Frais et enthousiaste, ce premier opus complet de BAD SITUATION est peut-être celui que les amateurs de Rock musclé, Heavy et grungy attendaient pour démarrer enfin le printemps de la plus belle des manières. Très groove et même joyeux, les deux musiciens avancent sur un rythme soutenu et de bons gros riffs, soigneusement mis en valeur par une production-maison, qui tient bien la route. « Bad Situation » se dresse dans un esprit live, vivifiant et terriblement addictif.
BAD SITUATION
« Bad Situation »
(Thrash Talkin Records/Klonosphere/Season Of Mist)
Direct et efficace, BAD SITUATION se présente donc avec un premier album éponyme, qui ne manque pas d’énergie. Pour un peu, on en oublierait presque qu’ils ne sont que deux. Aziz Bentot (guitare, chant) et Lucas Pelletier (batterie, chœurs) confirment les bonnes choses entendues sur leur EP « Electrify Me », sorti il y a deux ans. Forcément sans fioritures, ces nouvelles compos s’inscrivent dans un Alternative Rock synthétisant les 30 dernières années. Le panel des références est vaste, mais le rendu très cohérent et carrément pêchu.
On connait l’explosivité des duos dans d’autres registres, mais c’est vrai aussi qu’en termes de Heavy Rock, la basse tient un rôle essentiel et remplir l’espace sonore ne règle pas tout. Et il faut reconnaître que BAD SITUATION s’en sort très bien grâce, notamment, à des guitares très présentes et solides et une bonne balance dans le chant entre le lead et les chœurs. Positifs et dynamiques, les Français distillent avec beaucoup d’entrain des morceaux accrocheurs et se promènent entre Nickelback et QOTSA, le sourire aux lèvres.
Sur un Rock massif flirtant avec le Metal, et malgré quelques touches de Punk californien, BAD SITUATION trouve l’équilibre entre puissance, mélodies entêtantes et refrains fédérateurs (« On My Own », « Fallin’ Apart », « Nothing Lasts Forever », « Echoes », « Won’t Back Home »). La belle ballade « Drown » offre une belle respiration, pleine d’émotion et dotée d’un songwriting imparable. On peut affirmer avec conviction que « Bad Situation » va faire des ravages en concert et guider le public dans une belle communion. Bien joué !
Fondé autour de musiciens ayant fait leurs preuves chez Plantens, Violent Sun, Perfect View, Steel Tyrant, Verdemela et Evil Eyes, NIGHTBLAZE fait son entrée en piste avec un premier opus bien ficelé, efficace et renouant avec la fibre 80’s du Hard FM et de l’AOR. Entre titres bien pêchus et belles ballades, les Italiens font parler l’expérience autant qu’ils semblent véritablement se faire plaisir. « Nightblaze » s’inscrit cependant dans les meilleures productions actuelles, grâce à une approche vivifiante et moderne.
NIGHTBLAZE
« Nighblaze »
(Art Of Melody/Burning Minds Music Group)
C’est sous l’impulsion de Dario Grillo que NIGHTBLAZE a vu le jour en 2021. Compositeur, producteur et multi-instrumentiste, il n’a pas mis bien longtemps à réunir un line-up à la hauteur de ses attentes. Expérimenté et inspiré, le quatuor a fière allure et présente un solide Melodic Hard Rock, sur une base AOR, finement interprété et ancré dans une tradition forcément très 80’s. Sans y retrouver d’influences particulières, c’est surtout le style qui est mis à l’honneur ici, et de bien belle manière grâce à des musiciens très convaincants.
Et si le genre recommence à faire parler de lui, y compris dans l’hexagone avec les excellents Heart Line, il faut bien avouer que NIGHTBLAZE a placé la barre très haut. Très bien produit par son guitariste, ce premier album éponyme brille par la qualité du son et aussi de ses arrangements, particulièrement soignés. Les Transalpins n’ont pas fait les choses à moitié et, pour une entrée en piste, elle est plus que réussie, d’autant que le combo fait corps et laisse parler sa déjà longue expérience dans une dynamique originale.
Aux côtés de Dario Grillo à la guitare et aux claviers, on retrouve son frère Alex derrière les fûts, la bassiste Federica Raschellà et le très en vue dans le Rock italien, Damiano Libianchi, au chant. Accrocheur, NIGHTBLAZE joue sur des mélodies entêtantes et des morceaux racés. Entre solos virtuoses et une performance vocale puissante, la musicalité des compositions est parfaitement mise en avant sur des refrains fédérateurs (« Sudden Blast », « Take On Me », « Tell Me », « Hold On To Me », « Carry On »). Très réussi !
