Brute et authentique, la Soul hyper-punchy proposée par la New-Yorkaise ravive avec talent l’esprit des pionnières comme Mavis Staples et résonne même comme une version féminine d’Otis Redding. Terriblement Funky, un brin roots et doté d’un charme rétro irrésistible, BETTE SMITH livre l’un des disques les plus palpitants du style depuis un moment. Aussi intense que tendre, « Goodthing » révèle une force créative et bouillonnante avec un pied dans chaque millénaire.
BETTE SMITH
« Goodthing »
(Kartel Music Group)
Les débuts de BETTE SMITH remontent maintenant à presque 20 ans. Originaire de Brooklyn, la chanteuse et compositrice est d’abord passée par la chorale de son père avant d’éclore sous le nom de Bette Stuy avec un premier opus suivi d’un EP. C’est à partir de 2017 et « Jetlagger » qu’elle prend véritablement son envol et se produit aux côtés de Kenny Wayne Shepherd et Drive-By Truck, tout en participant à de multiples enregistrements studio. « Goodthing » est donc son quatrième album et il en impose !
Il y a quelque chose d’iconique et d’intemporel dans la voix de BETTE SMITH. Nourrie de Gospel, de Soul, de Rock de Funk et de Blues, la frontwoman dépoussière les codes très 70’s du genre et, tout en les respectant, leur offre une couleur et une fraîcheur très contemporaines. En jouant aussi sur un côté vintage savoureux, elle fait sonner ses morceaux avec énergie et se montre très actuelle dans leur interprétation. « Goodthing » est une sorte de concentré de douceurs acidulées, dont il est difficile de se défaire.
Après avoir travaillé sur ses compositions, l’Américaine a traversé l’Atlantique pour entamer une collaboration avec le producteur Jimmy Hogarth réputé pour son travail avec Amy Winehouse et Tina Turner notamment. Et le duo fait des étincelles sur les 13 pépites que compte « Goodthing », le bien-nommé. Le chant de BETTE SMITH y est électrique (« Eternal Blessings », « M.O.N.E.Y. », « Whup ‘Em Good », « More Than A Billionaire », « Cave » et le morceau-titre). Ce disque fait un bien fou et s’écoute en boucle !
Tout en se frottant au Hard Rock et à un Rock un peu plus rugueux, les Irlandais restent très accessibles et mélodiques. Avec ce premier long format qui aura mis plus d’une décennie à voir le jour, MINE ROAD montre beaucoup de maîtrise grâce, notamment, à de bonnes guitares et un chant bien en place. « Tomorrow’s Sky » affiche une diversité un peu déroutante, mais au final très efficace et accrocheuse. Une bonne entrée en matière.
MINE ROAD
« Tomorrow’s Sky »
(Independant)
L’histoire de MINE ROAD n’est vraiment pas banale. Fondé par les frères Cash, Stuart (guitare) et Steve (batterie), avec Ken Carthy (chant) et Dave Flood (guitare), le groupe avait sorti « Satellite », un EP en 2021, avant que la fratrie ne se disperse en Australie pour l’un et à New-York pour l’autre, mettant tout le monde en stand-by. Après un travail de composition à distance, c’est au retour des musiciens dans leur ville de Dublin que les choses se sont accélérées en 2019 avec une série de concerts et l’élaboration de « Tomorrow’s Sky ».
Avec le soutien de Donnacha Neary à la basse sur tout l’album, MINE ROAD livre enfin son premier effort sur la longueur et le résultat est convaincant avec onze titres aux accents Hard Rock et aux teintes Soft Rock typiques de leur île. On peut y déceler quelques influences des Ecossais de Gun, de Def Leppard et de leur compatriotes de feu-Something Happens. Les sonorités de « Tomorrow’s Sky » sont donc résolument britanniques et un brin nostalgiques dans un ensemble costaud et fédérateur.
Ce premier opus est donc l’occasion pour le quatuor de montrer l’étendu de son savoir-faire, tant il se montre varié dans son approche du Rock. Musclé sur « Snowplow », « Tomorrow’s Sky » et « Feeling », plus acoustique sur « I’ll Be Home », mid-tempo sur « American Dream », décalé avec l’interlude au piano « Recall », MINE ROAD révèle une énergie live très positive. On regrettera peut-être une production qui aurait mérité plus de coffre et de relief, mais le job est fait.
13 ans après sa disparition, la musique de Calvin Russell résonne toujours chez les amateurs de Blues aux saveurs Folk, Country et Rock. Ayant trouvé l’Eldorado en France dans les années 90/2000, le Texan n’a bien sûr pas manqué de créer de solides liens d’amitié, parmi lesquels on retrouve MANU LANVIN. Le leader des ‘Devil Blues’ avait d’ailleurs enregistré avec lui « Dawg Eat Dawg » en 2009, un moment fort dans sa carrière. Aujourd’hui, le chanteur et guitariste lui rend un magnifique hommage avec ce « Tribute », qui voit se succéder des artistes au horizon divers pour redonner vie à des chansons pour beaucoup inoubliables et dans tous les cas toujours très touchantes. Entretien avec ce ‘Frenchy’, qui redonne toutes ses lettres de noblesse au musicien d’Austin.
Photo : Tamara Pienko
– On connait la genèse de l’album qui date donc de ce concert donné il y a deux ans à ‘La Traverse’ de Cléon, près de Rouen. De là à vouloir ensuite réaliser un disque, il y a un pas à franchir. Quel a été le déclic ? Y a-t-il eu une demande particulière, ou cela reste personnel ?
