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Alternative Metal International Post-Metal

Sons Of Alpha Centauri : en constante évolution [Interview]

Il y a trois ans sur « Push », les Anglo-américains de Sons Of Alpha Centauri avaient fait le pari d’intégrer l’excellent chanteur Jonah Matranga à son post-Metal instrumental, devenu de fait plus alternatif avec des sonorités 90’s. Pari remporté haut la main et « Pull » vient s’inscrire dans une belle continuité sur des morceaux techniquement redoutables et des mélodies accrocheuses. SOAC avance tout en émotion sur des fulgurances très maîtrisées et originales. L’occasion était trop belle pour en parler avec son bassiste et fondateur Nick Hannon.

– Trois ans après « Push », vous êtes de retour avec « Pull » et il semblerait que le pli soit désormais pris. Vous n’êtes plus un groupe instrumental, puisque Jonah Matranga est toujours au rendez-vous et le line-up semble aussi stabilisé. Est-ce que cette configuration de SONS OF ALPHA CENTAURI est enfin la bonne ?

Nous apprécions vraiment que Jonah et Mitch (Wheeler, batterie – NDR) fassent partie du groupe et que cette phase, c’est-à-dire l’époque où cela n’était qu’une simple idée, soit consolidée. Mais quel que soit notre niveau d’engagement, et même auparavant, je pense que le groupe est toujours axé en interne autour du noyau dur que nous formons avec Marlon (King, guitariste – NDR). Nous sommes les ‘fils’ d’ALPHA CENTAURI. A l’heure actuelle, il s’agit plus d’un ‘engagement’ que d’un statut permanent, c’est sûr !

– Cependant, cela ne veut pas dire que vous ne réserviez pas de surprises. Au contraire même, car votre démarche musicale paraît plus précise et déterminée. L’album est plus direct et joue sur l’efficacité des morceaux. Est-ce à dire que vous délaissez pour un temps l’aspect expérimental de votre post-Metal des premières réalisations ?

J’aime les choses que nous avons faites autour des ambiances précédemment, car à notre meilleur dans l’écriture, on avait l’impression qu’elles capturaient les côtés progressifs comme ceux plus expérimentaux. Mais non, je ne pense pas que nous ayons abandonné cet aspect du groupe. En ce moment, ce n’est pas trop notre truc, mais il y a toujours beaucoup de choses qui tournent en arrière-plan ! C’est similaire à nos côtés Desert Rock et instrumentaux aussi, je pense. Notre défi est de continuer à les diluer dans les albums, sans  les rendre trop accessibles dans le concept et l’interprétation.

– Ce qui attire immédiatement l’attention, c’est la faculté de Jonah Matranga à captiver l’attention, grâce à un chant tout en émotion et des refrains entêtants comme sur « Ephemeral », par exemple, qui ouvre l’album. On pense d’ailleurs à Ed Kowalczyk du groupe Live, qui possède cette même faculté a envoûté l’auditeur. L’ensemble sonne même plus Rock dans son approche, c’était l’objectif ?

Oui et cette fois-ci, il s’agissait aussi de capturer l’ambiance post-HardCore de la fin des années 90. De toute évidence, Jonah est très influencé par Far, bien sûr, mais aussi Will Haven, Helmet, Quicksand ou Deftones, pour ne citer qu’eux. Cela se retrouve notamment dans l’approche, le ton et la composition. C’est un mélange de post-HardCore, de Metal et de Rock Alternatif. Je pense qu’atteindre cette cible n’était pas forcément notre objectif, mais nous avons évolué pour le rendre plus pertinent dans les années 2020, soit plus d’une génération plus tard.

– « Pull » présente aussi un aspect plus compact et direct. Les morceaux aussi ont un côté plus ‘chanson’ qu’auparavant, où les parties instrumentales semblaient plus libres et aériennes. Tout le monde s’est mis au service du collectif et de l’impact des morceaux, cette fois ?

Absolument. L’écriture des riffs, des breaks et même des mélodies est quelque chose que nous avons commencé à affiner sur « Continuum », et surtout sur « Push ». Mais avec « Pull », nous savions que la force ne résiderait pas tant dans la charge utile de ces éléments que dans le mécanisme de diffusion des chansons elles-mêmes. Donc, les structures sont devenues vraiment importantes et même une priorité pour nous. Nous avons aussi beaucoup réécrit, changé les compositions, puis élargit et redessiné certains aspects pour faire de la place au chant et à la batterie, plutôt que d’être trop plat et de simplement charger d’éléments certains morceaux.

– Vous évoluez toujours en quatuor, lequel est toujours anglo-américain. Sans parler de l’osmose qui règne chez SOAC, est-ce que ce n’est pas trop compliqué au niveau de la logistique notamment pour travailler sereinement ?

C’est un peu plus complexe que d’avoir quatre personnes dans la même pièce, c’est sûr. Mais nous faisons cela depuis de nombreuses années maintenant. Je pense que nous avons affiné notre processus de collaboration. La clef est de prendre notre temps pour bien faire les choses. Personne n’aime précipiter les choses et ce n’est vraiment pas nécessaire. Alors, s’assurer que nous allons tous dans le bon sens, et dans le bon ordre, compense ce qui peut souvent paraître comme une logistique assez complexe !

– Avec « Pull », vous livrez un style que l’on pourrait qualifier d’‘Alternative post-Metal’ avec toujours des touches progressives et surtout une intensité dans l’émotion qui est assez phénoménale. On sent beaucoup de passion et de sincérité dans les textes de Jonah. Est-ce que c’est vous musiciens qui vous adaptez à ces paroles pour y apporter une force supplémentaire, ou c’est lui qui écrit suivant vos compositions ?

Un peu des deux. La capacité de Jonah à créer des harmonies et à transmettre des émotions dans la musique est indéniable. Ainsi, lorsqu’il découvre quelque chose qui change la dynamique de la chanson, nous prenons du recul et nous réfléchissons à la manière dont nous allons modifier, ou altérer, le morceau pour saisir et élever ses mélodies à travers des breaks, par exemple. Nous apprenons tellement de choses sur l’intégration des voix dans les morceaux. Ce n’est pas une superposition d’éléments et cela a vraiment changé ma façon d’aborder l’écriture avec Marlon. Maintenant, nous pensons plutôt à comment cela pourrait  fonctionner avec des voix. C’est une chose que nous ne faisions pas auparavant.

– J’aimerais qu’on dise un mot que cette rythmique que tu formes avec Mitch Wheeler à la batterie. Ce qui surprend au fil des écoutes, c’est votre complicité, car sur des morceaux en apparence assez accessibles, vous vous faites carrément plaisir ! Il s’avère que dans le détail, les structures sont plutôt complexes et très techniques. C’est une sorte d’héritage de votre post-Metal instrumental d’antan, qui était peut-être axé sur la performance ? Un truc de musicien, en somme…

Jouer avec de grands musiciens est toujours un plaisir et je suis très fier de n’avoir travaillé qu’avec de grands batteurs. Steve, le batteur original de SOAC était fantastique et Mitch est tout simplement hors-norme avec sa précision et ses capacités à diriger les morceaux. Tandis que la basse et les guitares donnent de la profondeur aux morceaux, Mitch a leur donné de l’énergie, du dynamisme et cette touche post-HardCore sans être trop Rock, ni trop Metal. C’est une ligne fine, précise et il l’a parfaitement réussi. Former la section rythmique avec lui est un honneur absolu !

– Qu’en est-il de vos autres collaborations et projets ? Je pense notamment à Yawning Sons et à une éventuelle suite à « Sky Island », qui était fascinant…

Gary (Arce de Yawning Man – NRD) est particulièrement occupé en ce moment avec Big Scenic Nowhere et bien sûr Yawning Man, mais nous sommes toujours en contact. Encore une fois, Gary est une autre personne avec laquelle il existe un véritable lien, il y aura donc toujours une envie de travailler ensemble à un moment donné.

– Enfin, lors de notre dernière interview, nous avions parlé un peu de concert. Est-ce que cela se concrétise aussi de ce côté-là, car on imagine sans mal la dimension que prendrait « Pull » sur scène…

La logistique est beaucoup plus compliquée à gérer pour le live que pour l’écriture et l’enregistrement. Mais si, par exemple, Mitch et Jonah se retrouvent en tournée ici, alors cela deviendrait une réelle possibilité. Nous aimerions faire avancer cet aspect-là du groupe pour faire plus de choses à travers quelques performances live. Et puis, en étant si proches et mêmes voisins, nous adorerions vraiment venir jouer en France !

L’album de SONS OF ALPHA CENTAURI, « Pull », est disponible chez Exile On Mainstream Records.

Retrouvez aussi la première interview du groupe…

Sons Of Alpha Centauri : hybrid Metal [Interview]

… ainsi que celle de Nick à la sortie de l’album de YAWNING SONS :

Yawning Sons : un concept rare et précieux [Interview]
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Heavy metal International Occult Rock Old School

The Wizards : magie et ésotérisme [Interview]

Ancré dans un esprit 70’s, THE WIZARDS se meut dans un concept et des sonorités occultes dilués dans un son organique soigneusement élaboré. Originaires de Bilbao, les Basques combinent Hard Rock, Heavy Metal et Rock et avec « The Exit Garden », le quatrième album du quintet, on plonge dans un univers à l’imagerie sombre et ténébreuse où les longues plages instrumentales souvent épiques font corps avec un chant captivant. Entretien avec Jorge, aka George Dee, lead-guitariste du combo, dont le registre rappelle les belles heures des fondations du genre.

– Vous avez formé THE WIZARDS il y a un peu plus de dix ans et votre parcours est exemplaire avec ce quatrième album qui vient juste de sortir. Est-ce que c’est ce que vous avez déjà en tête au printemps 2013 quand vous avez publié votre première démo ?

Notre première démo est sortie en janvier ou février 2014 et à l’époque, le groupe s’est formé sans objectif clair en tête. Nous avions tous joué dans d’autres groupes et nous avons commencé ce projet juste pour nous amuser et jouer quelque chose de différent. Nous ne pouvions pas imaginer que THE WIZARDS allait être le tournant Rock’n’Roll de nos vies.

– Avant de parler de « The Exit Garden », j’aimerais qu’on évoque de cette sorte de concept autour de THE WIZARDS. Il règne chez vous une ambiance occulte et une imagerie pleine de mystères. Est-ce que l’objectif est de développer un univers bien spécifique autour de chaque album, ou c’est plus global et cela inclue la démarche complète groupe ?

Le concept derrière le groupe a été clair, dès que nous avons choisi le nom en fait. Il reflète la magie liée à la musique. Nous nous inspirons des connaissances ésotériques, ainsi que des livres, des bandes dessinées, de nos expériences personnelles et bien d’autres choses. Chaque album montre une approche différente et rien n’est vraiment planifié, car les choses se produisent finalement lorsque nous écrivons et composons les chansons.

Photo : Raquel Garcia

– Après votre premier album éponyme en 2015, vous avez enchainé avec « Full Moon In Scorpion » et « Rise Of The Serpent », presque coup sur coup en 2017 et 2018. Que s’est-il passé ? Vous aviez un double-album en tête dès le départ, ou il s’agit juste d’un surplus de créativité ?

En fait, c’est juste quelque chose de normal, car nous avions enregistré « Full Moon in Scorpio » en avril 2016 et il n’est paru qu’en mai 2017. Au début, personne ne voulait le sortir et après quelques mois, nous avons finalement conclu un accord avec Fighter Records. Et puis, il y a eu des critiques et des ventes incroyables, donc nous avons beaucoup joué. Ensuite, en avril 2018, nous avons commencé à enregistrer « Rise of the Serpent ». Finalement, il y a eu une pause de deux ans entre la conception et l’enregistrement des deux disques.

– Puis, il s’est passé six ans entre vos deux derniers albums. C’est long et même s’il y a eu la pandémie, est-ce une période où vous avez aussi plus tourné ?

Malheureusement non, nous n’avons pas pu faire de concert pendant deux ans et demi et ce fut un désastre total pour nous. Mais nous nous en sommes remis en selle et nous sommes revenus il y a deux ans et nous sommes là aujourd’hui : prêts pour l’action et plus forts que jamais.

– A propos de concerts, on entend assez peu parler de la scène Metal espagnole. Est-il facile d’y organiser des tournées et est-ce que votre situation au pays Basque vous offre aussi des opportunités en raison de la proximité avec la France, notamment ?

