Catégories
Blues International

The Cinelli Brothers : l’ambiance du Blues [Interview]

Si les nationalités se côtoient aussi naturellement chez les CINELLI BROTHERS, c’est probablement dû à un amour commun pour le Blues, bien sûr, mais cela va bien au-delà. Avec l’indépendance chevillée au corps, le quatuor italo-anglo-français livre déjà son quatrième album, « Almost Exactly », dont le titre parle de lui-même avec cet état d’esprit si particulier. S’ils échangent leurs instruments à l’envie, c’est avec une authenticité palpable que le groupe a imposé sa patte au fil des disques. Entretien avec Marco Cinelli (chant, guitare, claviers), principal compositeur et producteur, et à l’humour so british…

Photo : Anna Polewiak

– Tout d’abord, j’aimerais vous demander si la nationalité du groupe importe encore pour vous lorsque celui-ci se compose de deux Italiens, d’un Anglais et d’un Français ? Sachant en plus que vous êtes basés à Londres…

A ce stade, nous pouvons tous nous fondre dans la nationalité écossaise. Personne n’est écossais, mais l’Ecosse est un concept dans lequel chacun a des points communs les uns avec les autres.

– Est-ce que, finalement, ce n’est pas ce mélange de cultures qui fait que vous vous soyez retrouvés tous les quatre autour de la musique américaine si naturellement ?

Tu l’as dit. J’ai toujours pensé que le mélange de personnalités différentes, liées également à la différence de nos origines, rendait la soupe plus originale en goût. Comme le Blues.

– Vous venez de sortir « Almost Exactly », votre quatrième album, et vous êtes partis l’enregistrer aux Etats-Unis, à Woodstock, avec le grand Rich Pagano qui le co-produit également. Qu’est-ce qui vous a poussé à traverser l’Atlantique ? C’était une façon de vous rapprocher de vos racines musicales ?

C’était et c’est le rêve de nombreux jeunes groupes européens comme nous. Aller en Amérique – aller à Woodstock ! – dans un grand studio d’enregistrement, pour produire et  sortir un album qui sent bon les étoiles et les sillons. Waouh ! C’était presque comme si même la réalité des faits ne pouvait saper la beauté de ce rêve innocent. Le fait est qu’en Amérique, il existe toujours un vif intérêt pour la production discographique. Je dirais en fait qu’en Europe, il existe un vif intérêt pour ce qui se passe en Amérique.

Photo : Anna Polewiak

– Malgré de multiples récompenses et de nombreuses tournées, vous n’êtes pas signés sur un label après quatre albums. Pourtant, j’imagine que les sollicitations ne doivent pas manquer. Vous souhaitez simplement garder votre indépendance et une certaine liberté, ou vous n’avez pas eu d’offres suffisamment intéressantes ?

Je dois malheureusement admettre que nous n’avons pas eu l’offre qui nous ferait arrêter de faire ce que nous faisons sans l’aide de qui que ce soit. Nous avons eu des histoires, nous avons fait des choix et le résultat est le groupe aujourd’hui. Nous ne regrettons rien et nous ne changerions rien au passé, non plus. Un jour, viendra l’offre que nous ne pouvons refuser. Nous nous préparons à ne pas l’accepter.

– Revenons à « Almost Exactly », vous avez co-écrit les chansons pour la première fois, et surtout on y décèle un côté plus Pop et peut-être plus roots aussi. Vous aviez des envies de changement, ou c’est une évolution assez naturelle de votre musique ?

Nous ne pensons jamais en termes de changement de musique. Quand nous composons, nous faisons simplement notre truc. Je dirais donc certainement que nous évoluons naturellement vers autre chose. Si c’est plus Pop, ou plus ‘vert’ plutôt que ‘bleu’, c’est à vous de décider. Je suis heureux quand les gens s’intéressent à notre musique et soulèvent toutes ces questions sur le changement de style, etc… Pour nous, cela n’a pas changé du tout depuis le début. PEUT-ÊTRE, juste un tout petit peu, OK !

Photo : Anna Polewiak

– Cela dit, cette authenticité très Blues est toujours autant alimentée de Soul et de R&B dans des couleurs fidèles aux 60’s et 70’s. Ca, c’est une chose qui ne changera jamais chez THE CINELLI BROTHERS ?

Ne jamais dire jamais. Quand les gens commenceront à exiger une musique type pour les CINELLI’S, j’essaierai sérieusement de comprendre pourquoi dans un premier temps, puis j’envisagerai la possibilité de changer le son dans ce sens. Nous avons un bluesman dans le groupe (Tom Julian Jones), un Rock Soul (Stephen Giry) et un jazzman (mon frère Alessandro). Les éléments peuvent être mélangés pour toujours et auront un son vintage pour certains et nouveau pour d’autres. L’harmonica est l’instrument du Blues, donc tant qu’il y en aura dans notre musique, le ‘facteur’ Blues sera toujours là, je pense. Moi, je ne suis qu’un clown, là au milieu…

– Par ailleurs, « Almost Exactly » contient des sonorités Southern et même Country Blues et Gospel. Est-ce à dire que vous considérez le Blues au sens large du terme comme un vaste terrain de jeu aux possibilités infinies ?

Le Blues n’est pas un genre, c’est une ambiance. C’est un style de vie, apparent ou réel. Une chose peut cependant paraître ‘bluesy’, si vous chantez la gamme pentatonique avec plus ou moins d’émotion. Je suppose que nous avons l’air bluesy, car il y a beaucoup de gammes pentatoniques dans ce que nous faisons. Nous nous inspirons de ces rythmes qui étaient populaires il y a un demi-siècle. Si une chose est plus Country, ou Gospel, cela dépend du contenu des paroles ou des sons. La délivrance est toujours la même. Mais le Blues porte l’ambiance, c’est sûr.

Photo : Anna Polewiak

– Prochainement, vous allez venir en France pour une belle série de concerts. En dehors de votre guitariste Stephen, est-ce que vous entretenez une relation particulière avec notre pays, qui est aussi une belle terre d’accueil pour le Blues ?

Bien sûr que nous le faisons. Il n’y a rien de plus gratifiant que d’entretenir une relation avec chaque pays dans lequel nous nous produisons. La France est un beau pays plein de gens enthousiastes. La nourriture et la vigne sont excellentes et les musiciens sont parmi les meilleurs. Elle nous a toujours très bien traités, nous ne pouvons que lui rendre la pareille en vous traitant également bien.

– Pour conclure, il n’y a pas que votre musique qui soit très soignée, votre look vintage l’est tout autant. Cela fait partie intégrale de l’univers de THE CINELLI BROTHERS, ou plus simplement de votre quotidien ?

Nous jouons un rôle dans le groupe. Nous sommes des artistes et il n’y a rien de mal à le dire. Quand le style que vous mettez sur scène vous va parfois bien dans la vraie vie, c’est là qu’on se fait ‘cinellier’. Personnellement, j’ai tendance à m’habiller très mal, trop coloré, hors-concours, criard et tout le reste. Tu imagines donc bien que le défi d’apporter un tel style dans le groupe et de convaincre les trois autres n’était pas si grand !

