La dernière année a bouleversé POPA CHUBBY, mais l’a également rendu très créatif… Une constante, certes. C’est avec son chapeau d’aluminium (« Tinfoil Hat »), que le New-Yorkais a composé ce nouvel album entièrement réalisé à la maison. Moqueur, tendre, en colère et toujours plein d’humour, le bluesman passe en revue les sentiments qui l’ont traversé ces derniers mois. Court entretien avant la sortie de l’album prévue le 12 mars chez Dixiefrog.
– Il y a un an, tu célébrais tes 30 ans de carrière avec l’excellent « It’s A Mighty Hard Road ». Quel regard portes-tu aujourd’hui sur l’album, et que ressens-tu de l’avoir si peu défendu sur scène ?
En fait, nous avions tourné en Europe début 2020, et donc réussi à défendre un peu le disque. Ensuite, nous avons terminé en Amérique du Nord le 16 mars, donc cette défense était en fait une attaque ! Et je prévois aussi de revisiter ce disque à mon retour sur scène.
– Sur ce même album, on ressentait un grand sentiment de liberté avec des morceaux très Blues Rock, mais aussi des sonorités latines, Reggae, Funk et une superbe reprise de Prince. Avec « Tinfoil Hat », tu reviens aux fondamentaux du Blues dans un style très épuré. Avant d’entrer dans les détails, on te sent moins insouciant, non ?
Au contraire, « Tinfoil Hat » est plus un cri de bonne santé mentale et de raison. Et c’était aussi un devoir artistique pour moi de commenter tous ces événements. Et je n’oublie jamais le public, non plus. Mais c’est vrai que « Mighty Hard Road » était plus une célébration.
– Parlons de « Tinfoil Hat », qui est autant un cri de colère que d’amour. On sait que tu as été très affecté par cette pandémie et par les événements que nous avons traversés …
Pour être honnête, je pense que le disque illustre toutes les émotions et les histoires que j’ai vécues pendant la pandémie. C’est un large éventail de ressentis formés de rage d’aimer, ainsi que de peur mais avec beaucoup l’humour. C’est toujours la muse qui dicte finalement. Et dans ce cas présent, elle a été gentille.
– Tu as entièrement joué et enregistré l’album chez toi, tout en étant très présent sur les réseaux sociaux. Comment t’es-tu adapté à cette situation inédite ? Rester en contact avec tes fans t’a semblé important compte tenu de l’absence de concerts ?
L’enregistrement chez moi n’est pas nouveau. ‘Chubbyland’ est mon laboratoire depuis de nombreuses années et entièrement équipé avec vraiment tout ce qu’il faut. La pandémie m’a permis d’atteindre de nouveaux niveaux sur tous mes instruments. Je pense que le résultat reflète mon expression la plus authentique. Et c’est vrai que les réseaux sociaux me permettent d’avoir un contact direct avec mes amis et mes fans, et c’est un moyen de partager le processus dans son immédiateté.
– En plus de parler du Covid, l’album évoque aussi très frontalement la situation politique américaine. Décidemment, quelle année chaotique ! Elle est à vite oublier, ou au contraire il y a quelques leçons à en tirer ?
Humm… Honnêtement, je déteste la politique, mais Trump a été une abomination. Cela a également vraiment mis en lumière ce qu’est l’Amérique : une nation raciste. La tendance à oublier a beaucoup à voir avec le maintien des personnes au pouvoir. Biden est le bon gars pour le moment. Uncle Joe ! Et c’est même étonnant de voir de quelle manière il a mis en place tant de choses en si peu de temps. Mais nous avons encore un long chemin à parcourir.
– Malgré de la colère, de la frustration et de la rage, on perçoit aussi beaucoup d’amour sur « Tinfoil Hat ». Comme toujours, tu es très sincère et authentique dans tes propos et tu es vraiment très soutenu par tes fans. C’est essentiel pour toi ? Pour continuer d’avancer ?