Non, il n’y a eu aucune demande. Cela aurait d’ailleurs pu être orchestré par des maisons de disques ou des éditeurs, mais ce n’est pas le cas. Cela fait suite à ce concert, qui m’avait été demandé, à ‘La Traverse’ qui est une salle que j’aime beaucoup. Il y a une programmation très qualitative avec beaucoup d’artistes anglo-saxons de Classic Rock, notamment, et de grands bluesmen. Ils m’ont demandé si je voulais faire revivre, le temps d’une soirée, la musique de Calvin Russell. J’ai accepté en leur disant que je souhaitais le faire avec des invités. On a la chance en France d’avoir des artistes très intéressants et qui sont américains. Ils sont donc plus légitimes pour défendre ce répertoire. Je pense à Neal Black, Beverly Joe Scott, qui est à côté en Belgique, Janet Martin… J’avais envie de personnes qui partagent ce langage-là et je voulais aussi que sa femme et sa belle-famille soit là et se sentent concernées. C’était une soirée très, très émotionnelle, en plus d’afficher complet. Il s’est passé quelque chose de très fort et c’est là que je me suis rendu compte que la musique de Calvin était encore inscrite dans le cœur des gens qui l’avaient connu. D’ailleurs, lors de mes concerts quand je vais au merchandising signé des albums, il n’y a pas une seule fois où on ne me parle pas de sa musique. Elle est toujours là et elle m’accompagne. Je trouvais que c’était un peu frustrant pour les gens qui n’avaient pas pu assister à ce concert-là de ne pas leur proposer une nouvelle lecture de certaines de ses œuvres. C’est donc ce que je me suis mis en tête de faire après ce concert. Je suis entré en studio avec mes musiciens, en reprenant d’ailleurs plus ou moins la même setlist qu’à ‘La Traverse’ et j’ai commencé mon petit casting dans ma tête.
– Tu avais un lien très fort et spécial avec Calvin Russell, qui était aussi un personnage atypique et attachant. Est-ce qu’il t’a fallu prendre un peu de recul lors de l’enregistrement pour mieux contrôler et canaliser ce flux d’émotion, ou au contraire l’immersion a-t-elle été totale ?
Je pense que le temps a joué en notre faveur. Je n’aurais pas pu faire cet album juste après sa disparition. Là, on a pu se détacher d’une forme d’emprise émotionnelle. Cela dit, bizarrement, cela m’est arrivé plusieurs fois pendant l’enregistrement. Juste à côté du studio ‘La Chocolaterie’, j’ai une petite maison de ville mitoyenne, où j’ai accueilli Calvin juste avant et pendant l’enregistrement de « Dawg Eat Dawg ». Ensuite, il y a eu la tournée et il dormait ici. Il y avait malgré tout son fantôme qui était là ! (Sourires) Il m’a d’ailleurs laissé quelques plumes qui sont toujours là, elles aussi. Ensuite, le travail est différent, car je suis le directeur artistique du projet. La question s’est donc posée de faire ou non du plagiat de Calvin Russell, ou est-ce qu’on allait essayer d’aller plus loin ? Ce qui était intéressant, c’était de moderniser certaines versions, de leur offrir une deuxième lecture et aussi de prendre certaines choses à contre-pied. Par exemple, personne ne s’attendait à ce que ce soit une femme (Beverly Joe Scott – NDR) qui chante « Crossroads », qui est le morceau emblématique de Calvin. Il fallait faire une sorte de passage de relais, car il a laissé un super catalogue. Il était très fort au niveau du songwriting et en me replongeant dans tout ça, j’ai retrouvé des trésors que je ne connaissais même pas à l’époque où je le côtoyais. Il y a vraiment des pépites ! Et les faire interpréter par d’autres artistes, c’est vraiment ça qui me plait dans ce genre d’hommage.
Photo : AFP
– La tracklist contient 14 chansons. Certaines s’imposaient comme bien sûr « Crossroads », « Trouble » ou « Soldier ». Pour les autres, comment s’est effectué le choix ? Certains artistes ont-ils proposé des morceaux qui les touchaient plus particulièrement, par exemple ?
En fait, je me suis beaucoup inspiré de la magie qui avait opérée à ‘La Traverse’. La tracklist n’a pas tellement bougé. Parfois, ce sont les circonstances qui décident. Il y a un équilibre avec des passages plus lents, d’autres plus Folk qu’on connait bien chez Calvin. Et puis, c’est aussi très Rock’n’Roll, car il avait vraiment ça en lui. Il aimait les morceaux avec de grosses guitares un peu sales, le Boogie aussi… Et c’est un aspect que je connais bien de lui, car j’ai eu la chance de l’accompagner sur scène. Il vibrait littéralement lorsque tu commençais à envoyer des décibels. J’aime aussi ce côté-là chez lui, ainsi que l’aspect très dépouillé, très acoustique, très intimiste et très introspectif finalement, tout comme des choses beaucoup plus brutes de décoffrage qui font bouger les gens. C’est ce que j’ai essayé de faire pour avoir cet équilibre sur l’album.
– Parlons des interprètes et d’abord des Américains qui, comme Calvin, ont aussi un lien très fort avec la France. C’est apparu comme une évidence dans le choix, car ils le connaissaient tous ?
Beaucoup de choses ont pesé dans la balance, en fait. J’ai d’abord trouvé ça intéressant que ce soient des amis de Calvin qui lui rendent hommage comme Beverly Joe Scott. Nous avions d’ailleurs donné son dernier concert ensemble dans le Sud, près de Manosque, sur les hauteurs. Elle était venue chanter le tout dernier morceau, « Ain’t Leaving Your Love », dont je me rappelle très bien, puisque c’était moi qui l’avait accueilli sur scène. C’était important pour moi qu’elle accepte de venir sur cet hommage. Pareil pour Popa Chubby, qui est un autre ‘exilé’ des Etats-Unis comme il le dit très bien. Ils auraient d’ailleurs tous voulu avoir la même carrière chez eux qu’ils ont eus en Europe, mais les circonstances ont fait que c’est ici que ça leur a souri. C’est ce qui s’est passé pour Calvin, qui a été ‘star’ sur le tard. Et contrairement à chez lui, c’est chez nous que ça a pris, et c’est exactement pareil pour Popa Chubby. C’est vrai aussi qu’on doit beaucoup à Patrick Mathé (fondateur du label New Rose – NDR), qui était un véritable découvreur de talents qui ne prenaient pas aux Etats-Unis et qu’il ramenait en France sur son label. Et ça fonctionnait plutôt pas mal. J’ai donc pris des gens qui le connaissaient et qui font aussi partie de mon réseau. Et puis, ça raconte une histoire. Si j’avais pris des artistes anglo-saxons, qui ne connaissaient pas l’histoire de Calvin, ça ne m’aurait pas paru intéressant pour cet hommage. Mais c’était aussi important d’avoir des gens qui ne connaissent pas forcément très bien son répertoire comme Théo Charaf, Craig Walker, Haylen et même Hugh Coltman. Et comme Calvin était une voix, il me fallait vraiment des chanteurs à voix. Je ne pouvais pas m’amuser avec des guignols ! (Rires) Il fallait que ce soit séduisant et il y ait certaines évidences aussi.
