Avec trois EP et cinq albums sortis avec son groupe Airbag, le Norvégien est une valeur sûre et un artiste plus que reconnu dans son pays et bien au-delà. Son Rock Progressif continue de séduire au fil des réalisations, et c’est cette fois avec un quatrième opus solo, « Everything To Everyone », que BJØRN RIIS fait son retour après deux années bien ternes.
BJØRN RIIS
« Everything to Everyone »
(Karisma Records)
Très prolifique, le co-fondateur, guitariste et principal compositeur d’Airbag, BJØRN RIIS a mis à profit ces deux dernières années de vaches maigres pour écrire. En plus du dernier album de son groupe, « A Day At The Beach » et de son pendant acoustique, c’est en solo qu’il surgit cette fois avec « Everything To Everyone », où il se montre toujours aussi pertinent et inspiré.
Touché par les deux ans de pandémie où Airbag n’a pas pu défendre son excellent dernier album, le Norvégien semble avoir marqué le coup. Même si cela ne semble pas avoir troublé son inépuisable esprit créatif, BJØRN RIIS présente avec « Everything To Everyone » un aspect plus sombre et mélancolique qu’à l’habitude. Pourtant entouré de guests de grand talent, l’émotion est palpable.
Les six compositions s’étalant sur 50 minutes, le musicien commence son album par l’instrumental « Run », qui annonce de longues parties musicales (« Lay Me Down », « Every Second Every Hour » et le génial morceau-titre). Accompagné de la même équipe de production, BJØRN RIIS livre son disque le plus intimiste et, même si l’on ne retrouve pas la luminosité qui le caractérise, on frôle encore l’excellence.
Tout en accompagnant régulièrement depuis des années les plus grands artistes de la planète, la saxophoniste MINDI ABAIR mène aussi une carrière solo où elle laisse parler son feeling dans des registres qu’elle affectionne. Avec toujours autant d’émotion et de justesse, l’Américaine livre « Forever », un album où elle explore un style plus Americana avec le talent qu’on lui connait.
MINDI ABAIR
« Forever »
(Pretty Good For A Girl Records)
Chaque nouvel album de MINDI ABAIR est un petit évènement en soi, d’autant que la saxophoniste, entre autre, n’a rien sorti en solo depuis 2014. Et après toutes ces années, l’Américaine nous fait la surprise et le plaisir de livrer un album d’Americana, même si le smooth jazz dans lequel elle est une référence, n’est jamais bien loin. C’est donc dans un style assez dépouillé et bluesy qu’elle nous revient.
Comme le talent de la musicienne en appelle d’autres, MINDI ABAIR dispose pour « Forever » d’un line-up de choix. On retrouve à la batterie Abe Laboriel JR (Paul McCartney), Sean Hurley à la basse (John Mayer), Tim Pierce à la guitare (trop long CV !) et Rodney Lee aux claviers (la même chose). Autant dire que ça joue et que le feeling est présent d’un bout à l’autre de l’album.
On apprécie toujours autant son joli brin de voix, d’autant qu’elle délaisse même parfois son instrument de prédilection (« Fine Wine And Vinyl »). Et comme pour embellir encore un peu plus ce onzième album solo, MINDI ABAIR a convié Raul Malo (The Mavericks) aux claviers sur « Say It With Love » et le grand Kenny Wayne Shepherd à la guitare sur « What About Love ». La grande classe !
Achevé quelques semaines avant sa mort, ce premier album solo d’ERIC WAGNER, fondateur de Trouble, risque de l’inscrire encore un peu plus au panthéon du Doom Metal. Voix incontournable du registre, le chanteur de Chicago laisse une ultime prestation de grande classe avec « In The Lonely Light Of Mourning ».
ERIC WAGNER
« In The Lonely Light Of Mourning »
(Cruz Del Sur Music)
Figure emblématique et légende du Doom Metal, auquel il a activement contribué à écrire de très belles heures, ERIC WAGNER laisse un héritage conséquent. Fondateur du groupe Trouble, puis de Blackfinger et The Skull, le frontman est décédé à Las Vegas le 22 août dernier d’une pneumonie due au Covid. Il avait eu le temps de mettre la touche finale à son premier album solo.