Il y a une scène intéressante dans notre pays et nous avons joué presque partout. Ce n’est pas difficile pour nous de tourner ici. Et comme nous sommes aussi proches de la France, notre premier concert a eu lieu à Rennes en Bretagne. Nous adorons jouer dans d’autres pays. J’espère que nous pourrons bientôt retourner à Rennes et dans d’autres villes également.

– D’ailleurs, la culture basque est aussi riche en légendes. Est-ce qu’elle vous inspire ?

Pas énormément au niveau des paroles. Je pense que nous sommes peut-être plus davantage liés à cette présence par la seule puissance de son essence-même.

– Il y a trois ans, vous aviez aussi sorti un single, « Sign Of The Wolf (Pentagram) ». C’était une façon de garder le contact avec vos fans, alors que les concerts étaient à l’arrêt ?

Oui, exactement. Nous nous sommes souvenus qu’il y avait cette chanson que nous avions gardée pour une sortie spéciale. Et nous avons pensé que c’était le bon moment. On la jouait d’ailleurs en live depuis longtemps.

– « The Exit Garden » paraît plus sombre que vos albums précédents avec des aspects Doom qui rappellent Skyclad et Trouble. Et puis, vous avez également produit votre album. C’est une manière de gérer entièrement votre musique ou, plus simplement, c’est parce que vous aviez une vision précise et claire du son que vous voulez obtenir ?

Nos deux précédents disques avaient été produits par Dean Rispler et il nous a montré de nombreuses astuces importantes concernant la production. C’était donc le moment idéal pour le faire nous-mêmes. Nous n’avons pas beaucoup réfléchi au son global, mais nous avons beaucoup travaillé sur les arrangements, les structures et le jeu. Je pense que nous avons réalisé ce que nous avions en tête, donc nous sommes vraiment heureux de l’avoir produit nous-mêmes.

– L’une des premières choses qui attire l’attention chez THE WIZARDS est l’énorme travail effectué sur les guitares, entre les riffs, les twin-guitares et les solos. Les morceaux ont structures solides. Vous composez plutôt autour d’un thème de départ, du chant ou des parties de guitares justement ?

Merci, c’est peut-être parce que les principaux auteurs sont Felipe (Phil The Pain – NDR) et moi, les deux guitaristes du groupe. Nous aimons écrire les chansons ensemble, et c’est génial, car nous nous complétons vraiment. Habituellement, nous travaillons sur quelques riffs qui deviennent la structure principale, puis nous ajoutons les paroles et d’autres arrangements. Mais la majeure partie du travail est accomplie lorsque nous répétons tous les cinq ensembles. Cela a d’ailleurs toujours été notre façon de faire depuis le début.

– D’ailleurs, comment se partagent les parties de guitares entre le lead et la rythmique ? Et est-ce que le fait d’avoir le même line-up depuis vos débuts est important pour l’harmonie du groupe et l’équilibre de vos morceaux ?

C’est assez simple, je joue le lead et Felipe joue la rythmique en concert. En studio, nous enregistrons tous les deux les parties rythmiques, et ensuite je fais les solos. C’est vrai que nous sommes ensemble depuis 2013 et c’est véritablement la clé du son serré que nous aimons offrir. Ecrire, répéter et jouer en live avec les mêmes personnes pendant dix ans est quelque chose qui crée une réelle connexion et une belle synchronicité au niveau des guitares dans les morceaux.

– Enfin, THE WIZARDS aurait très bien pu exister et évoluer dans les années 70/80. Comment vous êtes-vous plongé dans ce courant du Heavy Metal, qui rappelle ses belles heures ?

Nous aimons les groupes classiques tels que Judas Priest et Blue Öyster Cult, c’est vrai. Les albums que ces groupes ont réalisés dans les années 70/80 sont de grande classe. Mais nous essayons surtout simplement de créer quelque chose de personnel en s’inspirant de tous ces grands maîtres. Et puis, rien ne nous intéresse plus qu’un ampli Marshall et une guitare Gibson : c’est du Rock’n’Roll et c’est donc toujours très organique.

Le nouvel album de THE WIZARDS, « The Exit Garden », est disponible chez High Roller Records.

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International Stoner Doom Stoner Rock

Acid Mammoth : unstoppable [Interview]

Avec « Supersonic Megafauna Collision », le quatuor grec s’impose définitivement comme l’une des références du Doom européen. Si l’ascension du groupe d’Athènes a été fulgurante, elle ne doit rien au hasard, mais à la passion et au travail de ses membres. Sans se reposer sur ses acquis, ACID MAMMOTH continue sa quête musicale, tout en installant un son et une touche dorénavant très personnels. L’univers reste Doom, mais le Metal et surtout le Stoner cette fois sont autant de terrains de jeu que la formation hellène maîtrise avec une rare élégance… et s’entretenir avec Chris Babalis Jr (chant, guitare) est toujours un réel plaisir.

– L’an prochain, ACID MAMMOTH fêtera ses 10 ans d’existence et le bilan est assez exceptionnel avec quatre albums, un split EP et une belle notoriété acquise. Non seulement la pandémie ne vous a pas arrêté et vous avez aussi conservé le même line-up, ce qui devient assez rare aussi. La satisfaction est-elle totale, ou referiez-vous certaines choses différemment avec le recul ?

Quand il s’agit de regarder en arrière tout ce que nous avons fait jusqu’à présent, nous sommes clairement satisfaits. Nous vivons notre rêve, nous sortons des albums et nous donnons des concerts en dehors de notre pays. Même si ce n’est pas un travail, mais simplement un plaisir, nous vivons pour cela. Il y a certainement des choses encore à réaliser, nous avons beaucoup de projets pour l’avenir et nous travaillons tout le temps sur le groupe. Donc, il y a toujours quelque chose à l’horizon. Quand il s’agit des choses que nous ferions différemment, il y en a sûrement aussi. Cependant, chaque fois que nous y réfléchissons, on sait que nous l’avons fait, parce que c’est ce que nous ressentions à ce moment-là. Tout ce qui a été créé par le passé, on le ferait différemment maintenant, parce qu’on a changé et on a évolué. Mais il n’y a rien que nous regrettions.

– A la sortie de « Caravan », qui avait été entièrement réalisé pendant les confinements, tu m’avais dit que cette période avait finalement été très créative et même apaisante. Cette fois pour « Supersonic Megafauna Collision », cela fait suite à une belle série de concerts. Dans quel état d’esprit avez-vous composé et pris le chemin du studio ?

Nous avons composé et enregistré le nouvel album l’an dernier, tout en jouant dans toute l’Europe. On enregistrait, puis on prenait l’avion pour un concert. Et on revenait pour reprendre l’enregistrement, et ainsi de suite. Même si ce processus peut paraître intimidant à première vue, ce n’était pas le cas pour nous. Bien au contraire, cela nous a vraiment donné beaucoup d’énergie. Parfois, de retour chez nous après des concerts à l’étranger, nous avions un sentiment de vide, comme si quelque chose de beau était terminé et que nous devions retourner à notre routine quotidienne. Mais ce n’était pas le cas cette fois-ci, car chaque fois que nous terminions un spectacle et que nous devions rentrer, quelque chose d’aussi beau nous attendait à la maison : notre nouvel album !

– Je trouve que l’album présente une nouvelle dynamique à travers ses morceaux, comme si vous étiez totalement débridés. Est-ce que c’est justement le contact direct avec le public qui a changé vos perspectives et peut-être aussi la perception de votre jeu ?

Très certainement. Enregistrer un album après deux tournées a définitivement influencé la façon dont nous avons composer nos nouveaux titres. L’enthousiasme, l’énergie et tous les sentiments que nous avons ressentis sur la route ont joué un rôle crucial dans la définition du son des chansons du nouvel album. L’ensemble du processus semblait naturel lors de la composition. Nous n’avons ressenti absolument aucune pression, quant à savoir si elles seraient bonnes, ou pas. Et même si nous examinons toujours tout au microscope pendant le processus d’écriture et de production, le débat n’a jamais été de savoir si les morceaux seraient bons ou non, mais plutôt de savoir comment ils pourraient sonner encore mieux. Toute l’écriture de cet album a été remplie d’enthousiasme et de bonnes vibrations. Pas de stress, pas de pression, juste une envie de créativité et de plaisir à être et à jouer ensemble. Et quand on fait ce que l’on aime, il y a de fortes chances que quelqu’un d’autre l’appréciera aussi.

– D’ailleurs, « Supersonic Megafauna Collision » est beaucoup plus fuzz et donc Stoner que « Caravan », qui était très Metal. L’intention était d’être plus direct et frontal sur ce nouvel album ?

Pour être tout à fait honnête avec toi, en composant les chansons de ce nouvel album, nous n’avions pas de plan précis en tête, principalement parce que nous ne voulions pas tomber dans le piège du ‘il faut sonner comme ça’, car cela aurait peut-être pu être limitant et restrictif. Au lieu de ça, nous avons suivi le courant, nous avons simplement pris nos instruments et nous avons commencé à jouer. Et ce que tu entends sur le disque en est vraiment le résultat. Bien sûr, il y avait des choses que nous avions déjà en tête comme, par exemple, le concept de chaque chanson, les thèmes et l’atmosphère que nous voulions transmettre. Mais dans l’ensemble, tout s’est déroulé de manière assez organique et simple. Les nouvelles chansons ne sont pas l’assemblage de différents riffs. Une fois qu’une première idée de chanson était proposée, toute la structure se développait à partir de là jusqu’à finalement se couvrir de chair et d’os et prendre forme.

– Ce qui surprend aussi cette fois, c’est la progression que l’on ressent au fil des morceaux, un peu comme si vous développiez un concept sur l’album. Est-ce le cas ? Et y a-t-il un lien entre les chansons, une sorte de fil conducteur sur « Supersonic Megafauna Collision » ?

Bien qu’il n’y ait pas d’histoire globale sur tout l’album, au moins sur le plan musical, les chansons sont liées, car elles expriment nos sentiments au moment où elles ont été composées. En ce qui concerne les concepts derrière « Supersonic Megafauna Collision », chaque chanson a son propre thème et sa propre direction. Les ambiances que nous avions en tête ont ensuite joué un rôle crucial dans la composition de la musique. Nous avons fermé les yeux et nous nous sommes imaginés dans les situations que décrivent les morceaux. Cela nous a vraiment aidés à nous immerger dans ces histoires et à composer d’une manière sincère et sans retenue ce qui, selon nous, rend vraiment justice aux nouveaux titres.

– ACID MAMMOTH conserve ici encore ce côté hypnotique et aérien sur plusieurs morceaux pour atteindre un sommet sur « Tusko’s Last Trip » et ses 12 incroyables minutes. Clore l’album avec un tel titre est une belle synthèse d’ailleurs. C’est aussi comme ça que vous l’avez écrit, avec cette ambition de terminer sur un moment très fort ?

Pour ce qui est de « Tusko’s Last Trip », ce qui est venu en premier était le concept, puis la musique s’est développée en conséquence. Cette histoire nous brise vraiment le cœur. ‘Tusko’ était un éléphant qui vivait dans le zoo d’Oklahoma City dans les années 1960. Il est mort tragiquement après de nombreuses souffrances dues à de cruelles expérimentations humaines, au cours desquelles des scientifiques lui ont injecté une gigantesque dose de LSD. Il ne l’a pas supporté, il a immédiatement eu des spasmes, il souffrait et ne pouvait plus respirer. Il a énormément souffert jusqu’à sa mort. Dans notre nouvel album, nous avons voulu lui rendre hommage en lui écrivant cette chanson, en racontant sa triste et tragique histoire. Nous sommes contre les expérimentations humaines sur les animaux, car elles leur infligent des douleurs et des souffrances, tant physiques que psychologiques, qui peuvent aller jusqu’à la mort. C’est dans cette optique qu’a été composé « Tusko’s Last Trip ». C’est une chanson triste, mais qui parle directement à notre cœur chaque fois que nous pensons à sa douleur, à sa peur et à son sentiment de désespoir dans ses derniers instants. Nous avions envie de raconter son histoire, et nous avons pensé qu’un morceau gigantesque comme celui-ci pour clôturer l’album était le moyen idéal.

– « Supersonic Megafauna Collision » est toujours aussi organique et authentique dans le son. Sur les deux albums précédents, vous aviez travaillé avec votre ami Dionysis Dimitrakos, dont tu me disais qu’il était le cinquième membre du groupe. Est-ce toujours le cas, car l’identité musicale d’ACID MAMMOTH est de plus en plus claire ?

