Chez certains artistes, l’héritage familial peut avoir un effet pesant et paralysant. Il n’en est rien pour DUANE BETTS à qui cela aurait plutôt tendance à donner des ailes et de l’inspiration. Avec « Wild & Precious Life », il s’affirme dans un registre qu’il maîtrise à la perfection et qu’il contribue de belle manière à entretenir. Le songwriter a grandi au son du Southern Rock paternel et il livre ses compositions avec le plus grand des naturels.
DUANE BETTS
« Wild & Precious Life »
(Royal Potato Family)
Fils de l’immense Dickey Betts, co-fondateur du légendaire Allman Brothers Band, DUANE BETTS affiche aujourd’hui un très beau début de carrière. Après avoir joué avec Blackbone69 et Whitestarr, il a monté le Allman Betts Band avec Devon, fils de l’autre fondateur et le duo a sorti deux brillants albums, « Down To The River » et « Bless Your Heart ». En 2018, le guitariste avait sorti un EP, « Sketches Of American Music », et il est aujourd’hui de retour avec un premier long format.
C’est justement entouré des musiciens du Allman Betts Band, Johnny Stachela à la guitare, Berry Duane Oakley à la basse, le claviériste John Ginty et avec le batteur Tyler Greenwall en complément, que DUANE BETTS a enregistré « Wild & Precious Life ». Et, par ailleurs, le tout a été élaboré et mis sur bande au Swamp Raga Studio de Derek Trucks et Susan Tedeschi à Jacksonville en Floride. Les conditions étaient donc idéales et réunies pour réaliser un pur et bel album de Southern Rock.
L’Américain enchaîne les morceaux positifs et ensoleillés, où les twin-guitares sont légions et rayonnent. La slide se fond dans des refrains entêtants et DUANE BETTS réserve encore quelques surprises. La chanteuse Nicki Bluhm apparait pour un instant Country sur « Colors Fade », Derek Trucks livre un beau solo sur « Store At The Sun » et Marcus King rivalise d’audace sur « Cold Dark World ». Et on retiendra aussi « Evergreen », « Waiting For A Song » et le génial « Saints To Sinners ». Une belle respiration !
En observateur avisé de notre société et animé par une curiosité qui ne le quitte jamais, BERNIE BONVOISIN se livre en solo avec un cinquième album que l’on n’attendait pas forcément si tôt. Moins d’un an après « Propaganda » de Trust, c’est dans un registre très différent, mariant sa culture Rock au Blues et même par certains aspects à la Country, que le chanteur révèle une facette moins connue que celle affichée avec son groupe. Original, très acoustique et toujours guidé par des textes affinés et affûtés, « Amo Et Odi » offre des couleurs inattendues et attachantes. Entretien avec le mythique frontman français.
– Ton nouvel album sort tout juste neuf mois après « Propaganda » de Trust, ce qui est très court. Les morceaux étaient déjà en boîte et les textes écrits, ou est-ce que tout s’est fait rapidement ? On te sait très créatif quand tu entres en studio et tu aimes aussi enregistrer en condition live…
Tout s’est fait dans la foulée. On est entré en studio presque sans rien. On avait préparé plusieurs choses chez moi, où on avait énormément travaillé en acoustique.
– Qu’est-ce qui t’a motivé à retourner aussi rapidement en studio ? C’est assez rare de voir quelqu’un sortir deux albums en moins d’un an, où alors c’est l’envie de vite retrouver la scène qui t’y a poussé ?
On me l’a proposé et j’ai accepté, tout simplement. Un album solo est toujours très différent, dans le travail comme dans l’approche. C’est une autre manière de faire les choses.
– Beaucoup de morceaux ont été écrits en studio. Comment as-tu sélectionné les 13 qui composent « Amo Et Odi » ? Est-ce que dans ces cas-là, on pense à l’intégralité du disque et à sa cohérence, ou plutôt aux moments forts ?