Si aujourd’hui, « In The Lonely light Of Mourning » apparaît comme le chant du cygne du chanteur, ERIC WAGNER y travaillait depuis un bon moment entouré de ses fidèles collaborateurs et amis musiciens. On retrouve donc sur l’album Dave Snyder, Chuck Robinson, Ron Holzner, Doug Hakes, Victor Griffin et quelques autres qui l’ont suivi tout au long de sa carrière. Et finalement posthume, cet album est brillant.
Les huit morceaux qui composent « In The Lonely Light Of Mourning » laissent transparaître l’imposant héritage laissé par ERIC WAGNER. Musicalement, l’album retrace les différentes époques de son parcours avec cette même profondeur qui a toujours émané de ce Doom sincère, puissant et tellement identifiable, dont il avait fait sa marque de fabrique. Il nous reste donc cette voix inimitable…
Classique et terriblement efficace, ce troisième album solo du frontman TONY MARTIN se meut dans un Heavy Metal teinté de Hard Rock sombre et massif et dont le songwriting est tout aussi précis que féroce. Le Britannique fait parler sa longue expérience sans pour autant sombrer dans la facilité. « Thorns » est enthousiasmant et percutant.
TONY MARTIN
« Thorns »
(Battlegod Productions)
TONY MARTIN est probablement le chanteur, et multi-instrumentiste, anglais le plus méconnu et sous-estimé de la scène Heavy Metal et Hard Rock. Pourtant, le musicien a un CV long comme le bras et surtout un fait d’arme qui reste impressionnant. En effet, le frontman compte la plus longue présence, après celle d’Ozzy, au sein de Black Sabbath avec qui il a sorti cinq albums et un live.
En marge, TONY MARTIN a également tenu le micro chez Aldo Giuntini, Dario Mollo, Empire et Bobby Rondinelli et s’est même fendu de deux opus en solo dont le dernier, « Scream », est sorti en 2005. Et c’est avec un casting de haute volée que le Britannique livre aujourd’hui son troisième effort, « Thorns », dans une veine Heavy Metal et Hard Rock puissante et mélodique.
Avec le batteur Danny Needham (Venom), le bassiste Magnus Rosen (Hammerfall), le guitariste Scott McClellan (Army Of Soul) qui a co-écrit l’album et le légendaire bassiste Greg Smith (Alice Cooper, Blue Öyster Cult, Rainbow, …) TONY MARTIN s’est constitué un groupe de choc pour sortir ce très bon « Thorns », bardé de morceaux imparables (« As The World », « Book Of Shadow », « Crying Wolf », « Passion Killer », « Run Like The Devil », « Thorns »). Un régal !
Malgré un très bon retour avec Black Swan et son line-up de stars l’an dernier, c’est surtout avec Michael Schenker que le chanteur irlandais a acquis ses lettres de noblesse. Après avoir évolué dans de nombreux groupes, c’est en solo qu’il fait son retour avec un projet quasi-imposé par son label et qui peine donc à rendre à ROBIN MCAULEY sa superbe.
ROBIN MCAULEY
« Standing On The Edge »
(Frontiers Music)
Avec un CV long comme le bras, ROBIN MCAULEY a fait les beaux jours du Hard Rock des années 80/90 avec Grand Prix, Far Corporation, GMT et surtout MSG aux côtés du grand guitariste Michael Schenker, ainsi qu’avec M.S. Fest et plus récemment Black Swan. Le chanteur irlandais a su conquérir les fans du monde entier et continue l’aventure en solo avec un deuxième album.
Depuis son arrivée chez Frontiers Music, ROBIN MCAULEY travaille avec des musiciens italiens, et c’est encore le cas pour ce « Standing On The Edge ». Si le Dublinois est bien entouré, il parait presque méconnaissable dans ce registre moins percutant, moins musclé et presque qu’AOR, que sur le reste de sa discographie. Sans être totalement dénué d’intérêt, cette nouvelle production est trop prévisible.
Dégageant toujours une belle puissance, ROBIN MCAULEY aurait sûrement été maintenu à son niveau grâce à des compos plus mordantes et plus Heavy. Malgré de bons riffs et quelques envolées vocales bien senties, « Standing On The Edge » se noie trop souvent dans des nappes de synthés omniprésentes et superficielles. Dommage pour un chanteur de ce calibre et de cette trempe.
Excellent batteur ayant joué avec les plus grands, l’Américain retrouve cette fois les baguettes pour un projet solo, qui nous plonge dans un Hard Rock musclé, simple et très rentre-dedans. TOMMY’S ROCKTRIP respire le Rock’n’Roll et cela s’entend sur chaque note. Un bon et joyeux moment, qui combat aussi toute nostalgie !
