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Gyasi : extravagance Glam [Interview]

Perché sur ses talons, guitare en bandoulière et tenues flamboyantes, GYASI vient livrer une vision toute personnelle du Glam Rock, en se permettant même de mettre un sérieux coup de pied dans la fourmilière. Dans un Classic Rock et un côté instinctif insaisissable, le guitariste et chanteur américain livre un nouvel album, « Pronounced Jah-See », emprunt de liberté et loin des conventions. Rencontre avec un artiste volontairement sorti des sentiers battus pour mieux exprimer sa vision d’un Rock déjanté, accrocheur et plein de feeling.

© Scott Willis Photography

– Beaucoup aux Etats-Unis te présentent comme un nouvel artiste, mais tu as déjà sorti un EP « Peacock Fantasies » en 2018 et un premier album, « Androgyne » l’année suivante. Tu ne sors donc pas de nulle part. Toi qui agrandis dans un chalet au cœur des bois de la Virginie-Occidentale, comment es-tu arrivé à la musique ?

Eh bien, comment la musique est-elle entrée en moi serait plutôt la question. Elle semble avoir été là depuis le début. J’ai dansé sur des disques dès que j’ai pu marcher (je me souviens en particulier d’avoir beaucoup dansé sur Bob Marley). Et j’ai commencé à jouer sur une batterie de fortune sur les Beatles vers l’âge de quatre ans en me prenant pour Ringo, puis j’ai eu une guitare à six ans. J’ai eu la chance que mes parents aient une collection de disques incroyable et j’écoutais tous cette grande et belle musique à laquelle la plupart des enfants de cette époque n’étaient pas exposés, avec en premier du Blues, du Jazz et du Rock’n’Roll. La musique a toujours été naturelle pour moi. Quelque chose que j’ai ressenti et appris comme une langue et plus j’apprenais, plus je voulais apprendre. Bien sûr, j’ai continué à l’étudier au Berklee College of Music, mais le feeling et la façon dont je fais de la musique sont restés intacts.

– Tu es aujourd’hui installé à Nashville, The Music City. Pourquoi le choix de cette ville ? Elle s’est imposée à toi ? Parce que, finalement, le son de Los Angeles n’est pas si éloigné de ton registre…  

Elle ne s’est pas imposée à moi, même si nos chemins se sont croisés à plusieurs reprises… J’ai choisi Nashville juste parce que c’était le bon endroit. J’y avais fait quelques sessions d’enregistrements pour un autre artiste et j’ai été vraiment impressionné par la communauté musicale, ainsi que par tous les studios et la scène qui ressemblait vraiment à un paradis pour les artistes. Je vivais à Boston et je n’avais pas les moyens d’y rester, ni de survivre à un autre hiver en Nouvelle-Angleterre. Et New York et Los Angeles me semblaient inaccessibles, car le coût de la vie y est très élevé. Nashville offrait beaucoup d’avantages, et c’était plus petit et beaucoup moins cher pour y vivre (à l’époque, car les choses ont beaucoup changé depuis). Ce n’est pas non plus trop loin de la Virginie-Occidentale, donc je peux toujours me rendre à la ferme facilement. J’ai eu aussi beaucoup de soutien à L.A. DJ Rodney Bingenheimer a été l’une des premières personnes à défendre ma musique et à la diffuser à la radio. Je veux vraiment aller y jouer quand je peux.

– Est-ce que, justement, c’est depuis que tu vis dans le Tennessee que tu as véritablement trouvé ton style et le son que tu voulais développer ? 

Non, j’avais vraiment développé mon style et le son juste avant de m’y installer. Je travaillais dessus depuis longtemps. J’ai toujours été un peu une pieuvre avec les bras tendus dans de nombreuses directions. J’ai donc eu du mal pendant un certain temps à comprendre comment transformer toutes ces différentes influences en quelque chose qui fonctionne. Je savais ce que je voulais faire, mais je ne savais pas comment. Je suis passé par beaucoup de choses en recherchant mon identité de musicien. J’avais un groupe de Rock à Boston, qui était un genre de Rock Garage très brut, et c’est là que j’ai écrit mes premières chansons et où j’ai commencé à développer mon écriture, mais ce n’était pas encore tout à fait ça.

