Pour son 17ème album, celle qui compte sept Blues Music Awards dont le fameux BB King remis par la légende elle-même, nous plonge à la découverte de quelques trésors qu’elle a le don de régénérer en intériorisant les chansons pour les faire siennes. JANIVA MAGNESS est une interprète hors-norme et cette facilité à les personnaliser confère à ses reprises une authenticité toute flamboyante. Et si l’on ajoute le fait que « Back For Me » ait été enregistré en condition live, on constate que la blueswoman s’est à nouveau surpassée.
JANIVA MAGNESS
« Back For Me »
(Blue Élan Records)
Originaire de Detroit, Michigan, JANIVA MAGNESS est ce que l’on pourrait qualifier de diva (au bon sens du terme !), tant elle parvient à chaque nouvel album à fusionner le Blues, la Soul et l’Americana avec une grâce que l’on n’entend que très rarement. Avec sa voix rauque et puissante, elle reste toujours incroyablement captivante et, en un peu plus de 30 ans de carrière, ne déçoit jamais. Pourtant, l’Américaine est également une grande spécialiste des reprises qui, à chaque fois, sortent brillamment de l’ordinaire par leur choix.
Non que JANIVA MAGNESS ne soit pas une très bonne songwriter, bien au contraire, mais elle excelle dans l’art de magnifier les morceaux des autres en les transformant au point d’en faire de véritables déclarations personnelles. Et c’est encore le cas sur « Back For Me », où elle se montre à même de se les approprier avec un charisme incroyable pour leur offrir une nouvelle vie. Et comme cela ne paraît pas suffire, elle a même convié Joe Bonamassa (encore lui !), Sue Foley et l’électrique Jesse Dayton à la fête.
Une autre des multiples particularités de la chanteuse est aussi de dénicher des pépites méconnues d’artistes aux horizons divers. Et cette fois, c’est chez Bill Withers, Ray LaMontagne, Allen Toussaint, Doyle Bramhall II, Tracy Nelson et Irma Thomas que JANIVA MAGNESS a trouvé l’inspiration. Toujours produit par son ami Dave Darling, « Back For Me » balaie un large éventail de sonorités et de terroirs Blues et Soul, qui vibrent à l’unisson sur une dynamique brûlante entre émotions fortes et rythmes effrénés. Sompteux !
POPA CHUBBY a une telle culture du Blues, et même de tous les Blues, qu’il paraît presqu’étonnant qu’il n’y soit pas allé plus tôt de son hommage au grand Freddie King. Mais c’est dorénavant chose faite… et très bien faite ! Et la fête n’en est que plus belle, puisqu’en plus d’un groupe exceptionnel, il a fait appel à quelques amis. Et quand ils s’appellent Joe Bonamassa, Albert Castiglia, Christone ‘Kingfish’ Ingram, Mike Zito, Eric Gales ou Arthur Nielson, l’ensemble prend forcément une toute autre dimension. Tous l’ont clamé haut et fort et « I Love Freddie King » résonne comme l’une des plus belles marques de respect adressée au légendaire ‘Texas Cannonball’. Entretien avec le guitariste et chanteur new-yorkais, qui reprend des forces et livre l’un de ses plus beaux disques.
– Avant de parler de ce bel hommage que tu rends à Freddie King, j’aimerais tout d’abord prendre de tes nouvelles. Tu as été touché par une maladie rare de la colonne vertébrale, dont tu te remets depuis quelques mois. Comment vas-tu aujourd’hui ? C’est définitivement derrière toi, ou pas encore ?
Eh bien, ce n’est pas une réponse facile. Merci de t’en inquiéter. La convalescence après mon opération prendra au moins deux ans, car j’ai subi une grave lésion au bras et à la colonne vertébrale. Mais je marche, je joue de la guitare et je fais de nouveau des concerts, donc tout va bien. Je pratique actuellement le vaudou et je fais des cérémonies, mais je suis à court de cellules souches. Ces deux techniques sont légales aux Etats-Unis. Et puis, j’ai hâte aussi de rentrer en France pour retrouver mes frères et sœurs africains, algériens et marocains.