TOMMY’S ROCKTRIP
« Beat Up By Rock’N Roll »
(Frontiers Music)
Qu’est-ce qui a poussé un batteur comme Tommy Clufetos à se lancer dans une aventure solo en marge de ses prestigieuses collaborations ? Le plaisir, pardi ! Et c’est sous le nom de TOMMY’S ROCKTRIP que le cogneur vient nous présenter « Beat Up By Rock’N Roll », véritable concentré de tout ce qui l’a influencé depuis les débuts de sa déjà longue carrière. Et à travers onze titres, le musicien de Detroit se régale et nous régale par la même.
Avec un CV comme le sien, on peu aisément comprendre que des envies d’ailleurs et d’une certaine liberté se fassent sentir. Batteur pour Ted Nugent, Rob Zombie, John 5 et surtout Alice Cooper, Ozzy Osbourne et Black Sabbath, TOMMY’S ROCKTRIP peut être perçu comme un retour aux sources pour cet éclectique et très talentueux rockeur du Michigan. Et les soupçons se dissipent rapidement au fil des titres.
L’Américain s’est offert un casting efficace en confiant le chant à Eric Dover (Slash’s Snakepit, Alice Cooper), même s’il pousse lui-même la chansonnette sur « Make Me Smile », le morceau-titre et « The Power Of Three ». Aux guitares, Hank Schneekluth et Nao Nakashima se partagent la tache bien aidés par Eliot Lorengo à la basse et Doug Orguan à l’Hammond. Impulsif, dynamique et enjoué, ce premier album de TOMMY’S ROCKTRIP libère de belles ondes.
Le leader du groupe de post-Black Metal/Folk bouddhiste chinois Bliss-Illusion livre un copieux et généreux double-album solo sous le nom de TASSI. Avec « Northland I & II », Dryad nous emmène en voyage dans une atmosphère douce et progressive où quelques fulgurances extrêmes viennent se nicher. Original et créatif, ce double concept-album conjugue poésie et explosion métallique.
TASSI
« Northland I & II »
(Anesthetize Productions)
On commence doucement à s’intéresser et à connaître le Metal chinois et ce n’est pas vraiment un hasard. L’Empire du Milieu regorge de très bonnes formations comme Bliss-Illusion, et c’est précisément du double-album de son leader Dryad dont il est question. Avec TASSI, c’est en solo qu’évolue cette fois le musicien qui entièrement composé et réalisé « Northland I & II » dans une nouvelle version.
Initialement sorti en Chine séparément, c’est donc sous une nouvelle mouture que le chanteur et multi-instrumentiste présente ce concept-album où ésotérisme, religion et Black Metal font bon ménage. Inspiré par son propre recueil de nouvelles et de poésie, Dryad a conçu TASSI et ces deux albums autour d’une histoire basée sur la quête de son héro du même nom pour retrouver son amante.
Entre post-Black, Blackgaze et Folk Progressive, on navigue dans une ambiance à la fois brutale et sereine. Très atmosphérique, « Northland I & II » évolue dans un climat aussi acoustique qu’électrique, dans lequel le chant de Dryad passe du clair au growl et à des passages parlés avec une belle fluidité. TASSI avance dans le clair obscure où les ambiances et les genres ne font qu’un. Un beau voyage cosmique au cœur de la culture chinoise.
Retrouvez TASSI en interview dans les prochains jours.
Entre confinement et Brexit, JUSTIN LIGHT a eu le temps de la réflexion. Le songwriter anglais en a profité pour écrire, jouer, enregistrer et produire son premier album solo. Dans un registre Blues très British, le musicien livre un album élégant, plein d’émotion et optimiste. « Sunshine Cafe » dégage une belle luminosité musicale.
JUSTIN LIGHT
« Sunshine Cafe »
(Independant)
Après 35 ans de carrière passés à partager la scène avec de grands noms et au sein des groupes The Atomic Workers et The Sonic Jewels, JUSTIN LIGHT a profité du confinement dans son pays, l’Angleterre, pour enregistrer pendant l’été dernier son premier album solo. Et celui-ci penche cette fois pour le Blues.
Guitariste et chanteur, le Britannique a donc mis à profit la situation sanitaire pour composer « Sunshine Cafe », et pourtant ce premier essai solo est tout sauf triste ou morose. Plein d’humour, les morceaux de JUSTIN LIGHT respirent et véhiculent une douceur enveloppante, malgré la pandémie et le Brexit qui ont guidé certains titres.