J’aime mon peuple, mais je ne peux pas calmer les fans, car cela impliquerait que je suis mieux. Et je ne le suis pas. Et puis, j’en connais tellement personnellement, ainsi que leurs histoires personnelles. Oui, ce sont mes amis et ils me soutiennent.
– Avec le rayon de soleil qu’offre ce nouvel album, quels sont tes souhaits et tes espoirs pour les mois à venir ? Un rapide retour sur scène ?
Je ne peux plus attendre ! Je veux partir tourner au plus vite ! J’espère que nous serons tous vaccinés et que je serai à l’Olympia en octobre 2021 !
« Tinfoil Hat » sera disponible le 12 mars chez Dixiefrog/PIAS.
Pour son premier album éponyme, THÉO CHARAF sort des sentiers battus en livrant dix très bons morceaux entre Folk, Blues et Americana. Avec un art très personnel du storytelling, le songwriter s’accompagne à la guitare acoustique sur une production élégante et éthérée. Le musicien français peut aller se frotter à la scène américaine sans crainte.
Ce premier album du Lyonnais THÉO CHARAF est la vraie belle surprise de ce début d’année en matière de Folk. Eponyme, l’opus est aussi épuré qu’il est abouti. Sans fioriture et soigneusement arrangé, il nous emmène en voyage dans les grands espaces américains avec un large et généreux détour par le delta du Mississippi. Et à la manière des mythiques folksingers, le musicien déroule des morceaux très bien ficelés.
Le Français s’est forgé un style très personnel assez rare dans l’hexagone. Sa Folk aux accents bluesy prend un relief saisissant grâce à une production très brute. Et la profondeur de la voix de THÉO CHARAF prend toute son ampleur à travers une belle diversité où il joue sur différentes intonations et brille complètement sur « Oh Sister », où il est doublé et accompagné par une voix féminine qui apporte beaucoup d’élégance au morceau.
Folk pour l’essentiel, le songwriter traverse évidemment des contrées Americana (« Forward », In Vain », » Waiting Around To Die ») avec un sens du storytelling que l’on retrouve aussi sur « Vampire » plus Folk. Avec beaucoup d’émotion, THÉO CHARAF se fait plus bluesy sur « Going Down » et « Devil Got My Woman ». Et ce n’est qu’en fin d’album qu’il branche sa guitare pour le très bon « Hard Time Killing Floor Blues ». Une vraie réussite.
Si le Blues coule dans la peau de la jeune artiste belge GHALIA VOLT, c’est aux Etats-Unis et notamment à la Nouvelle Orléans que son style s’est révélé. Avec déjà trois albums au compteur, elle a joué avec des pointures du genre tout en affirmant un style très personnel. Rencontre avec une artiste qui n’a pas froid aux yeux.
– Tout d’abord, quel a été le déclic qui t’a décidé à traverser l’Atlantique et te poser à la Nouvelle Orléans ? Sachant que la ville compte un grand nombre de talentueux musiciens, tu n’as pas été trop intimidée en arrivant ? Et est-ce que ton adaptation s’est faite facilement ?
En 2014, je pars pour la première fois aux Etats-Unis dans l’idée d’aller visiter les villes dont parlent les chansons que j’écoute. A 21 ans, avec mon sac à dos et mes petites économies construites par une multitude de séries « Busking » au centre de Bruxelles. Je commence par New Orleans, puis je traverse toute la Louisiane, le Texas, le Mississippi, le Tennessee, l’Arkansas le Missouri et enfin l’Illinois. Si je décide de m’installer ici, c’est qu’il n’y pas deux endroits comme cela. Je tombe sous le charme directement. Marcher dans New Orleans, c’est comme marcher dans un recueil de poésie. Oui, l’intégration s’est faite facilement grâce à mes contacts et diverses expériences. Comme d’habitude pendant tout le voyage, je suis vite montée sur scène, j’ai rencontré des groupes, des musiciens et j’ai enregistré… J’ai fait une démo, à la base pour le fun, avec un groupe nommé les « Mama’s Boys », qui a attiré l’attention de mon label, Ruf Records, et qui m’a demandé d’y retourner enregistrer l’album complet. C’est ainsi qu’après quelques aller-retours entre l’Europe et les USA, je me suis installée en 2016. Effectivement à New Orleans, il y a 20.000 musiciens. Ce n’est pas une légende. Avant le Covid, je pouvais facilement faire 5 à 6 concerts par semaine, quand je ne suis pas en tournée. Mais comme dans la vie en général, il faut se démener pour se faire une place.