Le nouvel album de THE CINELLI BROTHERS, « Almost Exactly » (Inouie Distribution), est disponible sur le site du groupe avec toutes infos et notamment leurs concerts à venir :

http://www.cinellibrothers.com/

Catégories
Heavy metal

Blaze Bayley : le Heavy dans les veines

La persévérance est le moteur de BLAZE BAYLEY et sa carrière, comme toute sa discographie, parlent pour lui. Inlassable homme de scène et encensé par ses nombreux fans, il cumule plus d’une quinzaine de réalisations, dont un grand nombre de live justement. Son parcours depuis son départ de la Vierge de Fer force le respect et « Circle Of Stone » vient confirmer la ténacité du chanteur de Birmingham. Certes classique dans la forme, son Heavy Metal reste efficace et bien réalisé.

BLAZE BAYLEY

« Circle Of Stone »

(Blaze Bayley Recordings/Independant)

Depuis quelques temps maintenant, BLAZE BAYLEY fait face à de nombreux problèmes de santé, et non des moindres. Après une crise cardiaque et un quadruple pontage coronarien, il a reçu de multiples traitements, suivi d’une longue convalescence. Mais le voici de retour, comme sauvé par son indéfectible amour et sa dévotion pour le Heavy Metal, une musique qui semble littéralement le porter. Et cette chronique ne serait pas digne de ce nom, si je ne rappellerai pas qu’il fut bien sûr le frontman d’Iron Maiden de 1994 à 1999, le temps de deux albums non-essentiels d’ailleurs (« The X Factor », et « Virtual XI »).

Voilà donc pour l’argumentaire marketing à l’œuvre depuis plus de 20 ans, mais parlons de « Circle Of Stone », le douzième album studio du Britannique. Toujours accompagné de Karl Schramm (basse), Martin McNee (batterie) et de la fratrie guitaristique d’Absolva composée de Luke et Christopher Appleton (ce dernier assurant aussi le mix et la production), BLAZE BAYLEY se montre fidèle à lui-même, c’est-à-dire solide et décidemment infatigable. Sans dévier du Heavy Metal qui a fait sa réputation, il fait toujours le job et il le fait bien, grâce aussi à une équipe performante.

Bien équilibré, ce nouvel opus nous replonge au cœur de la NWOBHM, mais non sans une certaine fraîcheur et surtout un savoir-faire indéniable. Se reposant sur des musiciens d’expérience, l’Anglais est direct, mélodique et ne ménage pas ses efforts. Un peu à l’ancienne, BLAZE BAYLEY a scindé « Circle Of Stone » en deux faces. Le début est musclé et indépendant du reste (« Mind Reader », « Rage », « Ghost In The Bottle ») et la suite présente une sorte de connexion entre les morceaux avec quelques pépites (« Circle Of Stone » avec Niklas Stålvind, « The Call Of The Ancestors »). Robuste !

Catégories
Blues Rock France Southern Blues Southern Rock

LeanWolf : du Blues dans la bergerie [Interview]

Pour son deuxième EP, LEANWOLF a insufflé une touche Southern à son Blues Rock, quoi de plus normal finalement lorsque l’on vit en Languedoc-Roussillon. « Limbo » sent bon le sud, certes, mais plutôt celui des Etats-Unis. Quentin Aubignac, à l’état civil, a marié des saveurs sudistes à un jeu très groovy et percutant, mais également au parfum Soul. Avec une formule en quatuor, le songwriter, guitariste et chanteur s’exprime avec talent et beaucoup de liberté sur ce nouveau six-titres accrocheur. Entretien avec un musicien inspiré.

Photo : Arbre E. Saldana

– Tu avais sorti un EP en 2021 et tu récidives aujourd’hui avec « Limbo ». Le format court te convient mieux, ou ce sont les plus simplement les circonstances qui se sont présentées comme ça et t’y ont mené ?

J’ai préféré sortir un deuxième EP, car je ne me sentais pas prêt pour un album. Je suis perpétuellement en train de me chercher dans la composition, ça me sert de croquis en quelque sorte, même si cette fois, on est arrivé à quelque chose de beaucoup plus abouti. Il y a bien sûr aussi l’aspect financier qui entre en jeu, c’est beaucoup plus pratique de sortir un EP sur plein d’aspects.

– Pour conclure sur ce chapitre, le cap du premier album est toujours important pour un artiste. J’imagine que cela doit aussi te titiller, à moins que la scène soit véritablement ta priorité et non la production de disque ?

Oui complètement, c’est une forme d’aboutissement dans la recherche de son identité, je pense. Et aujourd’hui personnellement, je me sens prêt à sortir un album. D’ailleurs, j’ai commencé à y travailler. Bien sûr, il faudra trouver les fonds ! Mais pour l’instant, je dirais que la scène est ma priorité en effet. C’est devenu un peu le nerf de la guerre et il nous faut d’abord défendre ce nouvel EP avant de passer à autre chose.

– Avant de préparer cette interview, je me suis bien sûr replonger dans ton premier EP éponyme. Ce qui m’a tout de suite surpris, ce sont ces sonorités Blues assez ‘classiques’, tandis que « Limbo » sonne clairement plus Southern. Tu te cherchais encore à l’époque, ou c’était une volonté claire de creuser dans un registre au spectre peut-être plus large et moins caractérisé ?

Tu as complètement raison, c’est un peu des deux. Lorsque j’ai écrit mon premier EP, j’étais clairement à fond dans la musique Blues ‘classique’. Je cherchais vraiment à rentrer dans cette ‘niche’, car je pensais ne pouvoir faire que ça comme style. Donc bien sûr, je me cherchais, il s’agissait de mes premières compos, de mes premiers textes… Mais avec « Limbo », j’ai voulu sortir de ce carcan. J’ai été énormément inspiré par Marcus King, qui est très Blues dans son jeu de guitare et dans la voix, alors que ses morceaux pas du tout. D’autre part, ça m’est venu naturellement. Ce nouvel EP représente qui je suis aujourd’hui, et, au final, le voyage musical est une perpétuelle recherche de soi à mon sens.

Photo : Arbre E. Saldana

– LEANWOLF est un groupe assez jeune finalement, et pourtant vous affichez tous les quatre une assurance de vieux briscards et aussi et surtout une culture musicale conséquente, vu le registre. A quel âge êtes-vous tous tombés dans le Blues et le Southern Rock qu’on entend plus cette fois ?

Pour ma part, je suis tombé assez jeune dans le Blues. Dès mes premiers cours, mon prof m’a initié à Gary Moore, qui a été mon modèle pendant longtemps. Puis, de fil en aiguille, j’ai découvert Stevie Ray Vaughan, Jeff Beck et BB King. Ce n’est que plus tard que je suis tombé amoureux du Southern Rock, c’est même tout frais à vrai dire !

– Les six titres de « Limbo » sont remarquablement bien produits et bénéficient d’un volume important et d’un équilibre parfait. Il en émane aussi une énergie très live sur un son tout aussi organique. Dans quelles conditions a-t-il été enregistré, et est-ce le disque vous aviez en tête dès le début ?

Merci pour David Darmon (Mirador Sound Studio) qui a mixé notre EP et Joe Carra (Crystal Mastering) qui l’a masterisé. Pour commencer je dirais que oui : c’est le disque que nous avions en tête depuis le début. On voulait, à l’inverse du premier, un côté plus organique et live dans le son, et pour ça il n’y a pas 36 solutions : on devait l’enregistrer en live. Alors bien sûr, la voix a été enregistrée après coup, mais le reste était vraiment en live. Il y a donc des petites imperfections, qui rendent aussi le tout vivant.

