Auteur/autrice : François Alaouret

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Thrash Metal

Municipal Waste : crossover party

Cinq ans après le décapant « Slime And Punishment », les Américains de MUNICIPAL WASTE refont surface avec « Electrified Brain » qui, comme son nom l’indique, possède tous les ingrédients pour un bon retournement de cerveau dans les règles. Et malgré le temps qui passe, c’est toujours agréable de constater que le Thrash Crossover du quintet n’a pas pris une ride, ni bougé d’un iota.

MUNICIPAL WASTE

« Electrified Brain »

(Nuclear Blast)

Cela fait plus de 20 ans maintenant que le gang de Richmond, Virginie, propage son Thrash Crossover et avec « Electrified Brain », on ne peut pas dire qu’il ait levé le pied. Ce septième album des Américains est un concentré de Metal de 14 titres rassemblés sur 34 petites minutes. Autant dire que ce nouvel opus est féroce et intense. MUNICIPAL WASTE n’est pas là pour faire le pied de grue.

Le quintet se livre sur un rythme effréné à travers des morceaux racés et frontaux, et ce qui surprend avec « Electrified Brain », c’est que l’esprit ‘déconne’ qui caractérisait le combo semble avoir presque disparu. La Thrash party habituelle a perdu de son entrain et se fait désormais beaucoup plus sérieuse. Par ailleurs, c’est aussi l’occasion de découvrir MUNICIPAL WASTE sous un angle que l’on ne voyait que trop peu.

L’esprit Old School chevillé au corps, le groupe continue d’appliquer une recette gagnante, mêlant des passages très NWOBHM à des composantes carrément Hard-Core (« Ten Cent Beer Night », « Barreled Rage »). A travers un Crossover très efficace, MUNICIPAL WASTE avance façon rouleur-compresseur et en profite pour balancer quelques bonnes claques (« Last Crawl », « The Bite », « Crank The Heat »).

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AOR Classic Rock

Masque Of Art : à visage découvert

Riffs acérés, rythmique soutenue, claviers discrets et efficaces et surtout un frontman à la voix et à la technique irréprochable, MASQUE OF ART possède des arguments et de très beaux atouts, qui sont parfaitement restitués sur « Masquerade ». Le premier album des Suédois présente un AOR/ Classic Rock rafraîchissant très relevé où l’expérience du sextet fait toute la différence.

MASQUE OF ART

« Masquerade »

(Wormholedeath Records)

Depuis quelques temps déjà, on assiste un vrai renouveau de l’AOR et plus largement du Classic Rock, et ce n’est pas un mirage. Avec l’émergence de nombreux groupes, le public semble suivre, obligeant à une nécessaire créativité. Et de ce côté-là, la Suède n’a jamais été en reste et c’est avec plaisir que l’on découvre aujourd’hui MASQUE OF ART, un sextet expérimenté et inspiré.

Né de la réflexion du guitariste et songwriter Jörgen J. Andersson, c’est avec le batteur Peter Lundgren et le très bon chanteur Michael Storck que le projet a réellement pris corps. Rejoint par Nalle Påhlsson à la basse, Mathias Norberg aux claviers et Jorgen Svensson à la guitare et aux claviers, MASQUE OF ART présente un line-up très affûté et surtout un premier album équilibré et solide.

Si « Masquerade » ne manque pas de références, les Suédois tirent très bien leur épingle du jeu, avec des morceaux accrocheurs, pêchus et aux mélodies imparables (« Don’t Let It Rain », « We Live In America », « Sensation »). Grâce à l’expérience et à la technique de ses membres, MASQUE OF ART s’inscrit dans un registre fédérateur qui ne manquera pas de régaler les fans d’AOR et de Classic Rock.

NB : au moment de terminer la chronique de ce très bel album, j’apprends le décès soudain, survenu le 3 juillet, de Jörgen J. Andersson. Un coup dur et une grande tristesse pour MASQUE OF ART, et toutes mes pensées vont bien entendu à sa famille et aux membres du groupe. Le musicien a eu le temps de terminer l’enregistrement des guitares, et un deuxième album, en son honneur, sortira dans quelques temps.