– J’imagine que tu es arrivée aux Etats-Unis avec des certitudes et surtout une vision personnelle de ta musique. As-tu changé ton jeu, ou est-ce qu’au contraire le contexte l’a fait évoluer ?
Absolument, à tous les niveaux. Je suis arrivée aux USA avec beaucoup de passion pour la musique et un certain bagage culturel. Tout a bien sûr évolué, de mes connaissances à mes compétences. Tu grandis facilement, car tu es entourée de talents dont tu t’inspires et apprends comme de bons amis tels que Watermelon Slim, Sean Bad Apple et bien d’autres. Mais j’ai aussi évolué rapidement car je joue tout le temps. J’ai toujours une guitare en main, une situation qui me pousse à écrire, l’envie de chanter, une jam… Et puis, ces fameux concerts dans les clubs qui durent jusqu’à 4 heures. Si tu fais le compte : 4 heures, cinq fois semaines, ça fait pas mal d’heures de performance. Chaque rencontre, chaque expérience, chaque voyage offre un apprentissage important.
– Tu as sorti rapidement « Let The Demons Out » puis « Mississippi Blend », deux albums que tu as enregistrés avec des pointures du genre. Qu’est-ce qui a été le plus enrichissant humainement et artistiquement ?
Les deux albums sont deux expériences tout à fait différentes. « Let The Demons Out » enregistré à New Orleans avec les Mama’s Boys était magique. Ils sont devenus comme ma famille et ils le sont d’ailleurs toujours. Nous nous retrouvons encore pour fêter Thanksgiving, ou lors de simples occasions pour boire une bière. On a vécu de très beaux moments ensemble. L’un des souvenirs mémorables a été la Norvège pendant l’une des tournées européennes. Avec l’album « Mississippi Blend », c’est un autre rêve qui s’est réalisé. On a enregistré au Zebra Ranch Studio, dans le Hillcountry du Mississippi, fondé par Jim Dickinson qui a accueilli des pointures allant de Bob Dylan à Robert Plante ou aux Cramps, en passant par R.L Burnisde ou Othar Turner. J’ai coproduis l’album et j’ai invité mes comparses des Mama’s Boys, Smokehouse Brown et Dean Zucchero, mais aussi mes chers amis Watermelon Slim et Lightnin’ Malcolm qui m’ont fait l’honneur de quelques morceaux. Collaborer avec Cedric Burnside et Cody Dickinson a été magique. Le Mississippi n’est pas très grand et tout le monde se connaît. Depuis 2014, je parcours toutes les villes et festivals de la région. J’ai vite rencontré Cedric qui m’a toujours fasciné. C’est un honneur de l’avoir sur l’album et un réel plaisir de travailler avec lui. Son groove a donné une autre dimension à mes compositions, et je suis heureuse d’avoir pu capter ça en studio.
– Alors que sur les albums précédents tu jouais en groupe, sur « One Woman Band », tu es seule aux commandes. Comment la transition s’est-elle passée et cela t’a-t-il obligé à changer certaines choses dans ton jeu et dans l’approche des morceaux ?
Disons que c’est un challenge différent, mais l’approche créative des morceaux est plus ou moins identique. J’écris les paroles, les mélodies et les grooves, et puis je les répète. Il a fallu énormément de pratique et de répétitions pour pouvoir enregistrer ce set-up live en studio. Se rappeler des paroles, les chanter, faire attention à la prononciation tout en jouant de la guitare et battre le rythme avec les deux pieds sur trois éléments de batterie différents était un vrai défi à relever !
