C’est à croire que naître dans le désert donnerait des prédispositions à jouer du Stoner et surtout du Desert Rock. Les exemples sont nombreux et STONE DEAF vient se joindre à cette belle et longue liste. Mais le cagnard semble plutôt donner de la vigueur au quatuor américain, qui livre ce « Killers » furieux et loin des conventions.
STONE DEAF
« Killers »
(Coffin & Bolt Records)
Formé en 2014 dans une petite ville désertique du Colorado par son leader Dust Chapin, STONE DEAF sort un troisième album très abouti sur son propre label. « Killers » libère à la fois un Stoner Rock puissant, mais aussi des moments plus calmes et presque contemplatifs. A la fois pêchu et éthéré, le style du quatuor oscille entre feintes et uppercuts.
Le moins que l’on puisse dire, c’est que sur « Killers », STONE DEAF nous balade du Stoner au Desert Rock, tout en s’autorisant quelques passages Doom pertinents et avec une sensibilité Punk, façon Mondo Generator. Pour le reste, et malgré les influences notoires de QOTSA et Kyuss, les Américains font preuve d’engagement et d’impact.
Très fuzz dans les guitares et écrasant dans sa rythmique, le quatuor n’y va pas par quatre chemins et assomme à tour de bras (« Cloven Hoof », « The Velvet Hammer », « Polaroid »). Les fulgurances très Punk du chanteur sonnent aussi la révolte sur l’ensemble de « Killers », qui portent bien son nom. Aride et dense, ce nouvel album de STONE DEAF frappe fort.
Solide et sans détour, ce deuxième album de DOCTOR SMOKE transpire le Heavy Metal comme on ne le voit malheureusement plus très souvent. Grâce à un chant parfaitement mis en valeur, des riffs inspirés et une rythmique épaisse, les Américains parviennent à nous plonger au cœur d’un genre qu’ils renouvellent et rafraîchissent sur ce très bon « Dreamers And The Dead ».
DOCTOR SMOKE
« Dreamers And The Dead »
(Ripple Music)
Originaire de l’Ohio, le quatuor américain est du genre costaud et incisif. Sept ans séparent pourtant « Dreamers And The Dead » et « The Witching Hour », premier album de DOCTOR SMOKE. Et ces années auront aussi déclenché des changements, ou ajustements, musicaux. Ainsi, de morceaux dans une veine Stoner Doom, le combo affiche aujourd’hui un Heavy Metal plus tranchant et moins lourd.
Armé de deux très bons guitaristes d’une efficacité redoutable, DOCTOR SMOKE a éclairci son jeu, lequel est devenu moins épais et nettement plus virevoltant. Sans faire dans le démonstratif, le quatuor enchaine les riffs bien sentis et musclés. Et malgré quelques influences puisées dans la NWOBHM avec son petit côté Old School, le combo sonne toujours très américain.
Si les mélodies des guitares mènent le jeu, la force de frappe de sa rythmique donne un impact certain et un relief massif à « Dreamers And The Dead ». Grâce à une très bonne production, les morceaux de ce deuxième album sont accrocheurs à l’image des hymnes Metal d’antan (« This Hallowed Ground », « The Rope », « Out Of Time », « Reborn Into Darkness » et « Been Here Before »). Un carton pour le gang de l’Ohio !
Les bouillonnants Norvégiens de SUNCRAFT rugissent et font résonner un bon gros fuzz comme assez rarement pour un premier album. Ludique et solide, « Flat Earth Rider » percute et envoûte de son Stoner Rock très bien écrit et furieusement Heavy. Le jeune quatuor est généreux et performant et cet opus est une pure gourmandise.
SUNCRAFT
« Flat Earth Rider »
(All Good Clean Records)
Affichant une énergie et une explosivité incroyable, SUNCRAFT livre son premier album gravé dans un Stoner Rock rugueux aux influences Doom et Hard Rock. Issu de la scène underground d’Oslo en Norvège, le quatuor avait déjà commis un EP, « Saigon » en 2019, avant d’être stoppé net dans son élan. « Flat Earth Rider » a donc été composé et enregistré l’an dernier.
Viscéralement Rock’n’Roll, les membres de SUNCRAFT semblent avoir plutôt bien pris cette sombre période tant l’écriture de l’album respire la liberté et affiche un ton très optimiste et plein d’allant. Le groove et les mélodies très accrocheuses de « Flat Earth Rider » n’empêchent pas les riffs puissants et percutants du quatuor de s’imposer de manière très fluide.