Manu Lanvin & Calvin Russell en 2009 – Photo :Eric Martin
– Pour rester sur la France, il y a aussi des choix chez les interprètes qui peuvent surprendre, car ils ne viennent pas directement de l’univers du Blues. Je pense bien sûr à CharElie Couture, Axel Bauer et à ton père Gérard. C’est une manière de dire que Calvin ne touchait pas seulement les amateurs de Blues ?
Oui, je pense. Ce serait dommage de le classer comme un artiste destiné à quelques ‘happy fews’ et aux ayatollahs du Blues. D’ailleurs, Calvin n’aimait pas le Blues plus que ça. Il avait fait sa propre recette avec ce mélange de Rock, de Folk et de Blues. Le plus important pour moi était d’avoir des personnalités et des grains de voix, et peu importe le style musical d’où ils viennent. Après, il y a quand même beaucoup de similitudes. Quant à mon père, il a écrit « 5m² ». Ils étaient amis et, même s’il vient du cinéma, c’est une chanson qui raconte beaucoup de choses. C’est l’histoire de Charlie Bauer (militant révolutionnaire d’extrême gauche et ancien complice de Jacques Mesrine – NDR) que mon père a rencontré quand il a été consulté pour le film sur Mesrine. On sait très bien les années de prison que Calvin a fait de son côté et il y avait donc une belle histoire qui s’écrivait en enregistrant ce « 5m² » ensemble.
– D’ailleurs, « 5m² » qui est chanté par ton père et toi, et « Soldier » par Axel Bauer, le sont en français. C’est assez inattendu. D’où l’idée est-elle venue de traduire le texte de Calvin ?
C’est vraiment Axel Bauer qui m’a soufflé cette idée. Je ne pensais pas enregistrer « Soldier » en français. Et puis, face à ce qu’il m’a balancé le lendemain, j’ai trouvé ça bien et je me suis dit que cela pouvait ouvrir l’album à d’autres gens sans s’enfermer et qu’il ne soit pas écouté uniquement par celles et ceux qui connaissent déjà Calvin. Cela peut aussi ouvrir la porte au public d’Axel Bauer, par exemple, qui pourrait peut-être s’intéresser à qui est derrière tout ça. Ca remet en lumière l’artiste, mais aussi le songwriter qu’il était.
Photo : Patrick Swirk
– L’album est donc très varié dans les ambiances avec même trois duos, ce qui le rend très collégial d’ailleurs. L’intention était-elle de dévoiler le plus possible l’univers de Calvin, qui était assez vaste, malgré certaines apparences ?
Oui, c’est ce que je pense avoir décodé chez lui. Il y a aussi tous les aspects de sa musique telle qu’elle était présentée. Je voulais être fidèle à ça, à ce côté collégial également qui apporte beaucoup de puissance à cet hommage quand tu as plusieurs interprètes qui échangent sur un titre. Cela dit, les chansons de Calvin ont déjà fait leur travail en termes d’émotion, bien avant cet album. On peut en récréer une autre, intacte, avec une nouvelle histoire, puisqu’elle est interprétée par plusieurs personnes. Je trouve que cela apporte une richesse de plus à l’album.
– Pour rester sur l’héritage laissé par Calvin Russell, ce qui me surprend vraiment, c’est de ne pas entendre souvent son nom revenir dans les influences de certains artistes, surtout américains d’ailleurs. Comment est-ce que tu l’expliques ? Il n’était pourtant pas si ‘confidentiel’ que ça…
Il l’était en tout cas aux Etats-Unis. J’allais souvent le voir là-bas à Austin. Quand je me baladais le soir sur la ‘5th Street’, on me demandait ce que faisait un Français ici. Quand je disais que je produisais et que j’étais le collaborateur artistique de Calvin Russell, on me répondait : ‘Ah oui, c’est le Texan qui fonctionne bien en France et en Europe !’. Ca s’arrêtait à ça. Il faisait quand même partie de cette communauté de musiciens des années 70/80 qui ne tournaient qu’à Austin, mais ça n’allait pas plus loin que les frontières de la ville. C’est vrai que c’est étonnant. Pour tout te dire, il y a une chose que j’ambitionne, ou que j’adorerai, c’est que l’histoire de cet album, qui fait lumière sur Calvin, puisse donner envie à la création d’un film ou d’un documentaire. On peut continuer l’histoire musicale d’un artiste après sa disparition. C’est peut-être jouable. J’ai beaucoup fait écouter l’album à des musiciens américains avec qui je travaille en ce moment. Ils sont sidérés et ils se demandent comment ils ont pu louper ça ! Et ils s’intéressent maintenant à l’original. Je ne suis qu’un relai avec ce disque. D’ailleurs, je pars jouer à New-York fin juillet et j’ai trois titres de Calvin dans ma setlist. Je continue à jouer sa musique dans son pays d’origine, qui ne le connait même pas. C’est insensé !
Nicolas ‘Nikko‘ Bonnière, Calvin Russell et Manu Lanvin en 2009 – Photo : Eric Martin
– Tu chantes également sur trois morceaux (« Wild Wild West », « Ain’t Leaving Your Love » en duo avec la chanteuse Haylen et « 5m² » avec Gérard). C’était important aussi pour toi d’interpréter tous ces titres de ce projet que tu portes depuis le début ?
Au début, mon équipe pensait que j’allais chanter tout l’album ! Comme l’idée était de faire un hommage, tout le monde avait imaginé que ce serait ‘Manu Lanvin chante Calvin Russell’. Pour moi, ça n’avait pas beaucoup de sens. A mon avis, plus il y a de participants, plus l’hommage est beau ! Et c’est ce qui m’a plu dans ce projet, que ce soit quelque chose de collectif. C’est ce qui me semblait intéressant. Pour l’anecdote, j’ai fait toutes les voix témoins des morceaux avant de les envoyer aux artistes. Quand Beverly Joe Scott a écouté « Crossroads », elle m’a dit que je devais le chanter, que c’était à moi de le faire ! Il y a eu une gentille petite bataille ! Il a fallu négocier ! (Rires)
– Un mot enfin au sujet de Popa Chubby qui livre d’ailleurs une version incroyable de ce « All We Got Is Rock And Roll », qui lui va si bien, et avec cette trompette quasi-cosmique et incroyable de Boney Fields. On le sait actuellement malade. Est-ce que tu as des nouvelles rassurantes sur son état de santé ?
