Avec dorénavant quatre albums studio et un Live, le sextet de Pennsylvanie est déjà considéré comme l’une des formations majeures de la nouvelle génération Blues Rock américaine. « Fast Last Time » est plus Southern que ses prédécesseurs et là où GHOST HOUNDS brille, c’est par le songwriting et la grande expérience de ses musiciens, qui donnent un relief et une dimension incroyable à ce nouvel opus.
GHOST HOUNDS
« First Last Time »
(Gibson Records)
Un an après l’excellent « You Broke Me », le groupe de Pittsburg fait déjà reparler de lui et parvient même à hausser sérieusement son niveau, grâce à des compositions exceptionnelles. Toujours écrites par son maître à penser Thomas Tull, elles sont cette fois plus axées sur un Blues Rock traditionnel teinté d’une touche Southern très présente et des envolées Soul majestueuses. GHOST HOUNDS n’a rien laissé au hasard et ce quatrième album est tout simplement exceptionnel, tant il présente le Blues sous toutes ses formes.
Irrésistible au chant, Tre Nation s’affirme avec beaucoup d’émotion sur des morceaux où il alterne avec maestria puissance et douceur. Le frontman est l’un des meilleurs du genre et cette nouvelle performance atteste de son feeling et de sa grande polyvalence. Aux guitares, Thomas Tull et Johnny Baab font des merveilles, tout comme le claviériste Joe Munroe, Blaise Lanzetta (batterie) et Bennet Miller (basse). GHOST HOUNDS est redoutable de par ses talents et en fait l’éclatante démonstration.
Les Américains donnent la même importance aux riffs qu’aux textes et c’est probablement ce qui fait aussi leur force. Il n’y a plus qu’à se laisser aller au gré des mélodies savamment orchestrées (« Last train To Nowhere », « Make It Shake », « Here No More », « Hot Dog » et le morceau-titre). GHOST HOUNDS se montre aussi percutant que créatif dans un registre Blues Rock gras que sur un Southern Rock entraînant et il apporte aussi un regard neuf et actuel au titre « Country Roads » de John Denver. Immanquable !
Au meilleur de sa forme, LANCE LOPEZ est capable de livrer des morceaux d’une phénoménale intensité. C’est très précisément le cas avec ce dixième album solo, « Trouble Is Good », où le musicien se montre brillant et souvent même étourdissant. Son Blues Rock est flamboyant et distille une chaleur très sudiste. Massif et virtuose.
LANCE LOPEZ
« Trouble Is Good »
(Cleopatra Records)
Après avoir dû surmonter plusieurs problèmes personnels, LANCE LOPEZ semble requinqué à en en juger par ce très bon « Trouble Is Good », qui arrive cinq ans après « Tell The Truth ». Le Texan d’adoption (il est né en Louisiane) se présente avec un nouvel album dont la direction musicale est nettement plus précise et faite d’un Blues Rock hyper-musclé et tirant même vers le Hard Rock, tout en laissant parler ses émotions.
Guidé par une passion débordante, le guitariste, chanteur et songwriter fait toujours autant preuve de dextérité et de feeling. Les riffs et les solos semblent glisser sous ses doigts et les chevauchées de l’Américain sont aussi fougueuses qu’impressionnantes. « Trouble Is Good » donne presque l’impression d’un LANCE LOPEZ jusqu’ici bridé. Et s’il reste dans les pas de Stevie Ray Vaughan et de Billy Gibbons, c’est avec beaucoup de personnalité.
Le fondateur de Supersonic Blues Machine en a encore sous le pied et conserve avec une magie intacte toute la rugosité du Texas Blues imprégné d’un grain très 70’s et d’une puissance saisissante. L’énergie très live de LANCE LOPEZ est brûlante et même carrément grisante (« Jam With Me », « Take A Swing », « Wild Country », « Trying In The Tri State » et le mystique « Voyager : Sunrise, Voyager, I Am Ra ». Etincelant !