– Tu es resté immobilisé un certain temps, alors que tu avais déjà commencé l’enregistrement de l’album. Est-ce que, d’une manière ou d’une autre, tu dois à Freddie King et à son Blues une partie de ta guérison ?
Absolument, le pouvoir de cette musique m’a aidée à guérir et continue de le faire. Quant à l’aide directe que Freddie King a pu apporter à ma santé, il est mort à la quarantaine (à 42 ans en 1976 des suites d’un ulcère de l’estomac – NDR), faute d’avoir soigné la sienne. Il n’est donc peut-être pas le meilleur modèle à suivre. Mais musicalement, en tant que musicien qui travaille depuis aussi longtemps comme moi, j’ai arrêté de le suivre et je me concentre sur une approche plus équilibrée.
– On te sait d’un naturel très combatif et surtout un grand amoureux de musique. Comment est-ce qu’un musicien comme toi qui ne cesse de jouer, d’enregistrer et de tourner a-t-il vécu cette période ? L’objectif a été de reprendre ta guitare le plus vite possible ?
Ça a été extrêmement difficile. Mais je suis resté motivé et j’ai constamment progressé. Au début, je ne pouvais même pas jouer de la guitare, mais maintenant, je retrouve de la motivation. Franchement, chaque jour est un combat. Alors qu’avant, je réussissais facilement à faire les choses, je dois maintenant y réfléchir en faisant beaucoup d’efforts, mais ce n’est pas grave. Je ne m’apitoie pas sur mon sort. Je continue d’avancer. Et rien ne m’arrêtera.
– Parlons maintenant de ce bel album. Tu l’as enregistré à Long Island au G. Bluey’s Juke Joint avec des musiciens que tu as toi-même choisi. Quels étaient tes critères, outre une connaissance assidue de Freddie King ? C’est votre complicité qui a primé ?
Les critères étaient de couvrir plusieurs aspects de la carrière du bluesman et d’intégrer quelques uns des meilleurs musiciens du genre, et qui sont tous mes amis. Concernant le studio, l’un de mes meilleurs amis, un de mes anciens élèves, a ouvert un incroyable studio à New-York et m’a autorisé à y enregistrer. C’est vraiment époustouflant, avec une vue imprenable sur les gratte-ciels de New-York. L’enregistrement a été réalisé en deux jours pour les morceaux de base, comme ce qui était prévu. Les musiciens étaient préparés et le matériel était excellent, donc c’était assez facile. J’ai donc pu l’enregistrer correctement.
– Et puis, il y a le choix des morceaux, qui sont pour l’essentiel des classiques de Freddie King. Tu aurais pu aussi choisir des chansons moins connues. Comment as-tu procédé, et y avait-t-il aussi le désir de livrer ta propre version, sachant que beaucoup de chansons ont déjà été reprises ?
Il y a eu trois périodes distinctes dans la carrière de Freddie : les premiers morceaux instrumentaux à la guitare, les morceaux funky avec Mike Vernon sur l’album « Burglar » en 1974 et ceux avec Leon Russell. Il était important de tous les couvrir. Il y a tellement de gens dans la carrière de Freddie, qui ont joué un rôle sur son côté instrumental. Cela va du producteur Mike Vernon, qui a produit l’album « Burglar », et aussi John May Bino avec Eric Clapton jusqu’à Leon Russell, Don Nix et Duck Dunn avec des chansons comme « Going Down », qui est vraiment axée sur le piano.
– Freddie King utilisait des onglets à la main droite, en plastique pour le pouce et en métal pour l’index, et il portait sa bandoulière de manière inhabituelle pour un droitier, à savoir sur l’épaule droite. Est-ce que, même pour t’amuser, tu t’es déjà essayé à cette drôle de position ?