La production très organique de Ruben Willem, qui a signé quelques gros hits du Hard Rock norvégien est aussi pour beaucoup dans cette mise en lumière limpide et massive des morceaux de SUNCRAFT (« Commie Animal », « Adaptation », « Bridges To Nowhere », « Space Buddha » et l’excellent morceau-titre). Vif et ascensionnel, ce premier album des Scandinaves est une bouffée d’air pure Rock et débridée.
Quelques mois après avoir sorti un très bon premier album, « Quest Of Oblivion », en autoproduction, le quatuor de Seattle a résonné jusqu’en Californie où sa musique est arrivée aux oreilles affûtées du staff de Ripple Music. Il faut dire que le Doom Blues très Psych, Stoner et Grunge de SUN CROW surprend par sa fluidité et sa créativité. Ben Nechanicky, guitariste du combo, revient sur le parcours du groupe et surtout sur sa vision de la musique et de l’état d’esprit des Américains.
– « Quest For Oblivion » possède déjà une belle histoire. Vous l’aviez déjà sorti sur Bandcamp à l’automne dernier avant qu’il ne suscite l’intérêt de Ripple Music, qui le sort aujourd’hui en physique. J’imagine que ce doit être gratifiant d’être repéré par un label comme celui-ci, non ?
Oh oui, carrément. Nous étions aussi confus que tout le monde quant à ce qu’il fallait faire quand la pandémie faisait rage. Alors, nous nous sommes dits : sortons simplement l’album et mettons-le là où les gens pourront le trouver. Lorsque nous avons parlé pour la première fois aux gens de Ripple Music, qui avaient vu l’album grimper dans les Doom Charts (ce qui était aussi une sacrée surprise), ça a tout de suite été génial. Nous l’avions publié en autoproduction de manière simple, honnête et assez modeste. Etre repéré par des gens aussi cool et expérimentés que Todd (Severin, le boss du label – NDR) et l’équipe de Ripple, qui sont profondément dans l’esprit des musiques dont nous sommes de grands fans, est incroyable.
– Avant d’aller plus loin, éludons le changement de chanteur avec le remplacement de Charles Wilson par Todd Lucas. Que s’est-il passé ? Son départ a eu lieu dans l’intervalle, avant la signature avec Ripple Music ?
SUN CROW était dans une étrange période musicale depuis un moment. Nous ne savons pas ce qu’il s’est réellement passé avec Charles, nous ne savons même pas s’il le sait lui-même. Il était là, nous nous sommes retournés et il était parti. Sans blague ! Il s’est présenté comme un fantôme une fois tôt le matin, a dit des choses étranges et a laissé un numéro qui ne fonctionnait pas. Nous avons attendu un certain temps, aucun des anciens numéros ou de comptes ne fonctionnaient. Nous avions tous convenu de faire ce que nous pouvions pour terminer le travail et sortir l’album. Nous pensons qu’il est préférable de s’assurer que sa voix soit entendue sur ces enregistrements, où qu’il se trouve. Aussi étrange que cela ait été (et soit toujours), le groupe a décidé de continuer en son absence à travailler avec notre ami Todd sur la suite.
– Charles Wilson avait produit une très forte prestation vocale sur l’album. Quelle va être votre démarche avec Todd Lucas ? Reproduire le même esprit au niveau du chant, ou partir sur tout autre chose plus en adéquation avec son style ?
Ouais, c’est vrai. Son art et son travail sont uniques, et il est important pour nous que les gens puissent l’entendre. Il est très clair que ce sont des personnes très différentes, mais ils ont aussi des choses en commun. C’est vraiment étonnant, mais ils ont un passé et des expériences similaires dans leur jeunesse. Ils viennent tous les deux de régions arides de l’est de Washington et ont tous deux des gammes vocales proches. Leur style et leurs influences sont un peu différents. Todd est un peu plus ancré dans les années 70, alors que Charles l’était solidement dans les années 90. Nous sommes enthousiastes quant à leurs points communs, mais aussi leurs différences.
– Musicalement, « Quest For Oblivion » est étonnant de maturité et de créativité pour un premier album. Vous avez fait très fort ! Ce sont des morceaux que vous travaillez et mûrissez depuis longtemps, car l’écriture est précise et les morceaux solides ?
