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Blues France

Louis Mezzasoma : une inspiration très actuelle [Interview]

Elevé dans le chaudron, LOUIS MEZZASOMA fait partie de cette nouvelle génération, qui a parfaitement digéré la culture et l’Histoire du Blues pour être à même d’en proposer sa propre version. Créatif et audacieux, le Stéphanois a livré il y a quelques mois un troisième album, « Mercenary », aussi surprenant qu’envoûtant. Rencontre avec ce musicien pluri-cordistes très inspiré et à l’approche très personnelle du Blues.

Photo : Nanou

– Tout d’abord, comment en arrive-t-on à incarner et ressentir autant le Blues lorsqu’on a à peine 30 ans et que l’on vient de Saint-Etienne, qui n’est pas vraiment le berceau du genre ?

A vrai dire, je ne me pose pas la question, je le fais ! Cette musique, c’est moi, c’est qui je suis. Il se trouve que cette musique s’appelle le Blues. Pour moi, c’est très important d’être soi-même, certains se sont trouvés en adéquation avec eux-mêmes en faisant de la poterie, du fromage de chèvre ou je-ne-sais-quoi. Pour moi, c’est sortir ce que j’ai au fond de mes tripes, au fond de moi-même. C’est ça, le blues. Je crois que je suis une espèce d’énergumène qui a tendance à foncer, à ne rien lâcher. C’est comme ça que j’ai fait ma place et que je continue de le faire.

Pour parler un petit peu de ma ville, oui, Saint-Etienne n’est pas vraiment le berceau du Blues, mais j’ai eu la chance de voir passer pas mal de monde dans le coin. Aussi bien des locaux que des artistes internationaux. Il faut reconnaître qu’on a quelques lieux encore bien friands de bon Blues.

– Ce troisième album marque un cap dans le son et aussi dans tes compositions. On a presque l’impression qu’il y a eu un déclic, une sorte de maturité atteinte. C’est aussi ton sentiment ?

Pour moi, ce nouvel album est vraiment un beau sommet atteint. J’écris mes chansons quand l’inspiration vient et non sur commande. Au fur et à mesure, on a arrangé et structuré le “guitare/voix” initial. Cet album n’est pas issu d’un déclic, mais bien d’une progression, d’une évolution et d’une affirmation de ma part, qui s’est faite au fil des années, à jouer, à écouter de la musique, à faire des concerts et à voir d’autres artistes en live… et petit à petit trouver ma place. Il s’agit vraiment d’un album produit pour lequel on a eu une vraie préparation, qui nous a permis d’être prêts pour le studio et d’aller chercher le son dans les détails. Je suis vraiment très fier de cet album « Mercenary ».

– Les textes de « Mercenary » sont très personnels et plein d’émotion. Très souvent, les bluesmen s’inspirent de leur vie pour chanter le Blues. C’est ce que l’on ressent chez toi : une authenticité et une sincérité évidente. Qu’est-ce qui t’inspire ? Ton vécu ou est-ce que tout est fictif ?

Toutes les chansons sont inspirées d’histoires vécues. Je me permets, pour l’écriture, de narrer et de romancer, mais sans donner tous les détails de ce qui m’est arrivé. Ainsi, l’auditeur peut se faire sa propre interprétation de la chanson et éventuellement s’y projeter et voyager.

L’inspiration vient de mes rencontres, de voyages, des concerts que j’ai pu faire, mais aussi de ce que je peux ressentir à un moment donné. Certaines chansons viennent d’une expression, d’une phrase que j’ai entendue et qui m’a parlé, inspiré.

Pour faire le lien avec l’actualité, car l’album a été enregistré en Juillet 2020 en pleine pandémie. L’enfermement n’est, dans mon cas, vraiment pas propice à l’inspiration. C’est bien l’ouverture vers le monde, les autres et les différentes cultures qui sont sources de création.

D’autre part, je me rends compte (pour le côté stylistique), petit à petit, que j’aime beaucoup la musique de film (et notamment de western), et en effet mes chansons ont toujours eu tendance à nous plonger dans une atmosphère et un climat, que l’on peut retrouver dans le cinéma.

Photo : Cédric Masle

– Même s’il y a du monde sur ce nouvel album, tu as longtemps joué seul dans une configuration d’homme-orchestre. Qu’est-ce qui est le plus plaisant et le plus satisfaisant au final : être seul à la manœuvre ou jouer en groupe, ce qui grossit également le son ?