Après Berklee, ce groupe s’est séparé. Alors je suis retournée en Virginie-Occidentale et je me suis lié avec de vieux amis pour essayer de créer un groupe et j’ai rapidement réalisé que cela n’allait pas fonctionner de manière cohérente. J’avais toutes ces idées de chansons et j’ai compris qu’attendre de trouver un groupe ne mènerait nulle part. Alors, j’ai finalement décidé de faire tout moi-même. J’ai acheté un magnétophone huit pistes et j’ai installé un home-studio en Virginie-Occidentale. J’ai demandé à un excellent musicien de session, appelé Ammed Solomon, de jouer de la batterie et j’ai enregistré la plupart des chansons de cette façon, en trouvant comment enregistrer et mixer au fur et à mesure. Ainsi libre, j’ai finalement pu combiner toutes ces idées comme je le voulais. Et ça a marché. C’était la véritable expression de moi-même, au-delà de la musique. Puis, j’ai déménagé à Nashville juste après avoir enregistré tout ça en 2017, pour monter un groupe. Ca s’est avéré beaucoup plus facile quand tu as déjà la musique et le concept en place. Et j’ai trouvé un groupe incroyable, qui a vraiment élevé l’ensemble du projet.

– Tu viens tout juste de sortir « Pronounced Jah-See », ton deuxième album. Avant de parler du contenu, j’aimerais que tu m’expliques un peu son titre. C’est un clin d’œil à l’album de Lynyrd Skynyrd (« Pronounced lĕh-‘nérd ‘skin-‘nérd »), car le côté rastafari ne se ressent pas vraiment dans cette nouvelle réalisation ?

(Rires) Non, le côté rastafari n’est pas encore sorti ! Peut-être dans le futur ! En fait, je m’inquiétais sur le fait d’utiliser le mot ‘Jah’ pour ne pas y être associé, mais cela semblait être la façon la plus précise de le prononcer. Je suppose que ‘Jossie’ fonctionne aussi. Je ne savais pas que Lynyrd Skynyrd avait sorti un album, qui s’appelle comme ça ! Patrick d’Alive Records m’a dit que ce disque servirait de carte de visite. Donc sachant que tu portes ton nom toute ta vie, j’ai pensé que je ferais mieux de régler tout de suite le problème. Sinon, cela aurait probablement été la première question de chaque interview. J’avais essayé de trouver un nom pour le projet en pensant que le mien serait trop difficile à prononcer pour les gens, mais j’ai réalisé que je ne pourrais pas le cacher de toute façon. J’aime aussi le fait que ce soit un peu ambigu. Donc, pour répondre à ta question, c’est vraiment le bon. C’est comme ça qu’on prononce mon nom.

– Tu incarnes une sorte de renouveau du Glam Rock, au sens premier du terme. Forcément, tu te présentes comme un artiste fortement marqué par les années 70, qu’a priori, tu n’as pas beaucoup connu. C’est un désir de revenir aux prémisses du Rock avec tout ce qu’il comportait d’extravagant et d’anticonformiste ?

Je suppose que c’est en partie cela, l’extravagance. Je pense que le Rock’n’Roll devrait être une expérience sans limite, qui transporte l’auditeur. Mon travail est certainement anticonformiste, car c’est quelque chose contre lequel j’ai lutté toute ma vie. L’endroit où j’ai grandi était extrêmement conventionnel. Tout le monde était dans les mêmes choses, habillé de la même manière et parlait de la même façon. J’étais totalement en dehors de tout ça et cela m’a même aliéné. C’est donc un thème central de ma musique, l’idée de ne pas se conformer. Et il y a beaucoup de ça aussi dans le Rock des années 70. Mais je voulais surtout écrire la meilleure musique possible et pouvoir m’exprimer. La plupart de mes artistes et de mes disques préférés ont été réalisés à la fin des années 60 et au début des années 70, donc naturellement, cela s’en ressent. C’est vrai que je n’ai aucune expérience directe avec les années 70, mais c’est plus l’esprit de cette musique qui m’intéresse plutôt qu’un son en particulier. La liberté, la rébellion, la flamboyance et l’inspiration sont ce qui m’attire. Et le côté visuel est un autre élément important pour moi. La narration à travers le théâtre est quelque chose que je voulais incorporer dans la présentation de ma musique, afin de transmettre les chansons plutôt que de simplement les chanter. Je pense que cela ajoute de la profondeur quand c’est bien fait. C’est quelque chose que je ne vois pas beaucoup dans le Rock’n’Roll en ce moment. Et il y a aussi les solos de guitare, beaucoup de solos de guitare !