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Alternative Metal

Shinedown : un œil sur la planète

Accrocheur et portant un propos sombre sur la planète et la condition humaine,  le septième album du quatuor américain est aussi puissant que surprenant, notamment dans sa structure. Découpé d’une manière étonnante, « Planet Zero » affiche une belle férocité et des mélodies toujours aussi efficaces. Brut et massif, ce nouvel opus s’inscrit dans une tradition d’Alternative Metal américain, qui a fait ses preuves.

SHINEDOWN

« Planet Zero »

(Warner Music)

Initialement prévue le 22 avril dernier, la sortie de ce nouvel album de SHINEDOWN a été repoussée en raison d’un retard dans la production de CD et de vinyle. Autant dire que l’impatience des fans doit être à son comble. Et ces derniers devraient être ravis, car « Planet Zero » fait plus que tenir la route. Si le quatuor donne son point de vue sur les réseaux sociaux, les maladies mentales et le totalitarisme, il ne sombre pas pour autant dans une noirceur exacerbée.

Essentiellement composé par son guitariste Zach Myers, ce septième album se veut donc très revendicatif, et parfois même alarmiste, sur notre époque et les systèmes à l’œuvre dans le monde. SHINEDOWN laisse même entrer Cyren, une voix robotique qui vient délivrer des messages d’alerte sous forme d’interludes entre les morceaux. Avec des sonorités 80’s proches de l’ère Atari, les Américains auraient peut-être du s’en passer, car « Planet Zero » se suffit largement à lui-même.

En effet, le combo de Jacksonville en Floride livre des compos soutenues en mettant l’accent sur des riffs bruts et efficaces (« Dead Don’t Die », « American Burning »). Tout en conservant son groove imparable, SHINEDOWN n’en oublie pas pour autant ce qui fait sa marque de fabrique, à savoir des refrains entêtants et hyper-fédérateurs. Véritablement taillé pour la scène, « Planet Zero » présente aussi des aspects plus légers (« Daylight », « A Symptom Of Being Human », « Hope »). Une belle combinaison.

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Stoner Blues

Cachemira : une lumière enivrante

Sous de faux airs Classic Rock et de belles embardées Psych, le Stoner des Barcelonais de CACHEMIRA s’épanouie dans un Blues épais et solaire. Après un premier format court, le trio sort un premier album intense, groovy et solide. Grâce à sa frontwoman, également bassiste, les Espagnols font une très forte impression sur ce « Ambos Mundos », d’une élégance pleine de chaleur.

CACHEMIRA

« Ambos Mundos »

(Heavy Psych Sounds Records)

Entre jams intenses et riffs racés, ce premier album des Catalans se meut dans un Stoner Blues aux contours psychédéliques et « Ambos Mundos » est construit autour d’anciens morceaux et de plus récents. Car, depuis son EP « Jungle » sorti en 2017, CACHEMIRA a accueilli la bassiste et chanteuse Claudia González Diaz venue se joindre à Gastón Lainé (guitare) et Alejandro Carmona Blanco (batterie) pour assoir solidement le trio.

Et bien leur en a pris, car « Ambos Mundos » est d’une exaltation constante et d’un groove permanent. La formule à trois permet à CACHEMIRA de proposer un style très resserré, mais la force des Espagnols réside justement dans le fait de parvenir à s’en extirper pour libérer un Stoner Blues à la fois aérien et aéré. Passant d’un registre puissant à des passages plus suaves, la frontwoman et bassiste du combo offre un relief unique au groupe.

Grâce aussi à un répertoire de Led Zeppelin très bien digéré (le nom du groupe est d’ailleurs un possible clin d’œil), les Ibériques développent une personnalité très particulière. Essentiellement chanté en anglais, les morceaux de l’album se fondent dans un bel et homogène ensemble (« Don’t Look Back », « Future’s Sight », « Coast To Coast »). Et les titres chantés en espagnol sont, quant à eux, les plus authentiques et les plus pertinents (« Mujer Vudù », « Ambos Mundos ») CACHEMIRA invite à l’évasion avec subtilité.