On a fait une sélection de 18 morceaux. En fait, on a fait 13 titres sans batterie et cinq autres avec. Oui, on a réfléchi au tracklisting ensemble. C’est un album qui s’est fait assez simplement et avec des gens en qui j’ai pleinement confiance. On a travaillé sereinement, on a cherché des choses. Ca a été une sorte de laboratoire en fait.
– Sur le même sujet, pour ce nouvel album solo, tu te distingues vraiment de ce que tu fais avec Trust, ce qui est très compréhensible. Pourtant, musicalement sur certains titres et surtout au niveau des textes, il y a aussi des similitudes dans l’engagement notamment …
Oui, mon écriture reste mon écriture. Ca se passe surtout dans la manière d’écrire, qui est cette fois plus intime et plus personnelle. Mais l’essence reste la même. Sinon, c’est un aspect des choses sur lequel je ne me penche pas plus que ça. Je sais comment je vais aborder les chansons. Ma source d’inspiration reste la même : je vis dans un monde et une société que j’essaie de comprendre. Je suis traversé par des choses et j’en parle. L’aspect qui est radicalement différent par rapport à Trust, c’est qu’il s’agit d’un album de chansons, plus encore que les quatre autres disques.
– D’ailleurs, ton avant-dernier album solo, « Organic », date de 2010. Ils sont tous très espacés depuis « Couleur Passion » en 1986. Est-ce que tu attends toujours le moment propice, celui de l’inspiration, ou ce sont tes autres activités qui guident un peu les sorties ?
Là, c’était vraiment une question d’opportunité. J’ai reçu un coup de fil un matin pendant la deuxième période Covid. On m’a proposé de faire un album solo, j’ai dit pourquoi pas et nous y sommes. Ca s’est vraiment passé aussi simplement que ça.
– Justement sur le même thème, notre époque incite clairement à la révolte, pour ne pas dire à la révolution, tant les injustices sont grandes et surtout n’épargnent pas grand-monde. J’imagine que cela doit aussi se bousculer dans ta tête au moment de coucher un texte. Tes choix se font sur ce qui te touche le plus et comment te places-tu par rapport à l’urgence de certains sujets ?
Il y a aussi une notion d’instant T. C’est très divers et varié. C’est ce qui est dans l’air, il n’y a pas de thématique appropriée ou de choses dont on peut parler spécifiquement. Une idée est quelque chose de volatile.
Photo : Frédéric Dugit
– Izo, David Jacob et Jean-Pierre Bucolo et son dobro t’accompagnent et l’ensemble sonne très bluesy en dehors de du très beau piano/voix sur « A S’en Ouvrir Les Veines ». C’est plus facile de travailler avec une équipe restreinte ? Et est-ce cette tonalité était celle que tu avais en tête dès le départ ?
Oui et il y a même des choses Country sur l’album. Jean-Pierre est un ami depuis 1977. On est très proche et c’est un très grand compositeur. Il a apporté une manière différente de travailler, d’aborder les chansons. C’est vraiment une super expérience. Au final, en grande partie sur cet album, c’est la musique que j’écoute. J’ai un spectre d’écoute qui va de La Calas à Led Zeppelin. J’écoute énormément de Country comme du Rap colombien aussi. Je suis basiquement très curieux, comme pour tout dans la vie. Je n’ai jamais été dans une chapelle, je préfère les ponts que les murs. Durant cette période, on s’est beaucoup retrouvé chez moi, on a écouté de la Country, de choses comme ça. C’est pour ça qu’on a fait des morceaux avec juste un dobro et une voix. On a vraiment essayé des choses différentes.
Et c’est aussi plus facile de travailler en équipe restreinte dans la mesure où on n’est pas dans une contrainte de genre. Chacun peut vraiment amener toutes ses idées. Tout est bon à prendre et à essayer. Il y a des morceaux dans cet album qui ont été structurés et déstructurés trois/quatre fois jusqu’au dernier moment. Le morceau « Amy », par exemple, a été fait en cinq minutes, parce que notre ingénieur du son a eu l’intelligence de mettre un micro, lorsque nous avons improvisé le titre. On a fait deux prises et celle qui est sur l’album est la première. J’aime travailler comme ça, et que chacun puisse s’exprimer et exprimer sa différence. C’est essentiel ! C’est ce qui amène des couleurs et des tons différents.