– Justement, « Pronounced Jah-See » est assez déconcertant, car tu y joues des morceaux très dépouillés et d’autres plus orchestrés. Et tes chansons sont aussi dans l’ensemble assez courtes. On aurait pu penser à des titres plus longs pour installer justement une ambiance très 70’s, et on a l’impression que tu joues plutôt la carte de l’efficacité. C’est le cas ?

Ouais, en général, j’aime que les chansons soient concises. Beaucoup de morceaux sont développées en concert avec de nouvelles sections entières et des improvisations, mais sur disque, j’ai toujours essayé d’obtenir le meilleur dans un délai très rapide, parce que je sais à quel point la durée d’attention des gens est courte. Je pense qu’à un moment donné, je vais m’étendre davantage sur disque, mais pour l’instant, je me contente d’avoir une approche directe.

– A l’écoute de l’album, on ressent également une forte énergie live, très électrique et brute. Tu l’as enregistré en condition du direct, car il en ressort l’authenticité et le côté frontal de la scène, des concerts ?

Oui, il y a une performance live au cœur de chaque chanson. Pas de clic. Pas de copier-coller. Ce n’est pas comme ça que j’aime travailler. La majorité des morceaux a été réalisée en live avec un batteur et moi, puis en overdub. Je joue quelques titres comme « Fast Love » entièrement seul, en superposant les parties sur une seule prise de voix/guitare. Sur « Godhead », toute la piste est en direct. J’essaie toujours de capter l’énergie première d’une chanson. Habituellement, je ne les livre au groupe que juste avant l’enregistrement. Donc, c’est frais et le jeu est toujours instinctif, car il n’y a pas assez de temps pour trop cogiter.

– Outre ta voix et les textes, dont la variété peut d’ailleurs étonner, l’instrument central est la guitare. Que ce soit en version acoustique ou électrique, on retrouve cette même intensité. Il y a là aussi un côté très hybride autour d’un univers singulier et très personnel. J’imagine que tu composes tes mélodies et les textes autour de la guitare ?

Oui, la guitare est mon instrument et j’en joue depuis l’âge de six ans. C’est ma façon la plus pure de m’exprimer musicalement. Cela me semble tellement infini ! J’aime bien commencer parfois avec les claviers, ou même la basse, ce qui a donné des chansons sympas, mais je reviens toujours à la guitare comme pièce maîtresse et centrale.

– Une autre chose peut surprendre, c’est ce son très anglais, alors que tu es américain. C’est la musique qui t’a bercé, ou c’est parce que tes idoles de jeunesse sont britanniques ?

Les gens me l’ont déjà dit. Je suppose que c’est simplement parce que beaucoup de mes idoles sont britanniques, et c’est la musique qui m’a le plus influencé. Mais il y a aussi plein d’artistes américains que j’aime beaucoup comme Bob Dylan, Lou Reed, The White Stripes, Robert Johnson, The Doors, John Fahey… Je pense que c’est au niveau vocal qu’on l’entend le plus parce que mes chanteurs préférés ont tendance à être anglais. J’ai toujours été attiré par les chanteurs exceptionnels, Robert Plant étant le meilleur d’entre eux.

– Enfin, « Pronounced Jah-See » est très varié avec de l’harmonica et des cuivres aussi. Avec quelle formation te présentes-tu sur scène ? Parce que si ta musique peut sembler assez épurée, elle n’en demeure pas moins très arrangée…

J’adorerais ajouter un claviériste dans le futur, mais pour le moment, nous travaillons à faire au mieux en quatuor. Je joue aussi occasionnellement de l’harmonica, et pour l’instant les cuivres n’existent que sur les enregistrements de l’album.

