Si Montréal et Québec connaissent déjà par cœur THE DAMN TRUTH, les amoureux de Psych Rock vintage, qui regardent plutôt devant que dans le rétro, devraient eux aussi succomber à la musique irrésistible, musclée et généreuse du quatuor. Ce troisième album, « Now Or Nowhere », s’annonce comme celui de l’envol et de la reconnaissance pour le dynamique combo.
THE DAMN TRUTH
« Now Or Nowhere »
(Spectra Musique/Sony Music)
Ça fait déjà un petit moment que le single « This Is Who We Are Now » tourne en boucle sur les radios canadiennes et britanniques et la déferlante THE DAMN TRUTH s’apprête à s’abattre sur le reste de l’Europe et même au-delà. Vous verrez ! Porté par une fougue et une énergie incroyable, le quatuor de Montréal sort son troisième album et celui-ci est une vraie petite bombe de Rock/Blues vintage ravageur et pétillant.
Les Canadiens n’ont pas attendu la vague rétro 70’s pour s’engouffrer dans la brèche, loin de là. Le groupe de Rock Psychédélique modernise et électrise le genre pour lui apporter une touche contemporaine très percutante. Et si THE DAMN TRUTH est une valeur sûre de l’underground québécois, il ne va pas le rester bien longtemps, car c’est avec « Now Or Nowhere » que le combo va inscrire son nom en lettres d’or.
Enregistré dans le studio de Bryan Adams à Vancouver et mixé aux deux tiers par l’immense Bob Rock, qui n’a pu finir le travail à cause du Covid, ce nouvel album regorge de pépites toutes plus explosives les unes que les autres. Mené par sa charismatique frontwoman Lee-La Baum, THE DAMN TRUTH montre une assurance, une attitude solaire et extrêmement positive, ainsi qu’une une énorme envie très Rock’n Roll.
Si le premier extrait de l’album est d’une efficacité redoutable, « Tomorow » restera ancré un long moment tant il est addictif. Les Canadiens jouent sur leur formidable feeling, une puissance totalement débridée et des sensations à la fois incandescentes et enveloppantes de douceur. « Now Or Nowhere » est enthousiasmant de bout en bout, alors plutôt que de mettre en avant quelques titres : écoutez-le dans son intégralité.
Malgré sa jeunesse, le guitariste BEN RANDALL possède déjà une solide expérience. Ayant joué dans de nombreuses formations, le Britannique revient cette fois en solo avec un album où il parcourt différentes époques de ses expériences musicales. Son jeu et son style se font plus personnels au fil des morceaux à travers lesquels il propose de belles choses.
BEN RANDALL
« Before The Rain »
(Thoroughbred Music)
Le talent n’attend pas le nombre des années et BEN RANDALL vient confirmer l’adage. Loin d’être un clown savant de la six-cordes ou une petite bestiole qui ne jure que par la vitesse et la technique comme on le voit chaque jour, le guitariste base surtout et plutôt son jeu sur le feeling et le toucher que la technicité vient juste servir.
Ayant fait ses armes avec Code of Silence, 25 Yard Screamer et Chasing The Monsoon, BEN RANDALL explore avec « Before The Rain » toutes ces années au sein de ces formations, ainsi qu’en solo. Et entre Heavy Metal, Hard Rock bluesy et Rock Progressif, le registre du prodige anglais est vaste et instrumental pour l’essentiel, ce qui donne lieu à une grand expression musicale.
Avec « Dark Skies Over Babylon », BEN RANDALL propose le seul titre chanté de l’album par Joanna Ruiz et il sort d’ailleurs en single. Très expressif et progressif dans son jeu, le guitariste met en avant ses propres compositions, mélodiques et contrastées. Légèrement shred, mais pas trop, le Britannique brille surtout par son efficacité et son style très direct, cristallin et groovy.
Capable de douceur extrême comme de déflagrations écrasantes et dévastatrices, MOTORPSYCHO continue de souffler le chaud et le froid à travers un Rock/Metal Progressif qui n’appartient qu’à lui et dont les courants musicaux sont aussi larges que variés. Toujours aussi psychédélique à travers des morceaux protéiformes souvent brillants, le trio régale une fois encore grâce à une créativité généreuse et inépuisable.