Ca fait très plaisir à entendre, merci ! Keith (Hastreiter, batterie – NDR) et moi avons joué ensemble pendant longtemps. Nous avons travaillé les morceaux de manière organique et les choses ont avancé très naturellement. Les chansons sont à l’origine conçues sous la forme d’un set live à interpréter dans l’ordre du disque. D’une certaine manière, « Quest for Oblivion » capture à la fois une performance et une idée prévue de longue date. Il reflète notre façon de vivre, autant qu’il projette une histoire.
– Contrairement au Doom Metal classique, votre jeu est très véloce sans être trop écrasant. Au contraire, SUN CROW propose un style très aéré et aérien. C’est important pour vous de vous démarquer des codes du genre en vigueur ?
Merci, c’est un vrai compliment. Je dirais que peut-être que certaines des parties disposent d’une sorte de fluide naturel. En jouant fort, il y a des oscillations et des tensions qui ont besoin de se libérer. Peut-être que les sons plus désorientés reflètent nos intérêts pour le mystérieux, et nos discussions sur la nature des choses que nous ne comprenons pas. Ensuite, c’est une réaction à ces sentiments. Nous ne nous efforçons pas vraiment d’être différents ou d’essayer de nous conformer, nous faisons juste notre truc et nous en tenons à ça.
– Justement, votre jeu est fait de plusieurs composantes comme le Grunge et le Blues pour l’essentiel. On a l’impression que dès qu’un groupe vient de Seattle, il y a forcément l’influence du Grunge. C’est vraiment si présent dans la ville et parmi les groupes ?
Je pense que oui. Le grunge est une sorte de terme inventé pour expliquer quelque chose de viscéral qui était dans la musique ici pendant longtemps avant que le reste du monde ne commence à le définir comme une catégorie. C’est quelque chose qui est très naturel dans le nord-ouest du Pacifique. Cela s’est même étendu de la Colombie-Britannique au Canada, jusqu’au nord de la Californie dans un vaste paysage culturel où certaines de ces façons d’être se sont tout simplement implantées. L’eau froide, les forêts sombres, les paysages isolés et les longs hivers sont des facteurs directs. Parfois, les mythologies se nourrissent d’elles-mêmes, mais c’est peut-être quelque chose de moins important que la météo et la culture palpable. Tout ça est évident dans le son, bien que chaque expérience soit toujours unique suivant les gens.
– On a parlé du Grunge, mais le Blues est aussi très présent dans votre musique et surtout dans son aspect sombre. D’où viennent vos références en termes de Blues ? Et comment l’intégrez-vous dans ce Doom Metal imposant ?
C’est un sentiment, un aspect plus sombre qui nous attire. Pour nous, tout le Metal lourd est fondamentalement du Doom Blues existentiel. Les premiers musiciens, qui utilisaient le volume et le gain de leurs amplis pour en extraire ce son, étaient les grands joueurs de Blues originaires du fleuve Mississippi. C’est devenu le Rock’n’Roll, et tout est rapidement devenu plus fort à mesure que les amplis devenaient plus puissants. Les groupes des années 60 et 70 l’ont rapidement porté à un niveau que nous pourrions reconnaître comme du Metal aujourd’hui, mais les mêmes motifs étaient suggérés dès les années 40. Même les tout premiers artistes comme Bukka White (qui était principalement un musicien acoustique) obtenaient ces sons en utilisant une diapositive qui ressemble beaucoup à ce que vous obtenez avec une distorsion amplifiée. Lorsque vous ajoutez cela aux technologies d’enregistrement limitées de l’époque, les sons étaient assez sauvages et bruts. C’est une réponse physique plus qu’autre chose. Tant de choses sont venues de ces gens-là et de leur art, nous nous inspirons beaucoup d’eux et essayons de l’honorer de la meilleure façon possible.
– Enfin, j’aimerais qu’on dise un mot sur la production et le mix de « Quest Of Oblivion ». De quelle manière avez-vous travaillé et dans quelles conditions l’album a-t-il été enregistré ?
Notre ami, ingénieur et producteur Gary Mula, a mis tout son talent et sa vision dans le processus. Nous avons enregistré la plupart des morceaux dans un studio de notre quartier que notre bassiste (Brian Steel – NDR) a aidé à mettre en place. Enregistrer là-bas semblait être un choix évident, et c’est juste en haut de la rue où vivent quelques-uns d’entre nous. Maintenant que j’y pense, Brian vivait en fait juste à côté du studio. Nous avons produit un bon ensemble de sessions, qui ont finalement donné à Gary un puzzle surréaliste de bonne qualité pour commencer le mix. Nous sommes vraiment heureux qu’il ait partagé avec nous ses dons pour démêler des nœuds en quatre dimensions. Les amitiés que nous y avons tissées sont pour la vie.
