Étiquette : chanteur

Catégories
Heavy metal International Neo-Classic Metal

Yngwie Malmsteen : héro insatiable [Interview]

A peine avait-il quitté Alcatrazz que le jeune suédois se lançait en solo sans se douter, peut-être, qu’il allait provoquer une petite révolution guitaristique. De 1984 à 1988, il livre quatre albums qui changeront la manière de percevoir son instrument et créé un style dans lequel beaucoup tenteront ensuite de se faire une place : le Metal Néo-Classique. Un genre d’une grande technicité et qui requiert une inspiration nourrie d’un genre presque méprisé par la scène Heavy Metal. Plus de quatre décennies plus tard, YNGWIE MALMSTEEN est toujours animé de la même passion et paraît toujours aussi émerveillé par cette musique née de cette fusion si particulière. Si le multi-instrumentiste est aussi chanteur et producteur de ses propres disques et n’a plus rien à prouver depuis bien longtemps, il reste toujours émerveillé par les multiples possibilités qui lui sont offertes artistiquement. Après plus d’une vingtaine de réalisations studio, il surgit avec « Hell Or High Water », un peu de la même manière dont les notes et les mélodies viennent à lui : avec fulgurance. Personnage à part et musicien hors-norme, il partage ici son approche et sa vision de la créativité qu’il voit, en toute simplicité, comme un cadeau.

– Pour ce nouvel album, tu as dit avoir choisi ces dix morceaux parmi un très grand nombre de compositions. Qu’est-ce qui fait que tu en sélectionnes une plus qu’une autre ? C’est d’abord le plaisir de la jouer, ou d’autres paramètres entrent aussi en compte ?

En fait, c’est un processus de sélection très naturel. J’écris et je compose beaucoup de choses et je vais les écouter en voiture. Je sors de mon studio et je les passe dans ma Ferrari pour avoir une écoute différente. Les chansons viennent alors à moi avec une nouvelle perspective. A ce moment-là, certaines me parlent plus que d’autres. J’aime beaucoup travailler de cette manière. Je vois tout de suite ce qui doit être retravaillé, ou pas. C’est finalement très naturel, parce que je finis par obtenir la sélection dont j’ai besoin. Il faut aussi que je m’assure que l’ensemble corresponde bien à un album complet. Donc, en toute fin, je suis sûr d’avoir le meilleur ! La crème de la crème ! (Sourires)

– Depuis un peu plus de 10 ans et l’album « Spellbound », tu chantes toi-même sur tes disques. Beaucoup t’ont aussi accompagné, même si tu l’avais déjà fait à tes débuts. C’est si difficile pour toi de trouver un chanteur qui saurait se fondre dans ta musique ?

(Rires) Non, ce n’est pas vraiment ça. Bon, par où vais-je commencer ? (Sourires) J’ai commencé la guitare à l’âge de sept ans, il y a plus de cinquante ans maintenant. Avant, j’ai eu un violon et une trompette. Quand je me suis vraiment mis à la guitare, je faisais beaucoup de bruit. Alors, comme mon oncle avait construit un studio en 1950, il me mettait là-dedans. Il était trompettiste et il avait tout un set. Et mon grand-père était batteur aussi. Alors, je me suis mis à jouer de la basse, de la batterie, de la trompette bien sûr, de la guitare aussi évidement et je chantais. Et j’ai commencé à écrire des chansons comme ça.

Ensuite, ce n’est qu’en 1982 que je suis allé aux Etats-Unis, à Los Angeles. Je voulais vraiment rejoindre un groupe typiquement californien, car je voulais absolument faire de la scène, ce qui était très difficile en Suède. Ensuite, il y a eu Alcatrazz et je me suis mis à écrire mes propres morceaux à ce moment-là. Mes débuts en solo datent donc de 1984. je voulais tout simplement que les chanteurs chantent mes chansons. Seulement, nous sommes très différents et ils avaient souvent une haute opinion d’eux-mêmes et les musiciens n’étaient pour eux que ceux qui jouent derrière. Je voulais que chacun jouer sa partie et que le chanteur chante ce que je lui demandais de chanter. Et c’est là que les choses devenaient compliquées.

Alors, je suis parti en solo. Et quand je dis en solo, cela signifie que j’écris et que je joue tout. Je me suis donc dit qu’il fallait que je revienne aussi au chant. En fait, tout cela doit bien s’imbriquer et correspondre à l’idée initial du morceau. Et ce n’était pas souvent le cas. C’est le truc bizarre d’un groupe, en fait. Quand une chanson est écrite avec les arrangements compris, il ne peut pas y avoir de positions différentes. Il faut que tout le monde aille dans le même sens. Bref, aujourd’hui, je suis très content comme ça. J’aime la manière dont ça sonne et comme ça fonctionne. Je suis heureux de cette façon et je ne reviendrai pour rien au monde à la même merde qu’avant ! (Rires)

– D’ailleurs, par rapport à la guitare, prends-tu autant de plaisir derrière le micro ? Et en quoi les deux exercices se distinguent pour toi ? Lequel te demande le plus d’effort finalement ?

Tu sais, je joue d’autres instruments aussi. J’ai plusieurs casquettes. Alors, quand je suis producteur, je ne pense ni à la guitare, ni à la basse, ni aux claviers, etc… C’est la même chose quand je m’occupe du mix. Je reste dans mon rôle du moment. Alors, quand je chante, je ne me préoccupe pas de mon jeu de guitare. En fait, c’est juste un autre aspect. C’est comme un peintre qui peint sa toile. Il n’appelle pas quelqu’un pour qu’il la finisse. Ma vision créative est exactement pareille. Je fonctionne de cette façon. Je ne dénigre pas les autres artistes, mais c’est ma façon de faire. C’est comme ça que je m’exprime le mieux, c’est tout. 

– « Hell Or High Water » sort cinq ans après « Parabellum » pour lequel tu avais mis en place une certaine discipline de composition. Qu’est-ce qui a changé et que fallait-il changer, selon toi ?

Je ne dirai pas que j’ai changé certaines choses. Le truc, c’est que je tourne tout le temps. Donc pour moi, ces cinq ans ne représentent rien. Avec le recul, c’est juste ce que j’avais fait avant ! (Rires) Comme j’ai mon studio, j’y vais lorsque j’ai une idée ou que quelque chose m’inspire. Je reste focalisé là-dessus. J’ai tout ce qu’il me faut, il me permet de tout faire et quand j’en ai envie. Donc, quand je sens que j’ai suffisamment de matériel pour en faire un album, je sais que c’est le bon moment pour le réaliser. En fait, je n’ai pas attendu cinq ans. J’ai commencé à enregistrer l’an dernier… (Sourires)

– Ce nouvel album contient à nouveau un équilibre entre morceaux chantés et instrumentaux. Quand et comment décides-tu de poser des mots sur tes mélodies ? Ressens-tu à ce moment-là un manque que seules les paroles peuvent combler ?