Costaud et rugueux, tout en affichant une légère désinvolture lancinante, OLE LONESOME sort son premier opus, « Tejas Motel », qui montre déjà une grande maturité. Loin d’être des novices de la scène texane, le combo joue sur des couleurs à la fois vintage et modernes pour obtenir un Blues Rock touchant et déterminé. Leur cœur est au sud et cela s’entend autant dans leur démarche que dans leur propos. Les Américains offrent une première réalisation généreuse et sensible.
OLE LONESOME
« Tejas Motel »
(Gulf Coast Records)
C’est dans le sud-est du Texas à Beaumont, du côté des marais pétrolifères, qu’ont grandi les membres d’OLE LONESOME. Zachary Feemster (guitare, chant), J. Wesley Hardin (basse), Gregory Mosley (claviers), Jimmy Devers (batterie) et Greg Achord (guitare) ont été nourris au Blues des pionniers, roots et épais, mais c’est pourtant guidés par une énergie et une inspiration très contemporaine qu’ils se présentent avec « Tejas Motel », un opus varié, entraînant, solide et doté d’une production directe et sincère.
Détecté par le guitariste, producteur et patron de Gulf Coast Recors, Mike Zito, dont le chanteur et six-cordiste a tournée au sein du groupe il y a un peu plus de dix ans, OLE LONESOME n’arrive donc pas en terre inconnue pour son premier album, enregistré en Louisiane. Le titre et le thème principal du disque sont nés dans la tête du frontman en passant devant le panneau d’un motel miteux, qui a inspiré « Tejas Motel ». Il s’agit donc d’une succession de petites histoires, qui donnent et redonnent vie à l’endroit.
Bien sûr, il se dégage des sonorités Southern dans le jeu et le son d’OLE LONESOME, mais sans pour autant être prédominantes. Le quintet puise son inspiration dans le Blues Rock américain au sens large du terme et déploie un style original. Les riffs sont gras, le chant déterminé avec une touche Old School et l’ensemble sonne terriblement organique. C’est cette authenticité qui rend les Texans si attachants dans leur approche (« Yvette », « Easy Street », « Ain’t No Good », « Natural Fact »). Ensorcelant !
Faisant partie des plus grandes formations Blues d’Europe du Nord aux côtés de Bjørn Berge et de la reine de la slide Erja Lyytinen avec qui il a d’ailleurs travaillé, MICKE BJORKLOF & BLUE STRIP joue du Blues en ne se contentant pas de quelques chapelles, il englobe l’ensemble du style avec un feeling et une dextérité sans faille. Avec « Colours Of Jealousy », le chanteur, guitariste et songwriter éblouit encore une fois de sa classe et de celle de ses partenaires.
MICKE BJORKLOF & BLUE STRIP
« Colors Of Jealousy »
(Hokahey Music Productions)
Depuis plus de 30 ans, le multi-instrumentiste alterne avec ses formations, MICKE BJORKLOF & BLUE STRIP en électrique et Micke & Lefty feat. Chef dans un registre acoustique et en trio. Dix albums sont déjà sortis et c’est avec son quintet qu’il se présente cette fois avec ce « Colors Of Jealousy » de toute beauté. Le bluesman finlandais se montre toujours très inspiré et la qualité d’interprétation est encore irréprochable.
Primé à de nombreuses reprises, le Scandinave affiche une grande créativité, bien aidé dans son effort par un groupe exceptionnel. MICKE BJORKLOF & BLUE STRIP parvient avec une facilité déconcertante à faire le pont entre un Blues contemporain, un Blues Rock enflammé avec quelques touches bien senties d’influences du Delta et un soupçon de Nouvelle-Orléans et de Country. Un rayonnement incroyable.
Si « Colors Of Jealousy » arrive huit ans après « Ain’t Bad Yet », c’est que le groupe a beaucoup tourné, mais notre patience est magnifiquement récompensée. Enveloppé par les chœurs de Lena Lindroos et la slide de Lefty Leppänen, MICKE BJORKLOF & BLUE STRIP joue sur la corde sensible, tout en parvenant à garder un rythme d’enfer (« Highway Highway », « Missing My Woman », « Are You Real », « Through You Were Mine », « Into The Fire », « It Takes Two »). Eblouissant !