– Un petit mot sur ce panneau qui sera sur scène et où sera indiqué : ‘On ne joue pas « Antisocial »’. Effectivement, il n’a rien à voir avec ton travail en solo, dont acte. J’aimerais juste savoir comment tu arrives à raviver l’envie de le chanter, plus de 40 ans après sa sortie ?
Oui, c’était une joke, parce que c’est quelque chose qu’on me demande à chaque concert. De toute façon, je ne mélange pas les choses. Maintenant, je souhaite à tous les artistes d’avoir une croix comme celle-là à porter.
Photo : Maury Golini
– Justement pour les concerts à venir, l’idée est de faire le focus sur ce nouvel album, ou est-ce que tu joueras également des morceaux de tes autres disques solos ?
Pour le moment, l’idée de travail est de jouer l’album tel qu’il est, c’est-à-dire sans batterie avec une formation où nous serons quatre avec David Jacob, Izo, Jean-Pierre Bucolo et moi-même. Izo va réaliser un gros travail de programmation que l’on va entrecouper avec une session acoustique et avec des anciens titres, bien sûr. En fait, les morceaux des autres albums solos seront abordés de cette manière et viendront s’intégrer au reste. C’est ça aussi qui est intéressant, de prendre juste une guitare acoustique sans autre ajout. On va essayer de monter une setlist pour se faire plaisir et aussi pour contenter les gens qui viendront aux concerts.
– Pour conclure, beaucoup se pose évidemment la question, car on a pu lire tout et n’importe quoi sur le sujet : qu’en est-il de Trust ? L’aventure va-t-elle continuer ?
Je ne sais pas. Quand on s’est reformé en 2016, on était parti pour jouer trois mois et on a joué deux ans et demi. En ce qui concerne « Re-Ci-Div », c’est différent, parce que j’avais eu cette idée en pleine période de pandémie où nous étions bloqués. Ca s’est passé pendant un déjeuner où j’ai soumis l’idée et le directeur du label, qui était là, a trouvé qu’elle était bonne et ça s’est monté comme ça. Mais je ne vois pas la nécessité d’en faire un systématisme pour les autres albums. Pour les trois premiers, c’était réjouissant et rigolo de le faire, c’était un challenge aussi, car on l’a fait en trois jours. En tout cas, l’adapter aux autres, on n’y a pas pensé.
L’album solo de BERNIE BONVOISIN, « Amo Et Odi », est disponible chez Verycords.
Particulièrement bien entourée, NITA STRAUSS signe pourtant son deuxième album en solo. Loin d’être seule donc, on retrouve pas moins de neuf chanteuses, chanteurs et musiciens invités sur les 14 titres de « The Call Of The Void ». La six-cordiste parcourt de nombreux courants du Metal de manière très judicieuse, explosive et avec panache. Très bien produite, cette nouvelle réalisation la fait sortir un peu de sa zone de confort et elle s’en accommode très bien.
NITA STRAUSS
« The Call Of The Void »
(Sumerian Records)
Doll Metal pour certains, virtuose pour d’autres, une chose est sûre : NITA STRAUSS ne laisse ni indifférent, ni insensible. Guitariste du grand Alice Cooper à qui elle doit l’essentiel de sa notoriété, et aussi dorénavant de Demi Lovato (!), l’Américaine est tout de même parvenue à donner une suite à « Controlled Chaos », son premier album sorti en 2018. Pour « The Call Of The Void », elle a misé sur les collaborations et la liste est très attractive et à dominante féminine pour les voix.
Musicalement et grâce aux nombreux invités, NITA STRAUSS propose un très large éventail au point que les styles se bousculent un peu. Hormis les morceaux sans la présence de guests et qui sont instrumentaux, il n’y a donc pas vraiment d’unité artistique sur « The Call Of The Void ». En revanche, sa faculté d’adaptation et la facilité avec laquelle elle se fond dans tous ces registres est plus que bluffante et confirme son grand talent. Elle sait tout faire et la démonstration est saisissante.
