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Yngwie Malmsteen : héro insatiable [Interview]

A peine avait-il quitté Alcatrazz que le jeune suédois se lançait en solo sans se douter, peut-être, qu’il allait provoquer une petite révolution guitaristique. De 1984 à 1988, il livre quatre albums qui changeront la manière de percevoir son instrument et créé un style dans lequel beaucoup tenteront ensuite de se faire une place : le Metal Néo-Classique. Un genre d’une grande technicité et qui requiert une inspiration nourrie d’un genre presque méprisé par la scène Heavy Metal. Plus de quatre décennies plus tard, YNGWIE MALMSTEEN est toujours animé de la même passion et paraît toujours aussi émerveillé par cette musique née de cette fusion si particulière. Si le multi-instrumentiste est aussi chanteur et producteur de ses propres disques et n’a plus rien à prouver depuis bien longtemps, il reste toujours émerveillé par les multiples possibilités qui lui sont offertes artistiquement. Après plus d’une vingtaine de réalisations studio, il surgit avec « Hell Or High Water », un peu de la même manière dont les notes et les mélodies viennent à lui : avec fulgurance. Personnage à part et musicien hors-norme, il partage ici son approche et sa vision de la créativité qu’il voit, en toute simplicité, comme un cadeau.

– Pour ce nouvel album, tu as dit avoir choisi ces dix morceaux parmi un très grand nombre de compositions. Qu’est-ce qui fait que tu en sélectionnes une plus qu’une autre ? C’est d’abord le plaisir de la jouer, ou d’autres paramètres entrent aussi en compte ?

En fait, c’est un processus de sélection très naturel. J’écris et je compose beaucoup de choses et je vais les écouter en voiture. Je sors de mon studio et je les passe dans ma Ferrari pour avoir une écoute différente. Les chansons viennent alors à moi avec une nouvelle perspective. A ce moment-là, certaines me parlent plus que d’autres. J’aime beaucoup travailler de cette manière. Je vois tout de suite ce qui doit être retravaillé, ou pas. C’est finalement très naturel, parce que je finis par obtenir la sélection dont j’ai besoin. Il faut aussi que je m’assure que l’ensemble corresponde bien à un album complet. Donc, en toute fin, je suis sûr d’avoir le meilleur ! La crème de la crème ! (Sourires)

– Depuis un peu plus de 10 ans et l’album « Spellbound », tu chantes toi-même sur tes disques. Beaucoup t’ont aussi accompagné, même si tu l’avais déjà fait à tes débuts. C’est si difficile pour toi de trouver un chanteur qui saurait se fondre dans ta musique ?

(Rires) Non, ce n’est pas vraiment ça. Bon, par où vais-je commencer ? (Sourires) J’ai commencé la guitare à l’âge de sept ans, il y a plus de cinquante ans maintenant. Avant, j’ai eu un violon et une trompette. Quand je me suis vraiment mis à la guitare, je faisais beaucoup de bruit. Alors, comme mon oncle avait construit un studio en 1950, il me mettait là-dedans. Il était trompettiste et il avait tout un set. Et mon grand-père était batteur aussi. Alors, je me suis mis à jouer de la basse, de la batterie, de la trompette bien sûr, de la guitare aussi évidement et je chantais. Et j’ai commencé à écrire des chansons comme ça.

Ensuite, ce n’est qu’en 1982 que je suis allé aux Etats-Unis, à Los Angeles. Je voulais vraiment rejoindre un groupe typiquement californien, car je voulais absolument faire de la scène, ce qui était très difficile en Suède. Ensuite, il y a eu Alcatrazz et je me suis mis à écrire mes propres morceaux à ce moment-là. Mes débuts en solo datent donc de 1984. je voulais tout simplement que les chanteurs chantent mes chansons. Seulement, nous sommes très différents et ils avaient souvent une haute opinion d’eux-mêmes et les musiciens n’étaient pour eux que ceux qui jouent derrière. Je voulais que chacun jouer sa partie et que le chanteur chante ce que je lui demandais de chanter. Et c’est là que les choses devenaient compliquées.

Alors, je suis parti en solo. Et quand je dis en solo, cela signifie que j’écris et que je joue tout. Je me suis donc dit qu’il fallait que je revienne aussi au chant. En fait, tout cela doit bien s’imbriquer et correspondre à l’idée initial du morceau. Et ce n’était pas souvent le cas. C’est le truc bizarre d’un groupe, en fait. Quand une chanson est écrite avec les arrangements compris, il ne peut pas y avoir de positions différentes. Il faut que tout le monde aille dans le même sens. Bref, aujourd’hui, je suis très content comme ça. J’aime la manière dont ça sonne et comme ça fonctionne. Je suis heureux de cette façon et je ne reviendrai pour rien au monde à la même merde qu’avant ! (Rires)

– D’ailleurs, par rapport à la guitare, prends-tu autant de plaisir derrière le micro ? Et en quoi les deux exercices se distinguent pour toi ? Lequel te demande le plus d’effort finalement ?

Tu sais, je joue d’autres instruments aussi. J’ai plusieurs casquettes. Alors, quand je suis producteur, je ne pense ni à la guitare, ni à la basse, ni aux claviers, etc… C’est la même chose quand je m’occupe du mix. Je reste dans mon rôle du moment. Alors, quand je chante, je ne me préoccupe pas de mon jeu de guitare. En fait, c’est juste un autre aspect. C’est comme un peintre qui peint sa toile. Il n’appelle pas quelqu’un pour qu’il la finisse. Ma vision créative est exactement pareille. Je fonctionne de cette façon. Je ne dénigre pas les autres artistes, mais c’est ma façon de faire. C’est comme ça que je m’exprime le mieux, c’est tout. 

– « Hell Or High Water » sort cinq ans après « Parabellum » pour lequel tu avais mis en place une certaine discipline de composition. Qu’est-ce qui a changé et que fallait-il changer, selon toi ?

Je ne dirai pas que j’ai changé certaines choses. Le truc, c’est que je tourne tout le temps. Donc pour moi, ces cinq ans ne représentent rien. Avec le recul, c’est juste ce que j’avais fait avant ! (Rires) Comme j’ai mon studio, j’y vais lorsque j’ai une idée ou que quelque chose m’inspire. Je reste focalisé là-dessus. J’ai tout ce qu’il me faut, il me permet de tout faire et quand j’en ai envie. Donc, quand je sens que j’ai suffisamment de matériel pour en faire un album, je sais que c’est le bon moment pour le réaliser. En fait, je n’ai pas attendu cinq ans. J’ai commencé à enregistrer l’an dernier… (Sourires)

– Ce nouvel album contient à nouveau un équilibre entre morceaux chantés et instrumentaux. Quand et comment décides-tu de poser des mots sur tes mélodies ? Ressens-tu à ce moment-là un manque que seules les paroles peuvent combler ?