– Faire du Southern Blues Rock est suffisamment rare en France pour être souligné. Si les influences sont assez évidentes et on pense à Lynyrd Skynyrd, Allman Brothers Band et Gov’t Mule. Cela dit, je vous trouve aussi beaucoup de points communs avec la nouvelle génération et des groupes comme Blackberry Smoke, Robert Jon & The Wreck et Whisky Myers. Est-ce que tu as aussi le sentiment d’appartenir à cette lignée d’artistes ?

Oui complètement, en tout cas pour ce nouvel EP, on est vraiment dans cette lignée et je suis très fier de défendre cette musique trop peu présente à mon goût en France. Maintenant, je ne sais pas si la suite sera toujours dans cette lignée, car on ne sait pas de quoi demain sera fait et quelles seront mes inspirations. En tout cas, on n’en sera jamais très loin !

Photo : Arbre E. Saldana

– Il y a autre chose qui est assez surprenant. Les sonorités Southern sont très marquées et elles se mêlent habillement au British Blues Rock et notamment à celui de Gary Moore. Ca peut paraître étonnant d’avoir ainsi un pied dans les deux continents, et c’est également ce qui forge en partie ton identité musicale. C’est quelque chose d’inconscient ou au contraire de très travaillé ?

Je pense que c’est inconscient, mais maintenant que tu le dis, oui ça fait sens, merci ! En tout cas, c’est vrai que Gary Moore a eu beaucoup d’influence sur moi.

– Outre des parties de guitares exceptionnelles, « Limbo » fait aussi la part belle à l’orgue bien sûr, mais aussi à ta prestation vocale. Est-ce que tu les as travaillé avec la même implication, ou as-tu une préférence claire pour l’une ou l’autre ?

Et bien, j’ai toujours plus travaillé ma guitare que ma voix, sachant que je suis complètement autodidacte au chant. Mais j’avoue qu’après avoir sorti « Limbo », j’ai senti qu’il fallait que j’améliore ma technique vocale. Donc, je la travaille beaucoup plus depuis, j’essaie de rattraper le coup pour être à 50/50, aussi bon avec les deux ! (Rires)

– Même si « Limbo » est assez Heavy dans l’ensemble, il y a aussi beaucoup d’aspects Soul. C’est important pour toi de placer les moments d’émotion au même niveau que les aspects plus musclés de ton Blues Rock ?

Oui, j’adore jongler entre deux extrêmes. C’est important pour moi d’exprimer ces deux types d’émotions qui sont, en gros, la colère et la mélancolie. C’est bien sûr plus compliqué que ça, c’est histoire de donner un exemple. Il y a un côté cathartique : les jouer en live et les enregistrer me permet de me sentir mieux, c’est une part de moi.

– Enfin, on t’imagine aisément écumer les scènes américaines. Est-ce quelque chose que tu as dans un coin de la tête, ou la France reste d’abord ta priorité ?

Alors oui, le rêve Américain sera toujours présent. J’y travaille tous les jours pour y arriver et peut-être qu’un jour… qui sait ! En tout cas, oui clairement, on va essayer de ‘conquérir’ la France pour l’instant ! (Rires)

Le nouvel EP de LEANWOLF, « Limbo », est disponible sur toutes les plateformes.

Catégories
Blues Rock Heavy Blues International

Thomas Frank Hopper : génération crossover [Interview]

THOMAS FRANK HOPPER fait partie de cette génération d’artistes qui s’est nourrie d’un vaste spectre musical, et qui a su en garder le meilleur. Résolument Rock dans ce qu’il a de plus ‘Classic’, à savoir les bases posées dans les 70’s et qu’il a fortement modernisé, le Belge évolue pourtant dans un Blues nerveux et actuel. Avec « Paradize City », son dernier album en date, le guitariste et chanteur revitalise un genre, qui fait d’ailleurs son retour sur le devant de la scène. Entretien avec un passionné de musique, bien sûr, et aussi d’instruments et à l’univers très personnel.     

Photo : Nathalie Paesmans

– Avant de parler de « Paradize City », j’aimerais que l’on revienne sur ton parcours, qui n’est pas vraiment linéaire. Avant de te lancer en solo, tu as joué notamment dans Cheeky Jack que tu avais fondé et dans un registre plus Pop. Avec le recul, tu penses que c’était une sorte de tremplin ?

Tout d’abord, merci de m’accorder cette interview. Il est important que les artistes ‘locaux’ aient accès à différents médias pour s’exprimer. Merci donc à toi !

Donc, oui, absolument. Cheeky Jack a été mon premier groupe avec lequel je me suis fait les dents. Nous étions six musiciens et ce fut une grande expérience pour moi. Nous étions jeunes à l’époque, avec des désirs différents les uns des autres. A la fin, les tensions étaient trop palpables et, personnellement, je ne me retrouvais plus trop dans le style que nous jouions sur scène (une espèce de Pop-Rock plutôt groovy). Mais j’en garde un bon souvenir.

– Ensuite, il y a eu l’EP « No Man’s Land » et l’album « Searching Lights ». La direction musicale était encore différente. Cela t’a paru complexe de trouver ton style ? Tu as ressenti le besoin d’expérimenter encore un peu plus et dans divers courants musicaux ?

Pour moi, ce sont des essais. Sortes d’ébauches pour trouver ma voie. J’en parle rarement, car elles ne correspondent pas vraiment à ce que je propose à mon public aujourd’hui. A l’époque, je n’avais pas vraiment trouvé mon style, ni même les musiciens dont j’avais besoin. J’ai travaillé avec plusieurs artistes d’horizons très différents. Par conséquent, ces deux compilations musicales sont un ‘mach-up’ de plusieurs compositions très variées. Cela m’a permis de trouver ma véritable identité musicale.

Photo : Loreta Mander

– J’ai pu lire que c’est un voyage au Pays de Galles qui a en quelque sorte révélé, ou réveillé, ton identité musicale. En dehors de la découverte de la guitare Weissenborn, dont on reparlera, en quoi le pays a-t-il déclenché en toi le besoin de composer une musique plus roots et surtout plus authentique ?

Je ne pense pas que ce soit le Pays de Galles en tant que tel qui ait éveillé mon identité musicale. Je pense que c’est le voyage en lui-même. Dans ma famille, nous avons tous la bougeotte. Mes sœurs et moi aimons voyager. Et nous avons beaucoup bourlingué. C’est un héritage que mes parents nous ont légué depuis que je suis né. Ils nous ont toujours emmenés dans leurs périples, en Afrique notamment. Ma mère y travaillait alors comme institutrice et mon père en tant qu’ingénieur-architecte.

Et dans ma vingtaine, j’avais l’habitude de partir seul avec mon sac à dos pendant des semaines, en auto-stop, pour me perdre dans des contrées inconnues. Je pense sincèrement que nos voyages dans cette vie ne sont pas aléatoires ou désordonnés. Au contraire, ils sont tissés de manière complexe, nous menant aux endroits et aux gens que nous sommes destinés à rencontrer. Chaque personne que nous rencontrons, chaque expérience que nous vivons avec d’autres, ou seul dans la nature, nous façonnent et donne un sens à notre vie.