Les compositions instrumentales montrent une NITA STRAUSS au jeu très varié, à la fluidité et à la dextérité exemplaire. Sans être trop shred, elle impose son feeling avec classe (« Summer Storm », « Kintsugi »). Outre les très bons titres avec Lisa White-Gluz (« The Wolf You Feed »), Lzzy Hale (« Through The Noise »), on retiendra notamment « Victorious » chanté par Dorothy, « Winner Takes All » par le maître Alice Cooper et le duo avec Marty Friedman. Un bel et éclectique album de Metal.
RAY ALDER n’est pas du genre à rester les deux pieds dans le même sabot. Pour preuve, le leader de Fates Warning multiplie les projets artistiques, tout en restant dans un Metal Progressif qu’il maîtrise parfaitement. Avec cette deuxième réalisation sous son nom, « II », il fait encore la démonstration de sa polyvalence et de sa faculté à s’approprier les mélodies avec talent.
RAY ALDER
« II »
(InsideOut Music)
Figure emblématique du monde du Metal Progressif depuis 1988 avec Fates Warning avec qui il a sorti une dizaine d’albums, ainsi qu’avec Engine, With Redemption et A-Z depuis l’an dernier, RAY ALDER se balade en solo. Son nouvel opus, « II », fait suite à « What The Water Wants » (2019) et offre également d’autres perspectives au chanteur américain, qui est une fois encore très bien accompagné.
Ainsi, Mike Abdow qui tourne aussi avec Fates Warning et Tony Hernando (Lords Of Black) qui jouent tous les deux les basses et le batteur Craig Anderson (Ignite, Crescend Shield) font partie de l’aventure. Et tout ce petit monde s’entend à merveille et libère une grande vélocité sur « II ». RAY ALDER livre comme toujours une très belle prestation et s’affirme comme la pièce centrale du groupe.
Très bien produit et avec un mix particulièrement bien équilibré, ce nouvel opus va encore plus loin dans l’exploration musicale proposée habituellement par le frontman. Sur des refrains accrocheurs et des riffs intenses, RAY ALDER se montre audacieux, percutant et tout en puissance (« The Hollow Shell », « My Oblivion », « Waiting For Some Sun », « Changes »). Et grâce à des solos tout en finesse, « II » s’impose brillamment.
Guitariste complet au toucher inimitable et producteur-arrangeur aguerri, PHIL MANCA a multiplié les expériences dans une vie d’artiste bien remplie. Depuis quelques années, c’est en solo qu’il donne librement court à son inspiration, et il s’échappe ici un temps du Blues Rock pour voguer cette fois sous des cieux Hard et Metal avec ce très bon « Layers Of Pain ».
PHIL MANCA
« Layers of Pain »
(Tremolo Prod/Kuroneko)
Après avoir sévi chez TNT, Sortilège, Era et réalisé plusieurs bandes originales de films, le guitariste rentre du Canada où il était parti enregistrer les neufs morceaux de son nouvel album, « Layers Of Pain ». Après « Signs » (2019) et « Dancing Spirits » (2021) qui étaient plutôt dans une veine Blues Rock musclé, PHIL MANCA durcit encore un peu plus le ton et livre un disque de Hard Rock aux tonalités très Heavy.
Entouré d’Eric Lafont à la batterie, de Chris Danetz à la basse et également à la co-production et de Josselin Jobard qui offre une superbe prestation au chant, le musicien, qui assure aussi les claviers et qui a co-produit et arrangé l’ensemble, montre beaucoup de polyvalence. Que ce soit à travers des titres où il passe de riffs bruts en passages assez shred, PHIL MANCA affiche un panel très large.
Si « Layers Of Pain » est costaud, il reste bien sûr quelques lueurs bluesy, dont on se délecte toujours. Grâce à un frontman qui s’adapte très facilement aux multiples ambiances en offrant une vraie couleur au disque, on passe avec fluidité d’un Hard Rock assez classique à un autre plus mélodique et accessible avant de revenir à des compos nettement plus Heavy (« The Race Is On », « Flat Brains », « Night Stalker », « High And Short »). Efficace.