C’est une bonne question… Cela ne se passe jamais de la même manière. La plupart du temps, j’arrive à trouver des mélodies, je m’assois avec ma guitare et je me mets à jouer et à chanter en même temps. J’ai toujours plein de mélodies qui m’arrivent et parfois, elles n’ont pas besoin de mots. Si je me sens à l’aise, je chante, mais si cela ne me convient pas, je me concentre sur mon jeu de guitare. Ce n’est pas une décision que je prends en amont. Par exemple, j’ai voulu chanter sur le morceau « Father ». Et lorsque j’ai posé les mélodies de guitare, j’ai tout de suite senti que c’était parfait comme ça, qu’il n’y avait pas besoin de mots. Mais c’est juste un exemple, il n’y a pas de règles. Chaque morceau vit à sa manière.

– Tu t’es inspiré de découvertes scientifiques pour composer « Antikythera » et « Beyond Zeta Reticuli », ce qui peut paraître assez surprenant. Comment de telles idées naissent-telles, car cela peut sembler assez froid et peu ludique comme thème a priori ?

C’est parti de quelque chose que j’ai lue sur mon ordinateur. Cela parlait d’un mécanisme très avancé, qui date de la Grèce antique, je crois. Ils pensaient avoir découvert quelque chose de très compliqué… J’ai trouvé ça intriguant et intéressant. Cela m’a inspiré un morceau, de fait, très compliqué. Mais c’est très logique finalement. J’ai donc eu cette idée et je me suis dit que cela correspondrait parfaitement à cette chose très compliquée. C’est pour ça que je l’ai fait ! (Rires)

– Tu conclues l’album avec « Father », un titre que tu as dédié à ton père récemment disparu. Est-ce quelque chose de plus difficile émotionnellement à réaliser, ou au contraire cela se passe de manière presque naturelle ?

Je dirai que cela s’est fait très naturellement. La mélodie est venue de nulle part. Le morceau n’a rien à voir avec celui que j’avais composé pour mon frère. J’ai d’ailleurs dédicacé tout l’album à mon père. Mais celui-ci lui est particulièrement destiné. Je l’ai conçu comme un hommage. C’était un homme incroyable…

– Tu fais partie, avec quelques autres, de ces guitaristes qui ont eu un impact considérable sur l’univers du Heavy Metal et la façon d’aborder l’instrument surtout. Avec le recul de quelques décennies, comment regardes-tu l’héritage laissé et ce style tellement identifiable ? Et imaginais-tu d’ailleurs son impact à tes débuts ?

Non, je ne l’ai jamais imaginé. En revanche, je me souviens que je me disais tout le temps que je ne pouvais pas faire ça, que c’était un truc de dingue ! J’ai commencé à joué du Heavy Metal néo-classique en 1970 en Suède. C’est vrai que cela n’avait jamais été fait. Ce n’était d’ailleurs ni un format, ni une niche commerciale. J’ai alors senti très fortement que c’était ce que je devais faire ! C’est une forme d’art qui est sortie de moi et que je ne pouvais pas contrôler. Je savais juste que je devais le faire. A l’époque, j’ai entendu beaucoup de choses négatives, mais aussi tellement d’avis positifs ! Mais je n’en ai pas tenu compte, sinon cela aurait affecté mon style. Il fallait qu’on le laisse respirer librement pour que cela devienne évident. Il faut que cela vienne à toi naturellement. Quand les gens disaient que c’était incroyable, c’était bien. S’ils me disaient que c’était de la merde, ce n’était pas trop mal ! (Rires) On ne doit pas laisser ça affecter que l’on fait, car cela vient du cœur et du plus profond de votre âme. Et c’est beaucoup plus important que ce que les gens peuvent penser ! (Sourires) Niccolò Paganini pensait qu’il fallait se sentir fort pour faire des choses fortes. On peut le comprendre et c’est un peu ce que je fais. Mais je ne veux pas prendre ces choses-là trop au pied de la lettre. Si on me dit que je suis incroyable, je ne vais pas le prendre au mot, bien sûr. Et c’est pareil dans le sens inverse. Je sais ce que je suis, ce que je peux faire et ce que j’ai déjà fait. De même que je sais ce que je ne peux pas faire ! Mais tu sais, je suis très détaché de tout ça, ça ne veut rien dire pour moi… (Sourires)

– En terme de style, et peut-être aussi de technique, quels guitaristes parviennent à t’impressionner sur la scène actuelle ? Y en a-t-il, selon toi, qui proposent quelque chose d’aussi original et distinctif que toi ? Ou la messe est-elle dite ?

En fait, pour ceux qui ne le savent pas, j’ai eu ma première guitare à cinq ans et j’ai commencé à jouer à sept. Je faisais du Rock’n’Roll et j’ai vite réalisé qu’il n’y avait que cinq notes et un octave. J’étais très limité par ça. Alors, j’ai commencé à écouter de la musique classique et surtout du violon avec Paganini, Tchaïkovski, Vivaldi et Bach, bien sûr, et cela m’a énormément influencé. Comme je te le disais, cela fait presque un demi-siècle que je fais ça ! (Rires) Plus rien ne m’influence aujourd’hui. Aucun groupe, aucune musique. Tout est dans mon disque dur interne en quelque sorte, et cela sort naturellement. Je n’écoute pas de musique récente et je ne regarde pas non plus les nouveaux guitaristes. Mais je suis sûr qu’il y en a de très bons ! Je ne pense pas être la bonne personne pour répondre à ça. Je ne suis pas très attentif aux guitaristes. Si je me mettais à en écouter un par inadvertance, ce serait probablement Jimi Hendrix ou Allan Holdsworth. Juste parce que c’est toujours génial, je les adore ! Mais je ne connais pas les nouveaux, donc je ne sais pas s’ils sont bons ou mauvais. Je n’ai pas de commentaires à faire là-dessus, mais je suis sûr que certains se détachent. Les gens ont développé beaucoup de choses, mais je ne les connais pas. Cela dit, je serai surpris qu’ils soient si nombreux que ça… (Sourires)

– J’aimerais que l’on dise un mot sur le Metal Néo-Classique, dont tu es le pionnier et que tu as démocratisé. As-tu le sentiment d’avoir aussi ouvert les portes de la musique classique aux fans de Metal ?