C’est une bonne question… Cela ne se passe jamais de la même manière. La plupart du temps, j’arrive à trouver des mélodies, je m’assois avec ma guitare et je me mets à jouer et à chanter en même temps. J’ai toujours plein de mélodies qui m’arrivent et parfois, elles n’ont pas besoin de mots. Si je me sens à l’aise, je chante, mais si cela ne me convient pas, je me concentre sur mon jeu de guitare. Ce n’est pas une décision que je prends en amont. Par exemple, j’ai voulu chanter sur le morceau « Father ». Et lorsque j’ai posé les mélodies de guitare, j’ai tout de suite senti que c’était parfait comme ça, qu’il n’y avait pas besoin de mots. Mais c’est juste un exemple, il n’y a pas de règles. Chaque morceau vit à sa manière.

– Tu t’es inspiré de découvertes scientifiques pour composer « Antikythera » et « Beyond Zeta Reticuli », ce qui peut paraître assez surprenant. Comment de telles idées naissent-telles, car cela peut sembler assez froid et peu ludique comme thème a priori ?

C’est parti de quelque chose que j’ai lue sur mon ordinateur. Cela parlait d’un mécanisme très avancé, qui date de la Grèce antique, je crois. Ils pensaient avoir découvert quelque chose de très compliqué… J’ai trouvé ça intriguant et intéressant. Cela m’a inspiré un morceau, de fait, très compliqué. Mais c’est très logique finalement. J’ai donc eu cette idée et je me suis dit que cela correspondrait parfaitement à cette chose très compliquée. C’est pour ça que je l’ai fait ! (Rires)

– Tu conclues l’album avec « Father », un titre que tu as dédié à ton père récemment disparu. Est-ce quelque chose de plus difficile émotionnellement à réaliser, ou au contraire cela se passe de manière presque naturelle ?

Je dirai que cela s’est fait très naturellement. La mélodie est venue de nulle part. Le morceau n’a rien à voir avec celui que j’avais composé pour mon frère. J’ai d’ailleurs dédicacé tout l’album à mon père. Mais celui-ci lui est particulièrement destiné. Je l’ai conçu comme un hommage. C’était un homme incroyable…

– Tu fais partie, avec quelques autres, de ces guitaristes qui ont eu un impact considérable sur l’univers du Heavy Metal et la façon d’aborder l’instrument surtout. Avec le recul de quelques décennies, comment regardes-tu l’héritage laissé et ce style tellement identifiable ? Et imaginais-tu d’ailleurs son impact à tes débuts ?

Non, je ne l’ai jamais imaginé. En revanche, je me souviens que je me disais tout le temps que je ne pouvais pas faire ça, que c’était un truc de dingue ! J’ai commencé à joué du Heavy Metal néo-classique en 1970 en Suède. C’est vrai que cela n’avait jamais été fait. Ce n’était d’ailleurs ni un format, ni une niche commerciale. J’ai alors senti très fortement que c’était ce que je devais faire ! C’est une forme d’art qui est sortie de moi et que je ne pouvais pas contrôler. Je savais juste que je devais le faire. A l’époque, j’ai entendu beaucoup de choses négatives, mais aussi tellement d’avis positifs ! Mais je n’en ai pas tenu compte, sinon cela aurait affecté mon style. Il fallait qu’on le laisse respirer librement pour que cela devienne évident. Il faut que cela vienne à toi naturellement. Quand les gens disaient que c’était incroyable, c’était bien. S’ils me disaient que c’était de la merde, ce n’était pas trop mal ! (Rires) On ne doit pas laisser ça affecter que l’on fait, car cela vient du cœur et du plus profond de votre âme. Et c’est beaucoup plus important que ce que les gens peuvent penser ! (Sourires) Niccolò Paganini pensait qu’il fallait se sentir fort pour faire des choses fortes. On peut le comprendre et c’est un peu ce que je fais. Mais je ne veux pas prendre ces choses-là trop au pied de la lettre. Si on me dit que je suis incroyable, je ne vais pas le prendre au mot, bien sûr. Et c’est pareil dans le sens inverse. Je sais ce que je suis, ce que je peux faire et ce que j’ai déjà fait. De même que je sais ce que je ne peux pas faire ! Mais tu sais, je suis très détaché de tout ça, ça ne veut rien dire pour moi… (Sourires)

– En terme de style, et peut-être aussi de technique, quels guitaristes parviennent à t’impressionner sur la scène actuelle ? Y en a-t-il, selon toi, qui proposent quelque chose d’aussi original et distinctif que toi ? Ou la messe est-elle dite ?

En fait, pour ceux qui ne le savent pas, j’ai eu ma première guitare à cinq ans et j’ai commencé à jouer à sept. Je faisais du Rock’n’Roll et j’ai vite réalisé qu’il n’y avait que cinq notes et un octave. J’étais très limité par ça. Alors, j’ai commencé à écouter de la musique classique et surtout du violon avec Paganini, Tchaïkovski, Vivaldi et Bach, bien sûr, et cela m’a énormément influencé. Comme je te le disais, cela fait presque un demi-siècle que je fais ça ! (Rires) Plus rien ne m’influence aujourd’hui. Aucun groupe, aucune musique. Tout est dans mon disque dur interne en quelque sorte, et cela sort naturellement. Je n’écoute pas de musique récente et je ne regarde pas non plus les nouveaux guitaristes. Mais je suis sûr qu’il y en a de très bons ! Je ne pense pas être la bonne personne pour répondre à ça. Je ne suis pas très attentif aux guitaristes. Si je me mettais à en écouter un par inadvertance, ce serait probablement Jimi Hendrix ou Allan Holdsworth. Juste parce que c’est toujours génial, je les adore ! Mais je ne connais pas les nouveaux, donc je ne sais pas s’ils sont bons ou mauvais. Je n’ai pas de commentaires à faire là-dessus, mais je suis sûr que certains se détachent. Les gens ont développé beaucoup de choses, mais je ne les connais pas. Cela dit, je serai surpris qu’ils soient si nombreux que ça… (Sourires)

– J’aimerais que l’on dise un mot sur le Metal Néo-Classique, dont tu es le pionnier et que tu as démocratisé. As-tu le sentiment d’avoir aussi ouvert les portes de la musique classique aux fans de Metal ?

Je ne sais pas, mais il y a une chose dont je suis sûr. Quand tu lis un livre et que tu vas voir le film, ce n’est pas la même chose. Tu sais pourquoi ? Parce que ceux qui ont lu le livre ont vécu une expérience personnelle et ont développé leur imagination. Et chacun à sa façon. Je pense que ma musique a du faire quelque curieux. Je le sais, car on me l’a dit. Mais je ne me suis jamais demandé si c’était une bonne chose, ou pas. Je reste concentré sur ce que je fais. Je ne réfléchis pas de cette manière. Je pense que l’instant présent est déjà nouveau, et que demain sera aussi un nouveau jour. Ce qui est fait est fait, je ne regarde pas vraiment en arrière. Je reste concentré sur l’instant présent.

– Enfin te reste-t-il encore des objectifs à atteindre sur ton instrument ? Que ce soit techniquement ou au niveau du son, peut-être ? Ou y a-t-il un moment où l’on vit sur ses acquis ?