Dionysis est définitivement le cinquième membre du groupe. C’est notre ingénieur du son et il est chargé de bien nous faire sonner. Il connaît très bien notre son et il sait exactement ce que nous voulons avant même que nous le lui disons. Il a rendu justice à nos albums et nous ne nous voyons pas travailler avec quelqu’un d’autre dans le futur. C’est l’homme idéal pour ce poste et nous ne pourrions être plus heureux que de travailler avec lui. On le dit souvent, mais c’est vrai : nous aimons toujours travailler avec les mêmes personnes pour chaque sortie, à savoir le même label, le même ingénieur du son, le même line-up et le même artiste pour la pochette de l’album ! Ainsi, Dionysis fait partie de ces personnes avec qui nous continuerons à travailler, car il est une partie très importante du groupe et de sa musique.

– D’ailleurs, en préparant l’interview, je me suis replongé dans votre discographie et l’évolution technique, comme purement sonore, est assez flagrante et c’est très normal. J’ai le sentiment qu’un cap avait déjà été franchi sur « Caravan » et qu’avec « Supersonic Megafauna Collision », vous vous affirmez beaucoup plus nettement dans un Doom très Stoner et Fuzz. L’équilibre est-il définitivement le bon à vos yeux ?

Chaque fois que quelqu’un nous pose la question, nous répondons toujours que nous faisons du Doom. Et c’est vrai que notre musique est fondamentalement ‘doomesque’. Cependant, nous ne pouvons pas nier le fait qu’elle comporte également des éléments de Stoner Rock. C’est d’ailleurs quelque chose qui s’est produit un peu accidentellement, sans un réel désir de l’incorporer directement. En ce qui concerne l’équilibre, on a l’impression que cela change d’un album à l’autre. Nous pensons que le nouveau, tout comme « Under Acid Hoof », contient définitivement des éléments Stoner, qui étaient absents sur « Caravan », qui était bien plus sombre et déprimant. Pour les prochains albums, nous pensons qu’il est temps d’adopter une approche plus ‘psychédélique’, ce qui nous semble très intéressant à expérimenter.

– Enfin, avec dorénavant quatre albums à votre actif, votre répertoire s’est considérablement élargi, ce qui vous laisse le choix pour concevoir des setlists très différentes pour vos concerts. Est-ce quelque chose à laquelle vous réfléchissez déjà ? Créer en quelque sorte des ‘concepts-concerts’ ?

Nous avons beaucoup de projets pour nos prochaines setlists, y compris ajouter de nouvelles chansons, ainsi que des plus anciennes que nous n’avons jamais jouées en live auparavant. Par exemple, mis à part les nouveaux titres, nous avons toujours voulu jouer en live « Eternal Sleep » de notre premier album éponyme, ainsi que d’autres comme « Black Dust » et « Under Acid Hoof ». Nous allons certainement faire quelques ‘concepts-concerts’ dans le futur. Peut-être même jouer l’un de nos albums dans son intégralité, comme nous l’avions fait l’année dernière à Athènes lorsque nous avons joué l’ensemble d’« Under Acid Hoof ». Nous verrons. C’est passionnant, car les possibilités sont multiples et elles sont toutes passionnantes à envisager !

« Supersonic Megafauna Collision », le nouvel album d’ACID MAMMOTH, est disponible chez Heavy Psych Sounds.

Retrouvez le groupe en interview, ainsi que la chronique de « Caravan » :

Acid Mammoth : une ascension à marche soutenue [Interview]
Acid Mammoth : c’est là que les Athéniens anéantirent !
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Death Metal International

Deicide : la bénédiction du bannissement [Interview]

Pierre angulaire du groupe au côté du frontman Glenn Benton, Steve Asheim est le co-fondateur, le batteur et le principal compositeur de DEICIDE. Quelques décennies après la formation de l’emblématique combo Death Metal de Floride, le quatuor s’apprête à sortir « Banished By Sin », un nouvel album qui s’inscrit dans la lignée tracée par les Américains. Un brin Old School, une imagerie toujours sataniste, les ingrédients n’ont pas changé, mais la recette est efficace et semble plaire au légendaire cogneur américain. Entretien avec un musicien au regard très lucide.

Photo : Gene Smirnov

– Avant de parler de ce nouvel album, j’aimerais que tu nous dises un mot sur l’évolution de la scène Death Metal, puisque DEICIDE fait partie des précurseurs du genre depuis plus de 35 ans maintenant ? Vous sentez quelque part un peu garant et responsable de cet héritage ?

A l’époque où le groupe a débuté, le Thrash était à son apogée. Metallica, Slayer, Dark Angel et Destruction faisaient partie de mes groupes préférés. Le Death Metal n’en était qu’à ses balbutiements. Il y avait un, peut-être deux groupes, Death et Possessed, ce qui est d’ailleurs discutable, parce qu’ils étaient considérés comme du Thrash par la plupart. Et les groupes locaux étaient les seuls que je connaissais. Ils n’étaient pas tous signés à l’époque, donc personne en dehors de la scène locale n’en avait vraiment entendu parler. En ce sens, je suppose que nous étions tous des précurseurs de cette scène, comme tu dis. Et c’est bien de faire partie des fondations de quelque chose, comme on dit, cela cimente vraiment votre position dans une certaine lignée au fil des années, et quoi qu’on en dise.

– DEICIDE vient de ce que l’on appelait autre fois la ‘Mecque du Death Metal’ ou le ‘Temple du Death Metal’, un joyeux paradoxe d’ailleurs, à savoir Tampa en Floride. Est-ce que ce son si spécifique existe toujours, selon toi, en dehors de vous bien sûr ? Qu’en reste-t-il aujourd’hui, elle qui fut si prédominante dans les années 80/90 ?

Juste à cette époque ? Pour autant que je sache, c’est toujours le cas. D’ailleurs, pourquoi cela ne le serait-il plus ? (rires) Je pense que ce son peut être attribué aux studios Morrisound et aux techniques et aux équipements qu’ils ont utilisés. Il y avait des groupes aux sonorités très différentes, stylistiquement parlant, mais le véritable son, la qualité de la production, ainsi que la cohérence, ouais… On peut l’attribuer aux studios Morrisound et aux gens qui y travaillaient, à savoir les frères Morris, Jim et Tom, et bien sûr Scott Burns.

Photo : Gene Smirnov

– « Banished by Sin » est votre treizième album et ce qu’il y a de fascinant chez DEICIDE, c’est que vous n’avez jamais renié votre musique, votre approche et votre son. C’est un cap que vous tenez absolument à maintenir, ou situez-vous justement le groupe au-dessus des modes et des courants ?

Eh bien, une fois que nous avons atteint notre marque de production, notre style était assez unique et c’était vraiment le nôtre. Et c’est quelque chose à laquelle nous voulions nous accrocher. Cela a bien fonctionné pour nous et c’est toujours le cas. Je ne pense pas que nous ayons jamais suivi d’autres tendances que la nôtre, et ça marche très bien. Donc, si ce n’est pas cassé, ne le réparez pas, comme on dit ! (Sourires)

– D’ailleurs, « Banished By Sin » conserve ce petit côté Old School rageur et ravageur. On se retrouve presque plonger dans le temps quelque part entre « Legion » et The Stench Of Redemption », deux périodes pourtant très distinctes. Vous aviez une volonté de faire le lien entre ces deux époques majeures pour vous ?

Ce n’est pas quelque chose que nous avons essayé de réaliser intentionnellement, c’est plutôt arrivé très naturellement.  Mais je vois ce que tu veux dire par là. C’est notre style, tu sais. La manière dont il a évolué est en quelque sorte une progression naturelle. Ce n’est pas quelque chose sur laquelle nous avons dû travailler. Tout a simplement suivi un chemin, qui est devenu son propre truc.

– Un mot tout de même sur un chiffre pas si anodin pour vous. « Banished By Sin » est votre treizième album, ce qui doit aussi vous réjouir. Y voyez-vous un signe ? Et y avez-vous porté plus de travail en amont pour faire en sorte qu’il reste dans les annales du Death Metal ?

Oui, 13 est un grand nombre, tu sais. Comme le 13 malchanceux, ou 1313, l’allée des oiseaux moqueurs où vivent les monstres (Rires)… Sa signification ne nous échappe pas, c’est donc plutôt une étape amusante à franchir. Et puis, 13 représente beaucoup d’albums pour un groupe, donc c’est un sacré exploit en soi. Mais j’espère que 13 sera un chiffre porte-bonheur pour nous et que ce disque pourra perdurer et réaliser de grandes choses pour nous. Comme tu dis, rester dans les annales du Death Metal, ce serait bien.

Steve Asheim

– Il y a une chose qui est inamovible chez DEICIDE depuis vos débuts, c’est la brutalité de votre style. Certains groupes le sont peut-être encore plus, mais chez vous, c’est méthodique. Est-ce la première chose sur laquelle vous vous penchez avant même le contenu ? La façon de faire ?

Le style n’est que la progression naturelle des musiciens qui le jouent. C’est donc ce qui le rend unique. C’est si personnel pour nous, tout comme le son de notre Death Metal. DEICIDE est un groupe vraiment unique, parce que notre son l’est. Et c’est une bonne chose. Cela aide aussi à se démarquer des autres, ça confirme notre propre identité et la rend reconnaissable.

– Sur « Banished By Sin », on sent aussi un certain enthousiasme dans cette frénésie sonore et musicale. On a le sentiment que vous avez retrouvé une énergie, qui s’était peut-être un peu atténuée sur les derniers albums. C’est le cas ?

J’ai trouvé les derniers disques plutôt bons, mais « Banished By Sin » semble bénéficier d’une progression assez naturelle par rapport aux autres. Et ils ont une énergie similaire dans ce sens. Mais oui, je suis d’accord avec toi, cet album a quelque chose de spécial.

– On ne va pas revenir sur les polémiques, les provocations et les multiples controverses qui ont jalonné l’histoire de DEICIDE, mais sortir « Banished By Sin » le ‘mercredi des Cendres’, jour d’observance religieuse chrétienne, s’il en est, n’est pas anodin. Les vieux combats sont toujours d’actualité ?

Ouais, tu connais les maisons de disques. Elles adorent ce genre de coups marketing et celui-là est leur idée. Et ça conserve et entretient aussi un petit côté malsain, je suppose. Et quitte à le sortir un jour précis, autant rendre la chose intéressante, mémorable et amusante !

Photo : Gene Smirnov

– Restons un moment sur la religion. DEICIDE a toujours affirmé être un groupe sataniste opposé au christianisme. Quel regard portes-tu sur la situation géopolitique mondiale avec la montée de l’intégrisme religieux un peu partout et le brutal conflit au Proche-Orient en Palestine ? Est-ce que ce sont aussi des sujets qui pourraient vous parler et vous inspirer ?

Les conflits mondiaux, je m’en fous complètement. Le monde a toujours été en conflit pour une raison ou une autre et le sera toujours. C’est une chose sur laquelle tu peux être sûr. Et si ce n’est pas pour la religion, ce sera pour une question de territoire, d’économie ou pour toute autre raison. S’il y a une chose sur laquelle vous pouvez compter par rapport aux gens et aux nations, c’est bien le conflit.

– Par ailleurs, en raison du style de votre Death Metal, ainsi que votre démarche, on ne peut s’empêcher de penser au Black Metal auquel vous avez toujours été opposés. Il n’y a toujours, selon toi, aucune relation directe entre votre musique et certaines revendications ou convictions ?

Je ne sais pas pourquoi tu dis que nous sommes opposés au Black Metal. Nous connaissons énormément de groupes depuis des années et nous avons tourné avec beaucoup d’entre eux. C’est pratiquement la même musique dans un sens, en tout cas pour un observateur occasionnel. Peut-être que le Death Metal a un côté plus écrasant dans l’élaboration des riffs. Mais en général, ils sont assez similaires, en particulier dans les paroles. Ils sont certainement à la fois lourds comme l’enfer, malades et brutaux, et ce sont tous de grands dénominateurs communs.

Photo : Gene Smirnov

– En tant que vétéran et fondateur d’un registre auquel DEICIDE est indissociable, que penses-tu de l’actuelle scène Death Metal ? Y a-t-il quelques groupes que tu pourrais considérer comme le renouveau du genre, ou du moins la continuité de ce que vous avez amorcé en 1990 avec votre premier album éponyme ?

Pas vraiment. Encore une fois, certains sous-genres existent juste à travers une certaine définition de ce qu’ils font et qu’ils se sont eux-mêmes donnés. Mais encore une fois, pour un observateur extérieur, tout est assez similaire. Cela dit, avec les jeunes groupes surtout, c’est agréable de les entendre garder cet esprit vivant et le faire avancer et évoluer dans la forme.