– Justement, ton jeu est très roots avec un son de guitare très rugueux et massif. On n’a pas vraiment l’impression d’écouter une Européenne. Comment t’es-tu appropriée cette façon si singulière de jouer ? Tu l’avais déjà en arrivant en Louisiane ?
Non effectivement, j’ai appris sur le tas. Je n’ai jamais été une élève très assidue. Mon jeu de guitare s’inspire des vinyles que j’écoute et de mes voyages. Au niveau du son, j’adore le son traditionnel d’un bon Elmore James ou Magic Sam : simple, gras et efficace. Pas de pédales nécessaires, juste un bon vieil ampli dont tu peux faire craquer la membrane. Au niveau du jeu de guitare, cela s’est effectivement fait en me baladant à droite à gauche, en regardant pendant des heures des musiciens passionnants et en allant à leur rencontre. Ce n’est pas mon style de regarder des vidéos sur YouTube ou d’apprendre des partitions… A travers mes voyages, j’ai pu observer, rencontrer, échanger et partager avec des personnes qui ont eux-mêmes appris de cette façon-là. Par exemple, Sean Bad Apple, qui est devenu un ami proche ou Jimmy Duck Holmes, m’ont montré des licks et tricks, qu’eux-mêmes ont appris par Jack Owens qui a appris aux côtés de Skip James. C’est cette approche que j’aime dans mon apprentissage.
– D’ailleurs, peux-tu parler de ton jeu de slide, qui est presque saturé et omniprésent ? C’est d’autant plus surprenant car la slide est habillement utilisé de manière limpide et cristalline. Ton Blues est finalement très Rock en plus d’être roots…
Oui, il y a deux écoles pour la slide. Il y a le son clean comme les Allman Brothers, Derek Truck, etc… Que j’aime beaucoup et dont j’admire la technique. Et puis, il y a le côté plus Delta Blues avec des personnes comme Son House, Fred McDowell, Robert Johnson, Elmore James, Muddy Waters, etc… qui au contraire se veut dirty, gras et pas bichonné. Je pense que, pour l’instant, c’est ce qui me parle le plus, mais ça pourrait changer d’un morceau à l’autre.
– Tu as composé ce nouvel album en parcourant une grande partie des Etats-Unis en train. Cela t’a inspiré au niveau musical ou plutôt dans le contenu des textes avec des thèmes que tu n’abordais pas auparavant ?
Je dirais surtout dans le contenu des textes. Il était facile de se retrouver dans un rêve éveillé à la vue tous ces paysages. 18 états, un bon paquet de villes, des déserts, des montagnes, l’océan, etc… Puis, les aventures et les expériences vécues pendant le trajet ou le fait aussi et surtout d’être un mois toute seule, confrontée à mes pensées, ma solitude et ma créativité. Et puis beaucoup d’heures de train, où je me suis retrouvée face à mon cahier et collée à ma guitare.
– Pour conclure, comment qualifierais-tu le son de « One Woman Band » ? Plutôt américain ? Européen ? Ou à mi-chemin entre les deux ?
Cela ne ferait pas partie de ma définition. Peu importe. Je crois que même si j’y travaille, ma prononciation laisse entendre que je suis Européenne. Pour parler du son de « One Woman Band », comme sur mes autres albums, j’aime aller vers quelque chose d’organique sans fioritures. Le son se veut ’raw’ avec une distorsion naturelle et une voix chaleureuse mise en avant. L’album a été enregistré en grande partie en live et sans multipiste. Je chante, je joue de la guitare et de la batterie, le tout simultanément et cela s’entend. Je cherche une approche traditionnelle tout essayant d’innover. La seule chanson enregistrée en deux étapes est « Espiritu Papago ». J’ai enregistré la guitare rythmique et la batterie en une fois et suis revenue enregistrer la voix séparément, car c’était plus excitant pour moi de me concentrer uniquement sur la partie vocale. Sur cet album, j’ai aussi invité Dean Zucchero et Monster Mike Welch, qui ont fait des overdubs sur deux chansons chacun… C’est la cerise sur le gâteau !