L’album de GYASI, « Pronounced Jah-See », sera disponible le 27 mai chez Alive Natural Sound.

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Blues Southern Rock

Dana Fuchs : la lumière du sud

D’une voix puissante et très souvent délicate, DANA FUCHS pose un regard sans concession sur le monde à travers un Southern Blues mâtiné de Rock, de Soul et de Folk. Très bien accompagnée, c’est en songwriter accompli que la chanteuse et guitariste présente son onzième album, « Borrowed Time ».

DANA FUCHS

« Borrowed Time »

(Ruf Records)

Malheureusement trop méconnue dans nos contrées européennes, DANA FUCHS mène pourtant une brillante carrière façonnée dans un Blues très Southern, roots et Soul. Depuis « Lonely For A Lifetime » sorti en 2003, la chanteuse du New-Jersey, qui a grandi en Floride, distille son registre si particulier à travers des chansons qui ont fait d’elle une compositrice désormais reconnue et assez unique en son genre.

Sur des sonorités sudistes très rurales et authentiques, les 12 morceaux de « Borrowed Time » forment une belle et solide unité. Produit par Bobby Harlow (Samantha Fish), ce onzième album de DANA FUCHS est à la fois rugueux et lumineux, faisant la part belle aux guitares, héritage direct de ses influences puisées chez Lynyrd Skynyrd et même Led Zeppelin. Et la fusion opère avec une magie de chaque instant.

De sa voix rauque et sensible, la blueswoman sait envoûter l’auditeur entre titres très Rock (« Double Down On Wrong ») et ballades plus Soul (« Call My Name »). Très inspiré par l’actualité mondiale et la société actuelle, DANA FUCHS livre des textes forts qui, posés sur une musique intemporelle, donne une dimension artistique saisissante à « Borrowed Time ». Un Southern Blues au féminin rondement mené.  

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Americana Blues Blues Rock Soul / Funk

Nina Attal : rayonnante de feeling

Solaire, délicate et relevé, c’est ainsi que l’on peut qualifier ce quatrième album de la chanteuse et guitariste française. Constitué d’un Blues Rock enveloppé de Soul et de Rythm’n Blues, « Pieces Of Soul » s’impose de lui-même comme une réalisation parfaitement menée, inspirée et très personnelle. NINA ATTAL a su trouver les mots et y posé des accords aussi sensibles que puissants.

NINA ATTAL

« Pieces Of Soul »

(Zamora Productions)

Sorti il y a à peine un an, le quatrième album de NINA ATTAL est un peu passé sous les radars, la faute à une situation sanitaire compliquée. Et pourtant, « Pieces Of Soul » est certainement l’un des meilleurs disques de Blues Rock Soul sorti en France depuis très longtemps. En dix ans de carrière, la chanteuse et guitariste a énormément fait évoluer son jeu et son style, qui affichent aujourd’hui beaucoup plus de personnalité.

Avec Gaëlle Buswel et Laura Cox, NINA ATTAL est la plus américaine de nos blueswomen hexagonales dans ses compositions et son registre. A l’instar de ce qui se fait outre-Atlantique, la musicienne offre une synthèse parfaite de Blues Rock et de Soul avec quelques touches d’Americana et de Rythm’n Blues bien senties. En songwriter efficace, elle donne une dimension toute particulière à « Pieces Of Soul », d’ailleurs très bien produit.

Guitariste virtuose, NINA ATTAL n’en fait pourtant pas étalage et se concentre sur des mélodies imparables, misant sur le feeling plutôt que sur la démonstration (« Shape My Home », « Daughter », « Never Been Clear »). Plus intime dans l’approche, la voix de la musicienne porte littéralement ce nouvel album à travers des chansons délicates et sensibles (« Spring Flowers », « Make A Turn », « You’re No Good »). Lumineux !

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Blues Blues Rock

Dom Martin : tous les Blues

Valeur montante et véritable révélation de la scène Blues nord-irlandaise, le songwriter DOM MARTIN livre un troisième album étonnant et mené de main de maître par le guitariste et chanteur. « A Savage Life » révèle un musicien sensible et capable d’évoluer dans tous les registres du genre avec la même justesse et le même feeling, tout en traversant le temps.