Ce qui est génial, c’est d’être seul à la manœuvre et de jouer en groupe. En effet, quand j’ai démarré en one-man-band, j’avais l’avantage de pouvoir amener mes chansons dans la direction que je souhaitais, et de me laisser porter par les émotions, le feeling du moment, notamment en fonction de la réaction avec le public. Nous avons fait quelques dizaines de concerts sous la nouvelle formule guitare/batterie, qui reste une formule réduite et dans laquelle je reste maître des changements harmoniques. La batterie me suit dans mes idées et surtout donne de l’épaisseur et de l’impact au son. Pour moi, cette idée de manœuvre est surtout valable pour la partie live, pour suivre les différentes improvisations et changement de structure s’il y en a. Pour un album, on se doit de fixer les choses et de les planifier, que ce soit seul ou en groupe.

– Justement sur « Mercenary », tu es accompagné du batteur et percussionniste Gaël Bernaud qui apporte de la puissance aux morceaux, ainsi que de l’harmoniciste Jean-Marc Henaux et des cuivres de Sylvère Décot et d’Anthony Tournier qui offrent tous beaucoup de chaleur et de diversité. C’est un large panorama dans lequel on voyage énormément. De quelle école ou famille du Blues te sens-tu le plus proche ou l’héritier ?

L’arrivée de Gaël Bernaud au sein du groupe devient vraiment officielle avec ce nouvel album. Faire un album, c’est pour moi l’occasion de présenter des nouveaux titres, mais aussi de proposer quelque chose que l’on ne trouvera pas dans le live, ou du moins pas de la même manière. C’est le moment de faire une recherche approfondie dans le son, et aussi de faire appel à d’autres musiciens. C’est pourquoi nous avons invité aux trompettes, Sylvère Décot et Anthony Tournier sur le titre « RustyMan », et Jean-Marc Henaux sur quatre autres chansons. Diversifier les instruments permet de la variété et surtout d’éviter la monotonie. J’ai toujours présenté des titres assez différents entre ballades et chansons bien énervées. Pour répondre enfin à la question, je pense venir de plusieurs familles de Blues assez différentes, mais avec une grosse influence par le Country-Blues notamment par mon jeux de fingerpicking. On va dire que mes techniques de jeu sont issues d’un Blues rural, plutôt originaire du sud des Etats-Unis. Cependant, mes manières d’amplifier les guitares font aussi le lien avec le Rock.

– On retrouve aussi cette diversité dans tes instruments que ce soit la guitare, le banjo, le dobro ou la cigar-box. Est-ce que tu les vois comme des vecteurs d’ambiances très distincts et avec lequel es-tu le plus familier et le plus inspiré ?

Les changements d’instruments à cordes et leurs différents accordages sont vraiment une source d’inspiration pour la composition de mes chansons. Et en effet ils apportent des ambiances très différentes, même si il y a un univers bien ciblé. Ma cigar-box est vraiment jouée sur des morceaux Rock, alors que ma guitare folk va plus être utilisée sur des ballades Country-Blues. Je réalise que mon dobro, joué en open D et au bottleneck, est peut être le plus polyvalent et me permet une amplitude de style entre ballade lancinante, Blues primitif ou Rock. C’est aussi l’instrument que j’ai le plus utilisé sur tous mes albums. Pour tout te dire, sur « Mercenary », j’ai utilisé sept guitares (ou instrument à cordes) différentes : folk, dobro, demi-caisse, électrique, 12 cordes, cigar-box et banjo

Photo : Nanou

– Ton Blues s’inspire beaucoup des pionniers du genre, or il n’est jamais nostalgique ou passéiste, notamment dans le son. Comment alimentes-tu ton jeu à travers des influences si anciennes, même si elles sont intemporelles ?

Malgré le genre qui ne date pas de la veille, j’écoute beaucoup d’artistes de Blues et de styles proches (Folk, Country, Rock…) d’aujourd’hui, dont certains que j’ai vu en live. Le Blues, c’est notre histoire personnelle. Peut être que si je chantais le Blues des autres, ou un Blues à l’honneur des pères du genre, je serais nostalgique ou passéiste. Mais je joue mon Blues, donc les histoires sont d’actualité, du moins de mon actualité.