Je ne sais pas, mais il y a une chose dont je suis sûr. Quand tu lis un livre et que tu vas voir le film, ce n’est pas la même chose. Tu sais pourquoi ? Parce que ceux qui ont lu le livre ont vécu une expérience personnelle et ont développé leur imagination. Et chacun à sa façon. Je pense que ma musique a du faire quelque curieux. Je le sais, car on me l’a dit. Mais je ne me suis jamais demandé si c’était une bonne chose, ou pas. Je reste concentré sur ce que je fais. Je ne réfléchis pas de cette manière. Je pense que l’instant présent est déjà nouveau, et que demain sera aussi un nouveau jour. Ce qui est fait est fait, je ne regarde pas vraiment en arrière. Je reste concentré sur l’instant présent.

– Enfin te reste-t-il encore des objectifs à atteindre sur ton instrument ? Que ce soit techniquement ou au niveau du son, peut-être ? Ou y a-t-il un moment où l’on vit sur ses acquis ?

Oh non, jamais ! En fait, je ne recherche rien, je capture juste ce qui arrive. A chaque fois que je prends ma guitare, il se passe quelque chose de nouveau. A chaque fois ! La musique n’est pas statique, elle est en mouvement permanent. C’est un peu comme si tu écrivais un livre et que tu n’utilisais qu’un seul alphabet. Et tu fais ça, parce que c’est le seul que tu as. Tu vois ce que je veux dire ? La musique est un langage beaucoup plus large et étendu. Et on peut en faire que ce l’on veut. C’est de cette façon que j’appréhende la musique et l’ultime cadeau est lorsqu’elle vient à moi sans que je n’ai rien demandé ! Et ça arrive ! (Sourires)

Le nouvel album d’YNGWIE MALMSTEEN, « High Of Hell Water », est disponible chez Music Theories Recordings.

Photos : Hikari Yuba et Getty Images (3).

Retrouvez aussi la chronique de « Tokyo Live », sorti l’an dernier :

Yngwie Malmsteen : l’indomptable
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Stoner Doom Metal

Laser Dracul : dark ritual

Cette troisième réalisation de la formation nordique tient littéralement du rituel, tant son ambiance a quelque chose d’incantatoire. D’une grande noirceur, le contenu de « Hin Håle Blues » entretient la mystère à travers un Stoner Doom Metal à l’approche pachydermique. Pour autant, LASER DRACUL multiplie les climats et les tempos, laissant s’échapper quelques mélodies dans un environnement assez cérémonial. Très opaque, il se fond dans la pénombre.

LASER DRACUL

« Hin Håle Blues »

(Majestic Mountain Records)

Alors que Black Sabbath a définitivement tiré sa révérence et que Tony Iommi retrouve une seconde jeunesse en solo, LASER DRACUL nous replonge dans les belles heures d’un Heavy Metal fondateur sous le spectre d’un Stoner Doom envoûtant et délicieusement épais. L’atmosphère de ce nouvel opus est ténébreuse, clairement occulte aussi, et les six morceaux de « Hin Håle Blues » prennent le temps de bien vous saisir pour pénétrer dans cet univers, où la lumière a bien du mal à entrer. Et d’une voix lointaine, le combo nous appelle à le rejoindre…

Originaire d’une ville industrielle du centre du pays, le quatuor creuse son sillon depuis une décennie maintenant en poussant toujours plus loin son exploration d’un Metal sombre, teinté de psychédélisme. Avec ce troisième album, LASER DRACUL continue de peaufiner un Doom originel que l’on croirait directement échappé des années 70 et 80. Vintage à souhait,« Hin Håle Blues » a été enregistré dans le même studio que les deux autres opus et il continue son évolution avec un étonnant travail sur des atmosphères qui flirtent presque avec un Blues très obscur.

En effet, « Hin Håle Blues » signifie ‘Le Blues du Diable’ et on n’est donc pas surpris que le groupe s’inspire du folklore, des superstitions et des traditions les plus sombres de Suède. Ici, les riffs sont massifs, quasi-monolithiques, la rythmique est lourde et pesante et le chant semble provenir de menaçantes profondeurs. Sur un fuzz qui rappelle celui d’Electric Wizard, LASER DRACUL use de distorsions inquiétantes, afin d’imposer un Doom écrasant (« Bringer Of Light », « Walking The Left Hand Path », « Hornæus ») Egalement inspiré par Coven, il affiche une identité forte.

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Heavy metal Old School Thrash Metal

Mocs & Cucs : une frénésie contagieuse

Loin d’être parodique, MOCS & CUCS est au contraire farouchement frondeur. Avec une fantaisie mordante, il offre un point de vue libre et engagé sur une Chrétienté, dont il se moque ouvertement. Et quoi de mieux qu’un Heavy Thrash véloce et vivifiant pour lâcher quelques vérités sur fond de grosses guitares et avec un duo basse/batterie au groove épais et ravageur. Avec « Art Al Cristianisme », la formation de Catalogne déferle et appuie là où ça fait mal avec une fougue et une vigueur enthousiasmantes.

MOCS & CUCS

« Mort Al Cristianisme »

(Flegma Records)

Affirmer qu’il y a un petit côté hérétique chez MOCS & CUCS est un doux euphémisme. Cela dit, il faut plutôt voir chez eux une réponse ironique et satirique à la place de la religion chrétienne dans notre société. Volontairement provocateurs et acerbes, ils lâchent « Mort Al Cristianisme », dont la pochette à elle seule résume bien le propos. Le groupe a pour habitude de se faire critique et d’user d’humour noir en s’affirmant anti-religion et indépendantistes. Originaire de Lleida, il est catalan et donc, tout naturellement, c’est dans sa langue maternelle qu’il s’exprime.

A la base du combo fondé en 2011, on retrouve Jordi Castells (chant, guitare) et Guillem Tugues (basse, chant), alias Milford Mocs et Gunther Cucs, qui jouaient aussi au sein de Plowshare, qui a splitté en 2013 après trois albums. Et par coïncidence, « Mort Al Cristianisme » est également le troisième opus de MOCS & CUCS. Comme dans leur ancienne formation, c’est une sorte de crossover Heavy/Thrash qui est à l’œuvre ici. Sarcastiques, mais joués avec une grande précision, ces huit morceaux sont également très bien produits, loin de toute rigolade sonore.

Assez Old School dans l’esprit, on sent bien que le trio a grandi au son du Thrash Metal de la Bay Area et à celui du Heavy européen. Avec un très bon Joaquim Castañ, ami de longue date, derrière les fûts, MOCS & CUCS affiche une belle puissance de frappe. Preuve en est qu’avec beaucoup de légèreté, on peut faire les choses très sérieusement sans jamais tomber dans la caricature. Certains en France pourraient en prendre de la graine ! Les riffs sont tendus, les solos hargneux, la voix rageuse et « Mort Al Cristianisme » fait plus que tenir la route : il déblaye !