Guitare à la main, GRANT HAUA a longtemps bourlingué entre son pays, la Nouvelle-Zélande, et l’Australie où il a pu se créer un univers musical et surtout un son très personnel. Avec « Awa Blues », le bluesman nous transporte dans un monde apaisant, simple et qui va à l’essentiel. En plein cœur.
GRANT HAUA
« Awa Blues »
(Dixiefrog)
C’est depuis sa Nouvelle-Zélande natale en solo puis avec le groupe Swamp Things que le songwriter GRANT HAUA a peaufiné et personnalisé sa vision du Blues. Entre l’important héritage du style et sa culture Maori qui reste au cœur de ses morceaux, le guitariste et chanteur présente une technique et un feeling incroyables et « Awa Blues » est exceptionnel en tout point.
Ce nouvel album de GRANT HAUA est de ceux qui guérissent les âmes. Sur un songwriting très soigné, le musicien conserve un style très roots, authentique et sincère. Très épuré dans l’ensemble, on notera la grande prestation de Tim Julian à la basse (et quelques autres instruments). Son groove hors-norme offre un relief incroyable aux morceaux (« Got Something », « Addiction », « My Baby »).
La très bonne production de « Awa Blues » met en avant toute l’intensité et l’émotion des chansons de GRANT HAUA, qui sont toutes des moments forts de sa vie (« Be Yourself », « Though Love Mama », « Better Day »). Le point culminant de l’album est sans conteste le très addictif « This Is The Place » et son refrain en Maori. Accrocheur comme rarement, il reste en tête un très long moment…
Fougueuse et délicate, la Blueswoman GHALIA VOLT a un parcours qui force le respect. Quitter le Plat Pays pour s’expatrier au cœur des origines du Blues et côtoyer presqu’aussitôt les meilleurs musiciens du genre semble avoir été quelque chose de très naturelle pour la chanteuse et compositrice, qui livre avec « One Woman Band », un album troublant de sincérité.
GHALIA VOLT
« One Woman Band »
(Ruf Records)
Cela fait déjà quelques années que GHALIA VOLT, a quitté sa Belgique natale pour partir à la conquête des Etats-Unis. Blueswoman dans l’âme, c’est assez naturellement qu’elle s’est installée dans le sud du pays, plus précisément en Louisiane à la Nouvelle-Orléans. Elle n’a pas mis bien longtemps à séduire quelques pointures locales et la revoici avec un troisième album sensible et très roots, « One Woman Band », où elle excelle de bout en bout.
Après le très bon accueil de « Let The Demons Out » en 2017 et « Mississippi Blend » en 2019, la chanteuse et songwriter a décidé de faire fi des restrictions sanitaires due à la pandémie et de relever le défi en enregistrant elle-même tous les instruments et essentiellement en direct de son nouvel album « One Woman Band ». Et le résultat est aussi époustouflant que bluffant. GHALIA VOLT n’a (presque) besoin de personne, même si elle a co-produit ce nouvel opus avec Lawrence Boo Mitchell (quand même !).
Sur un Blues très Roots aux guitares saturées et avec une voix aussi sensuelle que puissante, la musicienne livre onze nouveaux titres entièrement écrits à partir d’une traversée des Etats-Unis. Parcourant un grand nombre d’Etats où résonne le Blues, elle en a profité pour composer des morceaux aussi profonds qu’explosifs (« Last Minute Packer », « Evil Thoughts », « Loving Me Is A Full Time Job », « Bad Apple », …). Et armée d’une Slide rugueuse et intense, GHALIA VOLT est d’une authenticité rare.