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edito

Circuit court [Edito]

Même si Rock’n Force s’efforce de balayer un large spectre musical, au grand dam de certains et pour le plaisir de beaucoup d’autres, il reste quelques styles qui n’ont pas encore eu leur place sur le site. Or il se trouve que j’écoute beaucoup de choses très différentes, dont j’aimerais dorénavant faire l’écho ici. Et n’étant pas tenu par la publicité, ni par qui que ce soit d’ailleurs, autant se faire plaisir et mettre en lumière des artistes de talent.

Que tout le monde se détende, je ne parlerai jamais de Stromae, Angèle, Julien Doré, de Rap français ou de Pop anglaise. Je m’impose quand même certaines limites à ne pas franchir pour mon bien-être. En revanche dans mon pays, la Bretagne, il y a beaucoup de très bons musiciens, qui n’entrent pas (encore) dans les cases de Rock’n Force. Et ça va donc changer, car ils le méritent et aussi parce que j’en ai envie.

Autant que faire se peut, je vais m’efforcer le week-end de mettre en ligne des chroniques de groupes de musique traditionnelle, Folk, Electro, Trip-Hop, Rock… Ce sera une sorte de respiration, une parenthèse aérée et rafraîchissante et une ouverture vers d’autres horizons. Quand on aime la musique, on est curieux, non ? Modestement, Rock’n Force va donc continuer de l’être. D’autant que je l’ai déjà fait ici et cela semble avoir été apprécié.

Enfin, j’ai souhaité aussi en créant Rock’n Force m’affranchir de toute contrainte et être libre de pouvoir écrire et faire découvrir ce que je voulais… du moment, bien sûr, que cela en vaille la peine et mérite que l’on y prête une oreille. Et puis, à quoi bon avoir un site à soi, y passer du temps et ne pas en faire ce que l’on veut ? Alors, restons curieuses et curieux et bonne lecture à toutes et à tous !

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Musique celtique

J-C Guichen : l’énergie de l’espoir

En Bretagne, et même au-delà, on ne présente plus J-C GUICHEN et sa myriade de guitares, tant elles font danser les foules depuis plusieurs générations maintenant. Musicien doté d’une inspiration et d’un feeling débordants et technicien hors-pair, il est l’un des rares à accorder de manière si naturelle la musique traditionnelle avec un esprit Rock, soulevant ainsi des émotions qui souvent submergent. Avec « Spi », son sixième album, la magie opère de nouveau avec une élégance et une force pure.    

J-C GUICHEN

« Spi »

(Nevez Productions)

Incontournable et emblématique guitariste de la scène bretonne, J-C GUICHEN met son pays en musique pour le faire danser depuis quelques décennies maintenant, et essentiellement de manière instrumentale. Identifiable dès les premiers accords, l’ancien d’Ar Re Yaouank mène désormais sa barque en solo, mais jamais en solitaire. Pour son sixième album, « Spi » (l’espoir en breton), nombre d’amis sont venus apporter leur pierre à ce bel édifice.

Comme à son habitude, le guitariste quimpérois s’appuie souvent sur la musique traditionnelle pour composer ses propres morceaux, ce qui les rend immédiatement intemporels et d’une authenticité intacte depuis ses débuts. La musique bretonne ne s’écoutant que très rarement assis, J-C GUICHEN met un point d’honneur à ce que les fourmis nous parcourent rapidement les jambes pour nous faire nous lever pour danser.

Dès le morceau-titre, on est saisi par cette énergie finalement très Rock et cette luminosité dans l’interprétation. Chez J-C GUICHEN, tout est d’une fluidité absolue ce qui rend chacun de ses morceaux aussi libre que positif (« Kosmos », « Stokañ », « Kann Loar »). Les couleurs et les sonorités s’entrechoquent dans une harmonie évidente et l’on y perçoit la large palette des lumières de la Bretagne au fil des titres (« Livioù », « Lok »).