– DEICIDE conserve ce son très Old School, et on a d’ailleurs du mal à imaginer les choses autrement. Mais est-ce que vous avez déjà été tenté par des expériences musicales, qui vous en feraient peut-être dévier ?

Bien sûr, de nouvelles influences s’insinuent de temps en temps dans notre son et cela peut aider le groupe à évoluer, je pense. Mais nous sommes ce que nous sommes et il est difficile de s’en écarter de trop.

– Enfin pour bien faire les choses, il fallait bien une treizième question ! Vous allez reprendre le chemin des concerts très bientôt avec même un détour par la France cet été. Vous comptez mettre l’accent sur ce nouvel album, ou avec une discographie désormais conséquente, vous jouerez également vos classiques ?

Nous jouerons toujours les classiques que les gens veulent entendre, ça c’est une certitude. Quant aux nouveaux morceaux, nous verrons quelles chansons résonnent le plus auprès du public et nous jouerons sûrement certaines d’entre elles pour tout le monde. Nous voulons essayer de garder nos fans heureux, car cela nous rend heureux !

Le nouvel et treizième album de DEICIDE, « Banished By Sin » sortira le 26 avril chez Reigning Phoenix Music (RPM)

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Alternative Metal Alternative Rock International

Moon Shot : a giant step [Interview]

Les Finlandais risquent de devenir la nouvelle attraction Rock de ce printemps avec leur deuxième album, « The Power ». Un mois, presque jour pour jour, avant sa sortie chez Reaper Entertainment, MOON SHOT a déjà laissé échapper les singles « Yes », « Shadow Boxer » « Blackened Spiral » et « The Power », qui mettent le feu aux poudres dans les charts scandinaves et allemands depuis quelques semaines. L’occasion était belle de discuter avec Jussi Ylikoski (guitare/production) et Ville Malja (chant) de ce nouvel opus tout en puissance et en mélodie, qui vient sonner le renouveau de l’Alternative Rock européen.

– Avant l’interview, j’ai réécouté votre premier album « Confession » et la différence avec « The Power » est assez saisissante. Outre la production qui est nettement plus massive, l’intention n’est pas non plus la même. MOON SHOT a surpassé une certaine naïveté à l’œuvre sur le précédent. C’est également votre sentiment ?

Jussi : Tout d’abord, merci pour ta perspicacité. Je pense la même chose. A mon avis, l’écriture des chansons est plus riche et la production est plus sophistiquée sur « The Power ». Nous avons eu la chance de commencer à construire ce nouvel album en nous appuyant sur les acquis du précédent, donc le son et la production sont beaucoup plus délibérés, et cela donne le sentiment d’être moins naïf, c’est vrai.

Ville : Waouh, merci ! C’est bon à entendre ! Je pense que nous avons grandi ensemble en tant que groupe entre « Confession » et « The Power ». La période d’écriture des chansons a été aussi plus longue et très intensive. Nous avons travaillé avec Jussi pendant plus de deux ans sur les chansons de l’album. Et puis, il y a eu le Covid et l’invasion russe en Ukraine en même temps. Tous ces éléments ont un impact direct sur le processus. « The Power » est comme un journal très conséquent, qui raconte ce qui s’est passé au cours des 800 jours environ pendant lesquels nous avons travaillé sur le disque.

– Entre les deux albums, MOON SHOT a beaucoup grandi musicalement, tant dans la composition comme dans le son et l’approche. Quel a été le déclic ?

Jussi : Simplement l’envie d’évoluer et de faire un grand album de Rock, je suppose. En pratique, nous avons travaillé de la même manière et avec les mêmes personnes. Je pense que cela a vraiment payé. De cette façon, nous n’avons pas eu besoin de perdre de temps à chercher une autre manière de faire ou à changer nos habitudes avec un nouveau producteur, etc… J’avais largement le temps pour créer et produire suffisamment de bonnes chansons et vraiment d’en extraire toute la substance.

– Votre Alternative Rock montre une énergie incroyable et il y a même une certaine urgence dans de nombreux morceaux, comme si vous étiez pressés. Et de cette dynamique, il ressort beaucoup de sincérité et l’envie de propager un message très positif. Est-ce que c’est aussi une façon d’affronter l’état actuel de notre société ?

Jussi : C’est bien dit. Je pense qu’une bonne chanson Rock doit accélérer les battements du cœur et vous faire respirer plus vite aussi. Et la sincérité est au centre de MOON SHOT. Cela n’aurait eu aucun sens de faire cela sans être sincère. Nous n’avons pas la volonté, ou le désir, de nous cacher derrière quoi que ce soit, mais tout simplement de laisser les choses se dérouler d’elles-mêmes.

Ville : Bien sûr, et tout le monde peut aussi se cacher derrière un voile d’ironie. Tout le monde peut prendre la pose et crier ‘Fuck You !’. Mais avoir le courage de s’exprimer, d’ouvrir un dialogue et de se tenir sincèrement là où l’on est, et peu importe que cela soit effrayant, inconfortable et dérangeant, c’est ça la vérité. MOON SHOT n’est pas un groupe avec un message politique, mais nous pensons néanmoins que les plus grandes décisions ne peuvent être prises qu’en écoutant notre cœur. Il y a une boussole morale incorruptible en chacun de nous. Nous devons juste être assez courageux pour la regarder en face.

– J’aimerais aussi que l’on parle du son de MOON SHOT. Vous êtes les dignes héritiers des groupes scandinaves qui ont forgé une identité musicale très distincte que l’on retrouve en Finlande, mais aussi chez vos voisins et dans les mélodies surtout. Comment est-ce que la définiriez ? Ça n’a rien d’américain, par exemple…

Jussi : Il y a un fil directeur en matière de mélodies et de progressions d’accords, qui me touche vraiment. Ce décor musical est une combinaison de mélancolie, d’héritage slave avec également une touche moderne.

Ville : Nous essayons toujours de garder les choses simples. Avec Jussi, on a ce dicton : ‘ce n’est pas prêt si on ne peut plus rien ajouter, mais c’est prêt quand on ne peut plus rien enlever’. C’est en quelque sorte notre leitmotiv et la réponse à tous ceux qui s’interrogent sur les chansons de MOON SHOT.

– Toujours au niveau du son, vos morceaux contiennent des riffs puissants et amples, c’est vrai. Et plutôt (peut-être aussi ?) que d’utiliser des claviers ou des samples, il y a beaucoup de gimmicks à la guitare, qui rappellent un peu le jeu de Tom Morello, notamment. Est-ce que, justement, l’objectif est de conserver le son le plus brut et organique possible ?

Jussi : Oui, dans tous les cas. Mais la sensation brute et organique ne sert pas toujours les chansons de MOON SHOT. Il y a donc du temps et de la place pour une production plus scénique avec beaucoup plus de hauteur. Je pense que dans les riffs et les solos de guitare, le brut et l’organique fonctionnent. En tout cas, le style de Tom Morello me tient toujours à cœur.

– On parlait tout à l’heure d’urgence dans le jeu, mais vous avez aussi commencé la composition de « The Power » très peu de temps après « Confession » et les tournées qui ont suivi. C’est dû à la période de pandémie, ou à une créativité débordante amorcée dès le premier album ?

Jussi : Les deux. J’ai dû reporter la sortie de « Confession », car je sentais que j’étais sur une bonne lancée, alors j’ai décidé de profiter de ce temps d’arrêt pour commencer immédiatement à écrire de nouvelles chansons. C’était à l’été 2020.

– Il y a aussi une grande évolution dans l’écriture, qui se veut très fédératrice avec un esprit très ‘Stadium’, comme le veut l’expression consacrée. Si ça peut apporter une certaine intemporalité aux morceaux, cela les inscrit aussi dans une époque précise, non ? Dans un laps de temps défini… C’est assez paradoxal, finalement ?

Jussi : (Rires) oui ! Je suis un enfant de la scène Rock alternative et Punk/Hard-Core des 90’s et du début des années 2000. Cet héritage est profondément ancré en moi. Je pense que cela s’entend dans les chansons que j’écris, aussi ‘intemporelles’, soient-elles.

Ville : Je crois que l’intemporalité est quelque chose que l’on ne peut pas atteindre. Il n’y a pas de recette pour que les choses durent. La seule façon d’y parvenir est de faire de notre mieux et toujours un peu plus. La composition et les paroles impérissables sont toujours réalisées avec la plus haute qualité, et elle vient de l’aspect le plus sincère et le plus fidèle de l’artiste. On ne peut pas trop le concevoir ou le diriger, il suffit de s’y mettre et de respirer à travers les chansons et les paroles. Et avec un peu de chance, le résultat sera un jour de cette qualité.

– Pour « The Power », vous avez été particulièrement investi dans la production, surtout toi Jussi. L’objectif était d’obtenir le son que tu voulais dès le départ, ou est-ce que tu as découvert des possibilités qui t’ont permis de donner encore plus d’ampleur aux  morceaux avec ce côté très live également ?

Jussi : Il y a eu beaucoup d’apprentissage et de découverte de nouvelles possibilités musicales et de production tout au long du processus de création de « The Power ». Ma vision globale du son était déjà assez claire au début, mais nous avons découvert de nouvelles et de meilleures façons de mettre cela en pratique au fur et à mesure que les choses avançaient. Dans la phase de post-production, nous avons répété les chansons plusieurs fois et nous avons trouvé des choses à améliorer à chaque fois. Chanson par chanson et petit à petit.

– Jussi, tu as déclaré que la composition de « The Power » était le fruit d’un long travail de deux ans, depuis l’écriture jusqu’à l’ultime touche finale de la production. Quelles ont été les étapes marquantes de ce long processus pour vous ?

Jussi : La première étape à la fin de la deuxième session à l’E-Studio à Sipoo, en Finlande. A ce moment-là, nous nous sommes concentrés uniquement sur l’enregistrement de la batterie. Et nous avons fini par apporter des changements assez importants aux structures des chansons. En sortant de là, j’ai senti que nous avions pris de bonnes décisions en matière d’écriture et que nous avions de superbes prises de batterie enregistrées. Je sentais que tout allait très bien fonctionner, donc c’était une grande victoire.

La deuxième étape a été lorsque Juppu (Julius Mauranen, qui a mixé et coproduit l’album – NDR) et moi avons terminé le mixage final du premier morceau. C’était après une longue et exigeante période de post-production et d’enregistrements de guitare. Même si nous avions encore un long chemin à parcourir, je savais que j’avais la recette d’un mix Rock de classe mondiale pour MOON SHOT.

Enfin, la troisième étape a été celle où nous avons terminé les mixages finaux des 15 chansons.

– Enfin, vous êtes tous les quatre des musiciens expérimentés qui avez joué au sein de Children Of Bodom, Disco Ensemble et Lapko. Est-ce qu’avec MOON SHOT, vous êtes parvenu à accomplir ce que vous attendiez d’un groupe en votre for intérieur et de votre vision du Rock en particulier ?

Jussi : Je pense que c’est un miracle en soi que ce groupe existe et que j’ai la deuxième chance de vivre le moment de créer quelque chose à partir de zéro, de ressentir et de partager cette excitation. Pour moi, le véritable accomplissement est de trouver du sens et de la passion dans la création, la lecture de la musique et de rester inspiré. Le reste suit, quoi qu’il en soit.

Ville : Quand j’étais adolescent, je rêvais de partir en tournée à l’étranger, de me réveiller dans le bus et de rire beaucoup. C’est exactement ce que nous faisons en ce moment. D’une certaine manière, MOON SHOT est un miracle. Aucun de nous n’a vu venir ce groupe, mais nous y sommes. Il est un parfait exemple de la façon dont les plus belles choses arrivent par accident. Mais après ces moments miraculeux, il reste encore beaucoup de travail à faire. En ce qui concerne ce que nous pourrions encore réaliser. Je crois honnêtement que nous n’en sommes encore qu’au tout début. Cette fusée est sur le point de s’envoler encore bien plus haut bientôt ! (Sourires)

MOON SHOT sortira son deuxième album, « The Power », le 26 avril chez  Reaper Entertainment.

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France Metal Rock

Qamelto : une fraîcheur débridée [Interview]

Tirant son nom de l’expression zulu, qui signifie ‘C’est cool’, QAMELTO nous arrive pourtant de Clermont-Ferrand et commence véritablement à faire résonner son Rock/Metal bien au-delà de ses montagnes. Avec son premier album, « Scotoma », le quatuor affirme son style costaud avec toujours cette touche de fun, histoire de faire les choses sérieusement, sans trop se prendre au sérieux. Et en apportant aussi beaucoup d’importance au design et au graphique qui accompagnent sa musique, le quatuor se montre original, très moderne dans l’approche et joue la carte du chant en français avec réussite. Entretien avec un combo bourré d’énergie.