Avec ce cinquième album, GRAINNE DUFFY entre définitivement dans la cour des grand(e)s avec une classe et une personnalité très affirmée, qui rayonnent littéralement sur « Dirt Woman Blues ». La songwriter, chanteuse et guitariste irlandaise livre un opus d’où émane beaucoup de force, de caractère sur des sonorités où ses racines celtes se fondent dans un groove très américain. La musicienne est partie sous le soleil de Californie enregistrer ces morceaux très roots et modernes à la fois dans lesquels sa voix s’impose avec puissance, dynamisme et délicatesse. Rencontre avec une artiste brillante.
Photo : The Bedford Blackham Images
– Trois ans après le très bon « Voodoo Blues », tu reviens avec « Dirt Woman Blues » qui est beaucoup plus roots et rugueux. Est-ce qu’après un peu plus de 15 ans de carrière, tu penses que c’est l’album qui te ressemble le plus ? C’est en tout cas l’impression qu’il donne…
Oui, je pense qu’il me ressemble beaucoup, parce qu’il combine mon amour pour le Blues et ses racines et la musique celtique. Les deux ensemble. C’est une réelle unité à travers le son et les éléments. C’est quelque chose que j’ai toujours voulu représenter dans ma musique.
– Tu as co-écrit l’album avec ton mari Paul Sherry. Comment se traduit ce travail ? C’est plutôt une opposition de styles ou une complicité qui grandit au fil du temps ?
C’est clairement une complicité qui grandit au fur et à mesure. C’est une sorte de travail artisanal que l’on fait tous les deux. Nous sommes très ouverts et, même si nous avons chacun notre style, on s’ouvre à celui de l’autre pour en faire quelque chose qui nous ressemble aussi. Au fil du temps, mon état d’esprit a changé également et aujourd’hui, nous sommes très complices musicalement, c’est vrai.
Photo : The Bedford Blackham Images
– « Dirt Woman Blues » emprunte de nombreuses directions à travers le Rock, un Blues souvent Old School, des éléments d’Americana aussi et pourtant l’ensemble sonne très moderne. On a l’impression que ton côté ‘vintage’ est une sorte de façade pour aller encore plus loin dans l’expression de ta musique. C’est le cas ?
Oui, c’est vrai qu’il y a un côté beaucoup plus ‘vintage’ qui s’exprime sur cet album. Cela dit, je suis très ouverte à la scène Blues contemporaine et j’espère même en faire partie, car je suis une artiste de mon temps. Mais c’est vrai que j’écoute beaucoup de musiques plutôt anciennes et les vieux bluesmen, qui ont forgé ce style. Et je pense que ce côté un peu ‘Old School’ vient de là, c’est même certain.
– Tu es originaire de la ville de Monaghan dans le nord de l’Irlande et il se trouve que son nom signifie ‘Les petites collines’. Je ne pense pas que ce soit une coïncidence, mais plutôt une explication à ton style si mouvant et plein de contrastes. Qu’en penses-tu ? Il y a une part d’inconscient ?
Monaghan est une petite ville, un petit coin qu’on appelle aussi ‘Les petites Collines’, c’est vrai. Je pense que l’endroit où tu vis se reflète forcément à travers ses paysages et son atmosphère dans ce que tu écris et composes. Ca rythme aussi ta vie de manière inconsciente avec ses hauts et ses bas. Vivre dans un endroit comme celui-ci a bien sûr une influence, qui va bien au-delà de la musique.
Photo : The Bedford Blackham Images
– Pour rester en Irlande, on retrouve plusieurs inspirations dans la narration de tes morceaux surtout, ainsi que cette fougue qui habitait aussi Rory Gallagher. Dans quelle mesure penses-tu que l’empreinte celtique se lise et influence ton jeu ?