MOTORPSYCHO
« Kingdom of Oblivion »
(Stickman Records/Rune Grammofon)
Les très prolifiques Norvégiens sont déjà de retour après le très bon « The All Is One » sorti en septembre dernier. Sur une bonne heure dix (le format habituel du trio), PSYCHOMOTOR présente un « Kingdom Of Oblivion », toujours aussi inspiré et où la virtuosité de ses membres est éclatante. Bent Sæther (basse, chant) et Hans Magnus Ryan (guitare, chant) ont désormais officialisé le Suédois Tomas Järmyr derrière les fûts, et le groupe semble plus soudé que jamais.
Evoluant toujours dans un registre progressif où viennent se greffer des partitions Rock, Metal, Blues et Folk, le groupe semble laisser livre-court à sa fertile imagination, ponctué de claviers aériens et envoûtants. Encore une fois différent de ses précédentes productions, MOTORPSYCHO tire très habillement son épingle du jeu avec des morceaux qui alternent douceur et fureur décibéliques (« The United Debased », « Dreamkiller », « At Empire’s End », « Alet », « Cormorant »).
Expérimental et atmosphérique, les Scandinaves n’en finissent pas de surprendre, grâce à un jeu et des morceaux tous aussi déroutants et imprévisibles les uns que les autres (« The Hunt », « The Transmutation of Cosmoctopus Lurker », un sommet !). Toujours ancré dans un son très 70’s, profond et organique, MOTORPSYCHO s’amuse franchement, là où d’autres ne noient. Psychédélique et moderne à la fois, le trio paraît intarissable et c’est une vraie bénédiction !
Nous ayant habitué à des productions plutôt sombres, l’Islande peut aussi se montrer d’une influence solaire et positive pour les formations locales. THE VINTAGE CARAVAN vient confirmer cette exception avec « Monuments », son cinquième album, duquel émanent une énergie incroyable et une densité aux variations magistrales. Le trio assoit sa légitimité et son talent avec classe et élégance.
THE VINTAGE CARAVAN
« Monuments »
(Napalm Records)
Cela fait maintenant dix ans et cinq albums qu’Óskar Logi Ágústsson (chant, guitare), Alexander Örn Númason (basse, chœurs) et Stefán Ari Stefánsson (batterie) regardent dans le rétro. Se forgeant une solide réputation à travers des concerts endiablés, THE VINTAGE CARAVAN fait bien plus que surfer sur une vague très 70’s à l’œuvre de manière expansive depuis quelques temps. Avec « Monuments », le trio islandais continue sa mue et affiche un style désormais très personnel.
Qualifier aujourd’hui de vintage toute production analogique et organique serait bien réducteur pour parler de la musique de THE VINTAGE CARAVAN. Au contraire, si la formation ilienne possède ces caractéristiques sonores et des influences des pionniers du Rock/Hard notoires, le combo sonne résolument moderne et affiche une créativité loin d’être passéiste, mais même plutôt inspirée et actuelle. Autour de belles harmonies, le groupe nous fait voyager dans un paysage musical protéiforme.
Le trio se défait des habituelles caricatures rétro pour rentrer dans le vif du sujet avec vigueur sur des riffs tout en nuance, des mélodies accrocheuses et des refrains entêtants (« Crystallized », « Forgotten », « Clarity »). Insaisissable, THE VINTAGE CARAVAN hausse le ton flirtant avec le Heavy Stoner avec un maîtrise bluffante (« Said & Done », « Dark Times », « Whispers »). Grâce aussi à des arrangements subtils, « Monuments » tire magnifiquement son épingle du jeu et le trio est aussi bouillonnant que capable de belles émotions.
Le chanteur et compositeur Dryad, leader du groupe post-Black Metal chinois Bliss-Illusion, revient cette fois en solo dans un univers onirique entre réalité, poésie et divinités à l’œuvre dans un « Northland I & II » saisissant. A travers ce double-album concept, le musicien explore des contrées musicales assez inédites. L’occasion de poser quelques questions au chanteur aussi habité que la trame de l’histoire qu’il nous conte.