Oh non, jamais ! En fait, je ne recherche rien, je capture juste ce qui arrive. A chaque fois que je prends ma guitare, il se passe quelque chose de nouveau. A chaque fois ! La musique n’est pas statique, elle est en mouvement permanent. C’est un peu comme si tu écrivais un livre et que tu n’utilisais qu’un seul alphabet. Et tu fais ça, parce que c’est le seul que tu as. Tu vois ce que je veux dire ? La musique est un langage beaucoup plus large et étendu. Et on peut en faire que ce l’on veut. C’est de cette façon que j’appréhende la musique et l’ultime cadeau est lorsqu’elle vient à moi sans que je n’ai rien demandé ! Et ça arrive ! (Sourires)

Le nouvel album d’YNGWIE MALMSTEEN, « High Of Hell Water », est disponible chez Music Theories Recordings.

Photos : Hikari Yuba et Getty Images (3).

Retrouvez aussi la chronique de « Tokyo Live », sorti l’an dernier :

Yngwie Malmsteen : l’indomptable
Catégories
Blues Delta Blues France Roots Rock

Louis Mezzasoma : a decade in blue [Interview]

Depuis ses débuts, LOUIS MEZZASOMA accorde la même importance aux mots qu’aux cordes. En l’espace de cinq albums, il a rendu incontournable ce Blues du Chaudron, qui tire pourtant ses origines de l’autre côté de l’Atlantique. Assez épuré de prime abord, son jeu est d’une grande richesse avec une attention toute particulière portée sur les arrangements notamment. Cela dit, ces derniers lui permettent surtout d’élargir son spectre musical, en allant piocher du côté de la Country-Folk, d’effleurer des sonorités Soul aussi, tout en restant attaché à un Roots Rock assez peu conventionnel. Avec « Ten Years Later », le Stéphanois raconte ses histoires avec une sincérité de chaque instant, à la fois de manière intime ou alors comme une invitation à se balader au fil de refrains entraînants. Brut et assez rugueux, son Blues rayonne d’une énergie très immédiate et, plus organique que jamais, les sensations se multiplient à travers des chansons directes et authentiques. Une décennie vient de s’écouler et le bluesman et songwriter revient sur ce chemin bleuté et nous parle ce nouvel opus…

– Lors de notre première interview, tu me disais que la scène était ta raison de vivre et, justement, ce « Ten Years Later » a une saveur très live avec une proximité immédiate dans la production. Est-ce que l’idée était de s’approcher au plus près de l’auditeur, comme pour lui donner une idée de ce qu’il se passe sur scène lors de tes concerts ?

On a enregistré tous les trois dans la même pièce la batterie, la basse et la guitare principale. Il en ressort cette saveur ‘live’ d’un groupe qui joue ensemble. Les voix et les autres instruments, ont été enregistrés par la suite. C’est comme ça que je l’entends et oui, ça donne un résultat relativement proche de ce que l’on peut avoir sur scène, mais ce n’était pas une volonté particulière.

– De par son titre, on peut voir en « Ten Years Later » une sorte d’affirmation que l’on peut comprendre comme ‘Voilà où j’en suis aujourd’hui’. Pour autant, on ne le ressent pas comme un disque où tu ferais une sorte de bilan. Est-ce que plutôt un clin d’œil à ceux qui n’auraient pas cru en toi et que ce cinquième album vient rassurer… ou faire taire ?

Il y a quelque temps, j’ai pris une claque quand un ami m’a présenté en tant que ‘vieux de la vieille’ du Blues à Saint-Étienne. J’ai réalisé que je n’avais plus 20 ans… Et pourtant j’ai été présenté pendant des années comme le jeune bluesman de 25 ans. C’est ce qui se passe quand tu donnes ton âge à un moment précis dans la bio, que tu le partages aux salles concerts où tu joues… Sur cet album, je parle d’aujourd’hui et de mes histoires actuelles. Le bilan des dix dernières années, ou de ma vie, vous pouvez le découvrir au compte goutte sur mes albums précédents.

– D’ailleurs, puisque tu regardes ces dix dernières années, qu’en retiens-tu essentiellement ? Une maîtrise complète de l’instrumentation ? Une plus grande finesse dans les textes ? Ou plus largement, un songwriting global qui reflète parfaitement ta personnalité et ton style ?

La perfection n’existe pas, et même les grands maîtres diront qu’ils ont encore du chemin à faire, pour la musique comme pour le reste. Je dirai que j’ai arrêté de faire compliqué, que je vise à faire simple et bien, ce qui n’est pas si facile. J’ai calmé mes ardeurs de virtuosité pour finalement poser le cadre, le climat et les intentions.

– Puisqu’on parle de composition , il y a dans ton écriture un côté ‘songwriter’ qui prend souvent le dessus, je trouve, sur celui du ‘bluesman’. L’idée est-elle justement de faire le pont, de créer un lien entre des paroles qui se mettraient au service des atmosphères ?

C’est vrai que pendant longtemps j’ai composé d’abord la musique, les riffs de guitares, ou picking, pour ensuite coller un texte dessus. J’en suis revenu. Aujourd’hui, je me focalise en premier sur l’histoire, le sujet et c’est ensuite que je cherche le bon climat avec les instruments pour servir le texte. Pour moi, le bluesman raconte son histoire personnelle, c’est donc aussi un songwriter. Mais tous les songwriters ne sont pas forcément bluesmen. Ce qui est primordial pour moi, c’est d’aimer ma musique et que le public l’apprécie telle qu’ils l’entendent. Peu importe de catégoriser dans un style ou un autre.

– Du one-man-band de tes débuts, puis à la formule en duo avec plusieurs invités d’ailleurs, te voici sur « Ten Years Later » à nouveau en trio avec Arthur Parmentier (déjà présent sur « Good Or Bad Time ») et Maxence Melot. Est-ce que cette formule en trio te convient mieux, et te permet aussi de plus te concentrer sur le chant peut-être ou sur tes multiples instruments à cordes (guitares, dobro, cigarbox, banjo et mandoline) ?

J’ai adoré jouer en solo et en duo. Quand j’ai lâché le tambourin et la stompbox du one-man-band, c’était un peu plus simple. Je n’avais plus besoin de séparer mon cerveau en quatre. Le trio permet de valoriser mes musiques, de leur donner de l’assise, de la texture et de l’épaisseur. Je peux aussi développer des parties mélodiques sans tenir systématiquement la rythmique, même si l’enjeu et le charme de la guitare picking est de faire la basse, les accords et les contres chants en même temps sur un seul instrument, ce que je continue à faire sur plein de chansons. Sur scène comme en studio, ce sont de vrais moments de complicité avec Max et Arthur. Ce sont de très bons musiciens et humainement, c’est un réel plaisir de faire la route ensemble, même si y en a un qui conduit mieux que l’autre ! (Rires)

– On l’a dit, tu évolues encore en trio, ce qui permet aussi à ton style de s’épanouir et de multiplier les ambiances. Et on retrouve également Barefoot Iano à l’harmonica sur cinq titres. C’était important aussi pour toi que l’éventail sonore soit le plus ample possible, d’avoir un invité très présent, tout en distillant les sonorités qui te tiennent aussi à cœur ?