Rory Gallagher fait partie de notre histoire nationale. Et il faut aussi y ajouter Van Morrison, les Cranberries, les Coors et beaucoup d’autres qui ont apporté leur influence à travers leur musique. Je pense que c’est ce que les gens appellent ’celtique’ et je le prends aussi pour moi-même. Je ne sais pas vraiment dans quelles mesures on peut entendre ces influences sur le dernier album notamment, mais j’en suis ravie. Ce mélange est notre héritage. Parfois, tu ne sais pas vraiment d’où ça vient, mais c’est là. C’est naturel et c’est une partie de ce qu’est être irlandais. Et pour revenir à Rory, sa musique m’a beaucoup influencé au même titre que toute cette période avec Gary Moore également, bien sûr.
– Parlons de ce nouvel album que tu es partie enregistrer en Californie. Pourquoi ce choix ? Est-ce parce que les musiciens qui t’accompagnent et ton producteur se trouvent aux Etats-Unis, ou juste pour y trouver certaines sensations et vibrations ?
Oui, c’est un choix de mon nouveau producteur, qui a cherché de nouvelles personnes pour l’album. C’était très important pour nous de trouver des musiciens qui partagent aussi notre vision du Blues, afin d’aller dans le même sens. Il a monté une équipe de très, très haut niveau. L’album a été enregistré à la fois à domicile dans mon studio et dans un studio à Encinitas, en Californie et ce sont Chris Goldsmith (Ben Harper) et Marc Ford (The Black Crowes) qui ont produit l’album. Nous sommes accompagnés du guitariste Marc Ford (The Black Crowes) et de la session rythmique de Gary Clark Jr. composée du batteur et percussionniste JJ Johnson et du bassiste et claviériste Elijah Ford (Le fils de Marc). Tout le monde a pu apporter sa touche et on s’est tous très, très bien entendus.
Photo : The Bedford Blackham Images
– Vous n’avez pas forcément la même culture, mais vos influences pourtant convergent. Comment as-tu présenté tes morceaux et, malgré leur talent, est-ce que leur adaptation à un Blues moins américain que leurs racines a été rapide ?
Les vibrations et le groove sont très américains, je pense. C’est vrai qu’il y a un mix entre les deux cultures. Les morceaux les plus rapides sonnent plus anglais, alors que lorsqu’ils sonnent américain, ils sont plus cools et plus relax. Cela vient aussi surtout du son et de l’ambiance californienne, je pense. L’album combine bien les deux avec des compositions plus britanniques et celtiques sur un son typiquement américain, en effet. Nous avons beaucoup aimé travailler sur ces deux aspects et c’était très agréable de se retrouver tous ensemble et pouvoir confronter nos influences et nos envies.
– D’ailleurs, le Blues américain et le British Blues sont très distinctifs l’un de l’autre et très reconnaissables. Or, sur « Dirt Woman Blues », c’est difficile à définir. C’est ce qui se passe quand une Irlandaise enregistre aux Etats-Unis avec des musiciens américains, ou juste une simple volonté de ta part de te démarquer ?
Oui, je pense que c’était une décision très réfléchie, en tant que femme, d’aller enregistrer aux Etats-Unis avec des musiciens américains. Ce n’est pas facile de se mettre à nu lorsque l’on est une femme irlandaise dans un tel contexte. Nous nous sommes vraiment concentrés sur le son et le côté organique des morceaux. Je voulais aussi mettre en valeur ma voix, bien sûr, mais aussi mes parties de guitare.
Photo : The Bedford Blackham Images
– Pour conclure, j’aimerais que l’on parle de la pochette de l’album. Je la trouve très sombre et emprunte d’une certaine tristesse, alors que l’ensemble de « Dirt Woman Blues » est très lumineux et souvent même enjoué. Quel message, s’il y en a un, as-tu voulu faire passer ?