– On te connait comme leader du groupe post-Black Metal/Blackgaze Bliss-Illusion avec qui tu as sorti le très bon « Shinrabansho ». Tu sors cet album solo à la faveur d’une pause avec ton groupe, où c’est quelque chose sur laquelle tu travailles depuis longtemps ?
En fait, mon album personnel n’était pas planifié de longue date. C’est arrivé soudainement, et je me suis senti à la fois surpris et satisfait.
– J’aimerais tout d’abord qu’on revienne sur ce double-album, « Northland I & II », qui sort actuellement dans une version différente de la première, qui est sorti en deux temps. Quelles sont les principales différences entre les deux éditions ? Et y as-tu effectué des modifications, notamment musicales en ajoutant ou en retirant certains passages ?
C’est vrai que l’album est sorti de deux façons différentes dans sa forme, mais les morceaux et les paroles sont identiques. C’est vrai que la version européenne du design de la pochette est vraiment géniale ! Je tiens d’ailleurs à remercier Alcide, Abel et mon ami William pour tout ce qu’ils ont fait pour mon album.
– Pour sa conception, tu t’es appuyé sur un recueil de nouvelles et de poésie que tu as toi-même écrit. Tu avais déjà en tête le fait de le mettre un jour en musique ?
Je n’avais pas vraiment de plan à ce moment-là, mais j’ai senti que l’année dernière a été vraiment difficile pour tout le monde. Alors j’ai voulu faire quelque chose pour moi, et pas seulement, en cette période spéciale. J’ai donc sorti ces deux albums et j’espère qu’ils pourront apporter joie et paix aux gens.
– « Northland I & II » est aussi un concept-album, avec une trame et une histoire très construites. Peux-tu nous en tracer les grandes lignes et l’histoire qui sert de fil rouge à l’album ?
TASSI, le héro, se situe dans un monde entre l’homme et Dieu. Je crois que c’est aussi l’endroit où je résidais. Car bien sûr, je connais aussi des choses de ma vie antérieure. En fait, le rôle d’Uni (l’amant de Tassi) est devenu une croyance pour Tassi. Elle n’est pas seulement une personne, elle représente son voyage accompagné de nombreuses divinités.
J’étais (Tassi) très fatigué du monde. Plus tard, j’ai rencontré mon amante et ma foi. Puis, j’ai compris ce que je voulais dire dans ce monde. Et je suis très reconnaissant pour tout cela. J’espère que ces gens tristes pourront mener une belle vie, que nos ennuis et nos inquiétudes disparaitront.
– L’album est emprunt de poésie bien sûr, mais aussi d’ésotérisme et même de Bouddhisme, dans une atmosphère très onirique et assez mystique. On y retrouve aussi des sonorités issues de la tradition chinoise et japonaise. Ces différents aspects étaient indissociables dans la conception et pour la cohérence de l’album ?
Bien que ces deux albums soient des visions du monde bouddhistes, ils ne comportent aucun élément bouddhiste. J’ai voulu me débarrasser du thème musical de Bliss-Illusion C’est un album plein de romance et de divinité. Je dois aussi dire que ces deux albums sont profondément influencés par Sigur Ró s et Dante Alighieri.
– Si « Northland I & II » garde des sonorités Black Metal, l’ensemble est très atmosphérique et progressif avec des passages acoustiques et Folk, ainsi que des bruits de nature. C’est un album très organique et narratif et il est même assez cinématographique dans son ensemble. C’est une touche et une ambiance que tu souhaitais apporter à l’album ?
J’ai utilisé des dialogues de mes films préférés. Mon troisième album est toujours en cours d’enregistrement, et j’ai l’intention d’ajouter des sons ambiants et d’autres éléments musicaux. Je ne suis pas seulement un blackgazer. Je suis très fan de Rock indépendant et de Dream Pop. Je veux essayer de les intégrer dans de futurs albums. Parce que « Caelum Deva » est un monde coloré.