On s’est vu récemment lors de son dernier Olympia (le 17 mars – NDR), où il m’a invité à monter sur scène avec lui pour un titre. Il répond moins depuis quelques temps, bien sûr. En tout cas, l’opération s’est bien passée. Maintenant, il faut que les résultats soient bons et que la convalescence aille bien aussi. Cela dit, Ted (son prénom – NDR) est très présent sur les réseaux sociaux et tant que je le vois poster des choses, je suis rassuré. Et puis, c’est un mec balaise. Il n’en donne peut-être pas l’impression avec ce poids imposant et sa béquille, mais c’est quelqu’un de très vif dans le regard. Il a malgré tout une énergie de dingue, il y a le feu chez lui dans les yeux et dans le regard. Il fait partie des guerriers et je pense qu’il va s’en sortir. J’ai toute foi. C’est quelqu’un qui a envie de vivre, il n’a pas envie de se laisser tomber. Ce n’est pas du tout le caractère de ce mec-là ! (Sourire)
« Tribute To Calvin Russell », orchestré par Manu Lanvin est disponible chez Gel Prod/Pias.
Ne vous fiez pas au grand coq de la pochette, le Rock de TRIGGER KING est clairement anglo-saxon avec même une petite touche américaine. Assez imprévisible dans son contenu, « The Giant Rooster EP » est le premier effort des musiciens de l’Est et il se présente comme une sorte de carte de visite. Si on comprend vite l’intention, c’est plus compliqué qu’en saisir le fond, tant l’ensemble s’éparpille sans révéler de véritable identité musicale à travers cinq titres finalement peu homogènes.
TRIGGER KING
« The Giant Rooster EP »
(Independant)
TRIGGER KING est la parfait illustration de ce pourquoi je déteste à ce point les EPs, sorte de format bâtard qui, lorsqu’il est bon, laisse systématiquement sur sa faim. Certes, je suis d’un autre temps où se contenter de singles et d’EP n’était même pas envisageable. Donc il faut reconnaître que « The Giant Rooster EP » a quelque chose de frustrant. Cela dit, c’est aussi une façon comme une autre de mettre le pied à l’étrier, alors prenons ainsi ce premier et encore toujours frais enregistrement du quatuor français.
Trois ans après sa formation et après avoir écumé quelques scènes, le groupe a décidé de franchir les portes du studio White Bat Records en compagnie de Rémi Gettliffe (Dirty Deep, Undervoid) pour y graver cinq de ses compositions. Et le résultat est plutôt bon et aussi surprenant, puisque TRIGGER KING présente un panel musical peu banal. Si les bases sont Rock, légèrement Heavy, bluesy et teintées de Classic Rock, on perçoit aussi quelques notes de Brit Pop pour le moins désarmantes.
Malgré quelques refrains mielleux façon Oasis, le combo de Mulhouse en a sous le pied, comme en témoigne son guitariste, jamais avare d’un bon riff. Cependant, on attend que le groupe décolle, ce qui rendrait son jeu plus ample, pertinent et tranchant… A moins que TRIGGER KING ne garde cet aspect pour ses concerts. Entre des sonorités très Pop (« Take Me By Surprise », Rock vintage (« Riding High », « Season Of The Sun ») et une longue ballade (« Reaching For the Moon »), on peine à trouver une unité dans ce si court format.
Après un premier album éponyme en 2020 très remarqué en Angleterre et qui a bénéficié d’une version remixée il y a deux ans (« Re-Wired ») avec des guests comme Jeff Scott Soto, Phil X et Joel Hoekstra, COLLETERAL apporte beaucoup de fraîcheur au Rock anglais. Très américain dans l’approche et dans le son, le combo réunit avec une touche très moderne tous les ingrédients à même de réunir les fans de Rock au sens très large du terme. Avec son côté très ’stadium’, il devrait rassembler les fans d’une époque estampillée FM comme ceux de l’actuel Alternative Rock.
COLLATERAL
« Should’ve Known Better »
(Big Shot Records)
A en croire la presse spécialisée d’outre-Manche, ce nouvel album de COLLATERAL retranscrit parfaitement toute l’énergie déployée en live par le groupe. On est donc en droit d’attendre un disque costaud et déterminé. Et il faut reconnaître que la formation du Kent est séduisante à bien des égards. Dans un Alternative Rock à la Nickelback et un Hard Rock soft façon Def Leppard ou Bon Jovi, les mélodies sont mises à l’honneur, ce qui n’empêchent nullement son guitariste, très en verve, et son frontman notamment d’apporter un souffle très véloce à un « Should’ve Known Better », séduisant et accessible.
Et si la rythmique basse/batterie (Jack Bentley-Smith et Ben Atkinson) n’est bien sûr pas en reste, COLLATERAL doit beaucoup à son chanteur, Angelo Tristan, au timbre très personnel et à la puissance vocale remarquable. Mais le frontman n’est pas le seul garant de l’identité musical du quatuor. Son guitariste, Louis Malagodi, imprime littéralement de son jeu les compositions de ce « Should’ve Know Better » très varié et entraînant. Et enfin, le relief de ce deuxième opus prend toute sa dimension grâce à la production de Dan Weller (Enter Shikari, Kris Barras, Bury Tomorrow). Un travail d’orfèvre.
Visiblement, les nombreuses tournées des deux dernières années ont fait beaucoup de bien à COLLATERAL, dont les nouveaux morceaux sont très fédérateurs. Les Britanniques imposent leur marque sur des refrains entêtants et une redoutable efficacité dans le songwriting. On peut déjà imaginer l’impact sur scène de chansons comme « Glass Sky », « Original Criminal », Teenage Dream », « No Place For Love » et « Final Stand ». Parfois un peu convenu et attendu sur certains passages, « Should’ve Known Better » s’adresse à un vaste public sans se perdre dans le côté émotionnel du genre.