Je voulais une pochette différente des précédentes avec un design bien précis. Il y a un côté ‘Old Woman Blues’, qui se démarque de ce que l’on peut voir habituellement sur les albums réalisés par des femmes. C’est vrai qu’il y a un côté assez sombre, qui représente aussi une partie de notre Histoire. Elle montre les aspects opposés qui fondent aussi la condition féminine, que ce soit comme mère de famille et également en termes d’émancipation et de liberté. C’est peut-être aussi une autre vision de ce qu’est une blueswoman aujourd’hui.
Le nouvel album de GRAINNE DUFFY, « Dirt Woman Blues », est disponible sur son Bandcamp :
Originaire de la région de São Paulo, MARIO ROSSI BAND s’articule autour du songwriter, chanteur et guitariste qui donne son nom au groupe. Entouré d’excellents musiciens, le Brésilien, qui transpire littéralement le Blues, a mis à profit sa créativité très productive pour peaufiner « Smoke Burst » à travers un Blues Rock assez roots et lumineux.
MARIO ROSSI BAND
« Smoke Burst »
(Independant)
Très peu exposée, la scène Blues brésilienne regorge pourtant de talents et MARIO ROSSI BAND fait partie des valeurs montantes. Avec quatre albums en quatre ans, le jeune artiste est un bourreau de travail et le moins que l’on puisse dire, c’est que ça paie à en juger par la qualité de composition et d’interprétation de « Smoke Burst ». Et à écouter le musicien, c’est même son meilleur opus et aussi le plus mature.
S’il y a un style où l’on ne peut tricher, c’est bien le Blues. D’une authenticité et d’une sincérité exemplaire, MARIO ROSSI BAND est allé en studio pour y enregistrer cette nouvelle réalisation en live. Et cela s’entend et se ressent sur tous les morceaux. La complicité entre les musiciens est palpable et la production d’Othon Ribeiro est remarquable. « Smoke Burst » vit et respire, grâce à une alchimie qui crève les yeux.
Décontracté et appliqué, le quatuor ouvre l’album avec un instrumental, le morceau-titre. Une façon pour les Sud-Américains d’afficher la couleur. MARIO ROSSI BAND libère ensuite son Blues Rock avec panache et élégance (« Leavin’ For A Walk », « Jammin’ For Jimi », « Expansive Instinct »). A noter l’excellent « It Means Blues » majestueusement interprété par la chanteuse Lu Vitti et « There’s No Hope For Willie Brown », où la chaleur de l’harmoniciste de Chicago Steve Bell resplendit. A découvrir en urgence.
La musique de GOV’T MULE a ceci d’étonnant qu’elle paraît si simple tellement elle est évidente. C’est probablement dû au fait qu’elle semble si naturelle à l’écoute. Car les Américains ne donnent jamais dans la facilité et si presque tous leurs albums dépassent l’heure, c’est sûrement parce que les notions de plaisir et de passion restent au cœur de leur jeu… ce qui est devenu si rare. Et cette fois encore, « Peace… Like A River » a tout du joyau.
GOV’T MULE
« Peace… Like A River »
(Fantasy/Universal)
L’an prochain, GOV’T MULE soufflera ses 30 bougies et pour Warren Haynes (guitare, chant) et Matt Abts (batterie), Allen Woody (basse) étant décédé en 2000, l’ombre du légendaire Allman Brothers Band a disparu au profit de la lumière diffusée par leur nouvelle formation. Aujourd’hui aux côtés de Danny Louis (claviers) et Jorgen Carlsson (basse), le groupe a plus que conquis ses lettres de noblesse dans le paysage Rock américain et ce douzième album studio est même l’un de ses meilleurs.
Il y a moins de deux ans, GOV’T MULE sortait « Heavy Load Blues », une sorte de recueil de reprises éblouissant qui traversait avec magie ses influences si nombreuses et variées. Pourtant au même moment et au coeur de la pandémie, le quatuor enregistrait dans ces mêmes studios de The Power Station en Nouvelle-Angleterre ce génial « Peace… Like A River », co-produit par Haynes avec le grand John Paterno (Elvis Costello, Bonnie Raitt, Los Lobos). Un véritable travail d’orfèvre !