Photo : Yves Maquinay

– Est-ce que c’est ce ‘déclic’ qui t’a plongé plus profondément dans le Blues, le Classic Rock et le Blues Rock, ou est-ce que c’est une culture musicale que tu possédais déjà ?

Quand j’étais enfant, dans la voiture de mon père, j’écoutais déjà le Blues de Lightnin’ Hopkins ou de Ray Charles, mais également le Rock de Supertramp, The Rolling Stones, Janis Joplin, The Doors, Pink Floyd ou Genesis. Alors bien sûr, aujourd’hui encore, je suis inspiré par ces formidables musiciens. Cela dit, je dois bien avouer que le Rock n’a jamais cessé de battre dans mon cœur depuis le jour où j’ai découvert « Nevermind » de Nirvana, seul dans ma chambre d’adolescent sale et désordonnée. Je fais partie de cette génération ‘crossover’, où les styles musicaux se sont fortement mélangés, parfois avec des résultats surprenants. Adolescent, j’ai donc beaucoup écouté des groupes légendaires comme Led Zeppelin, Aerosmith, Guns N’Roses et des artistes comme John Butler, Ben Harper, Alanis Morissette, Sheryl Crow ou Lenny Kravitz. Mais également des groupes comme RHCP, Foo Fighters, Limp Bizkit, Blink 182, NOFX, System Of A Down, RATM ou même Deftones. Ainsi que quelques groupes de Rock français comme Noir Désir, Louise Attaque ou Mathieu Chedid. Quel que soit le style, tous ces musiciens ont contribué à nourrir ma passion, et certains d’entre eux m’inspirent encore énormément aujourd’hui. C’est pour cela que je définis ma musique comme un véritable ‘Crossover’ entre du Blues et du Rock.

– Parlons de cette fameuse et galloise Weissenborn, qui s’apparente à une lapsteel. Est-ce que c’est un type d’instrument que tu avais déjà pratiqué, toi qui est guitariste ?

Comme je le disais, j’ai beaucoup voyagé. Et une année, je me suis donc retrouvé au Pays de Galles. Par hasard, je suis tombé sur une famille de luthiers, qui fabriquait des Weissenborn. Cela m’a rappelé que certains des artistes que j’ai toujours admirés utilisaient, et utilisent encore, cet instrument incroyable, dont le son m’est si cher. Je suis revenu en Belgique avec une Weissenborn sur le dos. Et depuis, elle ne me quitte plus. Je ne cesse d’apprivoiser cet animal mystérieux.

– Par rapport à une guitare classique, en quoi l’approche est-elle différente pour toi ? Elle te permet d’explorer des sonorités particulières qui manquaient jusqu’alors à ton registre ?

En réalité, la Weissenborn est une marque hawaïenne de guitares en bois de koa, un bois originaire d’Hawaï justement. Personnellement, j’utilise peu la Weissenborn sur scène. J’utilise plus la lapsteel électrique. Mais que ce soit la lapsteel ou la Weissenborn, j’adore le son que cela produit et la façon dont la Steelbar glisse sur les cordes. On ne pince pas les cordes ici, on fait glisser la steelbar dessus, ce qui donne le côté slide. Et effectivement, les couleurs que cela produit sont différentes d’une guitare classique. Et j’adore !

– Pour l’anecdote, je t’ai vu jouer sur une lapsteel conçue sur une planche de skateboard. Quelles sont les sensations que cela procure, car c’est plutôt insolite ? Et est-ce que, dans un autre registre, tu fais un parallèle avec la cigarbox ?

L’instrument a été fabriqué par un ami luthier dans son atelier de Bruxelles, Rafael Van Mulders (Jug Instruments). C’est un instrument inhabituel, en effet. Avant de devenir un instrument de musique, cette planche a été utilisée comme skateboard. Véridique ! C’est en quelque sorte une seconde vie qu’on lui donne ici. Les gens sont toujours intrigués lorsque je l’utilise sur scène. J’ai décidé de l’appeler la ‘lapboard’, car c’est un mélange entre la lapsteel et le skateboard. Par ailleurs, j’aime beaucoup la cigarbox que j’utilise d’ailleurs dans un des titres du nouvel album, « April Fool ». Et en effet, le son de ma lapboard est très proche de celui d’une cigarbox, même si je trouve qu’il est plus complet.

Photo : Loreta Mander

– « Paradize City » est sorti il y a quelques semaines et il donne l’impression que tu as réalisé l’album qui te ressemble sans doute le plus. Il marie un Classic Rock nerveux et moderne avec des touches de Blues appuyées, authentiques et savamment dosées. La production est également très organique et brute. C’est le disque que tu en avais en tête dès le début ?

Merci beaucoup. On est très content du résultat final. Pourtant, ça n’a pas été simple de sortir cet album. On a pas mal hésité sur les voix et le mix. Notre ingénieur du son, Alexandre Leroy, a fait un boulot formidable. Encore une fois, c’est un beau travail d’équipe. Nous nous sommes pas mal inspirés de groupes mythiques actuels que nous écoutons régulièrement comme Rival Sons, Queens of the Stone Age, Larkin Poe, Dewolff… Et le résultat est très satisfaisant.

– S’il y a un gros travail sur les guitares, il y a également un grand soin apporté aux parties vocales. Tu as donné autant d’attention à l’une et à l’autre, ou as-tu privilégié l’un des deux aspects ? Car tu évolues aussi en quintet avec un second guitariste…

En réalité, nous avons enregistré tous les instruments au studio Six, à Bruxelles. On fait du Blues Rock moderne, donc il nous faut une belle ‘room’ pour les grattes et la batterie. Pas de click, pas d’auto-tune (beurk !) et, excepté pour les solos guitares et quelques rajouts post-prod’, on a enregistré les instruments simultanément, c’est-à-dire qu’on joue tous ensemble.

Pour les voix, j’ai tout fait chez moi. J’ai besoin de ma bulle, mon espace et ma machine à café à porter de main. Quand je m’attaque à l’enregistrement des voix, je n’aime pas être dérangé. J’ai besoin de me couper du monde. Cela m’aide à sentir les couleurs des morceaux. Je peux alors donner le meilleur de ce que j’ai.

Photo : Marc Gilson

– Cette formule électrique sur l’album te va très bien et tu joues aussi régulièrement en formule acoustique en concert. Dans quel registre es-tu le plus à ton aise ? Et ce dernier t’ouvre-t-il d’autres possibilités artistiques ?

La scène nourrit l’esprit et le corps de tout musicien. Donc peu importe la formule, on est toujours heureux d’être sur scène. Alors, il est vrai que de temps en temps, nous proposons le duo, lorsque la situation s’y prête. C’est très agréable, car le jeu en acoustique crée une atmosphère chaleureuse et intime. Cela donne beaucoup d’espace à ma voix et je peux varier davantage les couleurs. Mais pour découvrir un album en concert, il n’y a rien de mieux qu’un groupe au complet. C’est lorsque nous sommes cinq sur scène que toute l’énergie vitale et l’âme du projet se révèlent.

 – Enfin, alors que « Paradize City » a une dominance plus Rock que Blues, as-tu dans un coin de la tête l’idée de faire un album entièrement Blues à l’avenir ?