Plus qu’aguerri à la scène, le musicien irlandais se fait plus discret sur disque. C’est pourquoi le bluesman JOHNNY GALLAGHER et son BOXTY BAND jette un œil dans le rétro avec un regard très affûté sur ce très bon « A 2020 Vision ». Incontournable.
JOHNNY GALLAGHER AND THE BOXTY BAND
« A 2020 Vision »
(Dixiefrog/PIAS)
Je n’ai pas pour habitude de chroniquer les compilations, mais celle-ci regroupant les meilleurs morceaux des cinq albums autoproduits (donc difficile à trouver) de JOHNNY GALLAGHER en vaut franchement la peine ! En effet, le multi-instrumentiste pose un regard neuf sur ses productions (de 1997 à 2018) et en a gardé la substantifique moelle, soit 14 titres essentiels à ses yeux.
Originaire du Donegal, l’Irlandais a commencé la musique très jeune, s’essayant à la mandoline, au banjo, au violon et au violoncelle avant de se consacrer sur la basse, mais surtout à la guitare et au chant. Et c’est cette voix si singulière qui fait de JOHNNY GALLAGHER accompagné de sa six-cordes l’un des bluesmen les plus demandés en Europe et dans l’hexagone.
La musique étant chez lui une affaire de famille, c’est aux côtés de ses frères jumeaux, Pauric et James, qu’il continue l’aventure avec le BOXTY BAND. S’affranchissant des différents styles de Blues, JOHNNY GALLAGHER a dessiné les contours d’un registre très personnel. Entraînant sur « Judi », élégant sur « Spanish Fountain », solide sur « Scars And Sitches », countrysant (Oups !) sur « St Julien » et magistral sur « Nothing Toulouse », l’Irlandais régale par sa finesse et sa dextérité.
La singularité du Blues de FOLSOM vient certainement de la cohésion et de la complicité à l’œuvre entre les musiciens. Très Southern dans l’esprit, « Bonzaï » fait autant de pousses dans le Rock que dans l’Americana avec une légèreté apparente, que le quatuor aime venir balayer à grands coups de riffs puissants et épais. Un Blues-Core à la française.
FOLSOM
« Bonzaï »
(Independant)
Une bonne odeur de souffre émane de ce nouvel EP de FOLSOM. Les Parisiens ont posé six titres très Southern, passant du Blues au Rock et du Funk à la Country avec la même envie. Un large panel qui fait du Heavy Blues du quatuor un savoureux et langoureux mélange très brut, impertinent, un brin déjanté voire irrévérencieux. Autant le dire tout de suite : un régal de bout en bout, et bien trop court.
Si le nom de FOLSOM renvoie inévitablement à Johnny Cash et son légendaire concert dans la prison de la ville, c’est aussi qu’on n’est si loin de l’esprit subversif de l’homme en noir. Très roots et soigné dans le son, le combo ouvre les festivités avec le fiévreux « Son Of A Gun » avant que le morceau-titre vienne tout bousculer d’un riff acéré et costaud. Le rythme s’accélère encore un peu plus tard avec le très bon « Free ».
Non sans humour, le quatuor livre un « Hot Dog » à température, très sudiste et épicé. Et alors qu’on s’attend à du musclé, FOLSDOM se fait funky sur « Get My Money »… enfin jusqu’au refrain qui vient dévaster la légèreté ambiante. Enfin, le bonus track, en quelque sorte, surgit avec le très Country et Americana « Covid 19 », joli pied de nez à cette époque trouble et triste. La classe !
Si le style du bluesman ZED MITCHELL est si singulier, c’est probablement car il est limpide et d’une grande justesse. Tout en feeling, le guitariste allemand fait preuve d’une profondeur musicale de chaque instant et son nouvel album, « Route 69 », empreinte de bien agréables chemins.