Je vais me faire engueuler en disant ça mais perso, les vieux albums comme Robert Johnson, c’est génial pour le collectage, pour l’Histoire, pour les chansons, pour le jeu de guitare, mais c’est très dur à écouter, le son n’est vraiment pas fou. Le parti-pris pour notre album était de garder l’authenticité de la musique et des instruments, mais de traiter le son de façon moderne. On a utilisé des bons vieux micros vintage à l’ancienne avec les bons préamplis. On a fait des vraies prises de sons de batterie en s’acharnant sur le choix et les réglages de la caisse claire en fonction de chaque morceau. J’ai chanté dans un micro fait dans un obus de la seconde guerre mondial, les guitares étaient branchées dans des amplis à lampes bien crades que l’on a poussé à fond. Jusque-là, ça aurait pu marcher pour un groupe de Blues traditionnel, mais le traitement du son, lui par contre, a fait la différence. On a joué sur les effets, tordu les sons. Je pense aussi que certains arrangements comme des guitares additionnelles, des banjos et les chœurs ont eu eux aussi leur importance pour donner ce côté moderne.

– Enfin, le Blues est une musique de communion et de partage. Comment vis-tu la situation actuelle et comment envisages-tu ton retour sur scène ?

Mal… Jouer, faire des concerts c’est ma raison de vivre, c’est ma passion, mais aussi mon gagne-pain et on est en train de nous enlever tout ça. Le statut est assez précaire, mais c’est un choix pour faire ce que l’on aime. On doit faire de nombreux sacrifices pour y arriver… C’est assez dur de devoir rester en stand-by en attendant mois après mois de pouvoir reprendre. Pour vivre de la musique live, ça implique de faire des dizaines de concerts par an et chaque concert est dur à programmer, c’est un travail de longue haleine qui se fait entre six mois et un an et demi à l’avance. Depuis plus d’un an, on reporte, annule et reporte des événements déjà reportés, et c’est sans parler des lieux, des salles de spectacle et des festivals qui ferment. Je ne parle pas des Zénith ou des artistes qui passent à la TV régulièrement. Je parle des scènes alternatives trop souvent oubliées par les médias, des petits et moyens festivals, qui survivent grâce aux organisateurs et aux nombreux bénévoles qui se battaient, et se battent toujours, pour offrir de la culture, de la joie, de la convivialité et du bonheur.

Et oui, le Blues est une musique de partage, une échappatoire à la dureté de la vie pour faire place à de l’expression et de la joie. J’espère que nous sommes dans la dernière ligne droite et que nous allons pouvoir présenter ce nouvel album, « Mercenary », sur les planches très rapidement…

« Mercenary » est disponible depuis le 5 mars chez Le Cri Du Charbon.

Retrouvez la chronique de l’album :

https://rocknforce.com/louis-mezzasoma-des-emotions-essentielles/

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Blues International

Archie Lee Hooker : entre héritage et transmission [Interview]

Etre le neveu d’un géant comme John Lee Hooker pourrait être un fardeau bien trop lourd à porter pour beaucoup. Et pourtant, c’est l’esprit de famille gravé dans le cœur et un amour immense du Blues qui poussent ARCHIE LEE HOOKER dans cette voie qu’il aurait, de toute façon, eu du mal à éviter. Vivre le Blues et le chanter est bien plus qu’une passion pour l’Américain, installé en France depuis une dizaine d’année. C’est une nécessité et presqu’un devoir. Entretien avec l’un des derniers grands musiciens et détenteur de l’âme première du Blues…   

– Né dans le Mississippi, c’est pourtant en arrivant à Memphis, Tennessee, que tu t’es réellement investit dans la musique et notamment dans un groupe de Gospel où tu chantais. Qui avait-il de différent là-bas ? Le Mississippi est une terre très musicale pourtant aussi ?

Au Mississippi, la musique était une activité de week-end, parce que tout le monde travaillait dans les plantations pendant la semaine. La musique gospel était jouée dans les offices religieux, donc c’était surtout le week-end, et parfois le mercredi. Mais le dimanche était le jour le plus important pour les églises. Cela commencerait à 9 heures pour les enfants de l’école catholique, puis il y avait de la musique jusqu’à 13 heures et aussi à 15 heures généralement au deuxième office, où des personnes extérieures à l’église pouvaient venir. C’était une fête.

– Le Blues est finalement entré assez tard dans ta vie, en 1989. A cette époque, tu vis chez ton oncle, le grand John Lee Hooker, The Boogieman. Te souviens-tu de tes premiers sentiments à l’écoute de ses notes de Blues et dans quelles circonstances cela a-t-il eu lieu ?

Pour moi, écouter son blues revenait à écouter sa vie, son parcours et de la raison pour laquelle il était tel qu’il était. Sa musique racontait vraiment sa vie. Et écouter ses paroles se reflétait sur ma propre vie. Nous avions eu tous les deux une enfance similaire, car nous étions tous deux issus des plantations. Ecouter sa musique m’a aidé à faire des choix dans ma propre vie.