Tu sais, on réalise tout de suite qu’on ne pourra jamais reproduire le style de Freddie, alors on essaie d’en reprendre et de retrouver l’ambiance et l’énergie, comme je l’ai fait avec des gens comme Hendrix aussi. On essaie simplement de capter cette énergie, c’est le plus important. Et puis, c’est vraiment un truc texan et des gens comme Gatemouth, Brown, Anson Funderburgh et Omar Dykes, ainsi que Jimmie Vaughan, en sont tous des adeptes.
– Reprendre un maître du Blues comme Freddie King peut aussi déclencher beaucoup de questions : est-ce qu’il faut toucher l’œuvre originale le moins possible et la respecter au mieux, ou alors se l’approprier complètement et en donner sa propre vision. Même si j’ai ma petite idée, dans quelle posture t’es-tu mise ? Et est-ce que cela a été plutôt une délivrance, ou une petite crispation avec une légère appréhension ?
Tout en restant fidèles aux arrangements originaux, qui sont tous géniaux, nous avons essayé d’y apporter notre approche et notre propre sensibilité. Certains morceaux sont vraiment exceptionnels. Il y avait de nombreux sommets sur cet album qui devaient être atteints, notamment « Hideaway Another Being », qui l’une des chansons les plus marquantes et enthousiasmantes du genre. Ensuite, c’était une évidence d’avoir Joe Bonamassa sur le projet. Et je tenais absolument à jouer « Hideaway » avec Arthur Neilson.
– Sur l’album, il y a trois chansons datant de 1961 et les autres datent de 1971 à 1974. Ce qui est fascinant en écoutant le disque, c’est qu’elles auraient toutes aussi pu être composées de nos jours. Est-ce que cette intemporalité te séduit encore aujourd’hui chez Freddie King au-delà de son jeu ?
J’ai toujours dit que Freddie King était le chaînon manquant. On ne lui a jamais attribué le mérite qui lui était dû vu sa virtuosité musicale, tous les genres abordés et les différentes époques dans sa discographie. Alors, nous avons fait de notre mieux pour en couvrir l’essentiel et j’espère vraiment que nous avons contribué à lui rendre hommage.
– Comme tu le clames : tu aimes Freddie King. Et tu n’es pas le seul, puisque Mike Zito a aussi été partie prenante dans cette belle aventure. Quel a été son rôle en tant que producteur exécutif ?
Mike Zito a joué un rôle déterminant dans la réalisation de cet album. Il n’aurait pas pu voir le jour sans lui et je lui en suis très reconnaissant. C’est un type bien. Toute l’équipe de Gulf Coast Records m’a apporté un soutien incroyable. Je lui en suis très reconnaissant.
– D’ailleurs, j’aimerais savoir si des artistes comme Joe Bonamassa, Albert Castiglia, Christone ‘Kingfish’ Ingram et les autres ont pu choisi leur morceau, ou est-ce toi qui le leur as imposé ? Parce qu’il peut y avoir aussi une petite question de goût ou d’ego…
Il n’y a eu aucune question d’ego, vraiment. Tout le monde a apporté sa contribution et m’a aidé. Je suis tellement fier de tous mes amis, parmi les meilleurs guitaristes du genre et probablement du monde entier. Ma gratitude est éternelle. Mais j’avais aussi des idées précises sur qui jouerait quel morceau, et notamment Joe Bonamassa sur « I’m Going Down ».
– La technologie permet aujourd’hui beaucoup de choses, notamment de faire des albums à distance. Avez-vous tous pu vous rencontrer, car l’ensemble sonne terriblement live ? On vous imagine facilement tous dans la même pièce…
Seulement un ou deux morceaux ont été réalisés en présence de tous les musiciens. Les autres ont été envoyés par Internet. C’est comme ça que ça se passe maintenant, tu sais, avec nos agendas chargés et les tournées de chacun.
– Une dernière question plus personnelle et moins musicale pour conclure. Trump a été réélu pour une seconde fois. On te sait farouche opposant à sa politique et les choses prennent même une tournure assez dangereuse. Au-delà de ses idées que tu as toujours combattues, est-ce que tu penses que, tôt ou tard, le monde de la musique pourrait en être affecté aux Etats-Unis ?