Très british dans le son et les compos, le songwriter développe un registre très souple et délicat sans se priver d’élever le niveau à l’occasion (« Loneliness Is A Blues », « Making It Alright In The End », « Goodbye To My Poison », « Your Payback’s Overdue »). JUSTIN LIGHT régale et on perçoit très rapidement la longue expérience du musicien.
Producteur reconnu dans le milieu du Stoner Rock et au-delà, le multi-instrumentiste TONY REED a mis entre parenthèse ses groupes Mos Generator et Big Scenic Nowhere pour sortir il ya quelques mois son premier album solo. Acoustique, très épuré et touchant, le compositeur américain a livré un « Funeral Suit » étonnant, sincère et très personnel. Rencontre avec ce monument de Seattle.
– Il y a quelques mois, tu as sorti « Funeral Suit » dans un registre où on ne t’attendait pas forcément. Quel regard portes-tu sur ce premier album solo avec un peu de recul ?
Au cours des dernières années, on m’a demandé de faire un album acoustique à plusieurs reprises. Certaines des chansons de « Funeral Suit » ont été écrites il y a plus de cinq ans. C’est un style dans lequel je suis aussi à l’aise que dans du Rock lourd et, au niveau des paroles, il ne s’éloigne pas trop du contenu des trois derniers albums de Mos Generator. La grande différence ici, c’est que les voix et les paroles sont présentées dans un cadre sans grosses guitares, ni de section rythmique agressive.
– Malgré de multiples productions, on te connait surtout en tant que leader de Mos Generator et plus récemment avec Big Scenic Nowhere. Qu’est-ce qui t’a poussé à réaliser un album Folk et presqu’Americana ? C’est un projet que tu mûris depuis longtemps ?
En fait, chaque chanson a été enregistrée telle qu’elle à l’exception de deux chansons initialement interprétées par Mos Generator. Ce sont presque toutes des démos. Je trouve que dans certains styles de musique, si tu passes trop de temps à améliorer la performance ou les arrangements, tu perds l’énergie et le sentiment de départ. Sur la plupart de ces chansons, j’ai enregistré la guitare très rapidement, puis j’ai enregistré les voix au moment où je les écrivais. Il y a beaucoup d’erreurs sur l’album, mais je ne pense pas que je changerai quoi que ce soit. Cela donne vraiment aux chansons une sensation différente.
– « Funeral Suit » est un album assez sombre et intimiste, presqu’introspectif. C’est la situation due à la pandémie qui a guidé ce choix, ou c’est quelque chose de plus profond ? Et il y aussi ce changement radical de style…
Toutes ces chansons ont été achevées avant la pandémie. Si je me souviens bien, les derniers enregistrements de l’album ont été faits en novembre 2019. Tu as raison de dire que c’est un album intime et introspectif. Je n’ai jamais été aussi transparent dans mon écriture. Au cours des dernières années, j’ai jeté un coup d’œil sur les choses que je n’aime pas chez moi et les choses que j’ai faites et qui ont blessé les personnes que j’aime. De nombreux textes de Mos Generator reflètent également ce type d’auto-analyse. Entre « Funeral Suit » et l’album de Mos Generator « Shadowlands », je pense avoir exorcisé ces sentiments et les avoir remplacé par une vision positive de l’avenir.
La mort de mon père en 2019 a également joué un grand rôle dans la création de cet album. « Funeral Suit », la chanson, parle de son décès et de la façon dont cela affectera le reste de ma vie. Il s’agit aussi des êtres chers qui sont toujours là et qu’ils peuvent partir à tout moment. Alors, chérissez cette vie que vous avez avec eux. J’ai l’impression que mon père comprendrait tous ces sujets sombres sur lesquels je chante, s’il pouvait écouter l’album. Je l’aime beaucoup et je peux honnêtement dire que bon nombre de mes propres défauts de caractère sont ceux que je pouvais voir en lui. Il aurait compris cet album. Il était un grand fan de mon travail et m’appelait régulièrement pour me le dire. Je porte ces mots partout avec moi.