– Le chant est lui aussi assez différent d’avec Bliss-Illusion puisque s’il y a toujours du growl, tu chantes beaucoup en clair et les passages parlés sont eux aussi très nombreux. Vocalement, rester dans un registre exclusivement Metal était impossible pour un tel album ?
Les chansons de Bliss-Illusion sont toutes chantées par Dryad, tandis que les chansons de Northland sont chantées par TASSI. Parce que mon signe astral est celui des gémeaux ! (Rires)
– Maintenant que tu as exploré d’autres registres avec TASSI, cela a-t-il donné des envies et des idées pour la suite et mener en parallèle de ton groupe ce projet solo encore un peu plus loin ? Ou au contraire, était-ce un one-shot au concept unique qui n’aura pas de suite ?
Sérieusement, j’y ai réfléchi. Je ne sais pas pour l’avenir, mais je ferai de mon mieux. Je continuerai à faire l’histoire et la musique de « Northland », car c’est l’endroit où ma femme et moi vivions. Ça me manque beaucoup. Bien sûr, nous chérirons chaque jour dans ce monde. Enfin, j’espère que vous pourrez tous être en bonne santé et en sécurité, merci à toi.
« Northland I & II », l’album de TASSI, est disponible chez Anesthetize Productions
Avec une émotion et une intensité bien présentes tout au long de « Crime Of Passion », BELLE MORTE réussit à attirer l’attention dès son premier album. Le duo biélorusse évolue dans un style Metal à la fois symphonique, gothique et progressif, et est parvenu à créer un univers personnel et sophistiqué.
BELLE MORTE
« Crime Of Passion »
(Wormholedeath Records)
Originaire de Minsk en Biélorussie, BELLE MORTE sort son premier album après un EP (« Game On ») sorti en 2018. Entre Metal Symphonique et Progressif où viennent se greffer des atmosphères gothiques, le duo propose un « Crime Of Passion » très abouti et surtout très bien produit par Sergey Butovsky, que je suppose être le second membre du groupe aux côtés de la chanteuse.
Inspiré du roman de John Fowles, « The Collector », ce premier album raconte une histoire forcément sombre autour d’une obsession malsaine conduisant à un meurtre. L’ambiance est donc très dark, très Metal aussi, ainsi qu’intense et mélancolique. BELLE MORTE évite cependant les clichés pour proposer un style épuré tout en restant dans un registre symphonique sobre.
Sur des arrangements très soignés, des riffs efficaces et une voix puissante et limpide, BELLE MORTE nous ouvre les portes d’un monde où on se fait happer par le climat de « Crime Of Passion ». Le duo fait des merveilles et malgré des orchestrations faites par diverses machines, l’album est plutôt séduisant et plein de nuances, se rapprochant légèrement du Metal Progressif. Belle découverte.
A la fois Metal et Rock, Psyché et Progressif, les Français de LIZZARD ont trouvé leur formule : un subtil mélange très personnel, très construit et organique. C’est en Allemagne que le groupe est allé enregistrer son quatrième album, sorti en février dernier, et il en ressort un « Eroded » solide, massif mais également aérien et atmosphérique. Retour avec William Knox, bassiste du combo, sur ce nouvel opus et sur la démarche artistique de ce trio atypique.
– « Eroded », votre quatrième album, est sorti en février dernier et il montre encore une belle évolution dans votre musique. Tout d’abord, j’aimerais qu’on revienne sur votre passage de Klonosphere à Pelagic Records. Qu’est-ce qui vous a motivé et comment cela s’est-il passé ?
En Europe, il n’y en a pas tant que ça de labels qui évoluent dans le style qu’on fait, alors on a vite fait le tour en termes de choix. A partir de là, c’est l’envie de toucher un public plus large, tout simplement, qui nous a fait signer chez Pelagic Records. Ils ont une bonne réputation et collent à ce qu’on fait que ce soit musicalement ou esthétiquement. On avait déjà été en contact avec eux sur une tournée fin 2019, et le courant est bien passé, alors c’était assez logique pour nous de vouloir faire un bout de chemin avec eux !