Je pense que le monde entier est touché et la musique aussi forcément, mais il existe une résistance à la tyrannie et au fascisme et j’ai l’intention d’être à l’avant-garde, aux premiers postes. Je continuerai à résister grâce à des chansons de protestation et à utiliser mon influence pour prêcher le bien et uniquement le bien. Nous ne pouvons pas laisser le fascisme prendre le contrôle du monde.
L’album POPA CHUBBY & FRIENDS, «I Love Freddie King», sera disponible chez Gulf Coast Records le 28 mars.
Photos : Nelson D’Onfrio (4) et Photo Phillip Ducap (3, 6)
Retrouvez l’interview de Popa Chubby à l’occasion de la sortie de « Tinfoil Hat », sorti en pleine pandémie :
Tout en jetant un regard assez acerbe sur son pays et sa politique, JIMMY VIVINO libère un Blues authentique avec un savoir-faire permanent et surtout des idées plein la tête. Aux guitares, derrière le micro, à l’orgue et au piano, il se fait chef d’orchestre de « Gonna Be 2 Of Those Days », d’où s’échappent d’autres guitares, acoustiques et électriques, de l’harmonica et même de l’accordéon. Parfaitement accompagné, le musicien est lumineux, virevoltant et plein d’humour. Le tout sur une production irréprochable et pleine de relief.
JIMMY VIVINO
« Gonna Be 2 Of Those Days »
(Gulf Coast Records)
Fort d’une carrière exceptionnelle, notamment en tant que directeur musical sur la télévision américaine, JIMMY VIVINO est un touche-à-tout de talent, compositeur, producteur, ainsi que chanteur, guitariste et claviériste. Mais il est surtout un grand bluesman et « Gonna Be 2 Of Those Days » vient confirmer son intarissable inspiration. Sur près d’une heure et onze morceaux, il présente un panel assez incroyable d’approches différentes du Blues. Car cet album a quelque chose d’insaisissable dans sa diversité et c’est sa force.
Pour l’anecdote, il est également membre du dernier line-up de Canned Heat et a donc joué sur le dernier très bon « Finyl Vinyl » sorti il y a quelques mois, qu’il a aussi co-produit. On comprend ainsi beaucoup mieux le retour si enthousiasmant du combo. Mais c’est avec des chansons originales, et aucune reprise, que JIMMY VIVINO signe cette nouvelle réalisation qui est également sa première chez Gulf Coast Records, le label de Mike Zito. Et ce n’est pas tout, car il nous gratifie de quelques autres surprises de taille.
La première est dévoilée dès le premier titre, « Blues In The 21st », avec Joe Bonamassa qui surgit avec une slide de grande classe. Une entrée en matière qui en dit déjà long sur les intentions en termes d’exigence de JIMMY VIVINO. Son Blues se fait ensuite plus narratif et traditionnel, mais aussi funky, Honky-Tonk et presque Americana. Puis, c’est à John Sebastian, songwriter américain de Folk Rock, de s’immiscer sur « Beware The Wolf », et « Back Up The Country » en clin d’œil à Joni Mitchell. Classe et très engagé !
Incroyable virtuose et distillant son feeling sur chaque note, le chanteur et guitariste CHRIS CAIN réapparaît sur le légendaire label Alligator avec un deuxième disque dont on ne se lasse pas. Totalement libre et épanoui grâce à un songwriting efficace et irréprochable, le musicien de San Jose s’en donne à cœur-joie et nous emporte sur ce « Good Intentions Gone Bad » séduisant de bout en bout, laissant parler sa six-corde avec une exceptionnelle fluidité.
CHRIS CAIN
« Good Intentions Gone Bad »
(Alligator Records)
Peut-être trop discret sur la scène Blues internationale et même américaine, CHRIS CAIN n’en demeure pas moins un artiste reconnu par ses pairs et dont la carrière parle pour lui. Avec une quinzaine d’albums étalés sur trois décennies, c’est surtout depuis sa signature en 2021 chez Alligator qu’il prend sérieusement la lumière, soutenu par Joe Bonamassa et Robben Ford notamment, qui ont su voir en lui le grand bluesman qu’il est. Et avec ce nouvel opus, il vient le confirmer avec beaucoup de classe.