Photo : Jessica Calvo

– En cinq ans d’existence, vous avez sorti un EP, enchaîné les concerts et vous voici avec « Scotoma », votre premier album. La belle aventure suit son cours. Alors, c’est cool ? (Oui, je sais…J)

(Rires) C’est très cool, oui ! On essaie de se donner les moyens et on cravache comme des malades pour obtenir des résultats. On est très content de notre parcours ces dernières années, mais ce n’est que le début… On a encore beaucoup de travail pour arriver à notre but.

– Alors que votre EP « Sors » était autoproduit, vous sortez « Scotoma » chez M&O Music. Signer sur un label était une étape nécessaire pour ce premier album ? Vous ne vous sentiez pas de rester indépendants ?

En fait, « Scotoma » est aussi autoproduit. On a signé avec M&O Music pour la distribution, car on avait besoin d’un partenaire solide pour distribuer notre album, tant physiquement que digitalement. Maintenant pour la production, c’est très difficile de trouver des labels qui prennent des risques financiers pour des groupes comme nous… Et ce n’est pas un problème pour l’instant. Ca nous permet aussi d’avoir un total contrôle sur notre musique.

Photo : Jessica Calvo

– Avant de parler du contenu de l’album, j’aimerais que vous nous parliez de son titre, « Scotoma », que l’on peut définir comme une tache aveugle dans notre champ visuel. Comment expliquez-vous sa représentation sur la pochette ? D’ailleurs, le visuel se rapproche beaucoup de l’univers progressif surtout, qui est assez éloigné du vôtre…

Oui, « Scotoma » est la racine de ‘scotome’, une tâche dans le champ visuel et de ‘scotomisation’, qui est le déni de réalité. Plusieurs chansons sont en rapport avec ce thème, c’est pourquoi on a décidé de l’appeler comme ça. Et surtout, on voulait que l’album physique soit original et inédit. Du coup, on a eu l’idée d’un tableau qui ferait office de pochette sur lequel on pourrait accrocher le CD pour compléter le visuel. On a dû donc réfléchir à un contenu qui soit réalisable en peinture, qu’on puisse accrocher dans son salon et qui ait aussi du sens avec le titre de l’album.

– Musicalement, vous présentez un style costaud et puissant, entre Rock et Metal. Vos textes sont en français, alors que votre son et vos références sont clairement anglo-saxons. QAMELTO donne le sentiment de cultiver les contrastes. C’est aussi une manière de tout englober, par rapport à vos influences et vos goûts personnels ?

Effectivement, nos références musicales sont américaines ou anglaises, mais on aime par-dessus tout notre langue et c’est avec elle qu’on exprime le mieux ce qu’il y a dans nos têtes. Et puis le contraste, ce serait surtout d’arriver en concert et parler au public en français entre les titres, puis de s’adresser à lui en anglais quand on les joue. Et il faut bien avouer qu’on a un choix de mots incroyable en français.

– Cela dit, au niveau des textes, vous vous inscrivez dans une certaine tradition du Rock français avec des paroles, sinon engagées, du moins assez revendicatives. C’est une sorte de nécessité, lorsqu’on évolue dans ce style, selon vous ?

Oui, on a quelques textes ‘engagés’, mais on n’a pas vraiment l’impression de faire de la politique, ou de défendre des idéaux, si ce n’est la liberté et l’union. Ce qu’on aime surtout c’est raconter des histoires, dépeindre des personnages et balancer quelques punchlines pour se marrer.

Photo : Jessica Calvo

– Il y a aussi beaucoup de légèreté et de fantaisie chez QAMELTO. Le parfait exemple est cette reprise de Bon Jovi, « Living On A Prayer » devenue « Vis Au Son Des Prières ». Il fallait oser ! D’où et comment vous est venue cette idée… étonnante ?

Oui, on n’aime pas se prendre trop au sérieux et on essaie au mieux de se démarquer. Raf, le chanteur, est un fan de Bon Jovi et on avait envie de faire des covers de temps en temps pour le fun. Mais on cherchait une manière originale de le faire, et puisqu’on avait fait le choix du français pour nos textes, on s’est dit pourquoi ne pas faire des versions françaises de gros standards américains ? On a aussi fait une version de « Rise » d’Extreme devenue « Vole », qui est dispo sur notre chaîne YouTube.

– En tant que Breton, j’avoue avoir été surpris par le morceau « Légion », sur lequel on retrouve de la cornemuse. On est assez loin du Puy-de-Dôme ! Il y a une connexion celto-zulu chez QAMELTO ?

Pour le côté celtique, c’est Tom, le guitariste, qui a pas mal joué dans ce milieu et qui maîtrise le sujet. Pour le côté zoulou, c’est Raf qui est prof de capoeira et qui a de grosses connexions avec la culture afro-brésilienne. Le Puy-de-Dôme est riche en métissage ! (Sourires)

Photo : Jessica Calvo

– Un petit mot aussi des guest, notamment le guitariste NeoGeoFanatic sur « Le M.A.L.E. » et Superflame sur « La Plus Grosse ». Ce sont des morceaux que vous avez écrits ensemble ? Et quelle est la part d’investissement de chacun d’eux dans l’écriture ?

En effet, on a voulu s’entourer d’artistes de talent et ce fut le cas ! Pour Superflame, nous avions déjà tout écrit et il s’est occupé de la voix avec le talent qu’on lui connait. Pour NeoGeoFanatic, on lui a envoyé le titre en lui disant : « on ne se connait pas, mais on aimerait bien que tu poses un solo ici, stp » et le lendemain il nous l’a envoyé. C’était évidemment propre, carré et stylé : merci Nono.

– Enfin, il y a une belle évolution sonore et musicale entre « Sors » et « Scotoma », ce qui est normal et attendu aussi, et l’esprit live est toujours très présent. Dans quelles conditions avez-vous enregistré l’album, car il en émane beaucoup d’énergie ?  

On est entré en studio en se disant qu’on avait deux semaines pour tout défoncer et donner tout ce qu’on avait ! On voulait mettre sur l’album la même énergie qu’en live. On se mettait en condition physique tous les matins avant d’enregistrer, comme si on partait au combat. On a transpiré, on s’est bien marré et on est très content du résultat.

L’album de QAMELTO, « Scotoma », est disponible chez M&O Music.

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International Psych Prog Rock 70's Stoner Rock

Sun Q : shamanic trip [Interview]

Entrer dans l’univers de SUN Q est à la fois une aventure et un voyage musical assez unique, faits de rêveries qu’on lit dans les détails souvent vertigineux de ses morceaux. Entre Psych Rock et Stoner, la marque vintage domine, tandis que l’approche est résolument moderne. Sur « Myth », son dernier album en date, le duo russe, composé d’Elena Tiron et Ivan Shalimov, brise les codes et les frontières artistiques pour créer un style très personnel. La voix de la chanteuse flirte avec des couleurs chamaniques très aériennes, pour l’instant suivant déferler dans des fulgurances puissantes et captivantes. Rencontre avec une frontwoman inspirée, déterminée et d’une saisissante créativité.    

– Sept ans se sont écoulés depuis votre premier album « Charms ». D’ailleurs à l’époque, vous vous présentiez comme un quatuor, contrairement à aujourd’hui, où vous vous affichez en tant que duo. Qu’est-ce qui a changé entre temps ? Vos chemins se sont séparés et vous avez préféré vous recentrer tous les deux ?

Notre groupe est jusqu’à présent un projet non-commercial, ce qui signifie qu’il nécessite une énergie et des ressources importantes qui ne sont pas récompensées financièrement. Certains membres, à un moment donné, ont réévalué leurs priorités. Même si nous nous positionnions auparavant comme un quatuor, tout au long de cette période, le noyau et la force motrice derrière les idées ont toujours été nous deux. Cependant, nous sommes toujours heureux de partager le processus créatif avec des musiciens talentueux.

– Cela dit, lorsque l’on voit le line-up à l’œuvre sur « Myth », on constate que vous êtes encore très nombreux sur l’enregistrement de l’album. C’est dû au fait que vous composiez tout tous les deux, et qu’ensuite vous construisez le groupe au gré des compositions ?

Au départ, quand les idées et les éléments ont émergé, nous avons recherché des personnes qui s’aligneraient là-dessus. Nous sommes restés ouverts aux suggestions, surtout lorsque nous avons trouvé des musiciens, qui pensaient être en phase avec nous et qui partageaient notre sens du beau et du goût. L’album comprend plusieurs moments qui ont été apportés pour certains lors de l’enregistrement ou de la composition, et ils constituent une partie essentielle de notre création artistique. Néanmoins, le résultat final et les décisions que nous prenons constamment en cours de route restent entièrement de notre responsabilité.

– D’ailleurs, si l’on revient sur votre discographie, il y a eu cinq singles avant « Charms » et autant avant « Myth », même si l’on y retrouve que trois morceaux. Pourquoi n’y avez-vous pas intégrer « Severe » et « Searching The Skull » ? Ils n’entraient pas dans l’atmosphère générale de l’album ?

En fait, nous avons bien inclus « Searching for the Skulls » dans le nouvel album, mais dans une interprétation différente. Il s’intitule « Still Searching for the Skulls » et il vient souligner que nous les recherchons toujours ! (Sourires) Pour l’album « Myth », nous avons décidé d’utiliser des synthétiseurs analogiques vintage, uniquement parce qu’ils correspondent mieux à notre concept sonore. La version album de cette chanson penche davantage vers le genre Synthwave et est plus calme. Nous avons aussi eu l’idée de créer une ‘pause’ entre les deux parties de l’album. La version single est sortie, parce qu’un de nos amis avait entendu la démo et avait hâte de tourner une vidéo. C’était quelque peu impulsif.

Quant à « Severe », nous adorons cette chanson, mais nous ne la percevons pas dans le cadre d’un album. Elle est très indépendante à nos yeux et a été créé à l’origine pour être ainsi. D’ailleurs, le chœur gospel, qui apparaît sur « Severe », a également été enregistré en partie pour la chanson « Tree ».

– Justement, la force de SUN Q réside précisément dans les ambiances. Tout en empruntant un nombre assez conséquents de styles différents, il y a une réelle unité musicale qui forme un son original, varié, parfois même opposé, mais où l’on se retrouve toujours. Finalement, votre identité sonore est constituée de nombreux éléments avec le Rock comme moteur. Pour qui ne vous connaîtriez pas, comment définissez-vous l’univers de SUN Q ?

Merci pour cette question, car nous accordons en effet une grande attention à la création des ambiances. Elles ont parfois magiques, parfois rêveuses, passionnées, désespérées, voire étranges, mais toujours captivantes. A travers nos chansons, nous visons à plonger l’auditeur dans une atmosphère qu’il aura envie d’explorer. Nous voulons que notre musique soit vibrante et émotionnelle. Lorsque nous écrivons une chanson, nous ne nous concentrons pas sur le style ou le genre, dans lequel elle s’intégrera. Ce qui compte le plus, c’est que l’auditeur trouve cela intriguant et se demande ce qui va suivre.

– Vous avez enregistré « Myth », chez vous en Russie, puis le mix a été réalisé en Angleterre. C’était compliqué pour vous de tout faire en un même endroit, ou est-ce que vous avez senti le besoin d’avoir un regard extérieur, peut-être pour mieux canaliser votre musique, qui ne manque pas de sonorités en tous genres ?

Nous croyons fermement que les personnes qui partagent notre direction créative peuvent améliorer et enrichir notre musique. Une nouvelle perspective dans la musique est toujours importante, surtout lorsque vous êtes dans le processus de production depuis très longtemps. Nous avons cherché pendant des mois un tel spécialiste dans le monde entier ! Nous sommes reconnaissants envers notre ingénieur qui a réalisé le mixage, Sean Genockey, car son œil extérieur a revitalisé notre musique et l’a rendue plus belle.

– Si l’on prend en compte les variations Stoner, Psych, Blues, Prog et Heavy Rock, ce qui ressort de SUN Q est une sorte de côté théâtral, une mise en scène musicale où le texte semble guider les chansons. C’est cet aspect narratif qui a le dessus sur le reste ?   

En fait, la musique russe met l’accent sur les paroles. Cela la distingue considérablement de la musique occidentale où, à notre avis, la musique joue souvent un rôle plus important. Même si nous penchons vers un concept occidental, il est intéressant de noter que notre musique donne toujours l’impression que les paroles prennent le dessus. En fait, nous apportons beaucoup d’efforts dans nos paroles, avec beaucoup d’attention pour chaque mot.