Il est exubérant, flamboyant et il respire l’âge d’or du Rock’n’Roll à pleins poumons malgré sa jeunesse. Totalement débridé, le songwriter aura attendu seulement un EP et deux albums avant de réaliser son premier live. C’est dire la témérité et l’exaltation de GYASI, homme de spectacle et musicien accompli. Avec « Rock n’Roll Sword Fight », il expose une identité musicale hors-norme et explose les codes établis.
GYASI
« Rock n’Roll Sword Fight »
(Alive Naturalsound Records)
Il y a deux ans, j’avais eu le plaisir de poser quelques questions au très électrique GYASI à l’occasion de la sortie de son deuxième album, « Pronounced Jay-See ». Dorénavant basé à Nashville, le natif de Virginie Occidentale poursuit son périple et ce n’est pas très surprenant de le voir surgir avec « Rock n’Roll Sword Fight », un live qui se trouve être le parfait reflet de l’intense énergie qu’il déploie et surtout du son qui émane de son travail en studio. Une sorte de prolongement, en somme.
C’est donc dans son élément de prédilection, la scène, que l’Américain a capté les émotions et l’intensité de son jeu. GYASI nous fait le plaisir de se livrer sur près d’une heure d’un Rock’n’Roll fougueux, où il ne prend d’ailleurs guère le temps de lever le pied. Dans une atmosphère très 70’s et porté par un public restreint mais tout acquis, le guitariste et chanteur fait le show… et il le fait même très bien ! La tempête décibélique fait son œuvre et devient même addictive.
Théâtral et incandescent, GYASI incarne littéralement le renouveau du Glam Rock perçu sur « Pronounced Jay-See », et apporte beaucoup de fraîcheur à un registre où l’on se délecte des références à Led Zeppelin, T-Rex et aux Stooges avec un soupçon de Bowie et de Slade. Il se les est accaparé et, très bien soutenu part un groupe efficace, il laisse parler un univers très personnel. A noter en fin d’album les versions survoltées du medley « All Messed Up » et le génial « Sugar Mama ». Un vent de liberté !
Délicieusement rugueux et joliment âpre, le jeu de TROY REDFERN s’aventure avec une facilité déconcertante dans les moindres recoins du Rock sur un Blues éternel et enflammé. Il y a quelque chose d’hypnotisant chez le guitariste, qui est à même de s’engouffrer dans des ambiances presque voodoo, puis retrouver un Hard Blues très roots toujours précis et instinctif. « Invocation » reflète tous les éléments qu’il détient dans sa vaste créativité.
TROY REDFERN
« Invocation »
(RED7 Records)
L’explosif et très prolifique TROY REDFERN est toujours aussi incandescent et c’est peu de le dire ! Troisième album en trois ans pour le maître de la slide anglaise et « Invocation » s’inscrit non seulement dans les pas de « The Fire Cosmic ! » et (2021) et « Wings Of Salvation » (2022), mais il confirme aussi que le spectre musical du musicien va bien au-delà des frontières du Blues Rock. Son style se précise encore un peu plus et il dévoile ici des sonorités qui nous ramènent à la scène californienne des années 90.
Beaucoup de gourmandise donc au menu de ce huitième opus qui sent la poudre. Comme à son habitude, TROY REDFERN a conçu et livré l’intégralité en six petites semaines après s’être isolé au Pays de Galles pour poser les fondations de ces nouveaux titres. Et le résultat, toujours aussi organique et direct, dévoile une performance où la diversité rivalise avec la virtuosité du Britannique. Ayant fait appel à la même équipe de production, il laisse échapper « Invocation » avec beaucoup de liberté dans l’interprétation.
Sur un rythme effréné, TROY REDFERN nous balade du Sud des Etats-Unis à L.A. en passant par son île natale avec une fougue et un grain de folie que l’on n’a plus entendu depuis quelques années… Et là encore, il faut chercher du côté du Texas. Rock, Glam, Hard Rock et bien sûr Blues rocailleux, le guitariste va où bon lui semble, guidé par une énergie sans limite et aucun territoire ne lui résiste (« Van Helsing », « Getaway », « The Native », « The Strange »). « Invocation » s’approprie le Rock’n’Roll avec une classe débridée.
Photo : Jason Bridges
Retrouvez les chroniques des deux derniers albums :
La guitariste, chanteuse, compositrice et productrice SUSAN SANTOS a livré il y a quelques semaines son nouvel et sixième album, « Sonora ». Elle nous transporte au coeur du desert à travers huit titres à l’atmosphère plutôt Blues Rock, mais pas seulement. Mâtiné de divers courants allant de sonorités hispaniques et Southern, comme Country ou même Western, l’Espagnole fait preuve d’un éclectisme bluffant et d’une maîtrise totale avec une identité marquée. L’occasion de lui poser quelques questions au sujet de ce brûlant nouvel opus…
Photo : Juan Pérez-Fajardo
– Le moins que l’on puisse dire est que « Sonora » est un album très solaire à de nombreux points de vue. Même s’il ne dénote pas de tes précédentes réalisations, est-ce que faire du désert le point central du disque est une envie que tu as eue avant même le processus de composition ?
C’est quelque chose qui s’est fait petit à petit, en fait. J’ai commencé à écrire des chansons sans intention précise, et au fur et à mesure du choix des morceaux, l’idée a émergé pour devenir finalement le fil rouge de l’album.
– D’ailleurs, tu l’as entièrement composé, paroles et musique, et tu l’as aussi coproduit avec Jose Nortes. Tout a été réalisé aux studios Black Betty à Madrid. C’était important d’être presque seule à chaque étape de « Sonora » pour en quelque sorte ‘centraliser’ les choses ?
Dès le départ, il était clair pour moi que je voulais faire les choses à ma manière, tout décider et participer à tout le processus, y compris le mixage et le mastering. L’enregistrer à Madrid était le plus pratique, puisque j’habite là. L’enregistrement s’est fait en quelques jours, mais avec les concerts, les voyages et les tournées, j’ai du attendre mon retour pour repartir en studio pour le mixage.
Photo : Juan Pérez-Fajardo
– Les morceaux de « Sonora » sont efficaces sans pour autant être épurés, loin de là. On t’entend jouer de la guitare électrique, baryton et acoustique, ainsi que du banjo et du thérémine. L’album est vraiment très riche, ainsi qu’au niveau des arrangements. Est-ce une chose sur laquelle tu t’es longuement penchée ?