D’une intégrité sans faille depuis plus de quatre décennies d’une carrière bien remplie, c’est sous son nom que le frontman présente « Amo Et Odi », un album de chansons entre Rock et Blues, où le verbe tient comme souvent le première rôle. Entouré des fidèles David Jacob, Izo Diop et de son ami Jean-Pierre Bucolo, BERNIE BONVOISIN est un éternel révolté, mais toujours très positif, volontaire et solidaire. Un disque authentique et réaliste.
BERNIE BONVOISIN
« Amo Et Odi »
(Verycords)
Ses albums solos, BERNIE BONVOISIN les distille au compte goutte. Il faut remonter en 1986 avec « Couleur Passion » pour voir l’emblématique chanteur se livrer pour la première fois sans son groupe. Puis, il a sorti « En Avoir Ou Pas » (1990), « Etreinte Dangereuse » (1993) et « Organic » (2010). Autant dire que « Amo Et Odi » s’est fait attendre et, plus surprenant, il arrive neuf petits mois après « Propaganda », le récent et douzième album de Trust, preuve d’une belle dynamique.
Cela dit, BERNIE BONVOISIN a toujours des choses à dire et dans cette société, et surtout par les temps qui courent, l’auteur ne manque pas de matière et avec le regard aiguisé qu’on lui connait, appuyer là où ça fait mal tient presque du réflexe. Cependant, cette cinquième réalisation a quelque chose de différent des autres. Sur ses premiers disques, on percevait un côté plus intime en le découvrant de manière plus personnelle et dans un contexte moins revendicatif.
Musicalement très acoustique et bluesy, « Amo Et Odi » se rapproche un peu de l’atmosphère et du ton des derniers Trust. Mais l’intention de BERNIE BONVOISIN n’est pas la même ici. Bien sûr, les textes restent engagés et très lucides (« A Nos Aînés », « Allons Zenfants », « A Genoux »), mais il se présente aussi avec pudeur et tendresse (« Si C’était A Refaire », « A S’en Ouvrir Les Veines »). L’auteur d’« Antisocial » (qu’il ne jouera pas en concert !) dénonce, combat et se révolte toujours face au cynisme ambiant et à l’injustice.
Profitant de l’arrêt brutal de la tournée mondiale de Queensrÿche il y a trois ans, TODD LA TORRE avait pu apporter la touche finale à son premier effort solo. Après une sortie initiale passée un peu incognito, « Rejoice The Suffering » retrouve les bacs et les fans qui l’auraient manqué vont pouvoir enfin se régaler du Heavy Metal tranchant et incisif du chanteur… et batteur !
TODD LA TORRE
« Rejoice In The Suffering »
(ROAR! Rock Of Angels Records)
Sorti en catimini en février 2021 chez Rat Pak Records, le premier album de TODD LA TORRE s’offre une nouvelle mise en lumière grâce à ROAR ! Rock Of Angels Records et c’est une très bonne chose compte tenu de sa qualité. L’ex-Crimson Glory et actuel frontman de Queensrÿche s’offre sa première expérience solo et « Rejoice The Suffering » est un intense et incandescent témoignage de pur Heavy Metal.
Avec son complice Craig Blackwell (guitare, basse, claviers), TODD LA TORRE tient le micro bien sûr, mais on le retrouve aussi derrière les fûts où il livre une très belle prestation. L’autre tour de force du natif de Floride est également de nous faire oublier Queensrÿche et la réussite est totale. Si on pense à Judas, Maiden et Annihilator pour les guitares, « Rejoice The Suffering » s’en démarque facilement pour s’imposer de façon très personnelle.
D’une grande variété, le disque de l’Américain brosse un vaste état des lieux en parcourant presque tous les courants du Heavy Metal avec une modernité et une dynamique qui ne faiblissent pas (« Dogmata », « Apology », « Critical Cynic », « Darkened Majesty », « Vanguards Of The Dawn Wall »). TODD LA TORRE se montre brillant, se présente sous un visage nouveau et prend ici une dimension qu’on ne lui connaissait pas forcément.