Mmmmm… Pas sûr. Je vais décevoir les puristes de Blues ! (Rires) Mais je ne suis pas un musicien de Blues, du moins je n’ai pas la prétention de l’être. Je fais ce que je sais faire de mieux, c’est-à-dire un mélange de Blues et de Rock : un ‘crossover’. Finalement, ma musique n’est que le reflet de mon âme. Une âme nourrie par tous mes voyages et qui trouve de l’inspiration à travers les œuvres de ces artistes de Blues, de Rock et de ceux qui ont judicieusement mélangé les styles, ajoutant ainsi des couleurs à une palette déjà existante.

Encore plus d’infos sur le site THOMAS FRANK HOPPER :

www.thomasfrankhopper.com

Retrouvez la chronique de l’album :

Catégories
Post-HardCore Post-Metal

20 Seconds Falling Man : obsédant

Pour pouvoir jouer sur autant de textures sonores et d’ambiances musicales différentes, 20 SECONDS FALLING MAN englobe dans son post-HardCore des éléments de Noise, de Fuzz, d’un post-Black Metal ultraviolent et d’un Hard-Core radical. Introspectif et souvent céleste, les Français dévoilent un univers particulier, où des rythmiques pachydermiques côtoient des parties de guitares d’une grande finesse, et dans lequel le frontman se fait très versatile. « Resilience » domine les abîmes à travers de multiples climats avec beaucoup d’élégance.  

20 SECONDS FALLING MAN

« Resilience »

(Independant/Blood Blast Distribution)

La suite de « Void », sorti en 2021, nous est enfin livrée par le quintet nantais. Avec « Resilience », 20 SECONDS FALLING MAN boucle son diptyque avec une maestria déjà très largement perçue sur son précédent album. Très polymorphe, le post-HardCore du groupe est toujours aussi insaisissable et imposant. D’une incroyable lourdeur sur son premier opus, il est cette fois peut-être plus aérien, même si les fulgurances Metal, Hard-Core et Noise s’entrechoquent avec toujours autant de puissance et de volume. Cela dit, il semble tout de même que la noirceur omniprésente auparavant ait levé l’un de ses voiles dans cette obscurité dense et épaisse.

Baigné dans une nébulosité parfois terrifiante, « Void » se voulait sombre, écrasant et presqu’étouffant, tandis que « Resilience » montre déjà plus de teintes différentes et s’aère aussi, reprend son souffle et laisse même entrer quelques passages lumineux… une note d’espoir qui se traduit par des cris perçants et volontaires. 20 SECONDS FALLING MAN semble investi d’une quête et il la mène à bien. Les ombres parcourent cette nouvelle réalisation, dont la production est d’ailleurs à la hauteur du travail fait sur les arrangements et dans la complexité des morceaux, qui avancent tels des tableaux mouvants et évanescents.

Avant de se replonger dans « Resilience », l’idéal est de réécouter « Void », afin de mieux saisir l’ambitieuse entreprise et toute la détermination mise dans la création de ces deux réalisations, qui se complètent de manière étonnante. Ténébreux sur « In The Gloom » en ouverture, 20 SECONDS FALLING MAN poursuit avec force sur le morceau-titre, puis suspend son élan à l’envie comme pour mieux exploser quelques instants plus tard (« Shadow Of The Past », « Our Life Is Now »). Le combo joue très habillement sur les atmosphères (l’instrumental « New Moon ») et surprend jusqu’au bout, grâce aussi à un chant tout en contraste. Aussi libérateur que déchirant.

Photo : Gregory Dutein
Catégories
Blues Contemporary Blues International Soul

Otilia Donaire : keepin’ the Blues alive [Interview]

Feutré et sensuel, tout en dégageant une énergie brute, le Blues teinté de Soul et de R&B d’OTILIA DONAIRE est autant un appel à la danse qu’à une écoute très attentive. En effet, riche d’une section cuivre dynamique, il combine divers univers pour n’en faire qu’un. Soutenue par de belles guitares et des claviers chaleureux, l’Américaine vient de livrer « Bluesin’ It Up », un album qui se veut très personnel et fédérateur. De quoi enthousiasmer un large panel d’amoureux des notes bleues. Rencontre avec une chanteuse à la voix suave et puissante.

– Ton album « Bluesin’ It Up » vient de sortir, mais à t’écouter chanter, on se doute que tu n’en es pas à ton premier coup d’essai. Peux-tu revenir sur ton parcours et les étapes qui ont forgé ton style et ta voix ?

J’ai toujours eu une certaine prédisposition pour le chant, mais je n’ai commencé à faire de la musique professionnellement qu’en 2009, après avoir terminé mon atelier de performance en groupe à la ‘Blues Bear School of Music’ de San Francisco. C’est mon instructeur, feu le bluesman de San Francisco, Johnny Nitro, qui m’a fortement encouragé à chanter le Blues. Mon premier CD avec, disons, un guitariste anonyme, était horrible et lorsque j’ai quitté ce groupe en 2014, j’ai enfin pu naviguer de manière plus créative avec l’aide de mon bassiste, Chris Matheos et du guitariste Joe Lococo. J’ai enfin eu un contrôle créatif total et je suis restée fidèle à mon propre style vocal, embrassant le timbre naturel de ma voix. Koko Taylor, la regrettée icône du Blues de Chicago et qui a également un grain assez brut, est l’une de mes principales influences musicales.

– Tu es chanteuse, leader de ton groupe et également compositrice. Est-ce que tu écris paroles et musique et as-tu un instrument de prédilection, car cet album est musicalement très riche et dense ?

J’écris les paroles et je compose avec mon bassiste, Chris Matheos et mon guitariste Joe Lococo. Je ne sais ni lire, ni écrire la musique, mais je peux l’entendre dans ma tête et j’ai la capacité de la traduire en sachant quel style et quel tempo jouer, y compris au niveau des mélodies, des riffs et des solos. Je n’ai pas vraiment d’instrument de prédilection, mais j’apprécie la guitare slide électrique et les claviers up-tempo. J’adore le Chicago Blues et j’ajouterai aussi de l’harmonica sur mon prochain album, ainsi que de la flûte.

– Justement, pour l’essentiel, tes morceaux sont guidés par les claviers, que ce soit le piano ou l’orgue. Le Blues est pourtant très souvent porté par la guitare. Tu as toujours procédé ainsi ?

En fait, je n’avais pas le budget pour ajouter des claviers et des cuivres sur mon dernier EP, « Queen Bee ». Alors, j’ai pris certaines de ces chansons et je les ai réarrangé, soit en les réenregistrant, soit en ajoutant des claviers et/ou des cuivres. Je joue désormais davantage de concerts live de cette manière, avec des claviers, car le son est beaucoup plus riche. Ils ont été enregistrés séparément dans les home-studios des deux claviéristes, qui jouent sur l’album : Greg Rahn et Pamela Charles-Arthur, qui est ma claviériste actuelle de la SF Bay Area. Pamela est dynamique et talentueuse, et c’est merveilleux de partager et de diffuser une énergie féminine si féroce sur scène avec elle.

– Il y a un autre élément qui domine sur « Bluesin’ It Up », ce sont les cuivres qui sont omniprésents, un peu à la façon d’un Big Band. Ce sont des orchestrations qui t’inspirent beaucoup, car on y perçoit également quelques touches jazzy ?

