde fait d’ailleurs les chœurs, mais c’est guitaristiquement que les Britanniques se montrent brillants.
Réaliser un disque aussi positif sur un thème guerrier n’était pas la chose la plus évidente et pourtant le quintet y est parvenu, grâce à des morceaux harmonieux et finement composés. Les chorus, les twin-guitares, les solos et les riffs du duo Stratton/Mann rayonnent enveloppé de claviers à la fois discrets et efficaces (« Declaration », « V Is For Victory », « The Longuest Night », « Just A Man », « UXB » et le morceau-titre). Tout en maîtrise, LIONHEART se montre sous son meilleur jour et fait parler l’expérience.
La suède a toujours été une terre très fertile en termes de Metal et ce nouveau venu vient confirmer une belle tradition. Heavy à souhait, irrévérencieux au possible et détenteur d’un grain de folie surdimensionné, SMOKING SNAKES déboule pleine balle avec un premier opus qui va faire beaucoup de bruit. « Danger Zone » est l’incarnation du renouveau du Sleaze Metal et il permet avec fougue et panache à ce registre de rajeunir de 40 ans. Une petite bombe à écouter sans modération.
SMOKING SNAKES
« Danger Zone »
(Frontiers Music)
Il semble souffler un vent nouveau chez Frontiers Music. Le label italien paraît renouer avec une fraîcheur évaporée dans des productions convenues depuis quelques temps, et surtout son rôle de découvreur de talent est à nouveau à l’ordre du jour. Place donc à SMOKING SNAKES, sulfureux quatuor qui donne un sacré de jeune au Sleaze Metal. S’il ne renie pas ses modèles et ses inspirations fondatrices, car ce serait de toutes façons peine perdue, ce premier album renverse la table avec une passion très palpable, et qui fait très plaisir.
Il y a tout juste deux ans, le groupe a fait une entrée fracassante sur la scène de Göteborg avec une démo explosive et une série de concerts percutante. SMOKING SNAKES n’a ensuite pas tardé à entrer en studio pour l’enregistrement de « Danger Zone » et s’est mis tous les atouts de son côté. C’est aux Top Floor Studios qu’il est allé confectionner sa première réalisation et avec son emblématique patron aux mannettes. C’est donc Jakob Herrmann (Amaranthe, Raised Fist, Evergrey) qui produit l’ensemble et ça sonne sévère.
Très brutes et mêmes assez âpres, les compositions affichent une puissance décomplexée, des refrains entêtants, une cascade de riffs racés et tranchants, des solos incendiaires et une rythmique massive. SMOKING SNAKES revigore le style si fédérateur de ses aînés avec une fausse négligence, qui tente de dissimuler une minutieuse application. Et les Scandinaves enchaînement brillamment et enfoncent le clou avec méthode (« There Is No Tomorrow », « No Future », « Angels Calling », « Lady Luck », « Excited », « We Are Alive »). Titanesque !
Le groove est monumental, les riffs aussi funky que tranchants, la rythmique virevolte et claque et le flow du frontman est aussi accrocheur que revendicatif. SLOPE a su s’approprier les codes d’un genre né au siècle dernier : le Metal Fusion. Avec « Freak Dreams », nos amis germaniques manient de multiples ambiances avec une énergie contagieuse et un songwriting dont le processus est redoutable d’efficacité. Ca slape, ça percute, ça harangue de toutes parts pour fédérer avec une malice et une légèreté qui font mouche avec talent.
SLOPE
« Freak Dreams »
(Century Media)
A Duisburg, près de Düsseldorf, se trouvent cinq jeunes gens dont les goûts et les influences sont restés figés dans les 90’s et dans ce qu’elles avaient de plus imaginatif et explosif. Dans cette décennie bénie entre toutes, le Metal se mêlait avec ingéniosité, savoir-faire et beaucoup d’audace à d’autres styles, donnant lieu à une fusion des genres restée depuis inégalée. Si les modèles sont évidents, la créativité de SLOPE nous replonge avec plaisir dans une registre tellement rafraîchissant.
Dix ans après sa formation, le groupe continue sa remontée dans le temps et fait jaillir de belles sensations restées enfouies quelque part dans de nombreuses discothèques et aujourd’hui, malheureusement, submergées par de fades expérimentations dérivées du MetalCore et autres éléments sonores de supermarché. SLOPE se sert très habillement de cette scène un peu vintage et lui redonne du brillant et du lustre à travers une production moderne et irrépressible. Un régal.
Mais revenons à ce très bon album des Allemands, « Freak Dreams », qui fait suite à « Street Heart » (2021), lui-même précédé des EP « Helix » (2014) et « Losin’ Grip » (2017). Si le quintet est fortement imprégné des premiers Red Hot, le combo a également très bien assimilé les œuvres de RATM, Faith No Moire, Bad Brains, Suicidal Tendencies et même celles des Beasties Boys. Réjouissant, donc ! Le Metal Fusion de SLOPE se pare de Funk, de Rap et de Hard-Core avec brio et c’est la belle surprise de ce début d’année !
De Saint-Etienne à la Cité des Anges, le vol est direct et finalement la distance importe peu, tant les idées et la musique rapprochent inévitablement. Riffs tendus, solos millimétrés, rythmique appuyée, rien ne manque à EVE’S BITE, dont les refrains et le chant de ce premier opus sont entêtants et fédérateurs. Avec « Blessed In Hell », le groupe se montre créatif et s’inscrit dans une belle tradition à laquelle il fait vraiment honneur. L’énergie très live qu’il dégage s’ouvre sur un univers très personnel.
EVE’S BITE
« Blessed In Hell »
(M&O Music)
A l’œuvre depuis un bon moment maintenant, le revival Hard, Heavy et Glam Metal de la fin des 80’s et des 90’s commence sérieusement à prendre de l’ampleur aux Etats-Unis bien sûr, et aussi dans nos contrées. Et il faut croire que ce bel héritage a été parfaitement digéré, car la scène hexagonale n’est pas en reste. Avec « Blessed In Hell », EVE’S BITE vient grossir les rangs et présente un premier album autoproduit sous la bannière de M&O Music. Et si la production est un peu froide, l’ensemble se veut musclé.
Certes, on est un peu loin de la chaleur californienne, mais les Stéphanois n’ont pas froid aux yeux et montrent de bien belles choses. Leur Hard Rock est racé et efficace, les mélodies sont accrocheuses et les touches Glam et Metal habillement distillées. « Blessed In Hell » court d’ailleurs sur près d’une heure, preuve que sur ses 12 morceaux, le quatuor a des choses à dire. EVE’S BITE se montre infatigable, un brin Sleaze et la puissance affichée ne manque ni de maîtrise, ni d’entrain.
Bon, on ne va pas se mentir non plus, on pense très fort au Skid Row de la belle (et unique !) époque de Sebastian Bach, notamment au niveau du chant. Pour le reste, les Français s’appuient sur des valeurs sûres comme Dokken pour le côté Heavy et Mötley Crüe pour la partie texte notamment. Appliqué et sérieux, EVE’S BITE fait preuve de beaucoup d’’explosivité et on se prend vite au jeu (« Fire, Fire, Disaster », « She’s Got More Balls Than You », « Rock Fever », « Shits On The Radio », « Waiting For The Night »). Bouillonnant !