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Hard Rock Heavy metal Old School

Rattlesnakes : brand new wave

A croire ce premier album, la relève de l’institution Hard’n Heavy britannique semble entre de bonnes mains. En moins de deux ans, la formation de Nottingham s’est forgée une belle fan-base outre-Manche grâce à des concerts survoltés. Old School dans son inspiration, mais moderne dans son approche, RATTLESNAKES déborde d’enthousiasme et de vigueur, et « Shadows Of The Night » est une réalisation très aboutie compte tenu d’une expérience qui n’en est qu’à ses prémisses. A suivre, donc…

RATTLESNAKES

« Shadows In The Night »

(Listenable Records)

Biberonné à la NWOBHM, ces cinq jeunes Anglais ont saisi leur héritage Heavy Metal à bras le corps pour en livrer une version personnelle et contemporaine. La manière dont ils abordent le style est d’ailleurs assez surprenante, tant ils n’ont vraiment pas froid aux yeux. Assez intrépide même, RATTLESNAKES nous replonge quelques décennies en arrière et démontre avec brio qu’il a bien retenu la leçon et qu’il entend bien faire perdurer la belle tradition née sur son île. Et après un EP remarqué, le voici dans le grand bain et plutôt assez assuré.

A l’instar de ses compatriotes de Tailgunner, le quintet entend bien réoxygéner le Metal Made In UK et « Shadows In The Night » est déjà une belle première pierre posée à l’édifice. Bien sûr, ce revival suit parfaitement les codes du genre et ne bouscule en rien les fondations. Cependant, le mix entre Heavy Metal et Hard Rock fonctionne bien et les décharges d’adrénaline ne manquent pas. RATTLESNAKES maîtrise son sujet, déploie les twin-guitars, les solos héroïques, les rythmiques galopantes et les refrains accrocheurs. Mais la nouveauté vient d’ailleurs.

En effet, c’est la chanteuse Rowena Neal qui, de sa voix puissante, donne le ton à ces nouvelles compositions. Habituellement, les frontwomen sont surtout inspirées par leurs consœurs, et pourtant ici les références sont clairement masculines, comme celles de Rob Alford et Bruce Dickinson. Mais RATTLESNAKES impose sa marque sur des titres solides (« Breakdown, », « Forever », « The Other Side Of Midnight », « Spellbound », « Where The River Meets The Sea »). Bien produit, « Shadows Of The Night » laisse entrevoir un bel avenir à cette fougueuse jeunesse.

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Doom Metal Heavy metal International

Cirith Ungol : la noirceur comme prophétie [Interview]

Il y a 54 ans aujourd’hui, un groupe hors-norme voyait le jour sur la côte californienne, au nord de Los Angeles. Loin du ‘California Sound’ alors en vogue, c’est un Heavy Metal soigné, percutant et ténébreux qu’avait alors élaboré le quintet. Sous l’influence directe de l’œuvre de J.R.R. Tolkien, dont il tire son nom, il dénote de la scène locale et même plus largement du registre Metal d’alors. Pionniers et précurseurs du mouvement Doom, les Américains sont aussi opté pour ce style épique, dont il a aussi fait sa marque de fabrique. Certes, CIRITH UNGOL a fait des émules, notamment du côté de la NWOBHM, mais sans trouver encore actuellement de réel successeur. Après plus de cinq décennies d’activité, avec un break de 23 ans tout de même, cela fait plus d’une décennie que le groupe est revenu sur le devant de la scène et cette renaissance a donné d’incroyables albums. « All The Shadows » est son septième et peut-être même le plus abouti d’entre-eux. Captivant et sombre, il joue sur une intemporalité qui se fond désormais dans l’actualité. Membre fondateur, le batteur Robert Garven revient sur cette magnifique épopée et l’univers de ce combo si particulier et légendaire.

– Avant de parler de ce nouvel album, j’aimerais que l’on revienne un instant sur le « Live At Roxy » sorti l’an dernier. Quelles sensations aviez-vous ressenti 40 ans après avoir foulé ses mêmes planches pour la première fois ? L’émotion était-elle toujours présente ?

C’était incroyable ! J’y ai vu beaucoup de mes groupes préférés au fil des ans, et ça a fait ressurgir plein de bons souvenirs ! J’étais stupéfait de la qualité de l’enregistrement audio, car enregistrer un concert peut parfois être un vrai défi. Je suis très critique envers mes performances, mais je pense avoir bien joué ce soir-là, et ce concert restera gravé dans les annales ! (Sourires)

– D’ailleurs, vous aviez joué (sur le premier CD) l’intégralité de votre dernier album en date, « Dark Parade ». Peu de groupes le font encore aujourd’hui. En quoi était-ce important pour vous ? Est-ce dû justement au fait que vous faites assez peu de concerts ?

Nous ne l’avions jamais fait auparavant, et je suis ravi que nous l’ayons fait. Quand j’étais jeune, de nombreux groupes de la première heure jouaient l’intégralité de leur nouvel album en concert, comme Montrose, Judas Priest et Captain Beyond. Pouvoir reproduire cela a toujours été un rêve pour moi. Bien sûr, certains de ces groupes n’avaient sorti qu’un seul album à l’époque où je les ai vus, c’était donc facile pour eux ! (Sourires) Nous prévoyons de le refaire pour ce nouvel album, une fois à Los Angeles en février et une autre au festival ‘Up the Hammers’ à Athènes en mars prochain !

– Depuis ses débuts, CIRITH UNGOL n’a jamais caché l’influence de J.R.R. Tolkien et du « Seigneur des Anneaux » sur son univers musical. Depuis, des films et des séries ont été réalisés ces dernières années sur cette vaste œuvre. Est-ce qu’à un moment donné, vous vous êtes dits que votre musique ferait une bonne bande originale ? Et auriez-vous aimé participer, de près ou de loin, à l’une de ses aventures cinématographiques ?

Bien sûr, on y a tous pensé à l’époque, mais je crois que la musique qui correspond le mieux à ces sagas épiques était, et est, probablement le style acoustique médiéval qu’elles ont utilisé. La plupart de ces histoires ne mentionnaient pas l’électricité, alors adieu les guitares électriques ! (Rires) Bien que notre nom soit tiré du « Seigneur des Anneaux » de J.R.R. Tolkien, et que nos pochettes d’album représentent Elric de Meliniboné, le champion éternel de Michael Moorcock, la vérité est que ces œuvres littéraires et artistiques incroyables nous ont profondément influencés, mais n’ont jamais été destinées à nous définir en tant que groupe, ni à travers notre musique. C’était simplement une imagerie à laquelle nous nous sentions très attachés.

– Vous sortez « All The Shadows » trois ans après « Dark Parade », ce qui est assez rapide pour CIRITH UNGOL. D’ailleurs, depuis 2020, vos sorties sont plus régulières. Comment expliques-tu ce regain d’inspiration, car on ne peut pas dire que vous soyez très contraints par l’industrie musicale depuis vos débuts ?