Je n’ai généralement pas le budget nécessaire pour ajouter des cuivres à la plupart de mes concerts, mais mon objectif est faire plus de spectacles avec un groupe complet, incluant claviers, saxophone et trompette. Je chante avec mon cœur et j’aime aussi le Blues jazzy, donc il y a une influence de Billie Holiday sur quelques-unes de mes chansons. Daniel Casares, saxophoniste de SF Bay Area, a écrit la plupart des sessions cuivre et je suis très satisfaite du son Soul et jazzy qu’il a ajouté aux arrangements.

– Par ailleurs, il y a un grand nombre de musiciens qui t’accompagnent sur « Bluesin’ It Up ». Est-ce que tu considères cet album comme l’œuvre d’un collectif ou, plus simplement, tu souhaitais avoir leur présence à tous sur ces 12 morceaux ?

C’est un album collectif et collaboratif, c’est vrai. Je savais ce que j’attendais de chaque musicien et je leur ai donné toute la liberté d’apporter des idées, de créer des arrangements et des solos. C’était génial d’avoir des cuivres à fond sur certaines chansons et sur mon prochain album, ce sera le cas pour chaque morceau.

– Parallèlement, est-ce que tu as un groupe fixe pour les concerts ? Quelques musiciens attitrés qui te suivent depuis longtemps ?

J’aime jouer avec un line-up régulier composé de musiciens talentueux : Joe Lococo à la guitare, Edgar San Gabriel à la basse, Robi Bean à la batterie et Pamela Charlles-Arthur (Pamma Jamma) aux claviers. Chris Matheos, qui est le directeur musical de cet album et de mon précédent EP, joue de la basse sur toutes les chansons à l’exception de « Hoochie Coochie Woman » et « Voodoo Woman ». Malheureusement, il a déménagé dans le sud de la Californie, donc il ne joue plus régulièrement avec moi. Mais quand je partirai en tournée, il le fera certainement s’il est disponible.

– Il y a également quelques reprises sur l’album. Peux-tu nous en dire plus sur ces choix et pour quelle raisons tu n’as pas réalisé un album entièrement original ?

Ce sont des chansons que j’aime chanter en concert et qui sont généralement une manière d’amener tout le monde sur la piste de danse. Je ne me lasse jamais de les chanter, donc c’était une évidence de les ajouter, en particulier « Hoochie Coochie Woman » (un morceau de Muddy Waters – NDR), qui a été ma première chanson de Blues que j’ai commencé et qui est devenue l’une de mes chansons signatures. J’ajouterai très probablement toujours quelques reprises, des classiques, que j’aime chanter pour garder le Blues vivant.

– Tu as beaucoup de sensualité dans la voix, ce qui donne beaucoup de charme à tes morceaux. Est-ce que tu penses que le Blues est le style qui véhicule le mieux cette approche si attractive et sexy auprès du public ? Et donc, qui est un énorme atout…

Merci ! Je chante avec mon cœur et la musique Blues pénètre au plus profond de mon âme. Je sens que je peux me connecter avec les gens, parce qu’ils peuvent ressentir la passion authentique que j’éprouve lorsque je chante.

– Pour conclure, quel est ton objectif principal pour le futur ? Faire le plus de concerts possible à travers les Etats-Unis et même au-delà, ou peut-être trouver un label pour un prochain album ?

Tout cela en même temps ! Entrer sur le circuit des festivals Blues avec des tournées nationales et internationales, signer avec un label de Blues et enregistrer au début de l’année prochaine. C’est difficile d’être une artiste indépendante, et je dirais que c’est vraiment un travail d’amour. J’ai enregistré mon album, « Bluesin’ It Up », chez Afterdark Recording à San Francisco, le studio d’enregistrement d’Armando Rosales, mon cousin. C’était une joie absolue et maintenant, j’ai vraiment la fièvre de l’enregistrement ! Donc, j’y retournerai au début de l’année prochaine. Peut-être aussi participer à un festival en France dans un futur proche ? Ce sont tous les rêves sur lesquels je travaille.

Le dernier album d’OTILIA DONAIRE, « Bluesin’ It Up », est disponible sur le site de l’artiste :

www.otiliadonaire.com

Catégories
Hard US Sleaze

Eve’s Bite : Forez guns

De Saint-Etienne à la Cité des Anges, le vol est direct et finalement la distance importe peu, tant les idées et la musique rapprochent inévitablement. Riffs tendus, solos millimétrés, rythmique appuyée, rien ne manque à EVE’S BITE, dont les refrains et le chant de ce premier opus sont entêtants et fédérateurs. Avec « Blessed In Hell », le groupe se montre créatif et s’inscrit dans une belle tradition à laquelle il fait vraiment honneur. L’énergie très live qu’il dégage s’ouvre sur un univers très personnel.  

EVE’S BITE

« Blessed In Hell »

(M&O Music)

A l’œuvre depuis un bon moment maintenant, le revival Hard, Heavy et Glam Metal de la fin des 80’s et des 90’s commence sérieusement à prendre de l’ampleur aux Etats-Unis bien sûr, et aussi dans nos contrées. Et il faut croire que ce bel héritage a été parfaitement digéré, car la scène hexagonale n’est pas en reste. Avec « Blessed In Hell », EVE’S BITE vient grossir les rangs et présente un premier album autoproduit sous la bannière de M&O Music. Et si la production est un peu froide, l’ensemble se veut musclé.

Certes, on est un peu loin de la chaleur californienne, mais les Stéphanois n’ont pas froid aux yeux et montrent de bien belles choses. Leur Hard Rock est racé et efficace, les mélodies sont accrocheuses et les touches Glam et Metal habillement distillées. « Blessed In Hell » court d’ailleurs sur près d’une heure, preuve que sur ses 12 morceaux, le quatuor a des choses à dire. EVE’S BITE se montre infatigable, un brin Sleaze et la puissance affichée ne manque ni de maîtrise, ni d’entrain.

Bon, on ne va pas se mentir non plus, on pense très fort au Skid Row de la belle (et unique !) époque de Sebastian Bach, notamment au niveau du chant. Pour le reste, les Français s’appuient sur des valeurs sûres comme Dokken pour le côté Heavy et Mötley Crüe pour la partie texte notamment. Appliqué et sérieux, EVE’S BITE fait preuve de beaucoup d’’explosivité et on se prend vite au jeu (« Fire, Fire, Disaster », « She’s Got More Balls Than You », « Rock Fever », « Shits On The Radio », « Waiting For The Night »). Bouillonnant !

Catégories
Heavy Stoner Psych Stoner Doom

Qilin : un rêve éveillé

Toujours très organique, la musique de QILIN prend de l’ampleur et beaucoup d’épaisseur sur ce nouvel opus. Une maturité finalement très naturelle, si l’on tient compte de la qualité d’écriture des titres de « Parasomnia ». Capable de se faire planant comme de laisser s’abattre une véritable chape de plomb, le combo pose son empreinte sur un Stoner Psych envoûtant et un Doom, parfois Sludge, qui déconcerte sans pour autant perdre le fil narratif de cette dernière réalisation, qui en impose… à tous les niveaux !     