Et parce que sa musique appelle à la communion, le guitariste accueille sur « Spi » une rythmique au groove celte saisissant, Olivier Carole (basse) et Thomas Kerbrat (batterie), la flûte traversière hypnotique de Malo Carvou, le violon endiablé de Claire Mocquard et les indispensables uilleann pipe, bombarde et biniou de Neven Sebille Kernaudour. Et c’est autour de ce socle inamovible que J-C GUICHEN étend ses mélodies.

Le partage étant aussi au cœur du répertoire du musicien, on a également plaisir à retrouver Dan Ar Braz sur « Spi », Alvan sur « Tann-Flamm » et le Bagad Sonerion Bro Dreger de Perros-Guirec sur quatre morceaux. Et la petite surprise vient peut-être aussi de la présence sur « Hollvedel », un morceau de danse en cercle, du guitariste de Trust, Norbert ‘Nono’ Krief, étonnamment dans son élément. J-C GUICHEN est si braz, encore et toujours !

Photo : Yannick Derennes
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Americana Blues

Little Bihlman : big feeling

De Chicago à Nashville, du Mississippi au Dakota et au Michigan, le multi-instrumentiste LITTLE BIHLMAN prend la route pour nous et distille sur ce très bon « The Legend Of Hipster Billings » une variante très personnelle d’Americana dans laquelle le Rock et le Blues jouent à armes égales.

LITTLE BIHLMAN

« The Legend Of Hipster Billings »

(Metalville)

A la fois chanteur, guitariste, batteur et compositeur, LITTLE BIHLMAN a travaillé pendant des années aux côtés des plus grands et écumé un grand nombre de scènes américaines. Rompu au Rock et au Blues surtout, c’est avec un nouvel album solo plus personnel et portant sur l’Americana que le natif du Michigan fait son retour.

A travers dix morceaux, LITTLE BIHLMAN raconte des histoires touchantes et très bien arrangées. Accompagné d’un quintet de pointures, le songwriter nous emmène en voyage à travers des lieux reculés des Etats-Unis et « The Legend Of Hipster Billings » possède tout du disque de baroudeur qui égraine son talent au fil des chansons.

Sur une production limpide et aérée, signée Miles Fulwider (Wynton Marsalis, Willie Nelson, Chick Corea), on se laisse donc embarquer dans cet Americana teintée de Blues et de Rock inspiré des grands espaces. LITTLE BIHLMAN est aussi inspiré qu’efficace et « The Legend Of Hipster Billings » s’écoute en boucle (« Tooth And Nail », « Lay Your Burden Down », « Straight Time », « Shine On »). Dépaysant.

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Blues Southern Rock

Tedeschi Trucks Band : acte II

Eclatant de talent et de virtuosité, le collectif américain présente le second volume de son somptueux projet, « I Am The Moon », qui en comptera quatre. Rassemblé autour de dix musiciens expérimentés et d’un feeling hors-norme, Susan et Derek guident le TEDESCHI TRUCKS BAND de main de maître et avec classe sur ce « Ascension », qui porte bien son nom.

TEDESCHI TRUCKS BAND

« I Am The Moon – II : Ascension »

(Fantasy/Universal)

C’est sur le rythme d’un EP par mois que le TEDESCHI TRUCKS BAND a décidé de livrer sa dernière œuvre en quatre actes : « I Am The Moon ». Basé sur un conte perse, le groupe a entrepris une bien belle aventure et, après « Crescent » sorti il y a quelques semaines, on découvre aujourd’hui « Ascension » dans un format identique et surtout une inspiration toujours aussi flamboyante.

Susan Tedeschi et Derek Trucks, magistralement accompagnés de leurs dix camarades de jeu, livrent un second volet très différent du précédent. Sans pour autant délaissé le Blues mâtiné de Southern Rock dans lequel ils excellent, les deux songwriters de Floride évoluent cette fois sur une partition plus posée, où le TEDESCHI TRUCKS BAND flirtent avec des ambiances jazzy.