A nos débuts, nous étions constamment à la recherche de financements, car nos deux premiers albums étaient autofinancés. Ensuite, d’autres problèmes, parfois indépendants de notre volonté, retardaient sans cesse leur sortie. Ironie du sort, à peine un album sorti, le suivant était déjà composé et prêt à être enregistré, mais nous étions constamment retardés par tous les facteurs évoqués précédemment. De plus, même une fois la musique composée, il faut encore l’enregistrer, la produire, la fabriquer et la distribuer, ce qui prend un temps considérable, généralement environ un an. Il faut donc en tenir compte. Depuis notre reformation, nous nous sommes davantage concentrés sur la finalisation de ces projets et nous avons eu la chance de trouver des maisons de disques prêtes à les distribuer, ce qui nous a énormément aidés.

– D’ailleurs, vous avez quitté Metal Blade Records pour No Remorse Records. Est-ce un désir de renouer justement avec un milieu plus underground, dont vous êtes un représentant de marque et qui vous correspond peut-être mieux ?

Ce n’est pas tout à fait vrai, car tout notre catalogue est toujours chez Metal Blade Records, avec qui nous entretenons d’excellentes relations. Pour la petite histoire, Chris de No Remorse Records est un grand fan de notre groupe. Il m’a contacté cinq ans avant même notre reformation pour savoir si nous comptions nous reformer un jour, ou sortir de nouveaux morceaux, et s’il pouvait faire quelque chose pour nous. Il a créé un label exceptionnel en Grèce, et No Remorse Records compte parmi ses artistes des groupes de Metal épique similaires. Nous avons donc pensé que c’était l’occasion idéale de collaborer avec lui !

– Chez CIRITH UNGOL, il est toujours question de sagas et « All The Shadows » est un nouveau chapitre dans votre discographie. Justement, qu’est-ce qui guide ces aventures ? La narration ou la musique ? Composez-vous vos chansons en fonction des textes et de leurs atmosphères ?

Je ne peux pas te dévoiler notre recette secrète, sinon tout le monde composerait des morceaux comme CIRITH UNGOL ! (Rires) Mais ces chansons ont été écrites selon cette même recette, qui a traversé les âges. Nous les forgeons comme un maître forgeron crée une épée de guerre héroïque. Il ajoute les alliages adéquats pour la rendre solide et authentique, puis martèle ces éléments de métal en fusion pour lui donner force et caractère, avant de la tremper dans le sang des impies ! Une fois la forge achevée, nos cœurs sont noircis et nos âmes brûlées ! (Sourires)

Le groupe a toujours eu une double personnalité avec des chansons sur le thème de l’épée et de la sorcellerie, comme « Frost & Fire », et une facette Doom très sombre et lugubre, à l’instar de « Death of the Sun », « Forever Black » et « Dark Parade ». Depuis la reformation du groupe, le monde semble avoir sombré dans le chaos. Notre musique est le reflet du monde qui nous entoure, alors quand vous tendez un miroir au monde, le reflet que vous voyez est notre son funeste !

– De fait, chaque album de CIRITH UNGOL est un concept en lui-même. Cette fois, il est question d’un futur dystopique qui, finalement, fait aussi écho à notre époque. Est-ce qu’en fin de compte, c’est l’intemporalité du groupe et de sa musique qui rattrapent le présent ?

Nos derniers projets étaient empreints de noirceur, et Tim (Baker, chant – NDR) a une vision bien précise de la genèse des paroles. Voici ce qu’il en dit  : « All The Shadows » est la dernière étape du voyage tortueux qui définit CIRITH UNGOL. Des récits de cœurs noircis et de rêves brisés. Des échos de folie, de corruption, de péché, de visions démentes et d’horreur indicible. L’avenir dystopique de l’humanité mis à nu… La saga continue de notre descente sans fin dans les ténèbres. « All The Shadows » est l’aboutissement de tous nos efforts, entamés avec notre renaissance il y a plus de dix ans. Toutes les chansons qu’il contient sont les ombres de ces mêmes prophéties funestes, devenues la sinistre marque de fabrique de CIRITH UNGOL ».

– Enfin, comme toujours, « All The Shadows » a été enregistré chez vous à Ventura en Californie et la pochette est signée Michael Whelan. Malgré cette fidélité artistique, qu’est-ce qui fait de ce nouvel album l’un des plus aboutis de votre carrière ? Tout n’est pas uniquement question d’expérience, si ?

Bien sûr, tout est subjectif, et chacun a son propre point de vue. Mais pour ma part, je trouve cet album absolument incroyable. Pendant sa création, la musique nous est venue naturellement, comme si c’était une évidence ! Je crois à l’amélioration continue et j’ai le sentiment que chacun de nos albums est un pas en avant par rapport au précédent. C’est vrai que « Dark Parade » était vraiment excellent, alors le surpasser était un défi de taille, et je pense que nous l’avons relevé… (Sourires)

Le nouvel album de CIRITH UNGOL, « All The Shadows », est disponible chez No Remorse Records.

Photos : Nicolas Bremm (1) et Leandro Cherutti (2).

Retrouvez aussi les chroniques du « Live At Roxy » et de « Dark Parade » :

Cirith Ungol : alive forever
Cirith Ungol : la légion du chaos
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Hard'n Heavy Heavy metal

Scarblade : une griffe tranchante

Une décennie après leur premier opus, les Suédois reviennent renforcés et plus expérimentés aussi sur la scène Heavy européenne, ainsi que sur un nouveau label. Forcément, leur jeu s’est affiné et ils se montrent également très inspirés. Avec « Guardians Of Time », SCARBLADE remet les pendules à l’heure et même s’il reste toujours ancré dans un registre Old School et underground, il est plus affûté que jamais, grâce également à une frontwoman au chant clair et puissant.

SCARBLADE

« Guardians of Time »

(Wormholedeath Records)

Ce qu’il y a d’exceptionnel avec le Heavy Metal dans ce qu’il a de plus traditionnel, c’est qu’on n’est pas prêt d’en faire le tour. Avec beaucoup de passion et de cœur à l’ouvrage, la formation de Göteborg a bâti le sien avec sincérité et énergie. Depuis une dizaine d’années et un premier album, « The Cosmic Wrath » en 2016, SCARBLADE a surtout tenté de stabiliser un line-up changeant. Récemment, il a sorti quatre morceaux en 2023 et 2024, ainsi « Guardians Of Time » marque le retour en force du combo, couronné par une signature chez Wormholedeath Records.