Depuis mes 16 ans, je suis fan de Mountain Men, de la guitare picking et de la voix de crooner de Mr Mat, ainsi que de la finesse de Barefoot Iano à l’harmonica. J’ai eu l’opportunité de les voir en concerts, de les rencontrer et ils m’ont même accompagné sur scène en 2017 sur « Your Eyes », un titre de mon premier album. Le pied total ! Mais j’étais 10 000 lieues d’imaginer qu’un jour Iano viendrait enregistrer sur mon album. J’ai toujours aimé l’harmonica et il faut reconnaître que ça se marie plutôt bien sur ma musique. Arthur voulait un guest à l’accordéon, mais vu que c’est moi qui décide… (Sourires) Les gars étaient sceptiques sur certains passages comme sur le double solo guitare/harmonica du single « Be Smooth ». Quand Iano est arrivé, il n’y a plus eu de doutes, on a tous fermé nos gueules et on a savouré le moment et la remarquable musicalité de notre souffleur de hanches, qui est venu comme il est : pied nu ! (Sourires) Bref, pour répondre à ta question, je suis très content d’avoir élargi l’éventail sonore, mais c’est infime pour moi par rapport au fait d’avoir accueilli l’une de mes idoles pour m’accompagner sur mes chansons. C’est une reconnaissance qui me touche au plus profond.

– Ce cinquième album est toujours aussi roots et ton Blues se pare toujours de couleurs Rock, Country-Folk et même légèrement Soul cette fois, grâce notamment à des chœurs plus présents. Ton champ d’action s’élargit à chaque album. Est-ce une quête vers ton style le plus absolu, ou est-ce qu tu vois plutôt ça comme des expériences musicales ? Et d’ailleurs, quelles pourront être les prochaines ?

Franchement, je ne me pose pas autant de questions, je joue et je vois ce que ça donne. Personnellement, j’ai toujours l’impression d’avoir le même style. Un bonhomme avec sa gratte et ses textes. Avec du recul, chaque production a une couleur différente. Sur l’album précédent, « Good or Bad Time », tout le monde avait la volonté de m’emmener vers un univers Rock bien énervé. Ce n’était pas naturel chez moi et difficile à réaliser. Sur le nouvel opus, c’est moi qui conduis le propos artistique, et finalement la musique n’en ait que plus forte. Il faut un peu me canaliser pour avoir une couleur homogène, car je m’éparpille vite. Je suis vraiment content car avec les musiciens, Max et Arthur ainsi que Bruno au son, on a vraiment réussi à respecter mon univers musical sans le dénaturer. Tu me parles des chœurs, pour le coup, c’est le champ (ou le chant) que j’ai laissé libre à mes deux acolytes, qui affectionnent particulièrement ça. Pour le style, je crois que je n’ai jamais su vraiment quoi dire, mais sans doute quelque chose parmi Blues, Soul, Rock, Country, Folk… Avec Le Cri Du Charbon (son label – NDR), on a résumé ça en ‘Dirty Old Blues’.

– Enfin, c’est marrant parce que, lors de notre première interview, tu me disais que Robert Johnson tenait plus du collectage et de l’Histoire du Blues, car ses chansons étaient assez difficiles à écouter en raison du son surtout. Et te voilà à reprendre « Kindhearted Woman Blues ». C’est un revirement assez drôle. Est-ce que, finalement, c’est cette vision que tu as de lui depuis le début, et l’envie était-elle aussi de redonner peut-être du lustre à ce classique ?

C’est vrai que j’avais parlé de ‘collectage’. Il n’empêche que ses chansons sont très certainement les standards les plus joués du Blues. Pour dire vrai, c’est une demande de mon label de faire un standard. J’adore la version de « Kindhearted Woman Blues » par Keb Mo. Je me suis challengé à enregistrer ce titre en solo, juste ma guitare et moi devant les micros, pas de casque…

Le nouvel album de LOUIS MEZZASOMA, « Ten Years Later », est disponible chez Le Cri Du Charbon.

Photos : Melaine Nibel

Retrouvez son interview à l’occasion de la sortie de « Mercenary »…

Louis Mezzasoma : une inspiration très actuelle [Interview]

… ainsi que les chroniques de ce même album et celle de « Good Or Bad Time » :

Louis Mezzasoma : des émotions essentielles
Louis Mezzasoma : bumpy Blues
Catégories
Hard Rock Hard US

Bangalore Choir : un modèle du genre

Son anecdotique participation à un album d’Accept a fait sa légende et pourtant, résumer David Reece à cette péripétie est presque une hérésie, tant il a collaboré à une multitude de projets assez éloignés du Heavy Metal teuton. Avec BANGALORE CHOIR, c’est son univers personnel et ses racines fortement ancrées dans le Hard Rock californien qui font loi et qui enchantent véritablement, tant les formations de ce calibre dans ce style se font aujourd’hui rares. « Payload » est basé sur des guitares scintillantes, des refrains accrocheurs et un son intemporel.

BANGALORE CHOIR

« Payload »

(El Puerto Records)

Né en Oklahoma et ayant grandi dans le Minnesota, le parcours de David Reece est assez surprenant, car c’est surtout en Europe qu’il a le plus marqué les fans de Hard Rock. D’ailleurs, le plus amusant est sans doute son passage dans Accept le temps d’un seul et unique album, « Eat The Heart », loin d’être indispensable. Pourtant, c’est toujours cette parenthèse que l’on retient et qui est même mise en avant par les médias et même le chanteur. Car, après BANGALORE CHOIR créé en 1992, il a aussi enregistré deux disques avec Bonfire et une multitude d’autres.

Mercenaire pour certains, curieux pour d’autres, sa voix puissante et éraillée est en tout cas reconnaissable entre toutes. Estampillé fin 80’s, elle s’inscrit dans la veine des Dokken, Quiet Riot et plus largement de la scène du Sunset Strip des belles années. Animé par un Hard Rock mélodique à l’américaine, et malgré une large partie de sa carrière passée en Europe, c’est encore avec BANGALORE CHOIR qui est le plus dans son élément. Et à ses côtés, on retrouve le guitariste allemand Andy Susemihl (ex-UDO, Sinner) et leur union et leur complicité font des étincelles.

Porté par le très bon accueil de « Rapid Fire Succession : On Target II » sorti l’an dernier, c’est accompagné des cadors Steve Gordon (guitare), Tommy McWilliams (batterie) et Gorka Alegre (basse) que BANGALORE CHOIR revient avec ce « Payload », parfaitement produit. Partageant la même passion pour un Hard Rock US aux mélodies entêtantes et aux guitares rutilantes, le quintet évite toute nostalgie avec beaucoup de talent (« Tear It All Down », « Cost Of The Grind », « I’ll Take The Risk », « The Damage That Remains », « Answer The Call », « Won’t Fool me Again »). Eclatant !