– A la sortie de l’album, vous avez déclaré que ce nouvel opus était un message d’espoir pour avancer vers des destinations plus lumineuses. Pourtant, vous vous êtes imposés un confinement d’un mois en studio à Berlin avant même la pandémie. En plus d’être paradoxal, c’est assez prémonitoire, non ?
Oui ! Après bien sûr, il y a une différence entre se confiner par choix pour des raisons de tranquillité, qui nous ont permis de se concentrer et de se mettre dans l’ambiance de l’album, et le vrai confinement qu’on a tous connu par la suite. Mais le thème de l’album était prémonitoire, c’est assez clair maintenant avec le recul. Le message qu’on a voulu faire passer que ce soit dans les textes, ou également par la musique et ses ambiances, sur « Eroded » on savait (comme beaucoup le savent) qu’on va droit dans le mur pour ce qui est de l’espèce humaine et du bien-être de la planète toute entière, ce n’est pas nouveau. Mais il s’avère que les conséquences arrivent de plus en plus vite, en boule de neige, alors à nous tous de réagir avant que ce ne soit trop tard. Mais on reste quand même sur l’idée qu’il n’est jamais vraiment trop tard, et de là né l’idée de lumière au bout du tunnel, c’est quand tout va très mal que les gens finissent par réagir seulement. On y est.
– Il y a toujours cette incroyable unité et complicité au sein de LIZZARD et cela s’entend vraiment. En 15 ans, le line-up n’a pas bougé, ce qui est d’ailleurs toujours étonnant pour un groupe. C’est de là que vous puisez cette force créatrice ?
On se connait forcément très bien maintenant, humainement puis de manière créative, on sait ce qui fonctionne, ce qui fonctionne moins, et ça nous permet d’aller droit au but. L’alchimie entre les membres est toujours beaucoup plus important qu’on le croit dans n’importe quel groupe, et quand on a la chance d’en arriver à faire quelque chose d’harmonieux et abouti il faut le saisir, ne pas le gâcher. Pour l’instant on a toujours tous les trois la même motivation qu’au départ du groupe, alors tant que c’est là : on ne lâche rien ! Certainement qu’un jour ça changera, ou ça évoluera, mais aujourd’hui on n’y pense même pas.
Photo : Audrey Saint-Marc
– Musicalement et même si vous restez toujours aussi pêchus et incisifs, « Eroded » montre un visage plus atmosphérique et protéiforme, tout en étant éthéré et chaleureux dans le son. Là encore, LIZZARD a évolué et reste assez insaisissable. Malgré tout, vous semblez ne faire aucun compromis. Comment se passe le processus d’écriture au sein du trio ?
Au tout début du groupe, à l’époque de notre démo « La Criée » et du premier EP « Vénus », on avait déjà ce côté atmosphérique, mais qui était plutôt mis en avant. On construisait autour de thèmes aérés avant d’arriver sur bosser des structures plus bétons et en faire des morceaux. Donc à partir de jams ambiants, on travaillait et on arrivait au final avec quelque chose de moins structuré qu’aujourd’hui. Sur « Out Of Reach » et « Majestic », c’était plutôt le contraire, béton d’abord sans trop de passages psyché. Au fur et à mesure des années, on a un peu inversé ou plutôt équilibré notre méthode sans trop y faire gaffe, et maintenant sur « Shift » et « Eroded » je dirais que les morceaux sont construits autour de riffs de guitare, avec des déclinaisons de passage ambiants, qui servent à la fois aux morceaux et à l’album dans son ensemble. Et ça donne ce que tu décris dans ta question. La plupart des riffs sont composés par Mat à la guitare acoustique, et on se rejoint tous les trois en répète à l’ancienne pour en faire des morceaux.
– « Eroded » se distingue aussi par cette séparation entre une première partie musclée et une seconde plus épurée et même délicate. Pourtant, l’unité entre les morceaux est évidente. Pourquoi avez-vous scindé l’album de cette manière et d’où est venue l’idée ?