Classique et classieux à la fois, GOTUS se présente avec une première réalisation, d’où le plaisir transpire à très grosses gouttes. Ces cinq-là s’éclatent et cela s’entend tout au long du disque. Suffisamment rare pour être souligné, la formation suisse, pour l’essentiel, est le fruit d’une émanation d’artistes qui se connaissent très bien et qui donnent surtout le sentiment de faire enfin ce qu’ils ont toujours voulu faire avec Krokus ou Gotthard, notamment. Ce premier opus a quelque chose de flamboyant, tant il dégage une impression de liberté ultime et de joie de faire un Hard Rock fédérateur et tellement feel-good.
GOTUS
« Gotus »
(Frontiers Music)
Parmi les très nombreux projets du chanteur Ronnie Romero, tous ne sont pas forcément heureux, c’est vrai. Bâtir un groupe autour d’un seul homme, certes irréprochable et talentueux, ne suffit pas toujours. Avec GOTUS, le Chilien apparaît plutôt, non comme une pièce rapportée, mais un membre dont l’unique présence ne suffit pas à guider l’ensemble. Car on parle ici surtout d’un groupe pensé et imaginé par Mandy Meyer, éminent guitariste passé chez Gotthard, Krokus, Asia et Cobra notamment et de son ami et batteur Pat Aeby, lui aussi membre de Krokus, Storace et de Sideburn. La donne est donc différente et la suite aussi comme le démontre ce très bon « Gotus ».
L’idée de départ était juste le live, mais l’idée du studio s’est rapidement concrétisée pour devenir un groupe à part entière. Se sont joints à la petite fête le bassiste Tony Castell (Krokus, Crystal Ball) et l’expérimenté claviériste helvète Alain Guy. Et avec Romero derrière le micro, les ex ou toujours membres de Gotthard et Krokus ont légitimement imaginé GOTUS, un quintet tournée vers un Hard Rock estampillé 80’s/90’s, c’est-à-dire dans la lignée de ce qu’ils ont toujours fait, et très bien fait. Respectueux du style et actuel dans la production, ce premier album des Suisses est une très belle surprise pour peu qu’on aime la bande à Coverdale… car son ombre plane.
En effet, sans manquer de respect aux musiciens très expérimentés de GOTUS, on se prend parfois à imaginer un album fantôme de Whitesnake. Ronnie Romero ne pourrait renier la filiation et on lui pardonne aisément et avec plaisir, tant les chansons sont magnifiquement composées et interprétées. Le quintet dépoussière littéralement le registre et y apporte une touche très rafraîchissante (« Beware Of The Fire », « Take Me To The Mountain », « When The Rain Comes », « The Dawn Of Tomorow »). Les riffs et les solos rayonnent de toutes parts, notre Chilien est au top et la rythmique tellement complice. Espérons que ce premier opus ne soit pas un one-shot, car le plaisir est au rendez-vous.
Généreux et avec l’humour en embuscade, THE BLUE-FOOTED BOBBIES a pris du volume pour exprimer son Blues terriblement groove et chaleureux. Puisant ses inspirations dans le Sud américain, ils sont dorénavant quatre à poser le pied sur un registre très maîtrisé, enjoué et musclé à souhait. Cette deuxième réalisation est traversée par la joie, l’envie et une énergie littéralement transcendante. Une sorte de triple-Expresso bien tassé !
THE BLUE-FOOTED BOOBIES
« The Blue-Footed Boobies »
(Rock & Hall)
Contrairement aux apparences, il ne s’agit pas d’une chronique ornithologique consacrée au fou à pieds bleus et on ne part pas non plus aux îles Galapagos étudier ce sympathique oiseau. Non, c’est du deuxième album des BLUES-FOOTED BOBBIES dont il est question et de son brûlant Boogie Blues. Après un premier opus autoproduit il y a quatre ans, le groupe a augmenté la voilure en passant de duo à quatuor au moment-même où il rejoint la filiale du label de Dixiefrog, Rock & Hall, qui commence d’ailleurs à avoir fière allure.