Ici encore, la créativité atteint des sommets avec une finesse et une fluidité incroyables. Que ce soit au niveau des guitares bien sûr, mais aussi du groove de la rythmique ou de la beauté des arrangements vocaux et des cuivres, les Américains sortent le grand jeu sans pour autant tomber dans la démonstration. Avec le TEDESCHI TRUCKS BAND, tout semble naturel et tellement évident dans l’interprétation…

Retrouvez la chronique du premier EP :

Tedeschi Trucks Band : un songe en quatre actes

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Hard Rock Rock US

Duckwalk Chuck : cadence infernale

Les Hard Rockeurs norvégiens de DUCKWALK CHUCK vont-ils enfin obtenir une mise en lumière tant méritée après deux décennies d’activité ? C’est en tout cas tout ce que l’on peut souhaiter à ce fougueux combo de Hard’n Roll efficace, mélodique et bien rentre-dedans, car la performance livrée sur « Fired Up » est puissante, entraînante et sans compromis.    

DUCKWALK CHUCK

« Fired Up »

(Wormholedeath Records)

Malheureusement quasi-inconnus hors de leurs frontières, les Norvégiens de DUCKWALK CHUCK devraient avec ce nouvel album, qui sort chez Wormholedeath, faire parler d’eux bien au-delà de la Scandinavie. Fondé il y a plus de 20 ans, le quatuor est aujourd’hui au meilleur de sa forme et affiche un style musclé entre Hard Rock et Rock’n’Roll sur ce très bon « Fired Up ».

Bénéficiant d’une production solide et très bien équilibrée, ce quatrième album de DUCKWALD CHUCK fait une belle synthèse entre un style à la Motörhead et des groupes plus largement marqué US avec quelques nuances Southern façon ZZ Top. Les deux guitaristes rivalisent de riffs acérés et de solos vivifiants, alors que le bassiste et chanteur du combo soutient un batteur survolté.

Non sans une grosse dose d’une bonne humeur très communicative, les Scandinaves se présentent avec un opus qui sonne très live et qui est aussi direct que robuste (« All Fired Up », « It’s Only Rock’n’Roll », « Motor Madness », « Shut Your Lights », « I’m The Devil », « World On Fire »). DUCKWALK CHUCK donne envie qu’on le suive sans attendre dans son Hard’n Roll bien ficelé aux guitares aiguisées et entraînantes.

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Hard Rock Melodic Metal

Sole Syndicate : au fer rouge

En présentant un album aussi abouti, le quatuor suédois réalise une belle synthèse entre un Heavy costaud et un Hard plus mélodique, voire FM, où les mélodies prennent une dimension incroyable et offrent une dimension solide à son jeu. Avec « Into The Flames », SOLE SYNDICATE s’affirme sans retenue dans un registre très maîtrisé et très fédérateur.

SOLE SYNDICATE

« Into the Flames »

(Scarlet Records)

La Suède présente bien des contrastes. Reconnue comme la terre nourricière (ou presque) du Death Metal, elle l’est aussi pour ses groupes estampillés Melodic Metal, grands faiseurs de mélodies imparables, de riffs racés et de refrains accrocheurs. Depuis 2015, SOLE SYNDICATE distille son Hard Rock très Heavy et ce troisième album pourrait être enfin celui de la reconnaissance.

Fondé par Jonas Månsson, chanteur et guitariste, le quatuor semble vraiment soudé et le Hard’n Heavy aux frontières du Hard FM (ou AOR, comme on dit aujourd’hui) fait franchement son effet, d’autant que les riffs sont aussi acérés qu’entêtants. Dans un registre assez classique, mais pas convenu, SOLE SYNDICATE fait une sorte de jonction entre un Heavy Metal très européen et un style plus américain affirmé.

Avec un naturel assez déconcertant, les Suédois, faute de révolutionner le genre, livre un bel album et « Into The Flames » présente des parties vocales toujours carrées et dynamiques. Malgré des textes surtout basés sur les récents événements pandémiques, SOUL SYNDICATE dégage une impression très positive grâce, notamment, à la prestation énorme de son guitariste et chanteur. Une très belle surprise !