Pas vraiment, la vérité est que tout s’est fait un peu à la volée. En fait, j’ai même écrit des chansons et de nombreux arrangements en studio pendant que nous enregistrions. J’avais une totale liberté de décision et c’était vraiment très amusant ! C’est vrai que tout ça a aussi fait bouger beaucoup de choses pendant les journées d’enregistrement.
– Je disais que « Sonora » était musicalement très solaire dans son ensemble, à travers le thème du désert bien sûr, mais aussi musicalement. C’est la première fois que tu réalises ce qu’on pourra apparenter à un album-concept ?
Oui, c’est la première fois que je fais quelque chose comme ça. Comme je te le disais, je n’y ai pas pensé au début, lorsque je me suis décidée à enregistrer un album. J’ai commencé l’écriture des chansons et dès que j’en ai eu deux ou trois, c’est à ce moment-là que l’idée m’est venue et s’est imposée.
Photo : Juan Pérez-Fajardo
– Evidemment, la thématique et certaines sonorités hispaniques, et parfois Southern aussi, font penser à une bande originale de western. Est-ce un peu de cette manière que tu as conçu « Sonora » ?
Absolument ! J’aime beaucoup être au croisement de tous ces sons entre Rock, Blues, Country, Southern Rock et Western. Et l’environnement du désert est parfait pour encadrer et englober toutes ces ambiances.
– Un petit mot aussi sur le clip de « Hot Rod Lady », qui a été tourné à Joshua Tree. Pourquoi spécialement là-bas, même si on en a une petite idée ? On aurait aussi pu l’imaginer dans les Bardenas Reales…
En fait, j’étais en tournée en Californie, lorsque je mixais l’album et on était très proche de Joshua Tree. Ca m’a semblé être l’endroit parfait pour le tournage du clip de la chanson.
– Depuis tes débuts, tu multiplies les styles de Blues et aucun ne te résiste. Y a-t-il cependant un registre qui a ta préférence et qui te ressemble le plus ?
Je suis très curieuse de tous les styles musicaux et beaucoup d’entre eux se marient facilement car, au final, ils ont tous la même source et les mêmes racines. J’aime toujours me renseigner en amont pour ensuite orienter les chansons vers d’autres ambiances. C’est à chaque fois un défi que j’aime beaucoup.
Photo : Juan Pérez-Fajardo
– Depuis quelques années, on voit de plus en plus de blueswomen mises enfin en lumière. Certains découvrent de grands talents, alors que la majorité d’entre-vous êtes là depuis un bon moment. Est-ce que tu penses aussi que cette reconnaissance est souvent un peu tardive ?
Oui, il nous faut se battre et progresser petit à petit. Pour le moment, je continue à faire ce que j’aime le plus, c’est-à-dire composer des chansons et les jouer en concert partout où c’est possible. Et oui, bien sûr que j’aimerais avoir bien plus de reconnaissance, évidemment.
– On l’a dit, tu navigues entre plusieurs styles, tous plus ou moins Rock d’ailleurs. Cela dit, ton propre son est très européen, malgré quelques touches américaines, notamment Southern. Est-ce qu’après toutes ces années et avec six albums à ton actif, il y a un désir en toi de t’imposer au pays du Blues, ou est-ce que les frontières ont déjà été franchies ?
J’ai beaucoup voyagé, mais pour le moment je me sens très bien ici en Espagne. J’y ai de bonnes relations avec beaucoup de monde et de bonnes collaborations également. Mais je n’exclus pas de vivre ailleurs à l’avenir. La vérité est que je joue déjà beaucoup en dehors de l’Espagne, car ici le circuit est assez restreint pour ce style de musique.
Le nouvel album de SUSAN SANTOS, « Sonora », est sorti et est disponible sur le site de l’artiste : https://www.susansantos.info/shop
Multi-instrumentiste, auteure, compositrice, productrice et bien sûr chanteuse, ALYSSA BONAGURA est une artiste complète et exigeante. Native du Tennessee, c’est assez naturellement qu’elle s’est tournée vers la Country Music, ainsi que la Pop et le Rock et ce dès son plus jeune âge. Avec une discographie devenue conséquente, elle s’apprête dans quelques jours à sortir « Love Wins », un EP de cinq titres réalisé dans des conditions assez particulières et dont l’ensemble se veut toujours aussi sensible et plein d’émotion. Cinq chansons qui restent en tête, avant la sortie d’un album complet dans les mois à venir. Entretien avec une musicienne agréable et abordable, qui voue une véritable passion pour la musique.
– Tout d’abord, j’aimerais que l’on revienne sur ton parcours. Tu es née à Franklin dans le Tennessee de parents musiciens et tu as donc baigné très jeune dans la Country et la Folk notamment. Finalement, as-tu toujours pensé que ton chemin serait déjà tracé par la musique et à travers celle-ci ? Comme une finalité ou un destin ?
Honnêtement, je ne connais rien d’autre que la musique. J’avais trois semaines dans le bus de tournée avec mes parents. Je les regardais chanter tous les soirs et je voulais être comme eux quand je serai grande. La musique était partout autour de moi. Je suis montée sur scène en courant et j’ai commencé à chanter quand j’avais 2 ans. Donc, je suppose qu’au fond de moi, j’ai toujours su que c’était mon destin.
– Tu es très vite devenue multi-instrumentiste, compositrice et aussi ingénieure du son un peu plus tard. Tu as rapidement senti la nécessité de pouvoir contrôler tout le processus de création ?
J’aime tous les instruments. Je pense que c’est parce que mes parents les laissaient traîner pour que je les récupère et que j’en joue quand j’étais enfant. Je suis enfant unique, donc une grande partie de mon temps libre a été consacrée à essayer d’apprendre à jouer de différents instruments. J’ai commencé le piano et j’ai appris à jouer à l’oreille, puis je suis passé à la guitare et j’ai appris toute seule à jouer avec de nombreux accordages différents. Je trouve beaucoup de liberté à ne pas savoir lire la musique, car cela me fait suivre mon instinct. J’ai tellement de mélodies et d’idées musicales en tête que c’est génial de pouvoir jouer de ces instruments lors de la composition d’une chanson et cela aide beaucoup pendant un enregistrement également.
Photo : Oliver Halfin
– Tu as aussi fait tes études en Angleterre pendant trois ans. Est-ce que cela a eu une influence ou des répercussions sur ta culture musicale initiale, peut-être déjà établie ?