Aux commandes depuis le début de l’aventure et immédiatement identifiable grâce à sa voix rauque et profonde, Ronan est le songwriter et le guitariste de THE BLUE-FOOTED BOOBIES, en marge de son one-man-band, accompagné de l’harmoniciste Marko Balland (Sanseverino). Et le binôme est soutenu par une rythmique haute en couleur. Derrière les fûts, Guillaume Dupré est aussi le cogneur en chef du groupe Metal Eths, tandis que le bassiste Pascal Blanc joue avec des artistes plus mainstream, ainsi que du Jazz. Un solide et bigarré line-up !
Profondément Southern, les noms de John Lee Hooker, ZZ Top et d’une kyrielle d’autres bluesmen du Mississippi, du Texas et de Louisiane viennent à l’esprit et parcourent nonchalamment le disque. Un rayon de soleil qui ne s’atténue jamais et qui devient même torride sur les slow-groove (« Love You Little Girl », « Little Eddy »). Chez THE BLUE-FOOTED BOOBIES, l’harmonica joue à armes égales avec la guitare et le dobro, et les coups de bambou sont inévitables et délivrés avec soin (« Dance With Me », « Want You », « Buggy », « Silence »). Classieux !
Mené par sa très combative frontwoman, KOUTENA est la réunion de musiciens aguerris unis par une même envie, celle de livrer un Metal Crossover rassemblant des influences au large spectre, mais ayant en commun un esprit très 90’s. Direct et sans concession, le quatuor se présente avec un premier album efficace et brut, dont l’énergie se distille dans des riffs acérés, des rythmiques véloces et un chant redoutable de percussion. Rémi Verger, guitariste du quatuor, nous en dit plus sur la démarche du groupe et sa création.
Photo : Pierre Guerin
– KOUDETA existe depuis maintenant quatre ans et votre premier album éponyme vient tout juste de sortir. Vous avez préféré prendre votre temps pour peaufiner votre style et votre jeu avant d’entrer en studio ?
Oui effectivement, le groupe a été créé durant l’été 2019 et on est rentré en studio à l’automne 2022. C’était le temps nécessaire pour composer et arranger les neuf chansons qui composent l’album. Le Covid a également un peu ralenti le processus.
– Vous êtes tous issus de plusieurs groupes à savoir Trepalium, New Assholes, War Inside et Vanilla Cage. Qu’est-ce qui vous a rapproché ? L’occasion de pouvoir faire autre chose que ce que vous faites déjà ou plus simplement par amitié ? Ou même les deux ?
A la base, le projet vient juste de l’envie de se retrouver entre potes pour envoyer du gros son. Avec Tom (batterie) et Ludo (basse), on se connaît depuis de longues années. On vit dans la même ville, on traîne dans les mêmes coins et on avait juste envie de jouer ensemble pour s’amuser. On a commencé à composer quelques titres, puis rapidement on a cherché un chanteur et c’est là que Ludo, qui joue également dans Trepalium, nous a suggéré d’intégrer Téona, qui se trouve être la femme de Sylvain Bouvier, le batteur de Trepalium. On a commencé à jouer ensemble et ça a tout de suite fonctionné !
– Justement, comment considérez-vous KOUDETA ? Comme un side-project ponctuel, ou est-ce que, plus clairement, votre intention est d’inscrire le groupe dans la durée ?
Notre objectif est bien de continuer à jouer le plus longtemps possible avec KOUDETA et de faire grossir le plus possible le projet. On est d’ailleurs déjà sur la composition du deuxième album !
Photo : Pierre Guerin
– Il émane une énergie très live de votre album, grâce à une proximité sonore évidente. Dans quelles conditions avez-vous enregistré « Koudeta » et sur quelle durée ?
On l’a enregistré durant l’automne 2022 au Nomad Audio en Vendée, le studio de Fabien Guilloteau. On avait maquetté tous les titres durant l’été et on est donc arrivé assez préparé et l’enregistrement s’est fait en une semaine. Il n’a pas été effectué en live, mais bien instrument après instrument, mais sans beaucoup de retouches et sans non plus empiler les couches sonores. C’est de là que vient, à mon avis, le côté live du son de l’album. On avait demandé à Fabien un mix, qui soit assez naturel et vivant et il a réussi à rendre la dynamique sonore que l’on désirait.
– Contrairement à beaucoup de groupes, votre style ne s’inscrit pas spécialement dans un registre précis, mais balaie au contraire de nombreux courants du Metal. C’est parce que vous écoutez tous des choses différentes qu’on perçoit autant d’influences chez KOUDETA ?