Toujours mené par sa chanteuse Aliki Kostopoulou, le quintet enregistre aussi le renfort du guitariste Josip Markovic en remplacement de Mathias Helgesson, qui continue cependant à travailler avec ses anciens partenaires. Et le tableau ne saurait être complet sans le claviériste Johan Karl Bernspång, le batteur Viktor Erik Gustaf et le bassiste Jorge Arturo Alfaro Randel. SCARBLADE est donc en ordre de marche et ce deuxième opus est particulièrement convaincant. Classique, mais contemporain, le style est à la fois incisif et mélodique.

Situé quelque part entre Rainbow, version Dio, et Rites To Ruin pour ce qui est plus proche de nous, les Scandinaves parviennent à créer un élan original entre riffs tranchants, claviers savamment distillés et des parties vocales solides et déterminées. Très 80’s sur « Craving Heart », « Alive » et le morceau-titre, SCARBLADE sort les crocs sur le Power/Symphonique « Judas The Serpent » et se fait plus narratif sur « Damnation » et le mid-tempo « A Sign Of Heaven ». Aguerri et créatif, le quintet confirme ses ambitions et postule à s’installer durablement.

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Doom Metal Heavy metal

Tony Iommi : inside the blackness

La disparition de son compagnon de toujours ne semble pas avoir entamé l’appétit musical de TONY IOMMI, et peut-être d’ailleurs faut-il voir dans ce « From The Dark » un dernier message d’adieu et une éternelle pensée pour le ‘Prince des Ténèbres’. Une chose est sûre, l’Anglais n’a pas dit son dernier mot et invite même une nouvelle génération de musiciens à le suivre dans les chemins tortueux, pavés de Heavy Doom, de ce nouvel opus. Très classique mais irréprochable dans l’interprétation, ces nouveaux titres, s’ils se placent au-dessus de la scène actuelle, perpétuent surtout un savoir-faire exceptionnel et une expérience, qui en a inspiré beaucoup.

TONY IOMMI

« From The Dark »

(BMG)

En reprenant l’univers visuel de son ancien groupe, TONY IOMMI n’entend pas pour autant donner une suite à l’aventure Black Sabbath, bien sûr, mais il y a des étiquettes plus difficile à décoller que d’autres. Un an et demi après cet ultime et pharaonique concert à Birmingham, ‘Back To The Beginning’, suivi du décès du légendaire Ozzy, le guitariste fait donc son retour entouré d’une jeune garde solide et qui ne semble pas impressionné par l’aura de son aîné. Assurant le chant, Jørn Lande (ex-Masterplan, ex-Ark), également à l’écriture, est accompagné par la bassiste Becky Baldwin et le batteur Karl Brazil. Et ils sont à la hauteur de l’évènement.

Ce line-up a donc fière allure et sa jeunesse n’entrave aucunement son habileté, bien au contraire, d’autant que TONY IOMMI n’a rien perdu de son jeu et encore moins de ce Heavy Metal, qui lui colle à la peau et dont il est, rappelons-le, l’un des pères. Côté production, le Britannique la cosigne avec Mike Exeter, ami de longue date et partenaire artistique également présent derrière la console. En prémisse, « World Alone » et « Stormwatcher » ont déjà été dévoilés et la mise en bouche était plutôt pas mal. En effet, les deux titres laissaient entrevoir un album inspiré et très solide dans le son. Et la suite est conforme aux attentes.

Bien entendu, TONY IOMMI ne dévie pas beaucoup de son jeu habituel et on ne saurait lui en vouloir. « From The Dark » déploie l’atmosphère Heavy Doom espérée avec des riffs massifs et impactants, des solos rutilants et toujours ce toucher inimitable (« Black Times », « Beyond The Dead »). Très convaincante, la prestation de Jørn Lande est exemplaire, d’autant qu’il n’essaie pas de revêtir un costume trop grand pour lui. Il chante avec émotion, tout en puissance et sans jouer non plus les timides (« Death Wake », « Return Of The Arbalist »). On retrouve donc tous les codes de ce Heavy Metal si familier avec une mention spéciale pour l’épique « Legacy ».

Photo : Ross Halfin

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Heavy metal Old School

RAM : headbanging machine

Implacable, la formation scandinave déferle sans ménagement pour asséner avec force un Heavy Metal, qui tire son essence des années 80 et qui tient haut la main la comparaison avec une vision plus contemporaine du style. RAM ne fait aucune concession, évite soigneusement les clichés et livre des morceaux fédérateurs, véloces et musclés. Avec « Against », le quintet signe une sorte de manifeste et d’appel à la contestation dans une époque sclérosée. Frontal et à contre-courants, le groupe est plus incisif que jamais, privilégiant l’efficacité à la démonstration. Pleine face !

RAM

« Against »

(Metal Blade Records)

Sept ans après leur dernier méfait, « The Throne Within », les Suédois repartent au combat avec « Against », dont le titre à lui seul laisse entrevoir qu’ils ne sont pas revenus pour trier les lentilles. Et, en effet, ça bastonne dans les règles. Toujours, et peut-être même plus jamais, RAM reste l’un des derniers et fidèles représentants du Heavy Metal traditionnel du grand Nord. Rugueux et féroce, c’est à grand coup de riffs tendus et agressifs qu’il repasse en mode bulldozer, façon mur du son, avec un sentiment très palpable, et même omniprésent, mêlant liberté et colère.

Sur une production brute et massive, la rébellion commence dès l’ouverture avec « Obsession », prélude qui pose le climat avant que le frontman ne lance les hostilités sur « Ghost Emperor ». La machine est en marche et paraît inarrêtable. Enregistré au Studio Recordia à Varberg et produit par leur complice de longue date Johan Reiven, ce septième album contient tous les ingrédients du son de RAM, à savoir une richesse dans les textures et un environnement organique. Le combo ne triche pas et son identité musicale commence par cette authentique déferlante de décibels.

Oscar Carlquist, qui signe aussi la pochette, n’a rien perdu de son mordant et c’est en défenseur d’un Heavy Metal originel, teinté de Speed, qu’il chante avec cette approche si instinctive qui le caractérise. Solidement entouré par le duo Harry Granroth et Martin Jonsson aux guitares, qui rivalise de grands coups de semonce et de solos assassins, le chanteur guide RAM avec intensité. L’explosif tandem basse/batterie martèle sans répit et donne ainsi à « Against » une puissance de frappe rageuse (« Abattoir », «  Night Blade », « Rising Again », « 1984 » et le morceau-titre). Jouissif ! 