Toujours dans cette veine héritière du son de Memphis et de BB King surtout, CHRIS CAIN s’en rendu dans le home-studio de Kid Andersen, producteur de « Good Intentions Gone Bad », mettre en boîte ses nouveaux morceaux. On y retrouve d’ailleurs beaucoup de cuivres, l’intervention de Kid sur divers instruments et celle de sa femme au chœur. Greg Rahn (piano, orgue), June Core et Sky Garcia (batterie), Cody Wright (basse) et même Tommy Castro sur un titre constitue ce solide line-up.
Electrique et classique, le jeu de CHRIS CAIN brille au son des riffs et des solos de sa Gibson ES-335, sans pour autant tomber dans une certaine nostalgie. Au lieu de ça, le Californien est étincelant, accrocheur et dynamique (« Too Little Too Late », « Fear Is My New Roommate », « Thankful » et le délicat « Blues For My Dad »). La joie transparaît sur les 15 morceaux et il est à souhaiter qu’enfin, il se pose définitivement au panthéon des plus grands de sa génération, car il le mérite vraiment.
C’est avec beaucoup de générosité, tant dans l’intention que dans l’interprétation, qu’ALBERT CASTIGLIA s’offre un nouvel opus en solo. Conçu et réalisé assez rapidement, il officie en véritable patron aux côtés de grands noms du Blues Rock actuel venus lui prêter main forte. Et si le nombre de covers dépasse celui des originaux, on se régale de ses talents d’autant que les artistes qui le soutiennent dans cette aventure sont exceptionnels. « Righteous Souls » va compter parmi les meilleures réalisations de cette année.
ALBERT CASTIGLIA
« Righteous Souls »
(Gulf Coast Records)
Tout juste auréolé d’un Grammy Award du meilleur album de Blues Rock à Memphis pour son duo ‘Blood Brothers’ avec son ami Mike Zito, également patron de son label et producteur de ce nouvel album, ALBERT CASTIGLIA remet le couvert et nous offre même un menu cinq étoiles. Car si on a l’habitude des duos, regrouper autant d’invités si prestigieux sur un même disque est assez incroyable. Et l’Américain ne se contente pas d’empiler les morceaux, il les lie sur une thématique forte et très personnelle.
Deux ans après « I Got Love » et quelques mois seulement après le « Live In Canada » en duo, c’est une nouvelle inspiration qui guide cette fois le guitariste et chanteur. Malgré un laps de temps trop court pour livrer à lui seul tous les titres, « Righteous Souls » compte quatre chansons inédites (« Centerline », « Mama, I Love You », « Till They Take It Away » et « No Tears Left To Cry »). Et sur ces nouveautés, ALBERT CASTIGLIA est accompagné par Popa Chubby, Christone ‘Kingfish’ Ingram, Ally Venable, Gary Hoey et sa Fille Rayne.
Sur des reprises savamment choisies parmi lesquelles on retrouve Willie Dixon, Buddy Guy, Eric Clapton, Luther Johnson et son mentor Junior Wells sur deux pistes, le New-Yorkais se montre brillant et son jeu toujours aussi affûté. Avec une saveur vintage très relevée, ALBERT CASTIGLIA accueille Alabama Mike, Danielle Nicole, Joe Bonamassa, Jimmy Carpenter, Josh Smith ou encore Monster Mike Welch. Et, cerise sur le gâteau, « Righteous Souls » garde sa patte malgré cette péliade de guests. Un travail somptueux et virtuose.
Retrouvez la chronique de son dernier album et celle de BLOOD BROTHERS en duo avec Mike Zito :
Avec « Red Moon Rising », Robert Jon Burrison (chant, guitare), Andrew Espantman (batterie), Henry James Schneekluth (guitare), Warren Murrel (basse) et, depuis peu, Jake Abernathie (claviers) atteignent la plénitude de leur art à travers un Southern Rock frais et ressourcé. Basé autour du mythe de la lune rouge qui apporte son lot d’espoir et de renaissance, ce nouvel opus de ROBERT JON & THE WRECK s’affiche déjà comme un indispensable de sa belle discographie.