Lisa Perry est une guerrière et cela s’entend ! Derrière un nom de scène très évocateur, HELLZ déploie une folle énergie qu’elle distille dans un Hard Rock intemporel et accrocheur. Avec ce premier essai en solo, « Warrior », la combative frontwoman se dévoile sous bien des aspects et surtout affiche une grande liberté.
HELLZ
« Warrior »
(Revenge Of Eve Records)
Cela fait maintenant deux décennies que la chanteuse Lisa Perry, alias HELLZ, sillonne les scènes Hard et Rock de sa grande île, l’Australie. Frontwoman de Hellz Abyss, qui s’est fait connaître avec l’album « N1FG » suivi de l’EP « Potty Mouth », elle livre enfin son premier opus solo où elle donne libre-court à l’expression débridée de ses influences musicales.
C’est du côté de Sydney que l’artiste a concocté ce savoureux « Warrior », qui est aussi sauvage et déjanté que sensuel et touchant. Compositrice et productrice de cette réalisation, HELLZ ne s’est pas contenté d’enregistrer un énième album de Hard Rock. Bien au contraire, on y retrouve de nombreuses sonorités Blues, quelques touches électroniques, mais surtout de grosses guitares.
Avec une séduisante saveur Old School, HELLZ se montre irrévérencieuse, provocante et sa capacité à évoluer dans un très large panel vocal fait d’elle une redoutable leader. « Warrior » propose presque toutes les nuances de Hard Rock et pourtant l’ensemble est d’une belle homogénéité. Rebelle et positive, l’Australienne incarne ses textes avec beaucoup de vigueur (« Bitch Ran Away », « Hell And Back », « Little Man », « Fire To The Sky », « Warrior »). Déterminée !
Authentique et sincère, Leather Leone a le Heavy Metal chevillé au corps et demeure son porte-voix depuis plus de trois décennies maintenant. Avec une puissance vocale intacte et une envie qui semble décupler à chaque album, la frontwoman américaine sort son troisième album en solo, « We Are The Chosen », véritable plaidoyer à ce style qu’elle incarne littéralement. Avant d’entamer les concerts, LEATHER revient sur son parcours et sur cette nouvelle réalisation. Entretien.
Photo : Rockin Ryan Richardson and Marisol Richardson
– Notre première et unique interview date de 1989 pour la sortie de « Shock Waves » et pour avoir suivi ta carrière, ce qui m’étonne le plus, c’est que ta voix n’a pas changé. Comment fais-tu pour conserver une telle puissance et une telle énergie ?
Merci beaucoup. C’est une sorte de force primale qui me traverse quand j’entends une guitare électrique ! Sinon, je fais du cardio, je bois des quantités incroyables d’eau, je travaille ma voix (parfois) pendant 30 à 40 minutes avec un bon volume sonore et j’essaie bien de dormir. Mais c’est vrai que c’est une bénédiction de posséder une telle puissance.
– A cette époque-là, tu chantais dans Chastain avec David, avec qui tu as sorti de très bons albums comme « The 7th Of Never » ou « The Voice Of The Cult ». Et après « For Those Who Dare », tu as fait un long break de 20 ans. Pour quelles raisons as-tu quitté la scène à ce moment-là et pendant si longtemps ?
Je voulais que le groupe développe un Metal plus agressif. Mais je n’ai pas eu beaucoup de chance, car personne n’était intéressé par ce nouveau projet. Comme je ne suis pas du genre à faire des compromis, pour quelque raison que ce soit, je suis partie. Cependant, je suis fière de la marque que j’ai laissée avec Chastain. Cela n’a pas vraiment été un gros problème, et puis le temps s’est écoulé. Au final, je voulais prendre six mois de congés, et puis…
– Ensuite, tu es revenue toujours au sein de Chastain pour deux albums avant de sortir « Leather II » il y a cinq ans. A quel moment, as-tu ressenti le besoin de continuer en solo, ou en tout cas avec un autre groupe et sous ton nom ?