– Si l’on revient sur l’ensemble des musiciens qui vous accompagnent sur « Myth », on est assez surpris de voir à quel point tous se fondent dans un même élan, une même voie et ce grâce à un travail assez phénoménal sur les arrangements. Vous ne vous êtes trop arrachés les cheveux au moment du mix justement, au moment de faire une place à tout le monde ?

Nous étions terriblement inquiets de la façon dont l’ingénieur gérerait cette tâche, car nous avions parfois vraiment l’impression d’en faire trop. Néanmoins, il était important pour nous de transmettre notre musique telle que nous la souhaitions et avec tous les instruments, chacun apportant sa propre couleur.

– On l’a dit, le son de SUN Q est résolument Rock, avec de multiples variantes. Et pourtant, on y retrouve du saxophone, de la trompette, du violon, du violoncelle, du trombone et même (plus étonnant !) de la nickelharpa, un instrument traditionnel suédois. Toutes ces idées sont venues au fur et à mesure de la composition, ou plutôt au moment de l’enregistrement ?

Toutes ces idées sont apparues au cours du processus de composition, mais assez spontanément. Comme « Jane Doe » a un côté très Soul, nous avons pensé que ce serait une bonne idée d’enregistrer une section de cuivres. Dans « Crystal Doors », le saxophone a véritablement ajouté une ambiance noire sur la fin. Les autres cuivres ont rendu le tout plus épique. Ces idées sont venues indépendamment les unes des autres. Cependant, conceptuellement, cela a parfaitement fonctionné : l’album commence et se termine par des cuivres. Les cordes ajoutent une touche Folk sombre et même une touche plus underground.

Et lorsque nous avons découvert l’existence du nyckelharpa, il n’était pas nécessaire de discuter de l’endroit, ou de la manière dont il sonnerait. Nous avons vite réalisé que, sans son caractère médiéval, la chanson « Animals » ne serait pas complète. Nous sommes également très satisfaits de « I Am The Sun », où nous avons réussi à mélanger des percussions africaines, des parties de synthétiseur très 80’s, du Disco, des chœurs et des couplets très sombres. L’objectif n’était surtout pas de rassembler des éléments disparates, bien au contraire, tout s’est produit de manière très organique et naturelle.

– Et puis, il y a aussi cet esprit très 70’s qui domine et qui, par son atmosphère, libère une production très organique justement sur l’album. C’est aussi quelque chose qu’il était important pour vous de conserver ?

Oui, nous considérons le son vintage et le style Rock de cette époque comme le fondement de notre musique, que nous complétons ensuite avec d’autres éléments. Le son vintage possède une crudité, une authenticité et une imperfection que nous apprécions profondément et qui nous manquent dans le Rock moderne.

– Un mot tout de même sur ta voix, Elena, qui l’un des atouts majeurs de SUN Q. On te sent très à l’aise dans de nombreux registres, qui vont d’une douceur incroyable à des éclats plus bruts. C’est toujours très instinctif dans la perception qu’on en a, et aussi très captivant. Est-ce que cela vient de cet esprit psychédélique, parfois chamanique, qui parcourt ce nouvel album ?

Merci beaucoup ! Je m’efforce d’utiliser ma voix pour transmettre ce que nous considérons comme l’une des techniques les plus puissantes de la musique : le contraste. Je suis ravie que tu aies ressenti cet esprit chamanique, cela signifie que tout n’a pas été vain. Dans les régions du Nord de la Russie, plusieurs groupes ethniques entretiennent encore des traditions chamaniques et communiquent avec les forces de la nature. Cette ambiance correspond à notre désir de créer des images de cet héritage à travers nos chansons. Nous donnons beaucoup d’importance à toutes ces anciennes traditions, où il y a toujours quelque chose de magique.  Il y a en elles un grand pouvoir qui nous inspire.

– Enfin, sans entrer dans des considérations politiques, car ce n’est pas le lieu, est-ce que la guerre en l’Ukraine et la pression internationale ont mis un frein à l’activité artistique en Russie ? Et surtout, est-ce que cela vous a impacté directement ?

Oui, cela a un impact. La scène musicale a considérablement diminué en Russie. Les musiciens se retrouvent dans une situation délicate, soumis à une forte censure. Ils doivent surveiller attentivement chaque mot qu’ils prononcent, mais il y a toujours un risque de se retrouver sur les listes de ‘groupes interdits’, qui circulent dans les clubs du pays, interdisant les représentations. Nous sommes véritablement préoccupés par l’orientation de la culture musicale russe. Simultanément, des services comme Spotify ont quitté le pays et les labels internationaux retirent aussi leur musique des catalogues, ce qui rend difficile l’accès aux nouveautés étrangères. Nous pensons que les échanges culturels sont cruciaux et, malheureusement, ils ont considérablement diminué. Après le début de la guerre, il s’est avéré que la seule chose qui nous a aidés à faire face à l’état de choc et d’horreur a été de commencer à composer de nouvelles chansons. Elles seront sur notre prochain album, que nous espérons sortir malgré tout.

Le dernier album de SUN Q, « Myth », et les autres sont disponibles sur le Bandcamp du groupe, ainsi que les singles :

https://sunqband.bandcamp.com/

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France Musique traditionnelle Rock

Red Cardell : l’heureux reuz d’un territoire ! [Interview]

Parti pour faire du ‘reuz’ (le presqu’équivalent du titre de l’album en breton), RED CARDELL livre pourtant un disque délicat et très bien arrangé, mais qui ne s’interdit pas quelques accélérations bien senties. Sur des chansons dont les textes, plus personnels cette fois, s’adressent finalement à tous, les Finistériens continuent leur ancrage musical dans ce territoire qui les a vu grandir et aussi s’épanouir. Véritable groupe de scène, le quatuor dégage toujours cette énergie live, comme chevillée au corps et à l’âme. Pilier et fondateur du groupe, Jean-Pierre Riou revient sur la conception de « Bordel » et pose son regard sur le désormais imposant répertoire dont dispose la formation.

Photo : Fred Lucas

– Même si je connais l’explication du titre de l’album, l’avoir intitulé « Bordel » en 2024 en pleine culture du lisse n’est pas très politiquement correct, Jean-Pierre ! Il faut avoir un sacré capital sympathie pour se le permettre, non ?

Oui, sûrement… Je n’y ai pas vraiment pensé, en fait. Mais avec la période actuelle, oui, peut-être… L’idée est surtout que c’est juste un mot d’argot. Et puis, ça ne me fait pas peur, non plus. Il y a un moment où on peut aussi dire les choses et des gros mots : ce n’est pas grave ! On entend tellement de bêtises, alors une de plus, une de moins… Et puis surtout, ça rime avec RED CARDELL. Et si tu écoutes les vieux Dutronc avec Jacques Lanzmann, on ne nous a pas attendus ! (Rires) Ce n’est pas provocateur, il y a un jeu de mot sur la rime avec le groupe et puis il y a un lien avec ce monde et toutes les informations qu’on peut recevoir aujourd’hui et qui partent dans tous les sens. Alors, comment on trie tout ça ? C’est un peu comme quand tu montes dans ton grenier et que tu te dis : « Quel bordel ! ». C’est ça la signification : comment fait-on le tri dans toute une histoire ?

– Entrons dans le vif du sujet. Tu as dit que « Bordel » avait des saveurs de premier album, puisque c’est le premier de RED CARDELL en studio sous cette formation. Si l’émotion est particulière, comment se traduit-elle ?

C’est vrai que l’émotion est particulière. Cela fait maintenant huit ans qu’on est ensemble avec Pierre (Sangra) et Hibu (Corbel), puis avec Fred (Lucas) qui est arrivé il y a six ans déjà. Bien sûr, on avait fait « Nerzh » avec le Bagad Kemper, mais c’était un travail collectif. C’est la première fois qu’on se retrouve à quatre avec également une autre méthode forcément. Au début, avec Jean-Michel (Moal), on travaillait sur les compos à deux, puis on les arrangeait avec les autres. L’organisation était très différente. Cette fois, il a fallu trouver des compromis entre nous, car tout le monde est intervenu à tous les niveaux. D’ailleurs, les autres ont même eu un regard sur mes textes. Certains ont même disparu et d’autres sont arrivés. Tout a vraiment été collégial et c’est une très bonne chose. Les enregistrements ont eu lieu dans des lieux différents et ensuite, on a tous participé au mix et avec l’oreille extérieure de Bertrand Bouessay. C’est comme ça que l’on a construit « Bordel », c’est un travail à cinq et on en est vachement content !

– C’est finalement dans l’écoute entre vous que ça a changé, elle a été plus importante…

Oui, et avec l’âge, je n’aborde plus un album dans les mêmes conditions qu’auparavant. Ce n’est pas plus facile pour autant d’ailleurs. Il y a une autre écoute de l’autre par rapport aux textes, aux mélodies, aux transitions, aux effets sur les voix, les guitares, etc… Ça a été une façon de faire très intéressante et nous sommes parvenus à trouver des compromis tous les cinq.

Photo : Vonnic Bulteau

– Comme souvent chez RED CARDELL, la danse est omniprésente, comme un fil conducteur basé sur des plinn, des jigs, des andro dro, des gavottes,… C’est difficile pour toi de concevoir un concert devant un public assis et contemplatif ? Il y manquerait l’énergie du live ?

Oui, je pense un peu. RED CARDELL est un groupe de Rock. Nos concerts depuis six ans sont Rock, à base de guitare, basse, batterie et de violon. On peut bien sûr jouer devant des salles assisses et ne sortir que le répertoire chanson. Mais comme tu l’as bien résumé, c’est avant tout la danse qui nous guide et nous sommes inscrits dans le paysage musical breton, de la musique d’ici. On y tient vraiment et on progresse en continuant à travailler sur les danses traditionnelles. On continue dans cette voie-là. Donc, c’est assez difficile d’imaginer un public assis, alors qu’on fait des chansons de danse. 

– Justement, RED CARDELL a toujours canalisé cette énergie dans un rapport fort avec son public. A l’instar des propos de Denez notamment, cet état de ‘transe’ à travers la musique est toujours l’objectif à atteindre ? Se perdre dans les notes…

Oui, bien sûr…! C’est intéressant, parce que qu’est-ce qu’un concert réussi ? Cela peut être quelque chose de millimétré dans la construction et le déroulé, mais ça m’emmerde un peu, ça. Il faut laisser de la place à ce qui va se passer. Chaque concert est différent, car les publics sont différents, les regards ne sont pas les mêmes. Il faut garder en tête la possibilité d’aller à l’envers de la chose que tu as pensé au départ. Il faut pouvoir sentir le public que tu as devant toi et pouvoir te dire que tu vas lui parler différemment et l’amener ailleurs. Il faut essayer de trouver encore et toujours cette fusion qu’il peut y avoir. Comme tu dis, il y a du lâcher-prise et c’est ce moment qui est génial. Les gens sont venus voir un concert aussi pour ça, pour sortir de leur quotidien, pour voyager. Et c’est à travers cette transe qu’on peut parvenir à le faire.

Jean-Pierre Riou – Photo : Phot’eau 85

– La scène Rock bretonne a eu plusieurs vagues, plus ou moins importantes, et elles se renouvellent suivant les générations aussi. Beaucoup ont disparu et plus de 30 ans après (32 !), RED CARDELL est toujours là. On parle même du groupe comme étant l’ADN du Rock breton, comme Alan Stivell et Dan Ar Braz le sont dans la musique traditionnelle. Au-delà du fait que ce soit flatteur, te sens-tu détenteur et aussi responsable ou garant de ce mouvement ?

Non ! En fait, plus ça va et on affine notre travail et plus j’ai l’impression d’être un musicien qui s’inscrit dans son territoire, qui est la Bretagne. Après, notre vocabulaire est le Rock,  les musiques du monde et plein d’autres choses. Ce n’est pas forcément ce à quoi on s’attend. Je n’ai pas du tout ce sentiment d’être un représentant. La seule chose qu’on sait, c’est que l’on garde de la cohérence dans ce mélange, où l’on retrouve de la chanson française, des musiques bretonnes et du monde.

On reste forcément un repère à travers toutes ces vagues. RED CARDELL est peut-être une référence, ou l’un des premiers groupes à l’avoir fait, mais c’est tout. Je n’ai pas un regard avec de la hauteur là-dessus, car j’ai toujours le sentiment d’être dans le grand bain de ce qu’est la musique d’ici.