J’ai adoré vivre en Angleterre et y étudier. Le temps que j’ai passé à Liverpool a vraiment façonné ce que je suis aujourd’hui en tant qu’artiste et comme personne. J’avais 18 ans et j’ai déménagé dans un autre pays. Avec le recul, je me rends compte que cela m’a demandé beaucoup de courage ! J’ai appris à sortir des sentiers battus musicalement pendant que j’étais là-bas et j’ai commencé à m’inspirer de tant de styles de musique différents. Être entouré de différentes cultures ma beaucoup inspiré et cela m’a vraiment aidé à grandir en tant que personne et qu’artiste aussi.
– Ensuite, en 2010, tu as signé chez Rondor Music, une division d’Universal Music, où tu as enchainé les succès comme auteure-compositrice et comme productrice aussi. Qu’est-ce qu’il y a de différent, selon toi, à travailler pour les autres ?
Je pense que ce qui est différent dans le fait de travailler avec d’autres artistes et auteurs-compositeurs, c’est que vous obtenez une nouvelle perspective sur la chanson que vous créez. Vous apprenez à les aider à raconter leur histoire en y apportant votre propre touche et c’est pourquoi la collaboration est si spéciale. Cela vous aide également à réaliser à quel point les chansons que vous écrivez vous-même sont précieuses, car elles représentent à 100% votre histoire.
Photo : Franklin Lifestyles
– D’ailleurs, presqu’au même moment, tu as sorti ton premier EP, « Before The Breaking » en 2008, puis « The English Diaries » (2021), l’album « Love Hard » en 2012, puis « Road Less Traveled » en 2016. Est-ce que ce sont les années où tu t’es le plus épanouie artistiquement ?
C’est dans ces années-là que j’ai commencé à produire ma propre musique, à la diffuser dans le monde entier et à essayer différentes sonorités. Chacun de ces disques est une capsule temporelle de ma vie à un moment donné et j’ai aussi expérimenté de nombreuses directions musicales différentes. « Before the Breaking », c’était le son des auteurs-compositeurs de Nashville et aussi mes premières chansons co-écrites. « The English Diaries » a été écrit et enregistré dans la chambre de mon appartement à Liverpool et il y a une ambiance un peu plus Indie assez britannique. « Love Hard » était le premier album que j’enregistrais avec de gros moyens et il a été inspiré par mon amour de la musique Pop/Rock, des guitares électriques et des artistes Pop féminines comme Katy Perry et Kelly Clarkson. Et enfin, l’album « Road Less Traveled » est vraiment beaucoup plus dépouillé, avec juste ma voix et ma guitare, le tout jouer et chanter en live.
– Tu as aussi sorti plusieurs singles pendant plus de dix ans et enfin le EP « Flying With Me » l’an dernier. Pourquoi revenir avec un format court, huit ans après ton dernier album ? Tu n’avais pas suffisamment de chansons, ou tu souhaitais quelque chose de plus resserré ?
« Fly With Me » est un EP très spontané et il n’était pas vraiment prévu. Je venais de tomber amoureuse et j’ai eu envie d’écrire cinq chansons en une semaine. Je venais juste de commencer à travailler avec cette incroyable société ‘Extreme Music’, qui fait beaucoup de synchronisation pour le cinéma et la télévision, et ils ont adoré le projet. Alors, nous avons décidé de le sortir sous forme d’EP et je suis très heureuse de l’avoir fait, car j’ai pu les jouer dans de nombreux spectacles l’année dernière comme à ‘Love Is Blind’, ‘Love Island’, etc… Et cela a aidé ma musique à être découverte par des gens du monde entier.
Photo : Ash Newell
– Est-ce que c’est aussi dû à notre époque, où tout le monde sort beaucoup d’EP et de singles, au détriment peut-être d’albums complets pour mieux occuper les réseaux sociaux ?
Je pense que lorsque les gens commencent à vous connaître en tant qu’artiste, aujourd’hui, il est préférable de sortir une chanson à la fois, ou un format court, pour ne pas en faire trop à la fois. Cependant, j’aime vraiment les albums complets et je travaillerai toujours dans ce sens. Je travaille actuellement sur le prochain que je viens de terminer d’enregistrer à Nashville et j’ai hâte que les gens l’entendent. C’est presque un double-album tellement il y a de chansons ! Mon son a vraiment évolué au fil des années et j’ai hâte de partager ce prochain chapitre de mon voyage musical.
– Avec « Flying With Me », tu reviens à une Country plus classique comme sur « Road Less Traveled ». Pourtant, « Love Hard » était un disque très Pop et très produit aussi. A l’époque, c’était pour être aussi en phase avec l’air du temps ?
A l’époque, j’étais obsédé par la chanson « Teenage Dream » de Katy Perry, par l’auteur-compositeur Max Martin et aussi par le premier album de Kelly Clarkson. Je voulais expérimenter ce genre de sonorités. Rondor était basée à Los Angeles, donc j’ai passé beaucoup de temps avec ce genre d’auteurs et j’ai vraiment adoré faire ce disque. Ces chansons sont optimistes et amusantes ! En fait, j’aimerais vraiment réenregistrer certaines d’entre-elles maintenant avec une nouvelle approche, car mon son a tellement évolué.
Photo : Oliver Halfin
– L’image de la Country Music souffre d’un petit côté western assez désuet pour le moment en France, et même en Europe. Tu étais chez nous récemment avant d’entamer une tournée anglaise bientôt. Que penses-tu de cette situation, qui devrait d’ailleurs vite évoluer, je pense ?
J’espère pouvoir montrer aux gens en Europe que la musique Country est bien plus qu’un style occidental. C’est avant tout une question de chansons et d’histoires avec une bonne production. Je pense que les chansons Country peuvent devenir populaires sur les radios Pop et auprès d’un public plus large. C’est ce que je rêve de faire.
– Toi qui a également travaillé avec Joe Bonamassa, Sarah Jarosz et beaucoup d’autres, que penses-tu des artistes comme Taylor Swift qui a laissé la Country pour la Pop et de Beyoncé qui fait le chemin inverse ? Est-ce que cela peut contribuer à la démocratisation du style dans le monde, ou ne va-t-elle pas perdre de son identité et de son ADN ?