DOM MARTIN

« A Savage Life »

(Independent)

Primé et distingué à de multiples reprises, le guitariste et chanteur DOM MARTIN apporte un véritable souffle nouveau et rafraîchissant sur la scène Blues européenne. Certes, il y a quelques réminiscences de Gary Moore et même de Rory Gallagher chez le Nord-Irlandais, mais avec ce deuxième album, « A Sauvage Life », il brille par son originalité et surtout un style pour le moins débridé.

Entre tradition et modernité, le songwriter balaie un large panel, tout en restant fidèle à une patte désormais identifiable. Guitariste-hors-pair, DOM MARTIN livre aussi une prestation vocale convaincante, en passant d’un registre sensible à des titres plus urbains et bruts. Tout en feeling et en émotion, les musiciens qui l’accompagnent portent un groove constant et une vérité de chaque instant.

Délicat sur « Here Comes The River » et « The Man From Nowhere » (avec craquements de vinyle en fond), l’Irlandais du nord donne également dans le Blues Rock façon Billy Gibbons sur « Gauge ». Plus sensible sur « Addict », DOM MARTIN se fait aussi plaisir en reprenant « The Parting Glass », un traditionnel écossais très souvent chanté dans toute l’Irlande. Avec « A Savage Life », le songwriter frappe fort et s‘impose.

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Melodic Rock

Godo & : libre et solaire

Intemporel, sensible et tout en émotion, « On Time » propose un voyage transatlantique, des côtes anglaises à la Californie, à travers un Rock parfois Pop ensoleillé et relevé. Derrière GODO & se cache, à peine, le compositeur, guitariste, claviériste et chanteur Claude Gaudefroy, connu comme le loup blanc dans le milieu pour ses multiples casquettes. Et ce premier album est une réussite à tous les niveaux !

GODO &

« On Time »

(Bernerie Hills production/ Inouïe Distribution)

Voilà un album qui fait du bien ! Tour à tour journaliste, consultant, patrons de magasins d’instruments ou encore choriste, il fallait bien qu’un jour ou l’autre Claude Gaudefroy livre sa propre vision et son feeling personnel du monde musical qu’il a toujours côtoyé. Et c’est donc avec « On Time » et sous le pseudo de GODO & qu’il prend son envol. Et avec la manière ! Chaque détail est minutieusement soigné grâce à de fins arrangements.

Entièrement écrit, composé et produit par ses soins et avec Michel Taitinger aux manettes, « On Time » réussit le tour de force d’apporter à des compositions très bien ciselées un son et un mix à la hauteur. Car GODO & se présente avec des titres dont la qualité de la réalisation ne souffrirait pas la médiocrité sonore, d’autant que la pléiade d’invités laisse franchement rêveur. C’est un casting très haut de gamme qui accompagne le musicien.

Sans les citer tous, Craig Blundell (Steven Wilson), Adam Holzman (Miles Davis), Stu Hamm (Joe Satriani) ou encore Simon Phillips (Toto) sont de la partie et offrent tous une couleur incroyable et un relief saisissant aux morceaux de GODO &. Entre Rock légèrement Pop où se mêlent des sonorités british un peu prog, jazzy ou bluesy dans les guitares, « On Time » embrasse le plus souvent des airs de Rock californien avec une élégance rare.

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Blues Blues Rock

Popa Chubby : une énergie intense

POPA CHUBBY a repris du poil de la bête et les nouvelles compositions de « Emotional Gangster » sont enthousiasmantes et versent dans de nombreux courants Blues que le New-Yorkais maîtrise parfaitement. Musicalement vif et abouti, ce nouvel album manque pourtant d’une production véritablement à la hauteur, qui aurait donné plus de profondeur encore.

POPA CHUBBY

« Emotional Gangster »

(Dixiefrog/Pias)

Homme de scène, figure incontournable de la planète Blues et guitariste-chanteur au charisme évident, POPA CHUBBY mène une carrière exemplaire depuis plus de 30 ans. Ayant sévèrement accusé le coup après l’élection de Trump, puis avec la pandémie durant laquelle il a sorti « Tinfoil Hat », le New-Yorkais revient cette fois avec un album très positif où il montre un tout autre visage.