Photo : Sanna Bäckström

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Doom Metal Heavy metal Old School

Crimson Coven : la magie du rituel

Atmosphérique et énigmatique, cette première réalisation de CRIMSON COVEN est la très belle sensation venue d’Espagne. Teinté de Doom, le Heavy Metal vintage développé sur « I – The Forge » s’inscrit dans la tradition européenne du genre avec des riffs massifs, des solos pleins de feeling, un chant captivant et une force naturelle assez sombre. Très narrative, l’épopée du combo est d’une sincérité sans faille, jouant sur des crescendos créatifs, des accélérations bien senties et un univers familier.

CRIMSON COVEN

« I – The Forge »

(Cruz Del Sur Music)

Avec après avoir sorti une première démo, « O – The Genesis », l’an dernier en catimini, le mystérieux groupe espagnol se présente sur la longueur avec le judicieusement intitulé « I – The Forge ». L’album donne tout l’air d’être la véritable entrée en matière de CRIMSON COVEN et elle est vraiment réussie. Désireux que leur musique soit appréciée sans le moindre préjugé, les membres du groupe ont préféré l’anonymat et ne sont baptisés que par des initiales. Et dans un sens, et surtout vu le niveau, l’idée est plutôt bonne, tant leur Metal est authentique.

Dans l’esprit, ce premier opus résonne d’une empreinte fortement Old School, mais la qualité de la production et de l’interprétation ne laisse aucun doute quant à la touche très actuelle de l’ensemble. L’idée de CRIMSON COVEN semble surtout de perpétuer l’héritage du True Metal que distillaient Mercyful Fate et Candlemass aux débuts des années 80, à savoir Heavy dans le fond et assez Doom dans la forme. La synthèse est parfaite et on se laisse porter par les ambiances ténébreuses de ce « I -The Forge », plutôt haut de gamme.

Epiques et faisant la part belle à des chœurs saisissants, qui vont faire des étincelles en concert, la formation ibérique est solidement armée. Alternant des titres mid-tempos avec des envolées plus musclées, elle peut compter sur deux guitaristes inspirés et virtuoses et un frontman dont le chant vient rappeler en quoi le Heavy Metal s’écrit en lettres majuscules. Efficace et mélodique, CRIMSON COVEN rebat les cartes avec beaucoup de classe et d’assurance (« Crimson Coven », « The Birth Of Serpents », « Crowns Of Geed », « Unleash The Kraken ») . Magistral !

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International Speed Metal

Meurtrier : le couteau entre les dents [Interview]

Alors que les groupes de Metal qui chantent dans la langue de Molière se comptent sur les doigts d’une main dans l’hexagone, le sursaut pourrait bien venir d’outre-Atlantique, et plus précisément de la Belle Province. Fondé il y a trois ans par des amis désireux de renouer avec les origines du Heavy Metal, MEURTRIER fera probablement remonter quelques souvenirs chez certains. Epique, mystique et occulte, c’est toute une époque qui renaît avec les Québécois et avec eux cet esprit underground, qui tend malheureusement à disparaître. Fraîchement sorti, leur premier album, « Messe De Fer », rappelle autant une certaine scène française que celle qui a sévit aux Etats-Unis notamment dans les années 80/90. Old School et vigoureux, le Speed Metal du quintet allie la puissance des riffs, un chant ténébreux et des rythmes galopants sur des mélodies qui restent en tête. Acier trempé et ambiances à la sauvage intensité, les Canadiens perpétuent avec authenticité et savoir-faire la tradition d’un Heavy Metal véritable et victorieux. C’est l’un des deux artilleurs, le guitariste William ‘Will’ Verrault, qui revient pour nous sur la création du combo, ses intentions et ce premier opus, qui est une belle déclaration à un Heavy/Speed décidément immortel.

– MEURTRIER est un groupe assez récent, formé en 2023. Malgré tout, vous êtes tous des musiciens chevronnés de la scène québécoise. Quel était l’objectif de départ ? Trouver quelque chose que vous n’aviez pas dans vos précédentes formations respectives ?

Oui, c’était essentiellement ça. On a tous joué dans différents groupes au fil des années, principalement dans des styles plus extrêmes comme le Death, le Thrash ou le Black Metal, mais on a toujours été de gros fans de Heavy et de Speed Metal plus classiques. MEURTRIER est donc né de l’envie d’avoir un exutoire pour tous ces riffs plus mélodiques et accrocheurs qu’on retrouve dans des chansons de groupes comme Accept ou Judas Priest, qui ne trouvaient pas nécessairement leur place dans nos autres groupes. Donc, au départ, l’idée était surtout de se retrouver entre amis et de jouer un genre de Metal qu’on aimait tous depuis longtemps, avec une approche plus classique, plus mélodique et moins extrême.

– La première chose qui surprend, bien sûr, c’est le chant en français et des références assez évidentes à ADX et Sortilège notamment. En dehors de la langue, qu’est-ce qui vous rapproche autant du Metal français, alors que le Canada subit tout de même une forte influence américaine, y compris au Québec ?

Les groupes français des années 80 ont effectivement eu une grosse influence sur nous, et pas seulement à cause de la langue. ADX, Sortilège, Blasphème, H-Bomb pour ne nommer que ceux là, font partie de nos références depuis longtemps. Il y a notamment quelque chose dans leur façon de composer, dans le côté épique et mélodique, mais aussi dans le style vocal et la manière de créer une atmosphère qui nous parle énormément, en tant que francophones, mais aussi en tant qu’amateurs de Metal, tout simplement!

En même temps, on vient aussi d’un environnement très influencé par le Metal nord-américain. Des groupes comme Exciter, Razor, Agent Steel ou Savage Grace font également partie de nos influences majeures. Je pense que MEURTRIER est justement né de ce mélange d’influences : l’agression et la vitesse du Speed Metal nord-américain combinées au côté plus épique, mélodique et théâtral du Heavy Metal européen. On ne cherche pas à reproduire un seul de ces styles, mais plutôt à mélanger tout ça pour obtenir une musique qui nous donne envie de jouer et de l’écouter encore et encore.

– Pour terminer sur ce sujet, choisir le français et afficher un style très européen va vous fermer forcément quelques portes aux Etats-Unis, entre autres, dont vous êtes proches géographiquement. C’est un peu étonnant dans la mesure où d’autres cherchent justement à se développer chez votre voisin. Est-ce un choix qui s’est fait naturellement et facilement ?