Je pense que la musique est un voyage et que chaque artiste a son histoire à raconter. C’est à lui de décider de la façon dont il veut le faire. Cependant lorsqu’il s’agit de ce qu’est la Country Music, la définition concerne encore une fois son histoire et les paroles. Une chanson comme « The House That Built Me » de Miranda Lambert est l’une de mes chansons Country préférées, car le récit vous captive et c’est quelque chose à laquelle vous pouvez vous identifier immédiatement. Il y a des chansons Pop auxquelles je ne peux pas m’identifier de manière aussi profonde. Je pense que c’est ce qui rend la Country Music si spéciale.
Photo : Oliver Halfin
– Enfin, revenons à toi. Quand aurons-nous le plaisir de te retrouver avec un album complet ? Les chansons sont écrites. Où en est la production ?
J’espère sortir mon album complet d’ici la fin de l’année, ou début 2025 ! (Sourires) Mais avant de ça, je sors un autre EP de cinq chansons, qui est à nouveau en partenariat avec ‘Extreme Music’. Elles ont été écrites et enregistrées en une seule journée avec une incroyable équipe d’auteurs et de producteurs. Il s’appelle « Love Wins » et il y a beaucoup d’émotion dans chaque chanson. J’ai hâte que vous l’entendiez !
– Justement, dis-nous quelques mots au sujet de « Love Wins » qui arrive dans quelques jours. A-t-il été réalisé sur un coup de tête, car écrire et enregistrer cinq morceaux dans la même journée est un sacré challenge ?
« Love Wins » est né d’une journée organisée avec la société avec ‘Extreme Music’. C’était une journée de ‘camp’ d’écriture et d’enregistrement avec Hook Haus, un groupe incroyable d’auteurs et de producteurs de Nashville et de Los Angeles. Je n’avais jamais rencontré aucun d’entre eux jusqu’à ce matin-là à 10 heures ! Toute cette journée a été très créative et axée autour de mon travail et ma musique. Il y avait trois producteurs différents dans trois studios différents et je sautais de pièce en pièce. Je commençais et je terminais les chansons, puis nous collaborions tous ensemble. Ce fut une expérience TELLEMENT créative et merveilleuse pour moi. Normalement, c’est moi qui suis derrière la console du studio, donc c’était amusant d’avoir quelqu’un d’autre qui m’aidait à donner vie à mes idées dans ce climat très collaboratif
Photo : Oliver Halfin
– Comment t’es-tu organisée, car j’imagine que tu n’as pas pu travailler et répéter ces chansons-là avant d’entrer en studio ?
Il n’y a pas eu de répétition, car chaque chanson a été écrite sur place. Et tout le monde s’est impliqué dans chaque session pour nourrir et créer les morceaux. Avec Hook Haus, nous avons joué tous les instruments et géré toute la programmation.
– Un mot sur ta prestation vocale sur ce nouvel EP « Love Wins », qui est toujours aussi nuancée et, comme tu le soulignais, on sent beaucoup d’émotion. Tu as écrit toutes les paroles sur place ?
Oui, nous avons tout écrit ce jour-là en studio et nous avons enregistré toutes les parties vocales, ainsi que mes parties de guitare et de piano. Nous avons commencé à 10h le matin pour finir à 23h ! C’était sauvage !
– Enfin, comment tu es également productrice et multi-instrumentiste, quel regard as-tu pu poser sur cette journée un peu spéciale d’enregistrement ? Et as-tu donné la direction que tu souhaitais aux morceaux ?
Oui, j’ai apporté mes idées de production, mais Hook Haus a vraiment réussi à les élever à un autre niveau et assez différemment. C’était vraiment amusant de travailler avec différents producteurs et compositeurs aussi talentueux qu’eux. J’adore les chansons que nous avons écrites ensemble, tout comme le son de « Love Wins » que nous avons conçu ensemble.
Le nouvel EP d’ALYSSA BONAGURA, « Love Wins », sera disponible le 3 mai prochain sur toutes les plateformes et chez Extreme Music.
Robuste et élégant, GUN fait un retour où on le retrouve tel qu’il est resté ancré dans nos mémoires. Les Ecossais renouent avec l’ADN de leur Rock si brut et efficace. Sans faire réellement partie du mouvement Hard Rock et encore moins Metal, le groupe s’y frotte comme pour mieux appuyer là où ça fait du bien. Mais ce sont les refrains, les accords majestueux de guitare qui font et qui ont d’ailleurs toujours forgé son identité. « Hombres » rayonne comme au premier jour et on peut même ressentir un plaisir intact.
GUN
« Hombres »
(Cooking Vinyl)
Sept longues années après « Favorite Pleasures » et alors qu’il s’apprête à fêter ses 35 ans d’existence, où il aura presque tout connu, GUN nous revient avec un album qui devrait ravir les fans de la première heure. Depuis son renouveau en 2008, après le départ de son chanteur Toby Jepson, « Hombres » est probablement le disque le plus réussi et vivifiant de la formation écossaise. Toujours emmenée par les frères Gizzi, Jools à la guitare et Dante derrière le micro, elle semble même avoir trouvé un nouveau souffle.
Arborant toujours cette touche 90’s qui le rend si identifiable, GUN continue de déployer un style très personnel entre Hard Rock et Rock sauvage. Et ce ‘Rock Hard’ garde aussi une saveur propre à l’Ecosse, un son presqu’indescriptible, mais si perceptible. Le quintet accueille aussi dans ses rangs le guitariste Ruaraidh Macfarlane, qui fait beaucoup de bien à ces nouvelles compos, grâce à des riffs costauds et des solos hyper-Rock très bien sentis (« Boys Don’t Cry »). Le combo est de nouveau sur de bons rails et cela s’entend.
Jouant littéralement sur des mélodies addictives, GUN nous entraîne dans ce « Hombres », qui ne manque pas de jus et qui a conservé cette force qu’il entretient depuis ses débuts (« All Fired Up », le vrai-faux live « Take Me Back Home »). A l’image de ses concerts, ce nouvel opus est d’une authenticité sans faille. Il y a quelques soupçons de Glam Rock (« Fake Like »), quelques notes bluesy « « You Are What I Need »), des instants fédérateurs (« A Shift In Time ») et du Rock pur et dur (« Never Enough », « Lucky Guy »). Déjà un classique !