QILIN

« Parasomnia »

(Independant)

Le chemin parcourut par QILIN depuis 2017, date de la sortie de son premier EP éponyme, force le respect. Révélé avec « Petrichor » en 2020, album qui sera d’ailleurs distribué à l’international par Wormholedeath, le quatuor a pu s’aguerrir sur scène, enrichissant son jeu et surtout le son de son Psych Stoner Doom. Avec « Parasomnia », il franchit encore un cap que ce soit dans la composition, l’interprétation et la production de ce deuxième disque. Les contours de ce style si tortueux et captivant se dessinent de plus en plus et sont désormais beaucoup plus personnels et originaux, témoignant d’une grande maîtrise.

Thomas Vachy (lead guitare), Benoît Caillet (basse), Frédéric Bonneau (guitare) et Mathieu Guibert (batterie) font grandir et évoluer QILIN ensemble depuis sept ans maintenant et laissent ainsi apparaître une belle complémentarité. Il en émane une complicité évidente, comme on a d’ailleurs pu le voir sur le live des ‘Smoky Van Sessions’, filmées sur les côtes normandes en pleine nature, suivant le concept auxquels se sont prêtés d’autres avant eux, comme Appalooza, notamment. Les Parisiens, qui sortaient tout juste de l’enregistrement de « Parasomnia », annoncent en musique leur flagrante évolution.

Le registre instrumental offre aussi beaucoup de liberté dans laquelle le groupe s’engouffre avec détermination. Le travail sur les tessitures sonores, comme sur le son en lui-même, est véritablement à la hauteur de ces nouvelles compositions toujours très progressives. QILIN nous fait passer par de multiples sensations et émotions à travers le concept-même de « Parasomnia », celui du rêve paradoxal. Puissants, lourds ou aériens, les morceaux nous transportent avec beaucoup de fluidité dans un univers saisissant (« Lethean Dreams », « On Migoi’s Trail », « Hundred – Handed Wards »). Immersif à souhait.  

 « Parasomnia » est disponible sur le Bandcamp du groupe :

https://qilin.bandcamp.com/album/parasomnia

Retrouvez la chronique du premier album, « Petrichor » :

Catégories
Grunge Power Rock Rock

BikiniMood : Rockalissimo

Parce qu’ils sont italiens et que leur langue est intimement liée à l’art, les membres de BIKINIMOOD ont naturellement opté pour leur mode d’expression maternel et l’entreprise est plus que réussie, puisqu’on est embraqué dans ce Rock savoureux où les couleurs sont nombreuses et s’entrechoquent avec une spontané attractive. Ce cocktail à l’œuvre sur « Ti Fidi Di Me? » se déguste sans modération au gré des accélérations, des instants plus doux et d’un feeling permanent. Une très belle entrée en matière.

BIKINIMOOD

« Ti Fidi Di Me? »

(Independant)

Ils sont quatre amis, tous originaires de Turin, et c’est en février 2022 qu’ils décident de se lancer dans l’aventure BIKINIMOOD. Ayant pris un peu de bouteille, l’idée est de créer un Rock rassemblant leurs goûts musicaux, regroupés et puisés pour l’essentiel dans les années 90, une décennie tellement vaste artistiquement et d’une richesse qu’on peine à retrouver aujourd’hui. Direct et efficace, le style du groupe est un bon condensé de tous ces styles, où l’on retrouve des saveurs Grunge, Alternative à la Deftones avec même quelques touches Stoner plus appuyées.  

Sans prétention, mais avec beaucoup sérieux, le quatuor a fait naître en studio un premier album entièrement autoproduit en mai dernier. Et le résultat est plus que convaincant. Solide et mélodique, « Ti Fidi Di Me? » ne manque pas de consistance, bien au contraire, et c’est sur un chant en italien que BIKINIMOOD livre des compositions très équilibrées avec une liberté directement liée à la poésie et à l’aspect romantique de la langue de Dante. En tout cas, le pari est réussi et les textes se fondent avec beaucoup d’élégance dans un Rock souvent rugueux, mais toujours agréable.   

Davide Bruno (chant), Stefano Sungia (basse), Roberto Spiga (batterie) et Dry (guitare) savent très bien où ils vont et ce qu’ils présentent montre d’abord une passion commune, mais aussi et surtout une belle énergie. Bien enregistrés, les morceaux libèrent beaucoup de fluidité, ce qui offre à BIKINIMOOD une grande latitude dans les tempos et les ambiances abordées. Très varié, « Ti Fidi Di Me? » montre l’envie des Transalpins de vraiment se faire plaisir et d’embarquer avec eux les fans de Rock authentique et costaud interprété dans cette langue si musicale et séduisante.   

Catégories
Alternative Rock Hard US International

DownShift : explosive sensations [Interview]

Fraîchement formé, le quintet de l’Indiana démarre sur les chapeaux de roue avec un premier album, « One In The Chamber », qui montre beaucoup de maturité dans le jeu et un enthousiasme et un dynamisme débordants. Très américain dans le style comme dans la démarche, et oscillant donc entre Hard Rock, Alternative et Hard Rock, DOWNSHIFT livre des morceaux très accrocheurs, porté par la voix d’un frontman qui en impose, une rythmique Heavy très solide et deux guitaristes qui donnent au groupe une assise assez monumentale. Encore indépendante, j’ai voulu en savoir un peu plus sur cette formation qui transpire totalement le Rock’n’Roll avec son chanteur et guitariste, Jordan Payne. Entretien.

– Je vous ai découvert il n’y a pas si longtemps avec votre premier album, « One In The Chamber », qui m’a vraiment bluffé. En dehors du fait que vous soyez originaires de l’Indiana, j’en sais finalement assez peu sur vous. Pourrais-tu nous faire une petite présentation de DOWNSHIFT ?

Le simple fait que nous soyons originaires de l’Indiana est peut-être la chose la plus intéressante chez nous ! (Rires) Nous sommes tous issus de la ‘middle-class’, et on aime la musique Rock et aussi se dépasser dans tout ce que nous faisons. Nous nous considérons comme des artistes, mais aussi comme des hommes d’affaires. Nous sommes toujours à la recherche de la prochaine chose que nous pourrions faire pour aller plus loin. Qu’il s’agisse d’un moyen de mieux promouvoir notre musique, ou simplement d’être plus professionnels dans la façon dont nous traitons avec les clubs et les salles, nous essayons toujours de progresser et de viser l’excellence.

– C’est assez rare de voir un groupe fondé par deux guitaristes, même quand l’un des deux est aussi chanteur. J’imagine qu’en ce qui concerne la composition, cela doit faciliter beaucoup de choses. Est-ce que vous effectuez un travail en commun, confrontez-vous vos idées ou est-ce que l’un d’entre-vous tient le lead ?

Eh bien, c’est définitivement les deux. Il y a certaines chansons sur lesquelles j’ai écrit la plupart des parties de guitare, et d’autres qui sont presqu’entièrement composées par Aaron (Parrett – NDR). Les autres sont en grande partie le fruit d’un effort commun. Il peut écrire le couplet et moi le refrain, ou alors il propose une idée générale et nous essayions, travaillions et peaufinons chaque petite note jusqu’à ce que nous soyons complètement satisfaits. Je dirais que cela a rendu les choses plus faciles, parce que nous nous entendons très bien et nous avons eu une vision très similaire du travail des guitares sur l’album. Cependant, être plusieurs à être compétents sur le même instrument peut souvent être un véritable obstacle, lorsque l’association ne se fait pas de manière créative. Heureusement, nous avons toujours su nous en tenir au plan et mettre de côté tout ego lors du processus d’écriture. Nous voulons vraiment le meilleur résultat pour une chanson. Peu importe de qui vient l’idée finalement.