Oui, le choix s’est fait assez naturellement. Le français est notre langue maternelle et c’est simplement beaucoup plus facile pour nous d’écrire des textes porteurs de sens dans la langue qu’on utilise tous les jours. On trouve aussi que ça permet à Tony (Verrault, chant – NDR) de transmettre les émotions et l’atmosphère des textes de façon plus sincère lorsqu’on joue en concert. Cependant, on ne pense pas vraiment que ça limite notre capacité à rejoindre un public international. Dans le Metal underground, la musique, les riffs, les mélodies et l’atmosphère comptent énormément, même lorsque les paroles ne sont pas comprises par tout le monde. En tout cas, c’est de cette façon que nous, en tant que québécois et j’imagine aussi pour bon nombre de fans de Metal européens, avons développé une passion pour cette musique même si elle est chantée dans des langues qu’on ne comprend pas forcément. En plus, aujourd’hui, avec Internet et les traducteurs en ligne, c’est très facile de comprendre le sens général d’un texte, si on le souhaite. Alors, le fait qu’on ne soit pas compris par tout le monde ne nous inquiète pas trop à vrai dire. Et puis, chanter en français fait partie de l’identité-même de MEURTRIER. C’est aussi une façon de mettre de l’avant notre identité québécoise et de rendre hommage aux groupes français des années 80, qui ont eux-mêmes choisi de chanter dans leur langue, malgré la domination de l’anglais dans le Metal.

– Revenons à votre musique avec tout d’abord « Le Visage Du Mal », un EP que vous avez sorti en 2024. L’idée était-elle justement de prendre la température et de mesurer l’accueil du groupe avec ce premier format court ?

Je pense qu’en quelque sorte, oui, on peut dire ça. A l’époque, nous voulions surtout sortir quelque chose rapidement, afin de pouvoir faire des concerts et avoir du matériel à présenter aux labels. Nous avions enregistré l’EP nous-mêmes, en courtes sessions, avec assez peu de temps consacré aux arrangements et aux performances. Avec le recul, je pense qu’on aurait pu mettre davantage de temps et d’efforts dans cet enregistrement. Même si les chansons sont représentatives de ce qu’on voulait faire, certaines performances auraient pu être meilleures, et plus de temps aurait pu être consacré aux arrangements. En même temps, ce côté brut, et un peu ‘démo’, lui donne une certaine énergie Old School qu’on aime bien et ça fait le charme de cet EP, selon nous. En fin de compte, les réactions aux premiers concerts et à cet EP ont été super positives et ça nous a encouragés à continuer, à contacter des labels et finalement à travailler sur l’album.

– MEURTRIER affiche un mélange de Speed et de Heavy Metal Old School, et d’ailleurs, on retrouve ce même état d’esprit dans la production de « Messe De Fer », qui sonne assez live et organique. Etait-ce important pour vous d’afficher cette même sincérité jusque dans le son et conserver aussi sa saveur originelle ?

Tout à fait. Ça a toujours été notre souhait d’afficher un certain côté brut et Old School, qui fait partie de l’identité de MEURTRIER. On est évidemment beaucoup plus satisfaits des arrangements et des performances sur « Messe De Fer » que sur l’EP. Mais on ne voulait surtout pas perdre de vue cette sensation agressive et un peu sale qu’on retrouve sur beaucoup de classiques du Heavy et du Speed metal. Pour l’album, on a consacré beaucoup plus de temps aux répétitions, aux arrangements et aux performances que sur le premier EP. La batterie a été enregistrée professionnellement en studio, mais le reste a été fait par nous-mêmes avec de vrais amplis et de vrais cabines, dans un véritable esprit DIY et Old School. Pour le mixage, on voulait également conserver quelque chose de naturel et éviter une production trop propre ou trop moderne. Et je pense que le résultat final est assez proche de ce qu’on s’imaginait au départ. Un point qui était particulièrement important pour nous était de ne pas retoucher excessivement la performance vocale. On voulait que le chant reste humain et spontané, plutôt que de chercher à tout corriger, comme c’est souvent le cas dans les productions modernes. Ça a demandé plus de travail, mais je pense que ça a valu la peine au bout du compte.

– Ce qui ressort aussi de l’écoute de « Messe De Fer », outre sa galopante rythmique et le gros travail effectué sur les guitares, ce sont les textes emprunts d’occulte et de mysticisme. On retrouve ici les fondamentaux du Heavy Metal traditionnel. Remonter aux origines et surtout conserver cet aspect underground comptait-il aussi beaucoup pour vous dès le départ ?

Oui, définitivement. Le côté underground fait partie de ce qui nous attire dans le Heavy Metal depuis toujours. On a grandi avec les groupes classiques du genre et on apprécie énormément cette époque, où la musique était encore très liée à une véritable scène underground. L’aspect occulte et mystique vient également de nos influences diverses. Des groupes comme Mercyful Fate, King Diamond, Slayer ou KAT ont beaucoup influencé notre approche, autant musicalement que visuellement et au niveau des textes. Il n’y a pas vraiment d’univers, ou d’histoire unique reliant toutes les chansons, mais les thèmes occultes, épiques ou fantaisistes reviennent constamment. C’est aussi une partie importante de notre identité visuelle et de notre façon d’aborder les concerts. Les croix, les épées, la fumée et tout cet imaginaire font simplement partie de ce qu’on aime dans le Heavy Metal et on tente de l’incarner autant que possible !

– J’aimerais qu’on dise un mot au sujet du morceau « Meurtrier » qui clôt l’album. Ce n’est jamais anodin de composer un titre éponyme. Le voyez-vous dans une certaine mesure comme la signature du groupe ?

Oui et non ! Disons que lorsqu’on a composé la chanson, on ne s’est pas nécessairement dit : ‘Celle-là, ce sera la chanson éponyme !’ Cela étant dit, après avoir enregistré l’album et au moment de choisir un premier single, on s’est bien rendu compte que ce morceau représentait assez bien tout ce qu’on cherche à faire avec MEURTRIER : des passages rapides, des refrains accrocheurs, beaucoup d’atmosphère sombre et un côté très Heavy Metal classique. La fin du morceau rappelle également nos concerts, où on termine souvent avec des solos chaotiques et des cris d’agonie. On trouvait donc que c’était un bon morceau pour donner une idée de ce que nous sommes comme groupe, et de ce que les gens peuvent attendre du reste de l’album et de MEURTRIER en général. Donc en somme, le morceau n’est pas nécessairement un manifeste expliquant toute notre philosophie, mais il rassemble effectivement beaucoup des éléments, qui définissent notre son et notre identité et donc naturellement, le titre de ‘morceau-signature’ lui va très bien !

– Enfin, en vous exprimant en français, j’imagine que vous visez au-delà du Québec. Est-ce que le public français est aussi dans votre ligne de mire avec notamment des concerts à venir ?

C’est un truc qu’on veut faire absolument, probablement dès l’an prochain ! Evidemment, il est encore tôt, l’album est à peine sorti, mais on travaille déjà sur le dossier et on a quelques contacts en France. Donc, je dirais que les chances sont bonnes pour qu’on vienne vous présenter notre « Messer De Fer » très bientôt !

L’album de MEURTRIER, « Messe De Fer », est disponible chez Jawbreaker Records.

Photos : Phil Thanoize