En ce qui concerne le style de musique, j’écris et j’enregistre de la musique acoustique depuis plus de 30 ans. Dans mes archives personnelles, il y a des centaines de chansons que j’ai enregistrées dans de nombreux styles. Certaines ont été publiées ou rééditées au fil des ans, et il pourrait y en avoir d’autres dans un proche avenir. En ce moment, j’ai cinq projets et groupes actifs qui écrivent et enregistrent. Le seul avec des horaires de répétition réguliers est Hot Spring Water. Cela ressemble beaucoup au Rock Country du début des années 70 en Californie du Sud. C’est une sorte de mix Country alternative et sombre. C’est un groupe formidable et c’est très sympa à jouer sur scène.
– Sur cet album, tu es seul aux commandes. « Funeral Suit » est un disque que tu tenais toi-même à mener de bout en bout ?
Je suis un maniaque du contrôle donc, pour moi, ce n’est pas si différent que pour d’autres disques. Je gagne ma vie en tant qu’ingénieur du son et producteur depuis mes vingt ans environ, ce qui me permet également d’avoir le contrôle sur mes chansons. Au fil des ans, j’ai sorti pas mal de disques où je joue de tous les instruments. Cela vient vraiment du fait que je ne suis pas une personne très sociale et que je passe la plupart de mon temps à côté d’un enregistreur avec toute sorte d’instrument de musique à la main. Et j’ai eu la chance de pouvoir en faire l’œuvre de ma vie.
– En plus de cet album très touchant, Il y a également eu « Lavender Blues » avec Big Scenic Nowhere cette année. Finalement, elle aura été assez riche pour toi. Doit-on s’attendre maintenant à un nouvel album de Mos Generator en 2021 ?
Bob (Balch, également guitariste de Fu Manchu) et moi avons une excellente relation musicale. Nous sommes tous les deux mélomanes et essayons de jouer et d’apprendre sans cesse. Big Scenic Nowhere est génial, parce que j’arrive à saisir de longues jams et à les rendre très structurées en studio. C’est un processus que je connais, mais que je n’ai jamais fait avec autant d’intensité. C’est vraiment un défi amusant. En ce qui concerne Mos Generator, j’ai passé l’année dernière à essayer de trouver des morceaux pour maintenir la présence du groupe auprès du public. Actuellement, je suis très heureux de travailler sur de nouveaux morceaux. Le problème est que nous ne vivons pas les uns à côté des autres. Jono (batterie) habite à 3.500 kilomètres de Sean et moi. Et en ce moment, il est très difficile de se réunir et de travailler sur de nouvelles compos. Mais nous prévoyons au moins d’écrire et d’enregistrer un nouvel album (peut-être un double) d’ici la fin de l’année. C’est notre objectif.
Avec ce brillant nouvel album solo, on a presque l’impression qu’ANNEKE VAN GIERSBERGEN attendait le bon moment pour laisser exploser toutes les facettes de sa voix cristalline, où la force et la puissance côtoient la finesse et la douceur la plus extrême. Sincère et authentique, la chanteuse néerlandaise se présente cette fois dans un style plus acoustique et Folk avec la même aisance.
ANNEKE VAN GIERSBERGEN
« The Darkest Skies Are The Brightest »
(InsideOut Music)
C’est en solo et avec un album aussi lumineux que mélancolique que la néerlandaise ANNEKE VAN GIERSBERGEN livre sa nouvelle production. Opus réparateur et presque salvateur selon elle, il relate de manière très intimiste et optimiste les récents tourments qu’elle a du affronter. Loin des styles dans lesquels elle évolue d’habitude, la chanteuse nous invite cette fois dans univers Folk très acoustique entre cordes savamment dosées et un chant qui porte littéralement les onze nouvelles compositions.
Connue et reconnue dans le monde du Metal Symphonique et Progressif à travers ses groupes The Gathering et Vuur, ANNEKE VAN GIERSBERGEN a également prêté sa voix à de très nombreux groupes et artistes comme Anathema, Within Temptation, Ayreon, Amorphis ou John Wetton et Devin Townsend. Ce que l’on sait moins, c’est que la frontwoman mène aussi en parallèle une carrière solo très remarquée dans son pays et au-delà.
Sur « The Darkest Skies Are The Brightest », elle se dévoile à travers des chansons très personnelles (« Agape », « My Promise ») et parfois plus sombre et mélancoliques (« The End », « Losing You »). Loin de tomber dans une profonde tristesse, ANNEKE VAN GIERSBERGEN vient rappeler l’étendue de sa palette vocale avec des titres rythmés et enthousiastes, où sa voix fait des merveilles (« Hurricane », « Survive », « I Saw A Car »). Un petit bijou de finesse.