Catégories
Hard Rock International

Hardbone : electrifying [Interview]

Sorti il y a quelques semaines, ce sixième album vient clarifier les choses et surtout confirmer que la formation de Hambourg n’est pas prête de se plier aux diktats des modes et des courants musicaux, qui semblent désormais évoluer au gré de l’humeur des réseaux et des plateformes. HARDBONE respire et vit pour le Rock’n’Roll et son indémodable Hard Rock rassure quant à la très bonne santé du genre. Il faut dire aussi que le style initié par quelques Australiens entrés dans la légende a longtemps été leur chasse gardée. Mais il en fallait beaucoup plus pour décourager des Allemands inspirés et remontés, mais aussi joyeux et littéralement électrisés. Et cela fait 20 ans que ça dure ! Avec « Hardbeat », le quintet va puiser au cœur de son jeu en y insufflant modernité, explosivité et savoir-faire. La rythmique bastonne, les riffs tranchent, les solos s’enflamment et Tim Dammann mène sa troupe avec enthousiasme et une énergie toujours très positive. Le frontman revient sur la démarche de son groupe, ses envies et surtout la musique qu’il incarne… sans détour.

– En 20 ans d’existence, le sentiment que donne ce sixième album est que HARDBONE est parvenu à parfaitement concentrer la quintessence-même de son jeu sur « Hardbeat ». Est-ce que c’est pour cette raison, notamment, qu’il vous a fallu six ans après la sortie de « No Fills » ?

Tout d’abord, merci de l’avoir formulé ainsi. La raison principale de ces six années est bien sûr le Covid. Nous avions de nombreux projets après la sortie de « No Frills » en 2020, mais pratiquement aucun ne s’est concrétisé. Nous avons donc dû reconstruire notre projet pendant les premières années suivant la pandémie. Nous avons ensuite tourné avec « No Frills » jusqu’en 2024, date à laquelle nous avons décidé qu’il était temps d’en faire un autre.

– Ce qui est aussi remarquable, c’est que vous n’avez jamais dévié de votre trajectoire. Mieux, vous avez affirmé votre style, qui est d’ailleurs désormais très identifiable. Y a-t-il eu des moments de doute quand même, compte tenu notamment de l’émergence de nombreux styles ?

Non, jamais. Ce genre de musique existe au moins depuis les années 70, même s’il est né dans les années 50. Pourquoi en douter ? Nous n’avons jamais voulu changer le style du groupe. Nous aimons toujours explorer de nouveaux horizons, certes. Mais nous restons fidèles à notre style, car c’est ce que nous aimons et ce que nous faisons de mieux ! (Sourires)

– Une dernière question avant de parler de « Hardbeat ». Il fut un temps pas si lointain où l’on qualifiait les groupes comme HARDBONE, et même Airbourne, comme du sous-AC/DC. Il semblerait que ce soit enfin terminé et que tout le monde a compris que le Rock’n’Roll, façon Hard Rock, n’était pas l’exclusivité des Australiens. Est-ce quelque chose que vous avez aussi ressenti  ces dernières années ?

Constamment. On a essuyé tellement de critiques du genre ‘on plagie nos groupes’, etc… Mais bon, c’est le moyen le plus simple de décrire notre son aux nouveaux auditeurs : ‘ça sonne un peu comme AC/DC’. Et oui, Airbourne, en particulier, a ouvert la voie à des groupes qui jouent une musique similaire. Ils ont fait découvrir le Rock’n’Roll Old School à tout un tas de nouveaux auditeurs qui ont ensuite découvert tous les autres groupes, et même nous ! (Rires)

– On l’a dit, je trouve que « Hardbeat » représente un sommet dans votre discographie. Quelle était l’ambition de départ ? D’être le plus efficace possible ? De trancher dans le vif ?

Notre ambition était de créer le meilleur album possible. De prendre un maximum de plaisir à écrire, enregistrer et jouer ces nouveaux morceaux. Surtout après l’arrivée de Luca (Rosnau, guitare – NDR) dans le groupe, nous savions que nous voulions insuffler cette nouvelle énergie, son regard neuf et sa folie douce dans nos nouvelles chansons. Après six ans à jouer quasiment les mêmes morceaux, nous étions impatients d’avoir de nouveaux titres pour nos concerts. Et pour l’instant, on trouve que ça a plutôt bien fonctionné ! (Sourires)

– Il y a également une sensation qui revient à chaque album, c’est cet esprit live, immédiat et avec des chansons véritablement taillées pour la scène. Est-ce le ressenti du public en concert et sa réaction qui vous importent le plus, plutôt que de chercher la complexité dans la structure de vos morceaux, par exemple ?

Oui, je crois que le plus important pour nous, c’est de jouer en live. Voir le public devant la scène s’éclater, parfois devoir convaincre un nouveau public, rencontrer les gens après les concerts… Tout ça, c’est ce qui nous motive. On adore le contact avec les gens, découvrir de nouveaux endroits, de nouvelles villes et rencontrer de nouvelles personnes. Quand on écrit nos chansons, on veut qu’elles nous fassent du bien, à nous et à nos fans, qu’elles nous donnent confiance. Pas besoin de chansons compliquées. Du moment qu’elles sont bonnes et entraînantes, pas besoin de se compliquer la vie. Vous voulez du Rock’n’Roll ? Alors, vous allez en avoir ! (Rires)

– La thématique de vos chansons sur « Hardbeat » tourne essentiellement autour du Rock’n’Roll, de son style de vie, comme de son état d’esprit. Y voyez-vous un sujet intarissable, ou plutôt une façon de ne pas succomber à la morosité d’une société et d’un monde devenus très instables et anxiogènes ?

(Rires) Oui, depuis 60 ans, c’est plus ou moins une source inépuisable ! Mais il y a toujours moyen de la moderniser, de l’adapter à l’air du temps. Bien sûr, on a toujours des chansons qui parlent de faire la fête entre potes, d’être un vrai rockeur coûte que coûte, ou de l’admiration pour une belle femme, etc. MAIS il y a aussi des chansons qui parlent de ne pas se décevoir soi-même, ni les autres, de rester unis et de lutter contre les méchants, etc… Il n’y a rien de mal à encourager les gens tout en restant Rock’n’Roll ! (Sourires)

– Si « Hardbeat » présente une unité musicale solide, en y regardant de plus près, les ambiances comme les tempos sont très variés. Avez-vous une manière précise d’établir vos tracklists, ou est-ce surtout une question de feeling ?

Je pense que c’est plutôt la deuxième option. En général, les chansons commencent par un riff ou l’idée d’un refrain accrocheur. On travaille dessus et si ça donne une bonne chanson, on la garde et on la développe. Sinon, elle retourne aux archives. On veut que nos disques soient remplis de bonnes chansons, peu importe le tempo, le thème ou le style.

– Enfin, quel regard portez-vous sur la scène actuelle Hard Rock et plus largement Metal ? Le fait que HARDBONE évolue dans un style si intemporel vous laisse encore de belles années, non ? Loin des courants et des modes…

(Rires) Espérons-le, mon pote ! En tout cas, le Hard Rock et le Metal semblent se porter à merveille en ce moment. Tous les grands groupes comme AC/DC, Metallica, Judas Priest, etc… jouent sans arrêt et rappellent à tout le monde que la musique artisanale, c’est du lourd ! (Sourires) Pour l’avenir, on verra bien. Partir en tournée devient de plus en plus compliqué, les prix de presque tout s’envolent, y compris celui des billets. Même les petits concerts deviennent inabordables pour les fans et les groupes. Mais j’espère que les fans de Rock et de Metal continueront d’aller aux concerts et de soutenir les groupes, car ce genre de musique a besoin de l’énergie et de l’ambiance des concerts. Et je suis presque sûr que ça ne changera pas de sitôt ! (Sourires)

Le nouvel album de HARDBONE, « Hardbeat », est disponible chez Massacre Records.