Photo : Shervin Lainez
Et ce nouvel opus réserve encore bien des surprises, tant dans sa conception que par le casting cinq étoiles de guests qu’il propose. Afin de bien distinguer les deux réalisations, GOV’T MULE a été jusqu’à les concevoir dans deux pièces différentes avec du matériel et des instruments distincts pour mieux conserver une touche personnelle sur chaque disques. Aucune limite ne les arrête et cette créativité qui les anime donne à « Peace… Like A River » une saveur toute particulière.
Dans son univers Southern, GOV’T MULE navigue avec toujours autant de volupté et de subtilité dans des sphères Rock, Blues, Funk, Jazz, Soul, Heavy Rock, Folk et parfois même un brin Reggae pour le fun. Une chose reste immuable, c’est ce groove tellement identifiable et cette faculté quasi-naturelle à se lancer dans des jams phénoménales. « Peace… Like A River » s’étend en douze morceaux sur 70 minutes et l’édition Deluxe présente même quatre inédits et une version alternative de « The River Only Flows One Way ».
Parmi les invités de marque, Billy Gibbons de ZZ Top enchaîne les riffs sur « Shake Our Way Out » en poussant aussi la chansonnette. Ivan Neville et Ruthie Foster enveloppent de douceur « Dreaming Out Loud », ainsi que Celisse Henderson sur « Just Across The River ». Que du beau monde ! Et GOV’T MULE brille aussi de mille feux sur « Make My Peace », « Your Only Friend », « Long Time Coming » et « Gone Too Long ». L’écriture est fine, les arrangements soignés : « Peace… Like A River » est tout simplement stellaire !
Généreuse et entière, JOANNA CONNOR ne fait pas que jouer du Blues : elle le vit. Pour preuve, une discographie enflammée et un jeu qui ont fait d’elle une guitariste hors du commun. Sur « Best Of Me », elle a laissé beaucoup de place à des bluesmen qui rendent encore plus magiques des morceaux plein de nuances et d’euphorie et qu’elle guide de sa voix envoûtante et de sa slide débridée.
JOANNA CONNOR
« Best Of Me »
(Gulf Coast Records)
Lorsque j’ai interviewé JOANNA CONNOR il y a deux ans alors qu’elle sortait son 14ème album, « 4801 South Indiana », sur le fraîchement créé label de Joe Bonamassa, KTBA Records, j’avais découvert une chanteuse et une guitariste dotée d’un feeling et d’une énergie phénoménale. La native de New-York, installée à Chicago depuis des décennies, prenait alors un envol mérité en se plaçant au sommet des Charts Blues US pendant un bon moment et en récoltant de multiples récompenses.
Dans la foulée, on l’avait même vu faire une courte, mais explosive, apparition dans le film « Deep Water » (à voir d’ailleurs !) avec Ben Affleck l’an dernier. S’en était suivi une flopée de concerts et on retrouve aujourd’hui JOANNA CONNOR sur le label Gulf Coast Records, ce qui peut sembler étonnant vu l’essor de celui de l’homme au costume. Et sur « Best Of Me », l’Américaine est toujours aussi pétillante avec ce côté sauvage et irrésistible qui a fait sa réputation.
Et quoi de mieux que d’inviter quelques amis pour montrer le ‘meilleur d’elle’ ? JOANNA CONNOR a donc convié les guitaristes Joe Bonamassa, Josh Smith, Gary Hoey et Mike Zito et le feu d’artifice est majestueux. L’harmonica de Jason Ricci fait aussi des merveilles et l’unité affichée par tout ce beau monde montre une passion commune et surtout une envie de partager cette joie si communicative et authentique. La reine de la slide fait vibrer sa Gibson comme jamais !