ROBERT JON & THE WRECK
« Red Moon Rising »
(Journeyman Records)
Il y a quatre ans déjà, la sortie de « Last Night On The Highway » m’avait parcouru de frissons et, alors que le groupe évoluait encore en indépendant, il paraissait assez évident que le renouveau du Rock Sudiste passerait par lui. Etonnamment, c’est donc de Californie qu’est venu ce souffle chaud et novateur redonnant ses lettres de noblesse à ce style si expressif et rassembleur. Depuis, ROBERT JON & THE WRECK a arpenté sans relâche les scènes des Etats-Unis en long et en large, avant de faire également l’unanimité en Europe, où a même été enregistré le génial « Live At The Ancienne Belgique ». Et après neuf albums studio en moins de 15 ans, il se montre aussi infatigable que prolifique.
Et cette féconde créativité, on la doit aussi et surtout à la volonté des Américains de pouvoir, depuis leur signature sur le label de Joe Bonamassa, sortir à l’envie des singles au gré de leur inspiration. Avant la sortie de cet excellent « Red Moon Rising », on avait ainsi pu découvrir les morceaux « Ballad Of A Broken Hearted Man », « Help Yourself », « Hold On », « Stone Cold Killer » et plus récemment « Trouble ». Certes, ROBERT JON & THE WRECK y dévoile près de la moitié de ce nouvel opus (12 titres avec les bonus), mais cela permet aussi de tenir en haleine son public avant la découverte finale de l’ensemble du disque. Une manière très actuelle, et plus libre selon le combo, de diffuser sa musique entre ses concerts.
« Red Moon Rising » peut facilement être perçu comme l’apogée du style et de la personnalité artistique de la formation de la côté ouest, tant certains titres ont déjà des allures de classiques. La production de Kevin Shirley offre également ce petit plus en termes de lustre, avec beaucoup de clarté et une belle dynamique, ce qui manquait peut-être un peu auparavant. Dorénavant, ROBERT JON & THE WRECK brille comme jamais et la qualité du songwriting est irréprochable, tout comme les harmonies du chant et des guitares (« Dragging Me Down », « Give Love », « Hate To See You Go » et le fabuleux morceau-titre). Le quintet en impose et s’impose de la plus belle des manières.
Photo : Allison Morgan
Suivez le périple de ROBERT JON & THE WRECK à travers les chroniques et les interviews parues sur Rock’n Force (et avant même la création du site) :
Si depuis le début de ce nouveau millénaire, la scène Blues mondiale a vu quelques cartes rebattues avec l’émergence, dans la durée, de grandes blueswomen et bluesmen, il en est un qui surclasse tout le monde et c’est bel et bien JOE BONAMASSA. Sa créativité, en studio comme sur scène, est littéralement le souffle qui manquait à ce style si emblématique. Avec ce « Live At The Hollywood Bowl With Orchestra », il monte encore les curseurs et livre de manière sublime son lot de frissons.
JOE BONAMASSA
« Live At The Hollywood Bowl With Orchestra »
(J&R Adventures)
Alors qu’il vient tout juste de sortir le cinquième album de son supergroupe Black Country Communion, JOE BONAMASSA s’attaque déjà à nos platines et dans son style de prédilection. Et cette fois, c’est dans une configuration époustouflante qu’il interprète une partie de son répertoire. Rarement aussi bon qu’en live, il a investi le magnifique écrin qu’est le Hollywood Bowl de Los Angeles, cultissime amphithéâtre où se produisent depuis 1992 les plus grands noms de l’Histoire de la musique.
Alors que l’homme au costume a sorti presqu’autant de témoignages live que de réalisations studio, c’est de nouveau sur les planches qu’on le retrouve et entouré d’un line-up exceptionnel. Accompagné d’un orchestre de 40 musiciens dirigé par de grands chefs tels que David Campbell et Trevor Rabin, les morceaux de JOE BONAMASSA prennent une ampleur incroyable grâce à des arrangements millimétrés, inédits et audacieux. Et le résultat célèbre littéralement le talent de l’Américain.