Tout simplement parce qu’on pense à la fois au format vinyle qu’au format numérique, et qu’on a envie que l’auditeur puisse écouter la face A et la face B comme deux ‘minis albums’ qui sont autosuffisants. Deux visions du même thème. C’est important pour nous d’emmener l’auditeur quelque part, sans qu’il s’ennuie ou s’endorme sur la route, que ce soit en concert ou sur album. C’est donc toujours un challenge pour trouver l’ordre des morceaux qui va bien, qui marche à la fois pour une écoute intégrale, et en même temps si on écoute une seule face du vinyle. On peut aussi écouter la face B avant s’enchainer sur le face A, ça fonctionne aussi ! Mais c’est différent.
– Au-delà d’un jeu chirurgical et très organique, la production signée Peter Junge rend vos morceaux très généreux et très énergiques. Avez-vous étroitement collaboré ou au contraire lui avez-vous laissé carte blanche ?
Je pense qu’on est assez difficile en termes de peaufinage, mais en même temps un producteur trouve ça plus facile quand il bosse avec des artistes qui savent exactement ce qu’ils veulent et ce qu’ils cherchent. Après trois albums, je pense qu’on en est là, on sait ce qu’on veut, et surtout ce qu’on ne veut pas. Donc il n’a pas carte blanche, mais on est toujours ouvert à des idées de prod’ : on est surtout à la recherche d’énergie, et une ressentie de performance, plutôt qu’une répétition. Et ce n’est pas si facile à faire pour rendre un mix à la fois dynamique et vivant, mais moderne et léché en même temps. Je pense que c’est la force de Peter sur cet album, il a su garder le côté live sans faire de compromis sur la pertinence de la production. Mais après on n’est jamais satisfait à 100% de notre travail, et on sait déjà ce qu’on a envie de changer pour le prochain !
– Pour conclure, comment définissez-vous le style de LIZZARD qui, là encore, est très contrasté ? Power Rock, Metal Progressif, avant-gardiste, psychédélique ?
Pour définir un style on est plus ou moins obligé d’utiliser beaucoup de mots, et en même temps plus on définit, plus on s’éloigne quelque part de ce qu’est la musique, c’est-à-dire l’unicité d’un groupe de zique. On se considère comme un power trio, quelque part à mi-chemin entre le Rock et le Metal, avec un côté Prog et un côté Psyché. Voilà, j’espère que tout le monde sera d’accord ! Mais certainement que tout le monde aura un avis différent !
« Eroded », l’album de LIZZARD, est disponible depuis le 19 février chez Pelagic Records
Le leader du groupe de post-Black Metal/Folk bouddhiste chinois Bliss-Illusion livre un copieux et généreux double-album solo sous le nom de TASSI. Avec « Northland I & II », Dryad nous emmène en voyage dans une atmosphère douce et progressive où quelques fulgurances extrêmes viennent se nicher. Original et créatif, ce double concept-album conjugue poésie et explosion métallique.
TASSI
« Northland I & II »
(Anesthetize Productions)
On commence doucement à s’intéresser et à connaître le Metal chinois et ce n’est pas vraiment un hasard. L’Empire du Milieu regorge de très bonnes formations comme Bliss-Illusion, et c’est précisément du double-album de son leader Dryad dont il est question. Avec TASSI, c’est en solo qu’évolue cette fois le musicien qui entièrement composé et réalisé « Northland I & II » dans une nouvelle version.
Initialement sorti en Chine séparément, c’est donc sous une nouvelle mouture que le chanteur et multi-instrumentiste présente ce concept-album où ésotérisme, religion et Black Metal font bon ménage. Inspiré par son propre recueil de nouvelles et de poésie, Dryad a conçu TASSI et ces deux albums autour d’une histoire basée sur la quête de son héro du même nom pour retrouver son amante.
Entre post-Black, Blackgaze et Folk Progressive, on navigue dans une ambiance à la fois brutale et sereine. Très atmosphérique, « Northland I & II » évolue dans un climat aussi acoustique qu’électrique, dans lequel le chant de Dryad passe du clair au growl et à des passages parlés avec une belle fluidité. TASSI avance dans le clair obscure où les ambiances et les genres ne font qu’un. Un beau voyage cosmique au cœur de la culture chinoise.