Si sur le papier, il est réduit à deux, « Ticking Twelve » vient démontrer haut la main et point par point que THE WEALTHY HOBOS n’a rien perdu de son mordant. Qu’il soit Hard, Dirty, Heavy ou Rock, le Blues des Parisiens est à la fois tranchant, incisif et palpitant. Une nouvelle ère commence pour les ‘rockin’ bluesmen’ et elle démarre sur les chapeaux de roue.
THE WEALTHY HOBOS
« Ticking Twelve »
(Independant)
Du quatuor de ses débuts, il ne reste chez THE WEALTHY HOBOS que son chanteur et guitariste Sacha Burtin, fermement soutenu par Antoine Gomila, cogneur en chef du power duo. Et s’il a réduit la voilure, le tandem n’a pas pour autant lever le pied et il affiche un Hard Blues très Boogie intense et percutant. Mais pas seulement. Car en s’engouffrant dans un registre façon The Black Crowes ou des ambiances à la Santana, l’éventail proposé est large, et toujours créatif, enjoué et dynamique.
Après un premier album en 2014 (« Everybody Needs Some Change ») et un EP trois ans plus tard (« Piece Of Chic »), THE WEALTHY HOBOS a donc pris la décision d’évoluer à deux, s’ouvrant ainsi un nouveau départ. Et c’est plutôt une bonne chose compte tenu de la qualité de « Ticking Twelve », tant au niveau de l’interprétation, de la diversité des ambiances et de la production, qui est aussi roots dans l’approche que soignée dans les arrangements et qui manquent donc pas de couleur.
En alternant guitare et cigar box, THE WEALTHY HOBOS apporte un aspect rugueux et presque Stoner à son jeu et ce n’est pas sa seule particularité. Il a en effet eu la bonne idée d’inviter quelques amis, dont la contribution offre beaucoup de relief et de chaleur aux morceaux. La basse, les cuivres, l’orgue, les chœurs, le saxophone et la flûte (« Mantra Dystopia ») enrobent magnifiquement les titres (« Do I Look Like I Give A Funk », « Turn It (All Around) », « Stuck Behind Open Doors », « Misery Song », « Burn Baby Burn »). Savoureux.
Si les duos fleurissent un peu partout dans l’hexagone, il faut reconnaître qu’ils s’en sortent plutôt bien, tant les styles abordés révèlent une approche créative et efficace. Les Normands de LADY’STEALER s’inscrivent précisément dans cette vague de groupes à la fois complet et tout en maîtrise. On peut sentir toute l’expérience acquise sur scène par le duo, qui livre un bouillonnant « Like It Hot ! » sur un plateau… dans lequel on se ressert à l’envie !
LADY’STEALER
« Like it Hot »
(Independant)
Des saveurs du Bayou émanent de ce premier opus de LADY’STEALER. C’est pourtant depuis leur Normandie que Thomas Dorange (chant, batterie) et Julien Tellier (guitare, harmonica) se sont lancés dans cette belle aventure devenue, après avoir écumé de nombreuses scènes, aujourd’hui très concrète avec la sortie de « Like It Hot ! », entièrement autoproduit et né de la contribution participative de leurs fans. Un gage de fidélité, s’il en est.
Entre Blues et Metal, Stoner et Rock, LADY’STEALER se montre captivant dès les premières notes de « Liar And Slave » et ne lâche plus le morceau une seule seconde jusqu’à « Chuckholes Blues ». Gras et épais, les riffs transpirent les effluves très Southern du duo et les refrains entêtants distillés par la voix éraillée de son chanteur viennent apporter autant de puissance que de mélodie à cet explosif « Like It Hot ! ». Le rythme est soutenu et percute !
De l’obsédant « The Witch Of Yazoo City » à « Midnight Ride » en passant par le Boogie Blues « Dead Man Boogie », LADY’STEALER nous emporte dans une belle frénésie sur une cadence infernale. Et même si la batterie est loin de se faire discrète, c’est pourtant ce Blues musclé aux accents sudistes et à l’énergie folle, ponctué de quelques slides, qui tient la baraque et qui offre cette chaleur à l’album (« Demons Inside Me », « Chasing Men »). Caliente !