Oui, c’est exactement ça. On est tous fans de plein de courants et même de nombreux autres styles musicaux ! Cela va du gros Brutal Death jusqu’au Rock Progressif. On ne s’intéresse d’ailleurs pas tellement aux étiquettes, mais plutôt à la qualité intrinsèque de la musique quand on se penche sur un groupe. Et c’est certain qu’on ne souhaitait pas du tout s’enfermer dans un courant bien délimité, mais plutôt pouvoir exprimer une large palette musicale, d’autant plus qu’on peut compter sur la voix de Téona pour assurer dans un grand nombre de registres !
Photo : Pierre Guerin
– En revanche, il y a un aspect évident sur l’album, c’est qu’il est fortement ancré dans les années 90 et le spectre est même assez large. Beaucoup de nouveaux groupes surtout usent et abusent de samples, de boucles et de programmations. Est-ce que KOUDETA avance avec cette formule assez classique pour plus d’authenticité ?
On a tous été bercés par le Metal des années 90 et c’est là qu’on va trouver les principales influences du groupe : Pantera, Morbid Angel, Alice In Chains, Rage Against The Machine, Death pour citer celles qui nous paraissent les plus évidentes. Au niveau sonore, on souhaite en effet conserver une approche assez live et brute avec une formule basse-guitare-batterie, sans samples ou autre couche sonore. On ne s’interdit pas dans de futurs enregistrements d’enrichir la production, notamment avec du travail sur les voix et pourquoi un peu d’autres instruments mais, si c’est le cas, ce seront des titres qu’on ne reproduira pas en live. Le concept musical du groupe est d’être direct et authentique : notre son doit sortir des amplis, pas d’un ordinateur !
– Téona est géorgienne et plusieurs chansons sont très explicites au sujet de la Russie sur l’album. Au-delà de cette relation directe, est-ce que vous considérez KOUDETA comme un groupe engagé, ce qui se fait d’ailleurs de plus en plus rare en France ?
Certains textes ont effectivement une portée politique, mais KOUDETA est avant tout un projet artistique et le moyen d’exprimer nos émotions, nos frustrations, nos ressentis… Lorsqu’on évoque la politique, il s’agit avant tout d’exprimer ce qu’on a dans les tripes et dans le cœur sur ces sujets-là, comme lorsqu’on parle d’autres sujets non-politiques. La chanson « Bastard », qui parle de l’impérialisme russe et des conséquences sur la Géorgie ou l’Ukraine, n’a pas pour objectif d’avoir un quelconque impact politique, mais simplement de permettre à Téona de cracher la rage que lui inspire cette situation. Notre musique exprime ce qu’on ressent dans nos vies au quotidien, et la politique en fait partie, mais KOUDETA n’est pas pour autant un groupe qui se définit comme engagé politiquement.
Photo : Pierre Guerin
– Depuis quelques années, et c’est une très bonne chose, de nombreux groupes comptent une frontwoman dans leurs rangs. Est-ce que chez KOUDETA, c’était une volonté dès le départ, ou la question ne s’est même pas posée et Téona s’est imposée comme une évidence ?
Rien de prémédité là-dedans, on cherchait un chanteur et on savait que Téona avait un super potentiel, que ce soit au niveau musical ou scénique, et qu’elle avait un registre vocal assez large. Mais pour nous, garçon ou fille, ça n’a pas d’importance. Ce qui compte, c’est que ça marche aussi bien humainement que musicalement !!!
– Enfin, et malgré votre expérience personnelle et individuelle, KOUDETA fait partie de cette nouvelle vague de groupes Metal français sans complexe et il faut bien reconnaître que la scène hexagonale ne s’est jamais aussi bien portée, tant dans ses multiples talents que sur le nombre. Quel regard portez-vous là-dessus et votre envie est-elle aussi de vous exporter à courts ou moyens termes ?
C’est super que le Metal français commence à être présent à l’international et on aurait évidemment très envie de pouvoir défendre l’album à l’étranger !
Le premier album éponyme de KOUDETA est disponible chez Klonosphere.
Révélation de la scène underground allemande grâce à un style original et débridé, PLAINRIDE nous régale avec son nouvel opus. Max Rebel (chant, guitare), Florian Schlenker (batterie) et Bob Vogston (guitare), qui a aussi réalisé et produit « Plainride », se montrent particulièrement créatifs et leur Heavy Rock traverse les genres avec une énergie très communicative.