Catégories
Blues Rock Heavy Blues

Eric Johanson : un savoureux bourbier

Compositeur affûté, redoutable joueur de slide et chanteur assuré, ERIC JOHANSON a accompagné de grands noms du Blues avant de prendre son envol en solo, il y a une dizaine d’années. Homme de scène s’il en est (il compte déjà deux albums live à son actif), il revient aujourd’hui avec un cinquième opus sur lequel il est pleinement aux commandes. Avec « The Open Bayou », il rend hommage à ses racines dans un Blues Rock marécageux à souhait, où son sens du riff et la sensibilité de ses solos prennent vraiment de la hauteur. Un sans-faute !

ERIC JOHANSON

« The Open Bayou »

(Levee Ward Records)

Le musicien de la Nouvelle Orléans a décidé de voler de ses propres ailes et a quitté son label Ruf Records pour créer le sien. C’est donc sous la bannière de Levee Ward Records qu’ERIC JOHANSON sort son cinquième album studio. « The Open Bayou » donne même l’impression qu’il s’exprime en toute liberté, comme lesté d’un poids. Pourtant, ses dernières réalisations étaient loin de manquer de fraîcheur ou d’audace. Mais celui -ci dégage une saveur particulière et son titre en dit d’ailleurs déjà beaucoup sur son état d’esprit et ses intentions.

Produit par ses soins en collaboration avec Bill Skibbe, connu pour son travail avec Jack White notamment, « The Open Bayou » est probablement le disque qui lui ressemble le plus, tant il met en lumière l’atmosphère de sa Louisiane. Accompagné par son groupe de scène, à savoir Will Repholz à la basse et Jake Gartenstein à la batterie, ERIC JOHANSON est en territoire connu et son Blues Rock prend un relief incroyable. Puissant et électrisant, il est gorgé d’un fuzz chaleureux qui flirte avec le Stoner et le Heavy Blues. Et l’exploration va bien plus loin encore.

Toujours aussi virtuose, le guitariste semble faire une sorte d’inventaire de ses influences les plus profondes. Bien sûr, les bases de « The Open Bayou » repose sur un Blues Rock traditionnel, mais il est teinté de bien d’autres couleurs. Très Country sur « Alligator Smile », langoureux sur « Still I Move » ou plus sombre sur « What Makes You Real », ERIC JOHANSON est à son aise, convaincant dans tous les registres et il atteint des sommets de spontanéité et d’excellence (« Till the Sun Swallows The Earth », « The Open Bayou », « Lay Your Trouble », « Castaway »). Somptueux !

Retrouvez l’interview d’ERIC JOHANSON l’an dernier à l’occasion de la sortie de « Live In Mississippi »…

Eric Johanson : in the cradle of Blues [Interview]

… Et la chronique de son album « The Deep And The Dirty », ainsi que celle de Blues Caravan 2024 à laquelle il participe :

Eric Johanson : deep South spirit
Blues Caravan : trio de choc
Catégories
Contemporary Blues

Bernard Allison : love is all

Depuis ses débuts, le Blues Rock de BERNARD ALLISON est synonyme de communion et de transmission aussi d’une certaine manière, puisqu’il est lui-même détenteur d’un héritage conséquent. S’il n’a jamais cherché à cacher la filiation directe et naturelle avec celle de son père, embrassant lui-même un registre assez proche, il s’est rapidement émancipé au point de devenir une référence pour la nouvelle génération. Avec « Loving You », il exprime sa passion pour cette musique dans ce qu’elle de plus contemporaine et avec la classe qu’on lui connaît.

BERNARD ALLISON

« Loving You »

(Ruf Records)

Sorti depuis longtemps de l’ombre de sa légende de père, le grand Luther, BERNARD ALLISON mène une belle carrière, peut-être trop discrète et pas suffisamment reconnue, mais en tous points exemplaire. Guitariste virtuose et chanteur investi, l’Américain est l’auteur d’une bonne vingtaine d’albums et le fait d’avoir des racines à Chicago comme en Europe lui confère une touche et un son très identifiables. Bien sûr, l’influence paternelle est là, tout comme son admiration pour SRV et Johnny Winter, mais son Blues est unique et toujours très enjoué.

L’une des caractéristiques de BERNARD ALLISON est aussi son plaisir à partager sa musique et surtout à la jouer. Et cela s’entend ! C’est tellement palpable que cela en est communicatif. Avec « Loving You », il fait probablement sa plus belle déclaration à ses proches, mais aussi à ses amis musiciens. Et parmi eux, on retrouve les six-cordistes Larry McCray, Devon Allman et Matthew Curry. Un vrai feu d’artifice bâti sur un Blues traditionnel, qui se pare au fil de l’album de couleurs funky, Rock et R&B. L’alliance est majestueuse, d’autant que l’ensemble est brillamment interprété.

Dans cette belle réunion figurent aussi la violoncelliste Heather Hardy, le pianiste Victor Wainright, ainsi que sa nièce et son neveu Lyndrey et Jasper aux chœurs. Et avec Stephen Johnson à la guitare rythmique, co-auteur de cinq titres, Sam Butt Jr III derrière les fûts, Eric Roberts aux claviers et George Moye à la basse, BERNARD ALLISON ne pouvait rêver mieux ! Limpide et si naturel, son Blues est à la fois familier et plein de surprises (« Left Me With My Guitar », « Time Traveler », « Rock’n’Roll Hoochie Koo » de Rick Derringer, « Blues Thang » et le morceau-titre). Un régal !

Catégories
Southern Blues Rock

Warren Haynes : orchestral Blues

Le temps que l’orchestre s’accorde et c’est une salve d’applaudissements qui accueille le héro local et son groupe. Ils étaient plusieurs dizaines sur scène ces deux soirs-là, il y a sept ans, pour accompagner WARREN HAYNES dans l’une de ses plus aventureuses performances. Et comme par magie, le Blues et le Southern Rock de cette légende se sont parés de notes symphoniques pour prendre encore plus d’ampleur et de volume, tout en ne s’éloignant pas d’un accord de ses racines. Tout simplement exceptionnel !

WARREN HAYNES

« Dreams & Songs : A Symphonic Journey »

(Artone Label Group/Provogue)

WARREN HAYNES est aussi créatif qu’il aime les défis. Et c’est dans sa ville natale d’Asheville en Caroline du Nord, là où tout a commencé et où il est venu applaudir d’autres dans sa jeunesse, qu’il avait posé ses guitares le temps de deux soirées mémorables en 2019. Le Thomas Wolfe Auditorium avait vibré à l’unisson grâce à ce grand bluesman, bien sûr, mais aussi aux 64 musiciens composant l’incroyable Asheville Symphony Orchestra. Et ceux qui l’accompagnent étaient sur la même longueur d’onde pour parcourir trois décennies d’une carrière époustouflante.