ZED MITCHELL
« Route 69 »
(Z Records/TimeZone)
Guitariste et songwriter malheureusement trop méconnu du grand public, le bluesman ZED MITCHELL est pourtant considéré comme l’un des meilleurs de son registre en Europe. Après 50 ans de carrière et plus d’une vingtaine d’albums, le musicien propose aujourd’hui « Route 69 », son huitième album solo en 13 ans. Sur des guitares lumineuses, la sincérité de son jeu se révèle.
Grand guitariste de session, ZED MITCHELL a travaillé avec Tina Turner, Phil Collins ou encore Natalie Cole. Longtemps comparé à Mark Knopfler, Chris Rea, Robert Cray ou JJ Cale en raison de son style clair et précis, l’Allemand se distingue pourtant à bien des égards et « Route 69 » vient le démontrer brillamment. Cristalline et délicate, sa guitare se pose de façon aérienne et posée.
De « By Sundown You’ll Be Gone », « I’m Still Waiting (I see, you see) » à « Freedom Trail », « Blue In Your Eyes » ou « I Don’t Know », ZED MITCHELL va puiser au fond de son âme un Blues très personnel et presque discret malgré une technicité irréprochable. Ce nouvel album mériterait de mettre enfin en lumière ce musicien hors-pair.
Le 16 octobre dernier, la guitariste et chanteuse LAURA COX se produisait dans la salle Cap-Caval de Penmarc’h pour le plus grand bonheur du public. La musicienne s’est montrée généreuse et aussi ravie que le public venu l’écouter. Après l’annonce du couvre-feu dans les grandes villes, c’était l’occasion de faire un point sur la triste situation que vit le monde du spectacle.
Photo : François Alaouret
LAURA COX
– On va commencer par la sortie de « Burning Bright » paru en novembre dernier, soit il y a presqu’un an. Après la promo d’usage, tu avais commencé la tournée avant que tout ne cesse en mars. Comment as-tu vécu cette période ?
Au début, je me suis dit que ça n’allait pas nous faire de mal, qu’on aurait un peu de temps pour bosser. J’avais aussi plein de compos en attente et des tas de choses à faire. Je me suis dit que j’allais me concentrer là-dessus. J’étais assez contente mais j’ai commencé à vite perdre patience et même perdre de la motivation. J’étais confinée toute seule chez moi et je ne voyais personne. J’ai fait beaucoup de guitare les deux premiers mois, et ensuite j’avais juste envie de sortir prendre l’air. Après le confinement, j’ai fait beaucoup de surf et du skate. Le déconfinement n’a pas changé grand-chose puisque les concerts n’ont pas repris. Encore aujourd’hui, tout n’a pas repris. C’est un peu dépriment, mais il faut essayer d’être un peu imaginatif et créatif pour trouver d’autres angles d’attaque pour s’en sortir et arriver à monter des choses envisageables dans les conditions actuelles.
– Puis, ça a été le tour des festivals. Même si l’album a eu quelques mois de bonne visibilité, comment t’es-tu organisée ensuite pour continuer à le faire vivre ?
Le principal pour moi est de jouer l’album sur scène. Après, il n’y a pas grand-chose à faire d’autre. J’ai fait quelques interviews pour des médias américains et des tutos destinés aux guitaristes. Cet album s’est vendu comme il a pu pendant trois mois avant le confinement. La situation est la même pour tout le monde. On va continuer les compos et essayer de sortir un nouvel album quand on sera prêt. Malheureusement, je crois que le Covid a tué le deuxième album (sourires).
– A l’heure actuelle, comment mesures-tu l’impact du Covid sur ton album du fait qu’il ait été si peu défendu sur scène ?
J’ai un peu de mal à savoir. On a eu pas mal de dates en novembre et décembre, et ensuite il y a eu un gros trou entre janvier et février. Je suis partie au NAMM à Los Angeles avec Gibson en janvier. Ca a repris en mars avec une petite tournée en Espagne dans des petits clubs. Ensuite, on a eu une date en Allemagne le 13 mars et plus rien jusqu’en juillet. Avec le groupe, on n’a pas l’habitude de rester sans jouer, et il faut donc qu’on se réhabitue aussi à ça.