Et il y a cette nouvelle génération qui arrive. Dans le trad’, il y a des musiciens terribles, il y a vraiment une énergie qui est là. Dans le Rock breton, on sent qu’il y en a moins. C’est plutôt du Rock celtique avec des sonorités irlandaises ou écossaises et ça marche encore très bien. Je reste très attaché à la musique d’ici et c’est ce que j’ai envie de traduire, car elle est très attachée aussi à mon parcours d’homme depuis l’adolescence jusqu’à aujourd’hui. L’autre aspect réside aussi dans les paysages, la mer, les hommes et la terre sur laquelle on est. Et je pense que plus tu étudies l’endroit d’où tu viens et où tu vis et travailles, plus tu arrives à trouver des choses qui parlent du monde et qui sont partagés partout. Et c’est super !

Photo : Fred Lucas

– Tu as aussi dit que les textes de « Bordel » étaient autobiographiques. Or, tu t’exprimes régulièrement, et depuis longtemps, à la première personne dans tes chansons. Qu’est-ce qui a changé cette fois-ci ?

Quand je dis ça, c’est qu’il y a des titres où je raconte vraiment mon histoire. Mais tu as raison, j’ai souvent parlé à la première personne. Mais je parle plus d’un état en fin de compte. Si tu prends un album comme « Rock’n Roll Comédie » (sorti en 2000 – NDR) et la chanson-titre, elle est parle du métier dans lequel j’évolue avec les tournées, le camion, la fatigue et avec un certain recul par rapport à tout ça. Mais c’est traduit par des états, dans ce que je ressens. Là, sur l’album, il y a trois/quatre chansons où je suis parti d’une histoire, plus anecdotique dans un sens. Auparavant, cela partait d’un mot ou d’un vers que je trouvais intéressant. Cette fois, en amont, j’ai plus réfléchi au contenu dans le sens où je me suis demandé de quoi j’allais parler. Mais comme tu dis, mes chansons ont toujours un peu parlé de moi. Avec « Bordel », la réflexion sur le thème est arrivée bien avant le début de l’écriture. Ce sont des morceaux de ma vie, de mon enfance, de certains moments. Tout est toujours question de sentiments, de ressentis. Et puis, après avoir proposé les textes au groupe, qui en a trouvé quelques-uns un peu tristes, j’ai dû en retravailler certains dans l’urgence pour aller aussi au plus simple. C’était très intéressant.

– J’aimerais que l’on dise un mot de la chanson « Au Diable », qui devait d’ailleurs donner son nom à l’album. Le ton et la voix sont très sombres, presque froids, et inattendus. Il dénote même du reste du disque. Il y a quelque chose de particulier avec ce morceau ?

Oui, c’est vrai que c’est une chanson assez sombre. C’est un cercle circassien (une danse traditionnelle originaire d’Écosse, originellement dansée sur une mélodie de reel, que l’on retrouve aujourd’hui dans les bals folk sur un air de jig et très fréquemment dans les festoù-noz en Bretagne – NDR). De là, on a dédoublé le tempo pour obtenir un peu un groove à la Beck. On a tout changé ensuite pour ne garder que la mélodie et ses airs très Morricone. Le reste a été composé de manière assez traditionnel finalement. Il y a un côté un peu plus froid, qui se retrouve dans la mandoline, le son de la bombarde et cet aspect un peu italien, qui rappelle des films comme « Le Clan Des Siciliens ». Ce n’est pas très gai, c’est vrai. (Sourires)

– Vous jouez tous les quatre de nombreux instruments, dont certains en commun d’ailleurs, ce qui est bien sûr une aubaine qui ouvre de très nombreux horizons et des possibilités multiples. Le fait d’être tous multi-instrumentistes intervient surtout au niveau des arrangements, ou alors dès le début de la composition, car RED CARDELL compte quand même trois guitaristes ?

Oui, ça commence dès la composition, car on est tous capable de jouer plein d’instruments. Cela offre beaucoup de possibilités de mélodies à travers les guitares, bien sûr, mais aussi la mandoline, les claviers, une flûte, etc… Chacun est à même de prendre un instrument pour apporter son sentiment sur telle ou telle ligne de basse ou autres. Tout ça est très collectif, très chouette et ça nous aide beaucoup de pouvoir jouer autant d’instruments. Et cela commence même dès les pré-maquettes, où on peut chercher tout de suite de quelle manière on fera les arrangements. Ça ouvre des pistes, c’est sûr.

– Enfin, « Bordel » est votre onzième album studio et le 23ème en comptant les lives et les collaborations diverses. Les setlists des concerts doivent parfois tourner au casse-tête. Est-ce que, finalement, le concert idéal de RED CARDELL ne serait pas une performance de 4 à 5h avec un répertoire aussi vaste ?

(Rires) Oui, c’est vrai ! Ce qui est bien, et on le fait depuis plusieurs années maintenant, c’est qu’on a pu faire de très nombreuses choses avec RED CARDELL. Il y a eu le travail avec le Bagad Kemper, on avait aussi fait tout un répertoire acoustique, un set avec Fred Guichen, on a apporté de nouveaux morceaux et aussi ressorti des anciens. Tout cela fait qu’on commence à avoir un large panel et on ne joue jamais le même concert. Il y a toujours les titres incontournables évidemment, mais il y a la place pour plein de choses. Par exemple, en novembre et décembre dernier, on a joué tout l’album avec juste cinq anciens titres.

Et ce qu’on a envie de faire pour la tournée qui arrive, c’est d’aller chercher de vieux morceaux qu’on n’a pas joué depuis longtemps sur scène, ou pas du tout d’ailleurs. Comme ça, on se construit aussi un répertoire très vaste avec tout ce que l’on est capable de faire en concert. L’idéal serait d’avoir 60 titres et de pouvoir piocher au gré de ce que le public peut aussi demander. Et ça fait aussi beaucoup de bien de pouvoir varier les choses et ne jamais donner le même spectacle. On va donc reprendre tous nos morceaux bientôt lors de grandes répétitions qu’on va faire. Après, sur scène, on ne les jouera peut-être pas tous, mais on sait qu’on pourra les jouer ! En tout cas, je m’éclate !

« Bordel », le nouvel album de RED CARDELL est disponible chez Arfolk.

Retrouvez aussi la chronique de l’album « Climatik » :

Red Cardell : communion à distance
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Heavy Psych Rock International Progressif Space Rock Stoner Prog

Monkey3 : no code [Interview]

Originale, percutante, hors-norme : les adjectifs ne manquent pas pour qualifier la musique du quatuor de Lausanne. Avec « Welcome To The Machine », on replonge dans cet univers singulier, fait de Stoner et de Metal, de Rock et de Psych, le tout dans une dynamique progressive aux redoutables crescendos. Toujours instrumentaux, les morceaux de MONKEY3 interpellent et les riffs, comme les solos, valent souvent mieux qu’un trop long discours. C’est justement Boris, guitariste (virtuose) du groupe, qui revient sur ce nouvel album aux teintes Space-Rock et inspiré de classiques SF du grand écran. Entretien.    

Photo : Giuseppe Aufiero

– A l’écoute de « Welcome To The Machine », l’atmosphère rétro-futuriste, façon « Blade Runner », est omniprésente et devient rapidement hypnotique. Pourtant, vous restez très Rock, c’est-à-dire direct et avec des guitares très incisives notamment. Celles-ci donnent presque l’impression d’être le narrateur. C’était l’objectif en composant l’album ?

L’objectif était de raconter une histoire autour de la thématique homme-machine. Pour ce faire, nous avons tenté d’opposer et/ou de juxtaposer les sonorités électroniques aux sonorités purement analogiques, afin de développer un son particulier et de créer une atmosphère un peu futuriste. Je dirais que le narrateur est l’auditeur. Chacun peu imaginer sa propre histoire, son propre monde, sa propre aventure. Cet album pose des questions plus qu’il ne donne de réponses.

– Même si la composition de l’album est très précise, tout comme les arrangements d’ailleurs, il reste une touche que l’on peut interpréter comme étant l’esprit jam dans ces nouvelles compositions. Est-ce que c’est ce qui leur donne cet aspect de liberté, selon toi, et auquel vous tenez peut-être aussi ?

Dans notre cas, la jam est très souvent un point de départ pour la composition, mais ensuite nous passons beaucoup de temps à élaborer les morceaux afin de trouver un équilibre satisfaisant à notre goût. Au moment de l’enregistrement, peu de choses sont laissées au hasard. En situation de live, c’est par contre différent, les morceaux continuent d’évoluer à chaque concert.

– Avec ce septième album, vous avez dit vous être inspirés du 7ème Art, et notamment de films mythiques comme « 2001 : l’Odyssée de l’Espace », « Matrix » ou « Solaris ». Est-ce que, et spécialement lorsque l’on fait de la musique instrumentale, une certaine approche visuelle est aussi importante dans le processus de création ?

La chose la plus importante, lorsque nous écrivons de la musique, est que nous puissions ressentir l’histoire que nous voulons raconter et nous imaginer voyageant dans une sorte de paysage fait de sons et de textures.

– Comme « Welcome To The Machine » vous a été inspiré par un certain cinéma, celui de la SF, est-ce que vous avez déjà été tenté par la musique de film, sachant aussi que cela n’offre pas forcément de partage direct avec le public comme un concert ?

Composer une BO de film est un rêve absolu que nous aimerions réaliser un jour. Ce serait pour nous une sorte d’aboutissement complet.

– Ce nouvel album est une réflexion sur l’avenir de l’humanité à travers la dualité entre l’homme et la machine. C’est justement un sujet qui est au cœur des préoccupations actuelles autour de l’Intelligence Artificielle notamment. Cela vous a-t-il aussi inspiré et d’ailleurs, vous basez-vous sur une sorte de synopsis écrit pour composer ?

Au début de l’écriture de ce nouvel album, nous avons privilégié la spontanéité en laissant l’esprit libre d’orientations musicales et stylistiques. Nous avons composés la plupart du temps de manière collective. Au fur et à mesure de l’avancée des morceaux, le concept de l’album a commencé à apparaître. C’est à ce moment-là que nous nous sommes inspirés de certains films qui abordent ces thèmes, comme « Matrix » ou « 2001 : l’Odyssée de l’Espace » et des livres tels que « 1984 » ou « Le Meilleur Des Mondes ». La thématique du disque portant, entre autre, sur la dualité homme-machine, nous avons volontairement poussé en avant l’aspect électronique de notre son, afin que l’histoire racontée se ressente et s’exprime au travers de la texture sonore, des mélodies et de l’impact rythmique.

Photo : Giuseppe Aufiero

– Puisqu’on évoque l’IA, est-ce que c’est quelque chose que vous envisageriez pour composer, alors que votre son est si organique ? Il y aurait une sorte d’antagonisme, non ?

Jamais, nous n’utiliserons l’IA pour composer de la musique. La beauté, l’intérêt et le charme de la création et de la composition musicale réside, selon moi, dans l’émotion  et l’intention que chacun y met et dans l’imperfection propre à l’humain, ce qui rend chaque œuvre totalement unique.

– « Welcome To The Machine » s’inscrit clairement dans un registre progressif et psychédélique. Vous vous imprégnez autant de Stoner que de post-Metal, ce qui confère un aspect très futuriste à l’album. C’est une connexion très fluide. Comment travaillez-vous sur cet équilibre, à moins que cela se fasse naturellement, sans calcul ?

Cela se fait assez naturellement. En général, nous ne faisons pas très attention à l’orientation stylistique. Nous nous concentrons plutôt sur les atmosphères et les sonorités que nous cherchons à développer, afin de raconter une histoire de la manière la plus cohérente possible.

– J’aimerais aussi que l’on dise un mot de la production. Elle est à la fois aérée et âpre et mélange des passages parfois contemplatifs et d’autres souvent très fulgurants et sombres. Comment avez-vous travaillé sur cette profondeur sonore à l’œuvre sur l’album ?

Le travail des sonorités synthétiques et électroniques fourni par dB (claviers) a permis de développé un son beaucoup plus large et profond. Je pense que cela a été la clef du son de ce disque. Il y a eu aussi beaucoup de travail effectué sur les textures sonores des guitares, afin qu’elles fonctionnent bien avec les murs de claviers, et que le mélange amène de la dynamique à l’ensemble. Mais tout commence par une fondation solide, autant sonore que du groove basse-batterie.

– Vous avez aussi la particularité, comme d’autres dans ce registre, de composer des morceaux assez longs et sur « Welcome In The Machine », ils sont cinq à osciller entre 6 et 12 minutes. Est-ce qu’être plus concis et directs vous paraît inapproprié au regard de votre style, ou au contraire l’idée est toujours de poser un climat sur la longueur ?