L’Américain semble avoir retrouvé le plaisir de jouer et de chanter un Classic Blues intemporel joyeux dans lequel il a toujours excellé, tout en y apportant une touche très moderne, grâce notamment à des textes pertinents et dynamiques. Et sur « Emotional Gangster », POPA CHUBBY s’en donne à cœur-joie sur des morceaux, qui ne manqueront pas de faire mouche sur scène, c’est certain.  

Enjoué sur « Equal Opportunity » où il célèbre les femmes, fédérateur sur « Fly Away » et « Why You Wanna Make War ? » (dont la version française est loin d’être indispensable) ou entraînant sur « New Way Of Walking », le Bluesman rend une belle copie. Cependant en ayant enregistré et mixé lui-même son album, POPA CHUBBY n’apporte pas la fraîcheur, le relief et le son qu’il aurait mérité. Seul bémol.

Retrouvez l’interview du bluesman :

Et la chronique de « Tinfoil Hat » :

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Blues

Bad Daddy : le son de Chicago

Il y a des rencontres qui dégagent immédiatement une certaine magie et qui donnent lieu à des interactions exceptionnelles. C’est très exactement ce qu’il s’est passé entre les guitaristes Paul Waring et Pete Galanis au sein de BAD DADDY pour donner vie à « It’s A Mad Mad Bad Dad World », un album de Blues à la fois classique et envoûtant, façon vaudou.

BAD DADDY

« It’s a Mad Mad Bad Dad World »

(PieHole Records)

BAD DADDY nous arrive tout droit de Chicago et cela s’entend ! Imprégnés de la culture Blues locale et surtout de ce son si caractéristique, le guitariste Pete Galanis et son comparse, également six-cordiste et chanteur du groupe, Paul Waring se sont croisés l’an dernier autour d’un verre et ont tout simplement décidé de faire un disque ensemble.

Fondé par Waring, BAD DADDY s’affiche avec un deuxième album, « It’s A Mad Mad Bad Dad World », le premier où collaborent à part égale les deux musiciens. Et il faut bien avouer que c’est un régal, tant leur son de guitare respectif est reconnaissable et personnel. D’ailleurs, ils s’en amusent tout au long des dix titres de l’album en les faisant se répondre.

Inspiré et entraînant, le Blues classique du groupe se conjugue avec des racines roots, qui apportent beaucoup de fraicheur. Très complices, Paul Waring et Pete Galanis, accompagnés par Ari Seder (basse) et Jason Edwards (batterie), livrent neuf très bonnes compositions et une reprise de Mighty Sam McClain presque vaudou. BAD DADDY ensorcelle tout en douceur.  

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Blues Rock

Albert Castiglia : une inspiration positive

Tout en les subissant comme chacun, le guitariste et chanteur ALBERT CASTIGLIA s’est inspiré de ces deux années de pandémie pour créer et alimenter son Blues Rock. Libre et virevoltant, le songwriter américain brille de nouveau sur ce « I Got Love » résolument optimiste et construit autour d’un sens du riff imparable.

ALBERT CASTIGLIA

« I Got Love »

(Gulf Coast Records)

Le Blues a toujours été un vecteur d’authenticité et de sincérité. Deux ans après « Wild And Free », le guitariste et chanteur raconte à travers ce nouvel album sa traversée de la pandémie avec ses hauts et ses bas et sur fond de portraits, mais de manière très ardente et combative. Le Blues Rock de l’Américain est toujours vif et endiablé, et ALBERT CASTIGLIA livre un opus d’une grande fraîcheur.  

Produit par Mike Zito, « I Got Love » s’inscrit dans la veine de son prédécesseur et on retrouve avec plaisir cette électricité qui ne le quitte jamais. Toujours en quatuor, le songwriter distille un Blues Rock emprunt de liberté, grâce à un feeling et une dextérité incroyables. ALBERT CASTIGLIA donne vraiment le sentiment d’être sorti renforcé de cette sombre période.