PLAINRIDE
« Plainride »
(Ripple Music)
Sorti fin avril, PLAINRIDE a à peine eu le temps de profiter pleinement de la parution de son nouvel album, puisqu’il a enchainé sur une tournée européenne en support de Corrosion Of Conformity. Un baptême du feu majestueux pour célébrer cette troisième réalisation éponyme, qui doit d’ailleurs prendre un relief saisissant sur scène. Pour l’heure, qu’en est-il de « Plainride » et de ses dix morceaux (dont un interlude très bien vu) ?
Originaires de Cologne, les Allemands ont signé chez Ripple en 2016, qui a aussitôt réédité leur premier effort, « Return Of Jackalope », avant de sortir « Life On Ares » deux ans plus tard. Et la suite de l’opération séduction du trio s’est tenue sur scène, où le combo livre des prestations percutantes. Et à en juger par cette nouvelle galette, il n’y a rien de très surprenant, tant le Heavy Rock de PLAINRIDE est inventif.
Autour d’un batteur et deux guitaristes, le trio a ouvert ses portes en grand et a invité beaucoup de monde à la fête pour y jouer des cuivres, de l’orgue, du thérémine, de l’harmonica, du piano et des percussions. L’ensemble est donc très riche et le Heavy Rock de PLAINRIDE emprunte autant au Stoner et à la Funk qu’au Desert Rock et au Fuzz. Un large panel qui brille entre autres sur « Shepherd » et « The Lilies ». Réjouissant !
Direction le Nord de la côte ouest américaine, dans l’état de Washington, avec TRIP THE WIRE, une jeune formation qui livre sa première production. Pourtant, on n’a pas vraiment affaire à des lapins de trois semaines. A la fois Hard, Heavy et résolument Metal et un brin Old School, « Trip The Wire » tient parfaitement la route et surtout ne s’encombre pas de fioritures.
TRIP THE WIRE
« Trip The Wire »
(Independant)
Originaire du Bronx à New-York où elle a grandi, Eve Clarke a pourtant traversé les Etats-Unis direction Seattle où elle a trouvé ses camarades de jeu. La guitariste et chanteuse est entourée de Dave Farell (guitare), Johnny Massey (basse) et de Rico Ybara (batterie) sur ce premier album éponyme et l’ensemble a plutôt fière allure. Entre Hard Rock et proto-Metal, TRIP THE WIRE est aussi Heavy que délicatement mélodique.
Le fait d’arborer sans détour des influences très 70’s et 80’s n’empêche pas le quatuor de se présenter avec dix morceaux très actuels et bien produits. Accrocheur et dynamique, « Trip The Wire » diffuse un bon groove sur une belle assurance. Quelque part entre Ann Wilson et The Runaways, le frontwoman ne manque pas de puissance et son côté un peu classique offre beaucoup de force à TRIP THE WIRE.
Car ce qui ressort des compositions des Américains, c’est une volonté et un plaisir de jouer, qui transpirent sur chaque note. Sans révolutionner le genre, le combo montre une belle variété dans ses titres (« In The Crossfire », « Anti Love », « Hurricane », « Step Nine »). Techniquement efficace et volontaire, TRIP THE WIRE joue sur la sincérité et ce premier opus devrait lui ouvrir bien des portes, car il est très fédérateur.
A l’instar d’un boxeur désireux de passer dans la catégorie supérieure, BIRDS OF NAZCA a pris du volume et affiche une colossale force de frappe. Sur un groove toujours aussi obsédant, le tandem avance dans un Heavy Stoner très solide et une saveur Psych dans laquelle le Doom s’invite avec puissance sur ce vivifiant « Héliolite ».
BIRDS OF NAZCA
« Héliolite »
(Independant)
Cela fait maintenant quatre ans que BIRDS OF NAZCA a pris son envol et se déploie sur la scène Stoner Heavy Psych hexagonale. Fort d’un très bon premier album éponyme sorti en 2020, le duo composé de Guillaume (guitare) et de Romu (batterie) est de retour, mais cette fois dans un format court, « Héliolite », dont les titres des morceaux ont un côté mystérieux alors que le son, quant à lui, n’a jamais été aussi massif.
A la première écoute, on pourrait se dire que les Nantais ont recruté un nouveau membre. Ce n’est pas le cas. A côté des deux amplis de guitares, BIRDS OF NAZCA en a simplement ajouté un troisième, mais de basse. Et la différence et l’impact sonore sautent directement aux oreilles. Tremblements et vibrations sont au rendez-vous et le binôme a clairement pris de l’épaisseur et se rapproche de plus en plus d’un Doom ravageur.