La longueur d’un morceau est toujours dépendante de l’atmosphère et de l’impact que nous cherchons à créer, donc cela peut varier. Nous ne suivons pas de canevas particulier. Tout format est approprié du moment que l’histoire est racontée dans le bon sens.

– Etant donné que « Welcome To The Machine » est un album conceptuel, et c’est vrai qu’il s’écoute dans son entier et dans l’ordre, la mise en place de vos prochaines setlists risque de virer un peu au casse-tête, non ? A moins que vous ne pensiez, au contraire, que les liens entre les morceaux ne soient pas un obstacle…

Nous sommes en pleine phase de préparation des concerts et, effectivement, l’intégration des nouveaux morceaux est pour le moment un peu un casse-tête. Nous avons le désir de proposer un panachage entre anciens et nouveaux titres et nous devons trouver la bonne formule, afin de pouvoir raconter l’histoire de manière cohérente et fluide pour que le live show soit agréable à suivre.

Le nouvel album de MONKEY3, « Welcome To The Machine », est disponible chez Napalm Records.

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France Hard'n Heavy

RollyWoodLand : they are back ! [Interview]

Cela faisait plus de dix ans que ROLLYWOODLAND était (presque) en sommeil. Le power trio basé dans le sud-est de la France revient en force avec un deuxième album, « Dark Fate For Judgment Day », sorte de flashback musical et cinématographique des années 80/90, celles d’un Hard Rock qui savait aussi se faire très Heavy. Sans nostalgie et avec une production très actuelle, le groupe aborde cette nouvelle étape avec enthousiasme et un  regard clair sur ses intentions. Entretien avec Rolly Wood, chanteur et bassiste du combo.

– « Appetite For Seduction », votre premier album, était sorti en 2012 et il aura fallu attendre 2024 pour vous retrouver avec « Dark Fate For Judgment Day ». Que s’est-il passé en plus de 10 ans ? Vous avez fait une pause musicale, ou est-ce que chacun d’entre-vous s’est concentré sur d’autres projets artistiques ?

Il y a un peu de tout ça. On a commencé à bosser sur l’album presque tout de suite après la sortie du premier. Ensuite, on a fait un break de trois ans en 2015, suite à des changements de boulot, des enfants, … On a repris en 2018 et quand on a commencé à être bien, il y a eu le Covid. Comme on habite tous assez loin les uns des autres, on n’a pas pu se voir. Pendant, cette période, j’ai réenregistré le chant chez moi. Ensuite, on a fait les grattes chez le guitariste entre 2020 et 2022 environ. Et tout ce qui est additionnel a aussi été réalisé à ce moment-là. C’est vrai que l’album est prêt quelque temps, mais la recherche de label et puis le calendrier de sorties des autres groupes ont fait que l’album sort aujourd’hui.

– ROLLYWOODLAND a forcément beaucoup changé en plus d’une décennie. Quels ont été les changements majeurs que vous souhaitiez apporté au groupe, si tant est qu’il y en est eu ?

Il y a déjà eu un changement de line-up. Notre batteur, Ben avec qui je jouais déjà avant notre premier album, nous a rejoints. Yohan, le guitariste qui était avec nous depuis 2013, est aussi revenu en 2018, lorsque l’on s’est reformé. Le line-up est stable depuis quelques années maintenant.

– Avant de parler de l’album, j’aimerais aussi avoir ton regard sur le petit monde de la musique qui a aussi beaucoup changé. Le milieu a connu une certaine métamorphose dans son fonctionnement avec surtout la main mise des réseaux sociaux sur cet environnement au détriment assez souvent de la musique. « Dark Fate For Judgement Day » arrive un peu dans un autre monde, non ?

Complètement ! Et un monde qui n’est pas le mien ! (Rires) Au sein du groupe, on n’est pas branché réseaux sociaux. On n’est pas récalcitrant, mais ce n’est pas notre façon de fonctionner en montrant notre vie en permanence. Le ‘m’as-tu vu’ et le voyeurisme, on n’est pas trop dedans. Avant, les choses se faisaient via le bouche à oreille et les concerts faisaient parler toi. Aujourd’hui, j’ai l’impression que ça se joue au nombre de followers. Sachant qu’en plus, c’est un peu biaisé car on peut en acheter, je ne vois pas vraiment l’intérêt de tout ça.

– En tout cas, une chose est sûre, votre musique reste dans la lignée de ce vous avez toujours fait avec les mêmes repères aussi. Finalement, ce Hard Rock aux teintes Glam Metal un peu Sleaze est quelque chose d’assez immuable et d’intemporel ? D’ailleurs, comment vivez-vous ce petit ‘revival’ actuel à l’étranger comme en France ? Et est-ce que vous avez gardé un œil là-dessus ?

C’est peut-être que cette musique est la bonne, tout simplement ! (Rires) Je pense que la bonne musique ne suit pas les modes, c’est quelque chose d’intemporel. Par ailleurs, parmi tous ces groupes un peu ‘revival’, il y a un grand côté parodique. Maintenant, je ne sais pas si nous sommes les rois de l’originalité, mais il y a souvent ce manque dans les groupes actuels. Ils ne cherchent pas forcément à s’émanciper d’une certaine masse. Tous ces groupes actuels de Glam, de Sleaze, etc… me font penser aux Inconnus (les humoristes ! – NDR). C’est vrai que ce n’est pas une scène que je suis vraiment. Le plus Glam que j’écoute, ça doit être Mötley. Ce n’est pas vraiment ma tasse de thé, je suis plus Hard Rock pur. C’est pour ça que j’ai du mal à nous identifier à cette scène, car tous les chanteurs ont un peu la même voix. C’est ça qui me manque actuellement, ce sont les chanteurs qui ont une voix à part. Il n’y a plus grand-chose d’immédiatement identifiable. Et puis, tout le monde a le même son de batterie, etc… C’est un peu mon ressenti là-dessus. Aujourd’hui, les deux seuls groupes que j’écoute de cette nouvelle scène sont Audrey Horne et Volbeat, qui ont une identité musicale assez marquée et puis, ça joue !

– Parlons de ce nouvel album. Même si les références américaines et surtout californiennes ont assez évidentes sur certains morceaux, le son de ROLLYWOODLAND s’inscrit tout de même dans un registre français et plus largement européen. C’est quelque chose à laquelle vous tenez, ou cela s’est fait finalement inconsciemment ?

Sonner à tout prix américain est quelque chose que je refuse de faire. Tu vois, j’adore Steel Panther, mais je trouve que tous leurs albums se ressemblent. Je n’ai pas du tout envie qu’on entre dans ce genre de truc. Je trouve que beaucoup de groupe essaient de faire comme les autres, histoire d’être sûrs que leur musique va être bien reçue. Alors que je pense que ce qui plait aux gens, c’est peut-être les 2% d’originalité que tu peux avoir. Une chanson, c’est un type de mélodie et un son que tu vas aller rechercher. Alors, si les gens peuvent venir à nous pour cette raison, j’en serai le premier ravi et satisfait.  

– Lorsque l’on parle de ce type de Hard Rock, c’est-à-dire avec des couleurs assez Glam et Sleaze, on pense à un style forcément festif. Or, ce n’est pas forcément le cas sur « Dark Fate For Judgement Day », qui est souvent sombre, même un peu sérieux et finalement très Heavy. Pour vous, c’est dû à cette époque que l’on vit et qui n’invite pas toujours à la rigolade, ou alors, ce n’est pas votre vision avec ROLLYWOODLAND, malgré des morceaux comme « JCVD » ou « Nunchaku »… 

C’est vrai que la plupart des gens pensent d’abord au côté festif, et c’est intéressant de voir que chacun peut avoir un ressenti différent par rapport au contenu ou à travers les textes. Notre album est très Hard’n Heavy avec des thèmes très différents, à travers des morceaux très introspectifs comme « Militærritory » ou « We All Come From Outer Space », par exemple. C’est une façon pudique finalement de m’exprimer aussi dans une autre langue. C’est vrai que « JCVD » et « Nunchaku » sont des titres plus légers qui s’inscrivent dans un univers de films d’action. Finalement, le morceau le plus sombre est « Heaven For Paradise », qui est ma chanson anti-jihad que j’ai écrite juste après les attentas de Charlie.

– Les clins d’œil aux années 80 et 90 ne manquent pas, et c’était déjà le cas sur « Appetite For Seduction », mais elles ne concernent pas seulement la musique. Cette fois, c’est un véritable hommage à ‘Terminator’ avec « « Dark Fate For Judgement Day ». Ce sont deux décennie et un groupe (Guns N’Roses a aussi chanté « You Could Be Mine » sur la BO – NDR) qui vous a marqué à ce point-là, car on ne vous sent pas forcément nostalgique ?

En fait, l’idée de ‘Terminator’ est partie d’un délire, puisqu’on jouait le thème en répétition et on a ensuite décidé d’en faire une vraie intro pour les concerts. Finalement, on l’a enregistré et c’est à ce moment-là que l’idée d’appeler l’album « Judgement Day » est arrivée. C’est quand même un titre qui claque ! Pour la pochette, j’avais d’ailleurs pensé au pouce levé à la fin du film. Et on a finalement choisi cette main, qui est propre à l’univers du Rock et du Metal. On s’est dit que cela parlerait aux gens en s’appropriant la scène, et c’est là qu’avec l’arrivée du dernier film, on a opté pour « Dark Fate For A Judgement Day ».

On a réussi à avoir les droits avec le Studio Canal pour la reproduction du thème. On avait fait la démarche auprès de la SACEM. Pareil pour « Another Part Of Me » de Michael Jackson, qui était au départ assez mal embarqué, puisque la personne de Sony que j’avais eu m’avait dit que les ayants droits refusaient systématiquement toute demande. Elle a d’ailleurs été la première surprise qu’ils aient validé positivement. C’est un morceau que j’avais retravaillé en me disant que ce serait une bonne reprise et elle s’inscrit finalement hyper bien à notre répertoire. On dirait presque une compo ! Si tu ne sais pas que c’est une chanson de Michael Jackson, elle passe comme une composition du groupe. Pour moi, c’est d‘ailleurs le propre d’une reprise réussie.

– Votre album est très varié, puisqu’on y trouve aussi des ballades et même des morceaux instrumentaux. C’est d’ailleurs assez étonnant de trouver une telle diversité aujourd’hui dans le Heavy Rock. C’est une volonté de ne pas se laisser enfermer dans un seul registre ?

J’ai toujours aimé les petits instrus, comme dans les albums de Van Halen, ainsi que l’idée que cela t’amène sur un thème. Par exemple, « The Epic Split » a été composé pour faire introduction à « JVCD ». Il y a un but précis. On l’a écrit parce qu’on voulait une partie instrumentale. Je trouve, en fait, qu’un album est un peu comme un film. C’est une succession de scènes différentes. C’est pour ça aussi que c’est intéressant de l’écouter dans son entier, car on retrouve cette sensation.

– Un mot aussi sur la durée de l’album qui atteint presque l’heure, ce qui est devenu très rare. Aujourd’hui, tout est très formaté et tout le monde reste dans les clous. Pourquoi avoir sorti un album aussi long ? C’est parce que vous aviez plus de 10 ans à rattraper ?

(Rires) A l’origine, on avait enregistré 14 titres en 2015. Donc, on avait déjà tous ces morceaux. Et puis, à l’instar du « Black Album », sans comparaison aucune et avec beaucoup de modestie, enlever un morceau était juste quelque chose d’impossible pour nous. Ensuite, quitte à payer du studio, on a cherché le meilleur ordre possible et aujourd’hui, j’aurais vraiment du mal à imaginer l’album, sans l’un des morceaux qui le compose.

– Pour conclure, j’imagine qu’avec un tel album, vous allez prendre la route pour le défendre. D’ailleurs, avec cet écart entre vos deux disques, est-ce que vous allez réarranger certains morceaux du premier ? Leur faire un petit lifting ?

En fait, il y a juste deux morceaux du premier album que l’on joue encore. Ils sont dans la lignée de ce qui a été enregistré dernièrement, même si cela s’est fait avec des personnes différentes. Globalement, les structures n’ont pas changé. C’est vrai qu’on pourrait en prendre d’autres, mais on est déjà en train de bosser sur le prochain. Pour le moment, on est plutôt dans l’optique de développer de nouveaux titres. D’ailleurs, on devrait être prêt à enregistrer en fin d’année ou en début d’année prochaine.

L’album « Dark Fate For A Judgement Day » de ROLLYWOODLAND est disponible chez M&O Music.