– Tous les bluesmen rêvent d’une telle initiation, ainsi que de pouvoir rencontrer les grands musiciens que tu as pu côtoyer à l’époque. Etais-tu conscient de la chance que tu avais et du privilège de pouvoir écouter et jouer avec de tels musiciens ?

J’étais reconnaissant de pouvoir les écouter tous. Non seulement d’écouter leur musique, mais aussi d’écouter les histoires qu’ils racontaient. J’ai eu beaucoup de chance de rencontrer autant de musiciens de Blues qui comptent parmi les plus grands.

– Est-ce que c’est à ce moment-là que tu as vraiment trouvé ton chemin et surtout le ton, les sonorités et le style que tu voulais donner à ton jeu ?

Oui, quand j’ai rencontré tous ces différents musiciens, ils ont tous projeté leur art d’une manière différente. Et c’est là que j’ai décidé de trouver ma propre voie, de ne pas les copier, mais de trouver mon truc. Etre naturel et concret. Quand vous touchez et approchez ces musiciens, vous vous rendez compte de qui ils sont, et qu’ils sont bien réels au sens de qui ils sont véritablement. Et c’est ce que je voulais faire moi-même !

– Est-ce que, dès le départ, ton intention a été de te démarquer de cet immense héritage familial, ou au contraire d’apporter une pierre supplémentaire à l’édifice ?

C’est ce que j’essaie de faire, c’est-à-dire de garder vivant ce que faisait John et d’y ajouter quelque chose de personnel au lieu de prendre quelque chose qu’il aurait déjà fait. Je ne veux pas le copier. Quelque part dans notre lignée, un autre membre de la famille prendra le flambeau et le portera encore plus loin, du moins c’est ce que j’espère !

– Il y a 10 ans, tu as décidé de venir t’installer en France. C’est assez surprenant de quitter la patrie du Blues. Pourquoi la France a-t-elle été ta destination privilégiée ? Tu as eu un feeling particulier, ou est-ce juste par exotisme musical ?

C’était une suggestion de John. Si je voulais faire du blues, je devais voyager en Europe ! Je lui ai demandé où et il a dit qu’il ne pouvait pas me le dire, mais que je le saurais une fois que j’y serai. Et c’est arrivé en France et c’est ici que la roue a commencé à tourner en ma faveur. Cela aurait pu être n’importe où, mais pour moi c’était la France. Ce n’était pas quelque chose de prévu, c’est simplement arrivé naturellement ! Et j’aime ça !

– C’est après une tournée européenne avec Carl Wyatt & The Delta Voodoo que tu as décidé de monter ton propre groupe. Que cherchais-tu que tu ne trouvais pas à ce moment-là musicalement ?

Je cherchais à me trouver véritablement, ce qu’il y avait au fond de moi. Je cherchais des musiciens qui pourraient projeter le son que j’avais en moi dans un groupe. Carl est mon frère et nous sommes encore de très bons amis. Il a son style et je l’adore, mais pour mon groupe, je cherchais un son différent. Je voulais jouer mon propre style. La musique que je fais aujourd’hui est celle que j’entendais quand j’étais jeune. C’est pourquoi j’ai décidé de créer le Coast To Coast Blues Band. Juste pour jouer ce que j’ai dans le cœur et dans la tête…

– Justement aujourd’hui ton groupe, le Coast To Coast Blues Band, est constitué de musiciens brésiliens, français et luxembourgeois, le tout mené par un Américain. Comment as-tu monté ce casting éclectique et tellement complémentaire ? Le Blues n’a donc pas de frontières ?

Non, le Blues n’a pas de frontière. C’est pour ça que je n’ai pas choisi les musiciens d’après leur pays d’origine, mais juste pour leur talent. Et comme ils venaient tous de régions côtières différentes, le nom du groupe est venu naturellement. Tout le monde vient d’une partie du monde différente, tout le monde a eu une enfance différente et écouté de la musique différente. Tout cela s’infiltre dans le son d’un océan à l’autre. Nous avons réussi à réaliser ce que nous voulions vraiment. Nous avons tous un rêve et se retrouver pour jouer cette musique est magnifique.

– Après « Chilling » en 2018, « Living In A Memory » vient de sortir et il respire le Blues, la Soul avec toujours ce petit côté Gospel. Comment composes-tu et qu’est-ce qui t’a guidé cette fois dans tes compositions ?