Catalysant son énergie dans des riffs appuyés et vigoureux, le bluesman va à l’essentiel sur 11 morceaux torrides et entêtants. Très Rock dans son jeu, ALBERT CASTIGLIA est aussi chaleureux que fougueux et ce nouvel album est un véritable remède à la morosité (« Burning Bridges », « Long Haul Daddy », « Freedomland », « Take My Name »). Il se réinvente à chaque morceau tout en restant très explosif.  

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Blues Rock Southern Rock

[Going Faster] : Dan Patlansky / The Kenneth Brian Band

Parce qu’il y a beaucoup, beaucoup de disques qui sortent et qu’il serait dommage de passer à côté de certains d’entre eux : [Going Faster] se propose d’en mettre plusieurs en lumière… d’un seul coup ! C’est bref et rapide, juste le temps qu’il faut pour se pencher sur ces albums, s’en faire une idée, tout en restant toujours curieux. C’est parti !

DAN PATLANSKY – « Shelter of Bones » – Virgin Music Label/Artist Services

Dixième album pour le Sud-Africain DAN PATLANSKY, dont le talent de guitariste et de chanteur, mais aussi de compositeur, a largement dépassé les frontières de son pays depuis son premier album, « Standing At The Station », sorti en 1999. Depuis, le bluesman n’a eu de cesse de peaufiner son Blues Rock et il faut reconnaître que « Shelter Of Bones » est irrésistible. Le musicien, qui produit également son album, a mis trois ans à élaborer ces nouveaux morceaux avec, dans un coin de la tête, un style à la fois percutant et mélodique. Et l’objectif est atteint avec classe. Frais et dynamique, le Blues Rock de DAN PATLANSKY est moderne, tout en restant intemporel. En sortant des sentiers classiques du genre grâce à une touche assez musclée, il parvient à sortir brillamment du rang.

THE KENNETH BRIAN BAND – « Keys To The Kingdom » – Southern Shift Records

En l’espace de 20 ans, KENNETH BRIAN s’est taillé une solide réputation, mais a surtout élaboré un style bien à lui. Chanteur, guitariste et songwriter, l’Américain présente un Southern Rock très particulier auquel il a insufflé des touches de Blues, d’Alternative Country et d’Americana. Un cocktail explosif que le musicien mène à son sommet sur ce très bon « Keys To The Kingdom », qu’il a été enregistrer avec le producteur du Allman Brothers Band, Johnny Sandlin, au fameux studio Rancho de la Luna à Joshua Tree en Californie. Et il n’a fallu que cinq jours à KENNETH BRIAN et son groupe pour élaborer son nouvel album et le rendre littéralement magique. « Keys To The Kingdom » est un petit bijou teinté du mojo du désert de Mojave. Soul et incendiaire.  

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Blues Blues Rock

Mike Zito : always the south

Depuis un moment déjà, MIKE ZITO est devenu l’un des hommes forts de la scène Blues américaine, et pas uniquement. Soutenu par un groupe de cadors du genre, le chanteur-guitariste, également songwriter et producteur, revient avec un double-album live majestueux, « Blues For The Southside », où il rend hommage au Texas notamment.

MIKE ZITO

« Blues For the Southside »

(Gulf Coast Records)

Depuis 2018, le guitariste, chanteur, songwriter et propriétaire de Gulf Coast Records, MIKE ZIT0, multiplie les albums et les productions et compte désormais parmi les bluesmen américains incontournables. Cette fois, c’est avec un superbe double-album live, enregistré en novembre 2021 à la Old Rock House de Saint Louis, Missouri, qu’il se présente avec panache.

Principalement composés par MIKE ZITO, ces morceaux sont surtout extraits de ses albums « First Class Life », « Gone For Texas » et « Make Blues Not War ». On y retrouve aussi le « Johnny B Goode » de Chuck Berry et quelques titres immortalisés par Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan et Tampa Red. Le seul inédit étant le morceau-titre de l’album, un exercice de haute-volée.

Dorénavant basé à Nederland au Texas, le virtuose de la six-codes rend ici hommage à sa nouvelle patrie avec un entrain et une délicatesse de chaque instant (« Texas Flood », « Hell On Me », « Highway Mama », « Dying Day », …). Brillant et plein de feeling, MIKE ZITO est comme toujours superbement accompagné et l’homme de Saint Louis s’impose avec une classe naturelle.