– Vous avez sorti deux singles, « Lose It » et « Give It To You » avant l’album. Aujourd’hui, la plupart des groupes présente d’abord quelques morceaux, histoire de se faire connaître. Que pensez-vous du mode actuel de communication dicté par les réseaux sociaux, et est-ce qu’extraire ces chansons vous semblait une bonne idée ? Est-ce que cela aurait pu avoir d’autres conséquences sur la sortie du disque en cas de mauvais accueil, par exemple ?

Je ne pense pas que nous aurions beaucoup changé dans la façon dont nous avons publié quoi que ce soit, sauf peut-être une meilleure planification de la promotion. Nous faisons tout ça nous-mêmes et tout cela est encore une expérience d’apprentissage. Les réseaux sociaux et les plateformes de streaming ont créé un espace unique pour les artistes non-signés. C’est vrai que nous avons désormais la possibilité d’être entendus sur les mêmes supports que les plus grands artistes du monde. Cependant, cela signifie que tous les groupes et les musiciens du monde bénéficient de la même attention dans ce même espace. Les eaux sont très troubles. Pourtant, là où quand les musiciens non-signés rêvaient de passer à la radio, ils peuvent désormais figurer sur des playlists Spotify populaires.

– Vous évoluez, et c’est bien naturel, dans un style très américain entre un Hard Rock assez classique façon Testa notamment, et un Alternative Rock plus inspiré par Nickelback entre autres. Les riffs sont massifs et les mélodies accrocheuses et DOWNSHIFT dégage une énorme énergie. C’était l’objectif premier en créant le groupe ?

Tout d’abord, merci pour ces mots très agréables ! Aimant à la fois le Classic Rock et le nouvel Alternative Rock du style Nickelback, c’est plus un honneur qu’une surprise d’être comparé à ces artistes. Notre objectif avec cet album était de vraiment prêter attention à ce qu’il nous faisait ressentir, d’appuyer sur la pédale et de ne pas la relâcher tout au long du processus. Je m’attends à ce que le prochain album soit plus diversifié en termes de dynamique… à la fois émotionnellement et dans le son aussi.

– De plus, et sans remettre en cause la qualité des chansons, elles sont très formatées pour les radios américaines notamment avec aussi un petit côté ‘stadium‘. Est-ce par souci d’efficacité et de percussion, ou plus simplement est-ce votre façon de composer, votre idée de la musique de DOWNSHIFT ou une manière d’écrire avec une notion d’urgence dans les structures ?

Je dirais que c’est un peu des deux. Je suis fan de musique commerciale, c’est vrai. J’ai grandi dans un environnement où la radio représentait 90% de la musique que j’écoutais. Pas seulement du Rock d’ailleurs, mais aussi de la Pop, de la Country et tout ce qui est suffisamment accessible pour passer à la radio. Donc, même si je ne nierai pas notre ambition d’être le plus abordable possible au sens commercial du terme, c’est aussi une façon très importante de percevoir la musique.

– D’ailleurs, « One In The Chamber » est un album très mature pour un jeune groupe. Est-ce parce vous y travaillez depuis longtemps, ou parce que vous avez une expérience individuelle déjà conséquente avec de précédentes formations ?

Aaron et moi avons déjà joué ensemble dans des groupes et même s’ils n’étaient pas terribles, ils n’étaient pas à la hauteur de ce que j’ai l’impression que nous avons fait jusqu’à présent avec DOWNSHIFT. Nous avons beaucoup progressé au fil des années, et nous avons vraiment pris cet album au sérieux. Toutes les chansons que nous avons écrites ne figurent pas sur la tracklist du disque, mais nous avons travaillé très dur pour que celles-ci sonnent le mieux possible. Je mentirai aussi si je n’accordais pas également du crédit au producteur avec lequel nous avons travaillé. Il nous a vraiment aidés à tirer le meilleur parti de nos chansons et de nous-mêmes durant tout le processus d’enregistrement.

– Malgré un titre et quelques morceaux assez sombres, « One In The Chamber » est un album plutôt positif et moteur. On a l’impression que certains textes sont là pour réveiller l’auditeur et même le motiver. Et votre musique avec sa dynamique va aussi dans ce sens. C’est ce que vous avez voulu faire sur ce premier album : motiver les gens ?

Je ne dirais pas que l’album entier est destiné à ‘motiver’ tout le monde, mais nous voulions absolument que les gens prennent du plaisir à l’écouter. Nous ne voulions pas que ce soit émotionnellement éprouvant d’écouter notre musique. Honnêtement, nous espérions suivre l’expression ‘sexe, drogue et Rock’n’Roll’ et donner à notre musique ce même sentiment de légèreté et de liberté. Si quelques chansons sont marquées d’une empreinte plus sombre, c’est parce que c’est exactement ce que nous ressentions à l’époque. Nous n’avons pas voulu non plus diminuer l’honnêteté de la musique que nous écrivions. Cela dit, nous avons essayé de ne pas faire trop de morceaux dark ou trop chargés négativement.

– J’aimerais que l’on revienne un instant sur les guitares, sans oublier bien sûr la solide et irréprochable rythmique basse/batterie. Il y a beaucoup de densité dans les riffs avec un espace sonore bien remplis. Quant aux solos, ils sont très directs, percutants et explosifs sans jamais traîner en longueur. J’imagine que c’est une chose à laquelle vous portez une attention toute particulière ?

Oui, bien sur ! Nous sommes deux guitaristes ! (Rires) Nous avons, en effet, porté une attention toute particulière au travail des guitares et nous avons vraiment essayé de faire en sorte que le travail solo/lead trouve son équilibre. Bien qu’il s’agisse d’un effort commun, la plus grande partie du mérite revient à Aaron sur l’album. Il est assez bon guitariste pour pouvoir facilement jouer tous les solos. Mais nous avons surtout essayé de nous assurer que chaque note jouée était nécessaire à la chanson, plutôt que d’être trop démonstratif. Ce n’était pas si difficile, car il a une grande capacité à jouer ‘sur’ la chanson et aller vers plus de simplicité. Je suis heureux de voir que tu n’as pas eu l’impression qu’on s’éternise en en faisant trop. C’était le but !

– Enfin, que dirais-tu au public français qui souhaite découvrir DOWNSHIFT, car la culture européenne est assez éloignée de ce genre de Hard Rock et de l’Alternative Rock en général, qui peuvent chez nous passer pour assez, voire très commercial ?

Je décrirais DOWNSHIFT comme du Heavy Rock moderne avec des notes de Classic Rock et une voix mélodique. Nous avons essayé de trouver le bon mélange tout en restant suffisamment commercial pour être considéré comme ‘mainstream’. Je pense que nous pourrions plaire à des personnes d’âges et de styles différents. Il y a un petit quelque chose pour tout le monde sur cet album.

Toutes les infos sur le groupe sont disponibles sur son site, et l’album est présent sur toutes les plateformes :

www.downshiftmusic.com