La vie ! C’est elle qui m’a guidé. Je la revis, car je regarde en arrière pour voir ce que j’ai vécu, les routes que j’ai parcouru et emprunté pour me souvenir de tous ces jours et les mettre en mots. Beaucoup de gens dans ce monde pourraient vivre la même chose que moi et s’ils peuvent apprendre de mes erreurs, alors j’aurais fait la meilleure chose qu’on puisse faire sur cette planète : j’aurais aidé quelqu’un d’autre. Si quelqu’un passe par la même chose que moi, il peut apprendre de mes erreurs et ne pas avoir à en faire l’expérience lui-même.

– Cet album sonne très américain, même après 10 ans passés en France. Le son européen n’a pas eu d’influence sur ton jeu ou même tes envies de création ?

Le son européen est différent, c’est vrai. Je dirais que notre son est américain, mais surtout américano-européen ! (Rires) Le son du groupe vient de ce que les musiciens ont entendu dans la musique américaine et de la manière dont ils l’ont traduit dans leur façon de jouer. Et c’est vraiment ce qui la rend très excitante pour moi.

– Est-ce que tu suis un peu la scène Blues française, et quel regard y portes-tu ? Il y a des groupes que tu apprécies tout particulièrement ?

Oui, j’écoute la scène française. Les musiciens prennent la musique américaine et se l’approprient, ce qui est génial. Je prendrais comme exemple Fred Chapellier, Bâton Bleu, Charlie Fabert ou Dom Ferrer pour n’en citer que quelques uns.

– Enfin, j’imagine que tu gardes aussi un œil sur la scène américaine. Quels sont les talents émergents qui ont attiré ton regard dernièrement ?

La jeune génération, celle qui est dans la trentaine, a grandi avec le Blues traditionnel et elle retourne à ses racines. Phillip Michael Scales, Christine Kingfish Ingram de Clarksdale sont très jeunes, mais ils jouent tous un Blues traditionnel. Le simple fait de les voir se l’approprier et ne pas le laisser mourir me rend heureux. Le Blues, c’est l’histoire de l’Amérique. C’est ce qui a permis au pays de rester uni, car c’était la musique qui les avait réunis. Ce sont nos racines.

« Living In A Memory » est disponible depuis le 16 avril chez Dixiefrog/PIAS.

Retrouvez la chronique de l’album : https://rocknforce.com/archie-lee-hooker-the-coast-to-coast-blues-band-un-prenom-qui-en-impose/

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Blues

Jessie Lee & The Alchemists : un Blues radieux

Tout en feeling, sans être trop démonstratif et malgré une virtuosité de chaque instant, JESSIE LEE & THE ALCHEMISTS vient confirmer toute la classe et l’élégance aperçues sur son premier album il y a trois ans. Plein d’émotion, de douceur mais aussi d’ardeur et de chaleur, le groupe régale sur ce « Let In Shine » abouti et d’où émane une atmosphère radieuse.

JESSIE LEE & THE ALCHEMISTS

« Let It Shine »

(Dixiefrog Records/PIAS)

Décidemment la scène Blues et Blues Rock française se porte de mieux en mieux en dévoilant un style et un son bien à elle, grâce à des groupes inspirés et définitivement décomplexés. Et JESSIE LEE & THE ALCHEMISTS tire formidablement bien son épingle du jeu avec ce second album, où le duo formé par la chanteuse et guitariste Jessie Lee et le six-cordiste et songwriter Alexis ‘Mr Al’ Didier montre une énorme complicité.

Idéalement accompagné par Laurent Cokelaere (basse), Stéphane Minana-Ripoll (batterie) et Laurian Daire (claviers), JESSIE LEE & THE ALCHEMISTS développe un groove et une aisance artistique totale. Et l’on doit certainement ce bel équilibre au fait que « Let It Shine » ait été mixé et masterisé en analogique, offrant une superbe couleur à l’album que des chœurs féminins et des cuivres viennent un peu plus faire briller.  

Alors que JESSIE LEE est vocalement impériale avec la fougue et le feeling qu’on lui connait, Mr Al et THE ALCHEMISTS font aussi preuve de beaucoup de liberté et de générosité dans le jeu (« But You Lie », « The Same », « One Only Thing »). L’album dévoile des contrées Blues majestueuses dans un ensemble très Soul, Rock, et même Southern (« You Gotta », « Let It Shine », « I Don’t Need To Say »). Eminemment solaire et bienfaiteur !