Sublimées par l’orchestre symphonique, les compositions du guitariste et chanteur s’élèvent encore un peu plus et la qualité du songwriting original prend une nouvelle dimension. Sur une tracklist parfaitement équilibrée, alternant les titres dynamiques et d’autres purement Blues, JOE BONAMASSA dévoile l’étendu de son répertoire en se faisant virtuose, mais en laissant surtout parler les notes. Enveloppé de cordes, de cuivres, de choristes au diapason, d’une flûte et de son groupe, ce nouveau live est une petite merveille.
Photo : Jenise Jensen
Retrouvez les chroniques de ses précédents albums :
Vétérans fatigués pour certains, dieux vivants pour d’autres, une chose est sûre : les membres de BLACK COUNTRY COMMUNION ne laissent personne indifférent depuis maintenant 2010. Très attendu, cette cinquième réalisation se distingue à nouveau par sa fraîcheur et sa classe, et le combo anglo-américain en a encore sous le pied. Et l’écoute de « V » dévoile un très bon concentré de Hard Rock bluesy intemporel, comme seuls des musiciens de ce calibre savent encore le faire.
BLACK COUNTRY COMMUNION
« V »
(J&R Adventures)
Depuis 15 ans, et même s’il en aura fallu attendre sept entre leurs deux derniers efforts ensemble, Glenn Hughes (basse, chant), Joe Bonamassa (guitare), Derek Sherinian (claviers) et Jason Bonham (batterie) se font plaisir aux commandes de BLACK COUNTRY COMMUNION, supergroupe transatlantique comme on n’en fait plus depuis des lustres. Et si l’attente fut aussi longue, c’est aussi que nos quatre cadors ont un emploi du temps chargé et que, même à ce niveau-là, composer et entrer en studio nécessite déjà de se rencontrer…
Comme depuis les débuts de la formation, on retrouve le compagnon de route de longue date Kevin Shirley aux manettes de la production et, un peu aussi comme d’habitude, personne ne s’est vraiment foulé pour choisir le titre de ce cinquième album. Cependant, ce n’est pas non plus ce que l’on attend en priorité de BLACK COUNTRY COMMUNION, mais plutôt et surtout des morceaux de qualité. Et comme toujours, le quatuor est à la hauteur de son pédigrée avec Classic Hard Rock bluesy et virtuose à souhait.
Les deux premières choses qui frappent à l’écoute de « V » sont d’une part la cohésion qui libère ce groove commun et ensuite la performance vocale de Glenn Hugues qui, du haut de ses 73 printemps, tient la dragée haute à la jeune génération. Sa complicité avec Jason Bonham fait aussi des merveilles. Quant à Joe Bonamassa et Derek Sherinian, on ne leur connait pas de prestations moyennes. Parmi les incontournables du nouveau BLACK COUNTRY COMMUNION, on retiendra « Enligthen », « Stay Free », « Red Sun », « Restless » et « Love And Faith ».
C’est en s’immergeant dans ce Blues qu’il connait si bien que MIKE ZITO a décidé de conjurer la peine causée par la récente perte de sa femme. Avec « Life Is Hard », il revisite un répertoire plein d’émotion, bien sûr, et où la souffrance se mêle à l’espérance avec beaucoup de classe. Avec une honnêteté tellement perceptible, le musicien chante et fait sonner sa guitare avec le talent qu’on lui connait. Les frissons traversent les morceaux sur ce vibrant hommage, qui met aussi beaucoup de baume au cœur.
MIKE ZITO
« Life Is Hard »
(Gulf Coast Records)
Quelques mois après le décès de sa femme, MIKE ZITO revient avec un disque magnifique. Si certains pourraient penser que c’est rapide, il faut savoir qu’il avait scellé un pacte avec son épouse, lui promettant de continuer à faire ce qu’il fait de mieux : du Blues. Ainsi, deux ans après « Blues For The Southside » et plus récemment l’excellent « Live In Canada » des Blood Brothers avec son compagnon de toujours Albert Castiglia, le guitariste et chanteur présente « Life Is Hard », un retour en piste touchant, émouvant et aussi plein d’optimisme.