– Certaines dates, dont celle de ce soir, ont pu être maintenues. Avec le couvre-feu annoncé dans certaines régions, les concerts risquent fort d’être à nouveau annulés. Comment vis-tu ce nouveau coup dur ?
On a quelques dates dans des petites villes, hors des grosses agglomérations. Tout reste encore très indécis, parce que certains programmateurs vont essayer de décaler les heures pour peut-être jouer l’après-midi le week-end. Pour le moment, c’est très flou. On a déjà des dates annulées et pour le reste, on va attendre. On va continuer à travailler et apprécier le peu de concerts qu’il y a.
– On parle souvent, à juste titre, de l’énergie entre un artiste et son public en concert. Qu’est-ce qui change principalement devant une salle assise et masquée ?
Ca nous est déjà arrivé de jouer dans des salles assises. Ce n’est pas ce que je préfère car pour du Rock, ce n’est pas très approprié. Il y a un peu moins d’énergie qui passe, mais au point où on en est, je suis très contente que les gens soient là ! (Rires) Ca se voit dans les yeux quand ils sont contents et souriants. Et qu’ils se soient déplacés nous ravit. C’est sûr que ça ne vaut pas un concert avec une fosse blindée debout, mais vu la situation actuelle, je suis déjà très contente que ça puisse avoir lieu.
– Pour conclure, et même s’il est difficile de se projeter, comment envisages-tu les mois à venir ? Se remettre à l’écriture à défaut de pouvoir se produire sur scène ?
On va travailler les nouveaux morceaux et il va falloir voir si la maison de disque nous suit. Car sans concert, on ne défend pas un album. Alors, est-ce qu’ils seront d’accord de nous suivre pour un nouveau disque, ce n’est pas dit non plus. Et puis, je vais également faire revivre ma chaîne YouTube que j’ai un peu délaissé depuis qu’on est avec le groupe. Et comme on a moins de choses à faire, pourquoi ne pas poster un peu plus de contenu Internet, chose que je ne faisais plus depuis un certain temps ? Et puis, trouver des idées peut-être pour des concerts privés ? Il va falloir réfléchir en tout cas.
LARKIN POE est devenu en peu de temps le duo incontournable de la nouvelle génération Blues. Très présentes sur les réseaux sociaux avec des vidéos devenues virales, les sœurs Lovell délivrent un Blues simple et efficace à base d’harmonies vocales imparables, de guitares et d’une lap steel devenue leur marque de fabrique.
En pleine promotion de leur dernier album « Self Made Man » sorti en juin dernier, le duo américain sort contre toute attente un album de reprises acoustiques enregistré durant le confinement. Une belle parenthèse, légère et douce, où on découvre les sœurs Lovell, Rebecca et Megan, sous un jour nouveau avec des chansons étonnantes, mais toujours sous l’angle Blues épuré de LARKIN POE.
Uniquement disponible sur leur site, « Kindred Spirits » propose onze covers aussi diverses que surprenantes. Assez éloigné de leur style de prédilection, LARKIN POE les a passé à la moulinette Blues pour en faire quelques perles. Parmi celles-ci, on retrouve un titre peu connu de Robert Johnson pour la caution authentique (« Hellhound On My Trail ») et quelques morceaux où on ne les attendait pas forcément.
Lenny Kravitz (« Fly Away »), Phil Collins (« In The Air Tonight ») ou Elton John (« Crocodile Rock ») côtoient des artistes plus proches des sœurs Lovell comme Neil Young (« Rockin’ In The Free World »), Bo Diddley (« Who Don You Love »), les Allman Brothers (« Ramblin’ Man ») ou Derek & The Dominoes (« Bell Bottom Blues »). A noter la très bonne version de « Nights in White Satin » des Moody Blues, validée par Justin Hayward himself. Une très belle parenthèse.