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Blues Progressif Rock

The Damn Truth : l’explosive révélation québécoise

Si Montréal et Québec connaissent déjà par cœur THE DAMN TRUTH, les amoureux de Psych Rock vintage, qui regardent plutôt devant que dans le rétro, devraient eux aussi succomber à la musique irrésistible, musclée et généreuse du quatuor. Ce troisième album, « Now Or Nowhere », s’annonce comme celui de l’envol et de la reconnaissance pour le dynamique combo.

THE DAMN TRUTH

« Now Or Nowhere »

(Spectra Musique/Sony Music)

Ça fait déjà un petit moment que le single « This Is Who We Are Now » tourne en boucle sur les radios canadiennes et britanniques et la déferlante THE DAMN TRUTH s’apprête à s’abattre sur le reste de l’Europe et même au-delà. Vous verrez ! Porté par une fougue et une énergie incroyable, le quatuor de Montréal sort son troisième album et celui-ci est une vraie petite bombe de Rock/Blues vintage ravageur et pétillant.

Les Canadiens n’ont pas attendu la vague rétro 70’s pour s’engouffrer dans la brèche, loin de là. Le groupe de Rock Psychédélique modernise et électrise le genre pour lui apporter une touche contemporaine très percutante. Et si THE DAMN TRUTH est une valeur sûre de l’underground québécois, il ne va pas le rester bien longtemps, car c’est avec « Now Or Nowhere » que le combo va inscrire son nom en lettres d’or.  

Enregistré dans le studio de Bryan Adams à Vancouver et mixé aux deux tiers par l’immense Bob Rock, qui n’a pu finir le travail à cause du Covid, ce nouvel album regorge de pépites toutes plus explosives les unes que les autres. Mené par sa charismatique frontwoman Lee-La Baum, THE DAMN TRUTH montre une assurance, une attitude solaire et extrêmement positive, ainsi qu’une une énorme envie très Rock’n Roll.

Si le premier extrait de l’album est d’une efficacité redoutable, « Tomorow » restera ancré un long moment tant il est addictif. Les Canadiens jouent sur leur formidable feeling, une puissance totalement débridée et des sensations à la fois incandescentes et enveloppantes de douceur. « Now Or Nowhere » est enthousiasmant de bout en bout, alors plutôt que de mettre en avant quelques titres : écoutez-le dans son intégralité.

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Blues Rock

Gary Moore : éternel

Guitariste emblématique aussi incontesté et qu’incontestable du Blues moderne, GARY MOORE a marqué les esprits grâce à un son unique, un jeu éblouissant et un incroyable toucher. Dix ans après sa tragique disparition, on découvre huit morceaux inédits (quatre originaux et autant de reprises) à travers ce « How Blue Can You Get », qui vient se poser aux côtés des classiques du musicien.

GARY MOORE

« How Blue Can You Get »

(Provogue/Mascot)

La majeure partie des albums posthumes ennuient, agacent et n’apportent rien mais, par chance, il n’en est rien de ce (presque) nouveau disque de GARY MOORE. Reconnu comme l’un des meilleurs guitaristes et songwriters de sa génération, le nord-Irlandais a marqué d’une empreinte indélébile le monde du Blues, et même au-delà. Avec quatre chansons originales et autant de reprises, « How Blue Can You Get » fait revivre la légende.

Cet album provient tout droit des archives familiales du musicien, qui semblent regorger de versions alternatives et de prises inédites, qui restent hors du commun. Dès les premières notes de « I’m Tore Down » signé Freddie King, on retrouve le son et le toucher incroyable de GARY MOORE, qui se fait aussi plaisir sur « Steppin’ Out » de Memphis Slim et « Done Somebody Wrong » d’Elmore James.

Parmi les titres originaux, le guitariste régale d’émotion sur « In My Dreams », superbe ballade dans la lignée des derniers albums du maître. « Looking At Your Picture » reste dans la même veine, tout comme le déchirant et stratosphérique « Living With The Blues ». GARY MOORE rend aussi un hommage touchant à BB King avec le superbe « How Blue Can You Get ». En plus de nous régaler, la légende fait toujours autant de bien.

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Blues Folk/Americana

Jay And The Cooks : poésie urbaine

Si pour de nombreux musiciens, c’est aux Etats-Unis que se joue et se vit le Blues, certains font le chemin inverse. C’est le cas du songwriter, chanteur et guitariste américain JAY RYAN, établi en France puis une trentaine d’années. Avec « Le Cœur Sec », cinquième album du musicien, il s’exprime en français dans un Blues très Rock et Americana. Un côté brut authentique.