C’est juste parce que j’ai encore pas mal de choses à dire. Et je voulais écrire mes propres chansons, faire mon propre truc. Je n’avais jamais réalisé à quel point je ressentais cela jusqu’à ce que l’opportunité se présente. J’ai rencontré Vinnie Tex et le chemin s’est ouvert à moi. On écrit bien ensemble, il me comprend musicalement. Et je suis très excitée sur ce que nous réserve l’avenir.
Photo : Rockin Ryan Richardson and Marisol Richardson
– Te voici de retour avec « We Are The Chosen », dont le titre est lourd de sens. On y décèle beaucoup de motivation et de persévérance. On a le sentiment que tu as du faire face à de nombreux obstacles pour parvenir à tes fins. C’est le cas ?
Oui, comme tout le monde, je pense… La vie est un voyage permanent où on essaie d’aller quelque part… Beaucoup de situations ont changé pour moi musicalement en 2019. J’ai juste pris une profonde respiration et j’ai avancé. J’avais déjà tout ça en tête depuis un certain temps. Ca a été un vrai soulagement de pouvoir l’exprimer à travers le Metal. Et je savais que tout le monde me comprendrait : « Nous sommes les élus » !
– Parlons des musiciens qui t’accompagnent et notamment du Brésilien Vinnie Tex avec qui tu as travaillé en étroite collaboration sur l’album. Comment vous êtes-vous rencontrés et quel a été le déclic de cette complicité qui paraît si évidente ?
J’ai rencontré Vinnie en 2016 lors d’une tournée en Amérique du Sud avec Rob Rock. Nous sommes devenus amis. Finalement, c’était la seule personne qui était à mes côtés. Et nous étions tous les deux un peu incertains quant à nos efforts musicaux respectifs… (Rires) Mais nous avons vite découvert que nous étions sur la même longueur d’onde artistiquement. Nous sommes deux personnes complètement différentes, mais nous nous retrouvons totalement dès qu’il s’agit de Metal. Je suis bénie !
– On sent aussi que ton amour pour le Heavy Metal est toujours intacte et très vivant même ! « We Are The Chosen » sonne très actuel et pourtant il y a ce côté intemporel que d’aucun appelle ‘Old School’. On te sent presqu’imperméable aux modes d’ailleurs. Est-ce que tu gardes un œil sur ce qui se fait de nouveau en matière de Metal, et pas uniquement de Heavy ?
Oui, un peu. Je suis une grande fan de Metal extrême. Ma playlist Spotify est composée d’Arch Enemy, Jinjer, Lamb of God, Spiritbox et bien sûr Dio !! L’agressivité du Metal d’aujourd’hui est tout simplement fantastique… Elle me nourrit énormément.
Photo : Rockin Ryan Richardson and Marisol Richardson
– Ce troisième album contient des morceaux très forts et très caractéristiques de ton style et aussi de ta carrière comme « We Take Back Control », « Who Rules The World » ou « Off With Your Heart ». On a presque l’impression que « We Are The Chosen » est une ode au Heavy Metal originel et à sa vitalité malgré les années qui passent…
Merci beaucoup. C’est ce que je fais depuis toujours. En fait, je n’ai jamais entrepris d’écrire de la musique de telle ou telle manière… C’est juste ce que je suis. Et je le fais fièrement.
– Il y a aussi « Hallowed Ground » qui est dédié au grand Ronnie James Dio, qui est une influence majeure chez toi et que tu as croisé à de nombreuses reprises. Ca t’a paru une évidence de lui consacrer un morceau ?
Oui, et c’est toujours le cas. Quand j’ai l’opportunité de créer, il est là avec moi. Son influence sur moi est stupéfiante, c’est vrai. La moindre des choses que je puisse faire, c’est du Metal pour lui, pour lui dire merci.