Retrouvez TASSI en interview dans les prochains jours.
Réellement investi et impliqué dans sa musique, POVERTY’S NO CRIME est de ces groupes qui prend son temps pour livrer de bons et beaux albums. Et « A Secret To Hide » ne faillit pas à la règle que suit assidûment le quintet allemand. Une fois encore, le groupe s’amuse avec le Progressif, qu’il soit Rock ou Metal, avec une brillante fluidité.
POVERTY’S NO CRIME
« A Secret To Hide »
(Metalville Records)
En 30 ans de carrière, POVERTY’S NO CRIME s’est forgé une solide réputation et ce huitième album vient confirmer l’assise du groupe dans un registre parfaitement maîtrisé. Si seulement cinq ans séparent « A Secret To Hide » de « Spiral Of Fear » (ce qui est assez court pour le groupe), les Allemands livrent un très bon opus où se mêlent Rock et Metal Progressif. Suite à une tournée couronnée de succès avec Psychotic Waltz, le quintet est toujours aussi explosif.
Depuis ses débuts, POVERTY’S NO CRIME passe du Rock au Metal Progressif avec un savoir-faire et une créativité qui ont forgé son style si personnel et identifiable. D’une liberté sans faille, les Allemands font la jonction entre les époques avec des passages instrumentaux accrocheurs et aussi rentre-dedans qu’aériens. Avec Volker Walsemann (guitare, chant) en pleine forme, « A Secret To Hide » recèle de détails et d’arrangements tout en finesse et très soignés.
La particularité de ce nouvel album réside aussi dans le fait qu’aucun membre du groupe ne s’est rencontré durant la phase d’écriture. POVERTY’S NO CRIME s’en amuse aujourd’hui expliquant que cela les a même poussé dans ses retranchements. Résultat, un mur du son infranchissable, une rythmique impressionnante et un frontman qui régale de facilité (« Hollow Phrases », « In The Shade », « Schizophrenic », « Grey To Green », « Within The Veil »). Un grand album !
Le festival organisé par le label italien Heavy Psych Sounds Records dans le désert de Mojave en Californie se poursuit avec un troisième groupe pour le moment moins connu que ceux des autres volumes, mais dont on va entendre parler tant son style et ses morceaux sont saisissants. SPIRIT MOTHER prend un relief surprenant dans ce décor incroyable, grâce notamment à un violon captivant.
« Live In The Mojave Desert Vol.3 »
SPIRIT MOTHER
(Heavy Psych Sounds Records)
L’immersion au cœur du désert de Mojave en Californie se poursuit avec SPIRIT MOTHER, qui s’approprie aussi ce lieu chargé d’énergie et d’ondes mystiques. Le groupe de Long Beach joue autant sur le côté progressif et Psych du Stoner pour en faire un style envoûtant, porté par un line-up original que l’on rencontre assez peu dans ce registre. Il n’en fallait pas plus pour que cette ambiance très spéciale apporte au groupe une nouvelle dimension.
Composé d’Armand Lance (basse, chant), SJ (violon, chant), Sean McCormick (guitare) et de Landon Cisneros (batterie), SPIRIT MOTHER a sorti son premier album, « Cadets », en mars 2020 et celui-ci n’a pas manqué de taper dans l’œil des fans du Stoner Psych et du Fuzz Prog du quatuor californien. Cette série de concerts orchestrée par HPS est donc le moment rêvé pour le combo de confirmer par une prestation hypnotique son grand talent.
Dans ce cadre incroyable, le violon de SJ, présent sur tous les titres, prend une dimension incroyable, porté par l’environnement et sa réverbération naturelle. SPIRIT MOTHER hypnotise avec des morceaux progressifs, aériens et entraînants (« Ether », « Go Better », « Premonitions », « Dead Cells », « Black Sheep » ou encore « Space Cadets » et « Heathens »). Aussi habité que sa musique, le quatuor californien nous prend par la main pour un voyage musical transcendant.