En effet, l’objectif de WARREN HAYNES était plutôt ambitieux, mais très largement à sa portée, si l’on en juge par le résultat. Ainsi, de Grateful Dead au Allman Brothers Band, en passant par Gov’t Mule bien sûr, sa carrière solo et quelques reprises auxquelles ils avaient participé, c’est tout un pan du Southern Rock et du Blues qui rayonne sur les 16 morceaux de ce « Dreams & Songs : A Symphonic Journey ». Orchestral sans être pompeux, ce nouvel album live se distingue aussi par les prouesses du grand Bob Clearmountain, dont le mix est magistral.

Comme toujours avec WARREN HAYNES, l’ensemble donne l’impression d’une vaste improvisation, tant il est surprenant et fluide. Pourtant, derrière ce feeling de chaque instant, se cache une précision d’orfèvre rendue possible après des heures de répétitions et un travail minutieux sur les arrangements. Ovationné titre après titre dans une ambiance chaleureuse, le citoyen d’Asheville effectue un retour aux sources encore et toujours virtuose (« Banks Of The Deep End », « Spots Of Time », « Broken Promised Land », « Just Another Rider », « Whipping Post »). Magistral !

Photo : David Simchock

Retrouvez l’interview de WARREN HAYNES à l’occasion de la sortie de « Million Voices Whisper » et la chronique de l’album…

Warren Haynes : l’alchimiste [Interview]
Warren Haynes : soulman

… Et les chroniques des derniers albums de GOV’T MULE :

Gov’t Mule : une boulimie créative
Gov’t Mule : stupéfiant de vérité
Catégories
Blues Rock Southern Blues Rock

Jovin Webb : bayou’s calling

Songwriter affûté et frontman assuré, le musicien de Baton Rouge donne déjà une suite à « Drifter » et fait par la même occasion taire tous ceux qui pensaient qu’il ne s’agissait que d’un feu de paille. Avec un producteur d’exception à ses côtés, JOVIN WEBB libère ses propres sentiments sur un « Son Of A Sinner » qu’il vit sur chaque note. Tout en mouvement, il fait également résonner son harmonica avec justesse et pose ainsi un pied dans la cour des grands.

JOVIN WEBB

« Son Of A Sinner »

(Blind Pig Records)

Tout juste deux ans après être apparu avec « Drifter » où il s’est révélé être un véritable bluesman, JOVIN WEBB nous revient avec la même fraîcheur et la même sincérité. Il avait laissé une forte impression sur un premier album déjà très abouti. Et pour continuer sur sa belle lancée, c’est à nouveau Tom Hambridge qui est aux manettes et derrière les fûts. L’incontournable producteur, connu pour ses collaborations avec Buddy Guy, Joe Bonamassa, Susan Tedeschi, Kingfish, Ally Venable, Devon Allman et tant d’autres, y va même de ses propres compositions.

En effet, ce dernier cosigne avec Richard Fleming le très relevé morceau d’ouverture, « Gunlead & Lead », « Pull’Em In » et « These Boots » rejoint sur cette dernière par un JOVIN WEBB très convaincant. C’est d’ailleurs lui qui signe le reste de « Son Of A Sinner », avant de s’offrir une belle reprise de Gregg Allman pour clore ce deuxième chapitre (« Whipping Post »). Et l’ensemble est d’ailleurs d’une grande variété, car le natif de Louisiane a baigné dans le Blues bien sûr, le Rock, le Gospel, la Soul et le Southern Rock. Un savoureux et très complémentaire mélange.

Très bien entouré par Kenny Greenberg (guitare), Mike Rojas (claviers), Tommy MacDonald (basse) et donc Tom Hambridge (batterie), JOVIN WEBB livre une prestation vocale à la fois puissante et touchante. Porté par des textes sensibles et personnels, le chanteur semble littéralement habité par les chansons de « Son Of A Sinner » auxquelles il apporte beaucoup d’émotion (« Pray For Me », « Every Time I Roll A Dice » composée par Max Barnes et Troy Seals, « When I’m Gone », « It’s Alright »). Une performance de haut vol et la confirmation d’un grand talent.

Photo : J.B. Lawrence

Catégories
Blues

Keb’ Mo’ : un regard inspiré

Très épuré dans la forme, KEB’ MO’ a réduit à l’essentiel son Blues si reconnaissable. Presque seul aux commandes, il nous conduit avec « The Breakdown » dans un écrin d’une grande sérénité. Très lumineux malgré la simplicité affichée, le songwriter se met presque à nu pour présenter sa vérité. Avec sagesse et sérénité, il capte ici l’attention comme rarement avec la classe qu’on lui connaît, et les prises de son et le mix sont d’une sobriété qui les rend étincelants. Les difficultés de la vie mènent parfois à de très belles choses, lorsqu’elles sont si bien mises en musique.

KEB’ MO’

« The Breakdown »

(Concord Records/Universal Music)

On a l’habitude de dire que le Blues est un concentré d’expériences vécues, qu’on y raconte des tranches de vie et des états d’âme et que c’est essentiellement de cela qu’il se nourrit. Avec ce nouvel album de KEB’ MO’ va encore plus loin, puisque les circonstances qui ont vu naître « The Breakdown » sont un peu hors-norme et surtout véridiques. En effet, le bluesman a composé ces nouvelles chansons après une période qui l’a bouleversé intimement. Ayant subi une opération à cœur ouvert qui l’a sauvé, mis fin à 20 ans de mariage et affronté d’autres profondes épreuves, le chanteur aurait pu tirer sa révérence… mais ce serait bien mal le connaître.

Alors, forcément « The Breakdown » a une saveur toute particulière et surtout une atmosphère que l’on a peu souvent l’habitude de rencontrer chez KEB’ MO’. L’ensemble est acoustique, de bout en bout, et seul à la guitare et au chant, il se dégage même à la première écoute une impression d’infinie tristesse. Mais c’est sans compter sur le Californien qui parvient à renverser la vapeur, dès lors qu’on se penche un peu sur les textes. La souffrance et le vague à l’âme ont leur place, bien sûr, mais il émerge également une touche d’espoir et d’envie de poursuivre l’aventure comme si de rien n’était. Extraire la beauté du pire, telle est la mission du Blues.

Du haut de ses 74 ans, de ses 50 ans de carrière et de ses cinq Grammy Awards, KEB’ MO’ s’offre une belle et touchante perspective sur sa vie, son mouvementé parcours personnel et notre monde actuel. On pénètre dans l’intimité du chanteur avec une douceur extrême et la sensation d’être à ses côtés en studio. Pour accompagner cette voix et ces délicats accords, quelques contributions du Soweto Gospel Choir et du sextet gospel Take 6 sont parsemées sur quelques titres, apportant une profondeur et un relief aussi discret que tout en feeling. « The Breakdown » est un disque particulier dans la discographie de l’artiste et il mérite une attention toute spéciale.