JAY AND THE COOKS

« Le Cœur Sec »

(Juste Une Trace/Socadisc)

Eternel baroudeur, le songwriter américain a posé ses valises en France, en Provence, avant de venir s’installer près de Paris à Saint-Denis. Après avoir joué dans de nombreuses formations, JAY RYAN a réuni ses COOKS, groupe constitué de proches avec qui il revient aujourd’hui avec un  album qui brille notamment par la grande qualité de son line-up. Le sextet a fière allure et les compos s’en ressentent.

Dans un registre à dominance Blues, le chanteur et guitariste livre le cinquième album de JAY AND THE COOKS. Entièrement écrit en français, « Le Cœur Sec » sonne très Rock et jette un regard acide sur notre société et la situation actuelle (« Presque Foutu », « Travailleurs Essentiels », « Je N’ai Pas Vu Les Signes »). Authentique et sincère, les morceaux de l’Américain s’inscrivent dans un style très brut et avec humour (« La Seine S’en Moque », « Branché Bio »).

Cette poésie urbaine est également teintée de Country et d’Americana comme sur l’étonnante reprise de Gainsbourg (« Je Suis Venu Te Dire Que Je M’en Vais »), où JAY AND THE COOKS offre une version très personnelle et singulière de ce classique de la chanson française. S’il est vrai qu’il faut parfois tendre l’oreille pour saisir toute la subtilité des textes, le chanteur rend une copie remarquable et touchante.

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Blues Folk/Americana Southern Rock

Stephen Foster & Howler : Sweet Home Alabama

Songwriter de grande classe et brillant musicien, STEPHEN FOSTER incarne l’âme Southern dans toute sa splendeur et son large spectre. Avec son groupe HOWLER, basé à Muscle Shoals en Alabama, le musicien, qui a sorti huit albums cette dernière décennie, livre un « Southern » qui rappelle ô combien le sud américain est inspirant.

STEPHEN FOSTER & HOWLER

« Southern »

(Thoroughbred Music)

Les fans de Blues et de Southern Rock connaissent STEPHEN FOSTER. Le guitariste, claviériste et songwriter de génie est une légende et œuvre depuis cinq décennies au service de la musique made in Muscle Shoals. Cette agglomération d’Alabama est mondialement connue pour ses studios qui ont fait les belles heures des charts américains. Proche de Memphis et de Nashville, ce haut lieu résonne toujours.

Compagnon de jeu de Percy Sledge et compositeur pour Lynyrd Skynyrd, STEPHEN FOSTER a travaillé avec le gratin et revient aujourd’hui avec son groupe HOWLER. Constitué de musiciens ayant joué avec Little Richard et Jerry Lee Lewis, le quatuor a une allure de grosse machine… et c’en est une ! Combinant, Blues, Rock, Americana et Boogie-woogie, les Américains portent l’âme et le son du sud des Etats-Unis avec brio.

« You Can’t Take Me Home », premier extrait de « Southern », a été écrit en hommage à son ami Ronnie Van Zant disparu tragiquement en 1977. A l’écoute du morceau, on comprend mieux la complicité et le passé commun que STEPHEN FOSTER partage avec Lynyrd Skynyrd. L’album est d’une grande sincérité et les morceaux sont aussi brûlants qu’ils peuvent être touchants et profonds (« Little Things », « Cathead Blues », « Biloxi », « Arkansas »).

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Blues

Archie Lee Hooker & The Coast To Coast Blues Band : un prénom qui en impose

Voix de velours, authenticité et une musique où se marient avec grâce Blues et Soul : voici la recette de ce deuxième album d’ARCHIE LEE HOOKER, neveu du géant Boogieman. Le chanteur américain, installé en France depuis dix ans, ne se contente pas de surfer sur l’héritage familial, bien au contraire, et le prouve avec une musique aussi envoûtante que subtile et majestueuse.

ARCHIE LEE HOOKER & THE COAST TO COAST BLUES BAND

« Living In A Memory »

(Dixiefrog/PIAS)

Ce n’est jamais facile d’endosser le patronyme d’une légende du Blues et pourtant ARCHIE LEE HOOKER, neveu du Boogieman, continue sa route avec un héritage musical à faire pâlir n’importe quel bluesman. Ayant vécu chez son oncle plus de 10 ans où il a aussi vu défiler les plus grands noms du style, le chanteur du Mississippi s’est forgé une expérience incomparable entouré des plus grands dont l’immense John Lee bien sûr.