Toujours aussi complices, les deux musiciens semblent avoir pris beaucoup d’assurance car, passé l’intro, on plonge dans 20 minutes d’une sorte de jam enfumée, hyper-Rock et toujours instrumentale. « Inti Raymi » donne le ton, immédiatement suivi de « Spheniscus » qu’on avait pu découvrir lors d’un Live des ‘Smoky Van Sessions’. Puis, « Gucumatz », véritable pièce maîtresse de l’EP avec ses 9 minutes 34, vient diaboliquement clore cette nouvelle, mais bien trop courte, réalisation de BIRDS OF NAZCA.
Cela fait maintenant quelques décennies que la Cité des Ducs, c’est-à-dire Nantes, fleurit de belles histoires musicales et montre une grande diversité à travers les groupes qui la représentent. C’est d’ailleurs presque devenu un gage d’authenticité. THE ASCENDING en est le parfait exemple et son premier opus éponyme offre des sensations très pertinentes sur notre époque, où l’ancrage humain et naturel prédomine. Une réussite totale.
THE ASCENDING
« The Ascending »
(Frozen Records/Klonosphere)
Tous issus de la scène Rock et Metal nantaise, les six musiciens qui composent THE ASCENDING n’en sont pas à leur coup d’essai. Et pour preuve, on y retrouve des membres de Stinky, Alan Stivell, Les Hommes Crabes, Tsar, 20 Seconds Falling Man ou Kaiser. Autrement dit, du beau monde qui s’est réuni au sein d’un projet en forme de collectif, et surtout guidé par une liberté artistique qui prend ici une dimension saisissante.
Forcément avec de tels parcours et venant d’horizons aussi différents et même parfois opposés, il est assez difficile de définir avec précision le style de THE ASCENDING. Mais au fond, est-ce bien nécessaire ? Pour mieux appréhender ce bel éclectisme, il suffit d’être curieux et de se laisser aller, voire se perdre, dans ce savoureux mix de Dark Rock, de Folk atmosphérique teinté de Garage, de Post-Rock, de violon et d’une touche progressive.
Même s’il ne compte que six titres, « The Ascending » offre une belle idée des contours musicaux à l’œuvre. Mené par une chanteuse, Jessica Delot, et deux chanteurs, Clair et Eddy Kaiser, on croise dans ce premier opus des moments de poésie (« Circles In The Same Sky ») comme des passages plus engagés (« Waiting A Storm »). THE ASCENDING libère une force organique dans laquelle on se laisse prendre (« The Ascending », « Herons »). Très généreux !
Quand le Stoner Doom s’imprègne de la chaleur Southern du Tennessee, le son prend tout de suite une saveur spéciale. Et WYNDRIDER l’a parfaitement compris et déboule avec un premier opus éponyme inspiré et costaud. Derrière le micro, Chloe Gould impose sa griffe et guide l’ensemble avec fermeté tout en apportant une touche féminine très originale.
WYNDRIDER
« WyndRider »
(Independant)
C’est dans les montagnes de l’Est du Tennessee que WYNDRIDER a vu le jour. En mars 2022, le groupe donnait son premier concert et en septembre de la même année, il était en studio pour y enregistrer son premier album. Autant dire que les Américains ont les idées qui fuzzent… et il n’y a pas que les idées d’ailleurs. Le style compact et vibratoire dilué sur « WyndRider » a de quoi faire trembler les murs.
A la tête du combo, on trouve Chloe Gould, une chanteuse très Rock qui mène l’ensemble avec force grâce à une voix puissante qui sait aussi parfois se faire suave. Assez rare pour être souligné, WYNDRIDER fait donc partie de ces formations Stoner Doom à se présenter avec une frontwoman pleine d’assurance et capable de variations étonnantes. Psych et Southern, le chant d’action est donc vaste et le Fuzz, justement, domine.
Marqué du seau de Black Sabbath et teinté d’un Blues gras bien sudiste dans les riffs, le quatuor pose sa patte dès l’entame avec « Pit Witch » pour une mise en jambe solide. S’appuyant sur des mid-tempos massifs (« Creator », « Mother In Horns »), WYNDRIDER ne manque pas non plus de mordant et peut compter sur un chant qui monte en régime au fil du disque (« Electrophilia », « Space Paper/Acid Saloon »). Très convaincant !