Pour le soutenir dans son effort et l’aider à traverser cette épreuve, MIKE ZITO a pu compter sur Joe Bonamassa et Josh Smith, qui ont produit l’album et sur lequel ils jouent également quelques parties de guitares. Une belle preuve d’amitié entre les trois bluesmen. Sûrement peu enclin à se lancer dans l’écriture d’une production complète, « Life Is Hard » est constitué pour l’essentiel de reprises, superbement adaptées, de chansons souvent douloureuses, mais pleines d’espoir. Et finalement, cet opus a quelque chose de réconfortant et de réparateur. Une sorte de thérapie.
Brillamment accompagné par les redoutables Reese Wynans (claviers), Calvin Turner (basse), Lemar Carter (batterie) et d’incroyables choristes, MIKE ZITO se montre lumineux dans son jeu de guiatre et au chant. Il signe d’ailleurs « Forever My Love » et « Without Loving You », deux des titres phares de « Life Is Hard », l’emblématique chanson de Fred James dont l’Américain signe une superbe cover. Puis, il enchaîne avec des morceaux de Little Milton, Tinsley Ellis, Tab Benoit, du révérend Gary Davis ou encore Stevie Wonder tout en Blues. Un bijou !
Retrouvez d’autres chroniques d’albums de MIKE ZITO :
Dans son rôle de producteur et de patron de label, qui mieux que Mike Zito en personne pouvait le mieux saisir toute la dynamique et l’énergie à l’œuvre ces deux soirs, où ce superbe « Live In Canada » a été capté ? En tournée avec son compagnon et frère de coeur Albert Castiglia, les deux musiciens ont fait rayonner leur Blues Rock en partageant la scène pour donner vie à un opus éponyme sorti ensemble quelques mois plus tôt. Superbement produit, on a le sentiment d’y être et chaque note est un émerveillement… très électrique !
BLOOD BROTHERS
« Live In Canada »
(Gulf Coast Records)
Réunis pour la première fois en mars dernier sur un album éponyme produit par Joe Bonamassa et Josh Smith et qui a squatté les charts Blues US, Mike Zito et Robert Castiglia, alias BLOOD BROTHERS, en avaient profité pour prendre la route et livrer leurs morceaux sur scène. Et c’est à White Rock, en Colombie-Britannique au Canada, qu’ils ont fait une paire de concerts les 19 et 20 mai. Un public incroyable, un groupe en très grande forme, il n’en fallait pas plus aux deux bluesmen pour immortaliser leur venue.
Nés à quelques mois d’intervalle, Albert l’aîné des deux à New-York et Mike à Saint-Louis dans le Missouri, les deux guitaristes, chanteurs et songwriters ont déjà été compagnons de label, durant un temps chez Ruf Records, avant de l’être depuis un moment et durablement sur celui de Zito, Gulf Coast Records. Enregistrer et tourner sous le nom de BLOOD BROTHERRS, dans cette configuration très familiale, n’a donc rien de très surprenant, d’autant que la connexion entre nos deux virtuoses est exceptionnelle.
Afin de bien distinguer Mike Zito et Albert Castiglia, les connaisseurs auront perçu que le premier joue sur Fender et le second sur Gibson, ce qui donne une première indication. Vocalement, plongez-vous dans leur discographie respective, qui s’élève tout de même à 36 albums cumulés, et vous pourrez profiter pleinement de BLOOD BROTHERS. Au programme ici, l’ensemble de l’opus studio, bien sûr, ainsi que « Gone To Texas » de Zito et le « Rockin’ In The Free World » de Neil Young, escale canadienne oblige, dans une version incandescente.
Photo : Danya Artimisi
Retrouvez les chroniques des derniers albums de Mike Zito et Albert Castiglia :