Photo : Rachel Deeb

Retrouvez la chronique de son précédent album, « Good To Be… » :

Keb’ Mo’ : le Blues comme bien de jouvence
Catégories
Hard'n Heavy International

Tygers Of Pan Tang : un mythe intact [Interview]

Après une activité riche et marquante durant les années 80, il aura fallu attendre le début des années 2000 pour que le fameux tigre de la NWOBHM se mette de nouveau en chasse. Et cette nouvelle ère s’était ouverte avec Jacopo ‘Jack’ Meille au chant. Le frontman italien a immédiatement imposé sa marque et reste depuis plus de 20 ans la voix de TYGERS OF PAN TANG. Plus régulier ses dernières années, les Anglais reviennent aujourd’hui avec « Electrifyed », un quatorzième album qui vient attester de la grande forme du quintet. Vétérans peut-être sur le papier, les cinq musiciens affichent surtout une fougue et une inspiration qui m’ont pas pris la moindre ride. Le quintet rugit encore et toujours, et ne semble pas prêt à passer le relais. Entretien avec le chanteur de l’une des formations les plus marquantes du Hard Rock et du Heavy Metal européen.

– Tout d’abord, Jack, toi qui es dans le groupe depuis plus de 20 ans et donc le chanteur de la ‘seconde vie’ de TYGERS OF THE PAN TANG, j’aimerais savoir ce que tu penses des tous débuts du groupe ? Est-ce que cela reste encore aujourd’hui une inspiration pour toi ?

Oui, j’étais déjà fan des TYGERS dans les années 80 et j’avais d’ailleurs acheté « Spellbound » (1981) et « The Cage » (1982) que j’adorais. Et c’est vrai que faire partie d’un groupe aussi mythique est toujours une source d’inspiration, près de 22 ans après les avoir rejoints ! (Sourires)

– Pour rester un instant sur cette notion d’héritage, TYGERS OF PAN TANG a été de ceux qui ont bâti la fameuse NWOBHM. Aujourd’hui, beaucoup de groupes sont encore en activité, mais est-ce que tu perçois une seconde vague au XXIème siècle ? Je n’en ai pas l’impression, pour ma part…

La NWOBHM était un mouvement unique et exceptionnel. Comment des groupes comme Def Leppard et Venom pouvaient-ils en faire partie ? Et pourtant, c’était le cas. De nos jours, ce serait impensable. A l’époque, chaque groupe possédait un son et une personnalité uniques, et tous ont contribué au succès de la NWOBHM. Aujourd’hui, les groupes suivent une tendance ou s’approprient ce qu’ils considèrent comme le son originel de la NWOBHM. Mais il n’existait pas de ‘son’ codifié à l’époque. C’était un mouvement social : la classe ouvrière anglaise cherchait une musique capable d’exprimer sa colère et sa frustration. Voilà ce qu’est la NWOBHM !

– Pour conclure sur le sujet, les groupes fondateurs de la NWOBHM encore actifs ont tous plus de 40 ans de carrière évidemment. Est-ce que, comme tous les courants finalement, celui -ci est aussi destiné à s’éteindre avec ses créateurs ?

La magie de la musique réside dans son évolution constante, même à notre insu. Les musiciens qui ont façonné la NWOBHM finiront par prendre leur retraite, mais leur musique perdurera et inspirera de nouveaux talents. Cela donnera naissance à un nouveau genre musical, qui puisera dans les sonorités et les expériences du passé.

– Revenons à ce quatorzième album, qui acte aussi l’arrivée de John Foottit en tant que second guitariste aux côtés de Robb Weir. Ils forment à eux deux un duo solide et complémentaire. Sans parler de renouveau, « Electrifyed » donne l’impression d’être plus Heavy que ses prédécesseurs. A-t-il apporté une touche plus actuelle, selon toi, dans le son et l’approche de TYGERS OF PAN TANG ?

Les morceaux que tu entends ont été écrits avant l’arrivée de John dans le groupe. Robb (Weir, guitare – NDR), Craig (Ellis, batterie – NDR), Huw (Holding, basse – NDR) et moi souhaitions composer des titres plus percutants, axés sur les riffs, tout en conservant la touche mélodique que nous avions atteinte sur « Ritual » (2019) et « Bloodlines » (2023). Mon objectif a toujours été de maintenir l’équilibre entre le son brut de « Wild Cat » (1980) et l’approche plus mélodique de « The Cage », en passant par tous les morceaux intermédiaires.

– Pour la composition d’« Electrifyed », vous avez donc dit vouloir renouer avec l’énergie de « Wild Cat » (1980) justement, le premier album du groupe. Qu’y trouvez-vous qui puisse manquer dans le Heavy Metal et le Hard Rock d’aujourd’hui pour vous replonger 46 ans en arrière ? Est-ce finalement plus une question de sensation et d’état d’esprit ?

Chaque groupe a sa propre ‘recette’. La meilleure comparaison est celle d’un cocktail : vous pouvez connaître chaque ingrédient, mais le mélange est totalement unique. Je suppose que si vous demandiez à chaque membre de ce groupe de définir notre son, la réponse serait différente… (Sourires) Ce qui est certain, c’est que nous ne nous inspirons pas des autres groupes. Notre son est la combinaison des contributions des cinq musiciens et de la conscience de ce à quoi une chanson de TYGERS OF PAN TANG doit ressembler. « Electrifyed » représente cela en 2026.

– D’ailleurs, si « Electrifyed » est plus Heavy Metal dans le son, et moins Hard Rock, cette impression de noirceur se retrouve jusque dans la pochette. Avez-vous voulu ce nouvel album plus sombre et plus grave ? Peut-être plus en phase avec une époque mondialement compliquée ?

Nous vivons une époque étrange et sombre, et même si nous voulions éviter d’être influencés par le quotidien, c’est impossible. C’est pourquoi cet album est sans aucun doute plus sombre.

– Justement, sur le morceau-titre, tu fais allusion au système judiciaire américain en introduction de la chanson. Faut-il y voir un écho à l’actuel président et ses frasques, ce qui ne manquerait pas de piquant pour un Italien chantant dans un groupe anglais ?

C’est Craig, notre batteur, qui a écrit les paroles de la chanson. Elle ne parle pas de la peine de mort en tant que telle, mais plutôt des pensées d’une personne coupable qui sait qu’elle va être exécutée. Nous voulions retranscrire en chanson ce moment où la vie et la mort coexistent dans l’esprit d’une même personne.

– Enfin, par rapport à ton chant, est-ce que ton interprétation diffère dans son approche quand tu es avec TYGERS OF PAN TANG, afin d’offrir une continuité dans son identité artistique ? Car, je rappelle que tu fais aussi partie des groupes General Stratocuster And The Marshals, Damn Freaks, Mantra, Norge et plus récemment Sainted Sinners…

Oui, tout à fait. Et pour cet album en particulier, j’ai dû travailler dur pour trouver la bonne interprétation et la bonne intention pour chaque chanson. Je traversais aussi des problèmes familiaux qui n’ont rien arrangé. On a diagnostiqué un cancer à mon père pendant que j’étais en studio. Et il est décédé moins d’un mois après la fin des enregistrements. J’ai dû trouver le moyen de transformer toute cette douleur en quelque chose de créatif. Ce n’était pas facile, mais maintenant, en écoutant l’album, je crois que j’y suis arrivé, car je peux l’écouter sans ressentir de tristesse.

Le nouvel album de TYGERS OF PAN TANG, « Electrifyed », est disponible chez Mighty Music.

Photos : Steven Christie

Retrouvez aussi la chronique de l’album précédent :

Tygers Of Pan Tang : still alive