Mais c’est finalement assez éloigné du patrimoine musical familial qu’évolue le musicien. ARCHIE LEE HOOKER a trouvé sa voie depuis de nombreuses années et si elle reste gravée dans un Blues intemporel et tout aussi majestueux que son oncle, la comparaison s’arrête là. C’est à Memphis qu’il a fait ses premières armes dans un groupe de Gospel, dont on retrouve l’empreinte Soul tout au long des morceaux de « Living In A Memory ».

Installé en France depuis 2011, le chanteur a monté un groupe où l’alchimie est époustouflante. Le quintet compte des musiciens brésiliens, français et luxembourgeois tous animés de la même flamme et d’un feeling incomparable (« Long Gone », « Getaway », « Nightmare Blues », « I Lost A  Good Woman » et le tendre et touchant « I Miss You, Mama »). ARCHIE LEE HOOKER et son COAST TO COAST BLUES BAND régale et enchante.

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Blues Folk/Americana

Rumour : un voyage inspiré et inspirant

Très mélodique et accrocheur, ce premier album de RUMOUR montre un très bel équilibre entre des morceaux au songwriting efficace et à la production limpide et sans fioriture. « The Journey » a de quoi séduire à bien des niveaux, grâce à un style Americana assez Pop, où le Rock, la Folk et le Blues et quelques sonorités Country vont à l’essentiel.

RUMOUR

« The Journey »

(Independant)

Originaire d’Angleterre, RUMOUR sort son premier album autoproduit « The Journey » et on sent que le groupe s’est vraiment fait plaisir. Loin d’être des débutants, les cinq membres de la formation sont des musiciens aguerris, qui ont ensemble voulu conjuguer leur talent et leur expérience sur des morceaux aboutis et remarquablement bien interprétés. Très bien produit, « The Journey » est une belle surprise.

Ayant pour la plupart fait leurs armes aux côtés de pointures internationales et anglaises, Liz Nicholls (chant), Peter Brookes (guitare), Rob Craner (batterie), Paul Brambarni (claviers) et Owen Davidson (basse) présentent un registre sur une base Americana teinté de Pop. Quelque part entre Fleetwood Mac, Tom Petty et Texas, RUMOUR a trouvé sa voie dans une ligne positive et entraînante.

Tout en finesse et sur un groove remarquable, les Anglais font preuve de beaucoup de feeling, portés par la voix chaude et délicate de Liz Nicholls. A la guitare, Peter Brookes, qui signent les morceaux avec le poète et écrivain Phil Thomson, fait des merveilles grâce à un jeu oscillant entre Rock, Folk, Blues et des solos aérés et efficaces. En ballades et titres plus pêchus, RUMOUR impose une touche très personnelle.

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Blues

Voodoo Ramble : le Blues croate

A la fois très costaud et sensible, on sent que VOODOO RAMBLE a dû barouder pour en arriver à un Blues Rock aussi efficace. Tout en puissance et en feeling, les Croates menés par un Boris Zamba impérial à la guitare et au chant, livre un nouvel album remarquablement bien produit et au contenu qui balaie le style de ses racines américaines jusqu’en l’Europe de belle manière. « That’s Why » est aussi accrocheur que profond et fait vraiment du bien.    

VOODOO RAMBLE

« That’s Why »

(Thoroughbred Music)

Fondé il y a un peu plus de 10 ans en Croatie par Boris Zamba, leader de la formation, VOODOO RAMBLE a longtemps écumé les bars, les festivals, les rassemblements de bikers et autres clubs pour bâtir sa réputation aujourd’hui irréprochable et étendue jusqu’en Italie et à Memphis. Guitariste, chanteur et songwriter, le musicien a eu tout le loisir de peaufiner un Blues, qui sonne très Rock et même Rythm’n Blues. 

Pour son premier album sur le label indépendant Thoroughbred Music, le groupe n’a pas fait les choses à moitié. Sur une superbe production signée Drago Smokrovic Smokva, alias ‘The Fig’, VOODOO RAMBLE propose 12 titres très aboutis aux saveurs variées, passant d’une ambiance très cuivrée à la Blues Brothers à un style plus profond et rude et des sonorités à dominante européenne.

On retrouve pourtant chez les Croates une interprétation très américaine et Soul sur une énergie débordante. Très groove et tout en feeling, Boris Zamba mène ses hommes dans un registre plein de fraîcheur (« Raise Your Hand », « Yellow River », « The Man »). Avec ce très bon « That’s Why », VOODOO RAMBLE se hisse tranquillement au rang des meilleures formations Blues Rock actuelle sans trembler (« Midnight Train », « Sally »).