Vinnie Tex
– Pour parler de la production de l’album, comment une chanteuse américaine et un guitariste brésilien se retrouvent-ils en Pologne pour enregistrer un disque ? C’est quelque chose de peu banal…
J’ai donc rencontré Vinnie en 2016 sur la tournée de Rob Rock avec qui il jouait. Et nous avons fini par faire « II » ensemble. A ce moment-là, on était sur la route, près de la Pologne, et on a décidé de refaire quelques pistes vocales sur l’album. Vinnie était en relation avec les studios Hertz, puisqu’il a une grande expérience du Metal extrême. Ils m’ont invité et l’expérience a été exceptionnelle. Le Metal est imprégné jusque dans les murs du studio, grâce à des groupes comme Behemoth, Vador, Hate… Il y avait un réel sentiment de créativité et de détente, et c’est exactement ce dont j’avais besoin et aussi de faire partie d’une telle équipe.
– J’aimerais que tu nous dises un mot sur la pochette de « We Are The Chosen », qui est signée Marcelo Vasco qui a aussi travaillé pour Slayer, Kreator et Testament. Là aussi, tu avais le désir de perpétuer une certaine tradition ?
J’aime les icônes et l’imagerie du Metal extrême. Ma vie musicale à ce moment-là était si chaotique que c’était exactement ce qu’il me convenait. Et puis, c’est un ami de Vinnie. Je lui ai envoyé la photo et je lui ai demandé s’il pouvait essayer de créer quelque chose de légèrement démoniaque, un peu dérangé… et il a réussi ! Je suis tellement fière de l’avoir maintenant dans mon équipe !
– Enfin, on sent une grande fraîcheur sur ce nouvel album et beaucoup d’envie surtout. Il dégage beaucoup de force comme si tu nourrissais ces morceaux depuis un long moment, malgré leur spontanéité. Tu dois être vraiment impatiente d’aller le défendre sur scène, j’imagine…
Oh oui ! C’est mon objectif principal… Tourner, tourner, tourner ! D’ailleurs, je vous invite à me suivre sur les réseaux sociaux, je les actualise au fur et à mesure que les dates s’ajoutent. Et encore un immense merci à vous tous pour votre soutien à « We Are The Chosen » !
L’album de LEATHER, « We Are The Chosen », sera disponible le 25 novembre chez Steamhammer/SPV.
Réputé pour sa légendaire technique et un style qui a fait école depuis de longues années, VINNIE MOORE est loin d’être en reste au niveau feeling, bien au contraire. Avec ce dixième album solo, le guitariste d’UFO s’amuse à passer d’un registre à un autre avec une dextérité peu commune. Et pour une fois, il a même invité quelques chanteurs sur ce très bon « Double Exposure ».
VINNIE MOORE
« Double Exposure »
(Mind’s Eye Music)
C’est après un album avec Vicious Rumors (« Soldiers Of The Night » – 1985) que le grand VINNIE MOORE s’est lancé en solo pour mieux d’adonner à son exercice préféré : la guitare shred. Longtemps affilié au courant néoclassique à l’instar de Malmsteen, il est surtout connu pour son jeu au sein d’UFO avec qui il s a sorti six albums studio. Parallèlement, on a aussi pu l’entendre avec Alice Cooper, Jordan Rudess et Destruction.
« Double Exposure » est le dixième album du virtuose américain et il présente une surprise de taille. En effet, pour la première fois sur ses propres productions, VINNIE MOORE a fait appel à des chanteurs, et pas des moindres, pour interpréter quelques morceaux. On retrouve sur la moitié de ce nouvel opus Ed Tery (Rage And Beyond), Keith Slack (MSG, Mother Road), Mike DiMeo (Riot) et Brian Stephenson (Old James). Inédit !
Moins démonstratif qu’à l’habitude, mais conservant cet incroyable toucher, VINNIE MOORE joue même sur une Gibson SG, ce qui est suffisamment rare pour être souligné. De fait, l’album sonne plus Rock et même légèrement Blues et Funky (« Still Waters Run Deep », « River Flow », « Astro Man », Southern Highway »). « Double Exposure » est certainement le plus varié de la carrière du six-cordiste, qui se montre toujours inspiré.