Le premier album de SUN CROW, « Quest Of Oblivion », est disponible chez Ripple Music depuis le 2 juillet.
Parce qu’il y a beaucoup, beaucoup de disques qui sortent et qu’il serait dommage de passer à côté de certains d’entre eux : [Going Faster] se propose d’en mettre plusieurs en lumière… d’un seul coup ! C’est bref et rapide, juste le temps qu’il faut pour se pencher sur ces albums, s’en faire une idée, tout en restant toujours curieux. C’est parti !
KÄTO – « Québec Gold » – Independant
En tout juste quatre ans d’’existence, KÄTO n’est pas resté les bras croisés, loin de là. Après un album (« M39 »), un Live et un EP (« Fumeurs en Série »), le trio est déjà sur le front avec un nouvel opus, « Québec Gold », doté d’une énergie folle et dont le style flirte avec bien d’autres. Sur une solide base Stoner Metal, le combo propose six morceaux et un interlude (« Le Siffleux »), où il passe d’une ambiance à une autre avec une fluidité d’exécution remarquable (« Nullepart Express », « Shotgun Ménard »). S’exprimant en français, ce qui assez inédit pour être souligné, KÄTO a conçu « Québec Gold » en trois jours seulement et dans un chalet autonome, juste assisté d’un générateur et de son producteur. La spontanéité des titres fait mouche et on se délecte carrément sur le solo du morceau-titre, qui est un furieux et Heavy clin d’œil au « Freebird » de Lynyrd Skynyrd. Un goût de trop peu pour ce très bon album.
TARLUNG – « Architect » – Independant
Alors que de très nombreux groupes Doom et Sludge se privent volontairement de guitare pour accentuer le côté massif et sombre de leur musique, TARLUNG opte pour une toute autre option en évoluant sans basse. En effet, le trio de Vienne en Autriche compte un batteur et deux guitaristes dont l’un assure aussi le chant. Et la formule est vraiment bonne et libère une énergie et une clarté étonnante. Formé fin 2013, les Autrichiens continuent leur bonhomme de chemin au service d’un Stoner Doom percutant où le Sludge se taille la part du lion à travers des morceaux lourds, compacts et relativement longs (« Infinity », « Weight Of Gravity », « Hordes Of Plague »). Les guitares basses et rugueuses combinent parfaitement avec une voix forte et profonde. Avec un line-up si original, TARLUNG parvient à donner un relief abyssal à « Architect » sur six titres hypnotiques et addictifs. Une prestation et une performance assommantes et solides.
Parce qu’il y a beaucoup, beaucoup de disques qui sortent et qu’il serait dommage de passer à côté de certains d’entre eux : [Going Faster] se propose d’en mettre plusieurs en lumière… d’un seul coup ! C’est bref et rapide, juste le temps qu’il faut pour se pencher sur ces albums, s’en faire une idée, tout en restant toujours curieux. C’est parti !
RUBICON – «Demonstar » – Rock Music City Label
Avec ce deuxième album, la formation russe de Heavy Metal passe au statut de multinationale. Ivan Bulankov, chanteur et fondateur du combo, s’est adjoint les services du guitariste français Bob Saliba (Galderia), du bassiste et arrangeur Dmitry Belf (Frost, Ashen light, Imperial Age) et de l’Américain Richard Fisher (Midnight Eternal) lui aussi à la six-cordes. Et il faut bien admettre que ce « Demonstar » a de quoi séduire. Très dark dans son ensemble et remarquablement bien produit, ce nouvel opus marche dans les influences Old School du genre avec des éléments très actuels flirtant avec le Power, le Doom et le Gothic. Soutenu par une pléiade de musiciens, RUBICON signe un bel album (« Last Floor Of Hell », « Snake King », « If It Bleeds », « The Darkness Machine », « I, Immortal »).
REBELLION – «We Are The People » – Massacre Records
Depuis 2002, REBELLION a construit sa réputation grâce à des albums-concept rondement menés et ne manquent jamais de créativité. Entre Heavy et Power Metal, le quintet allemand a vu grand en composant ce « We Are The People », qui couvre un longue période historique allant de la Révolution Française à la dernière guerre mondiale. L’objectif des Teutons est limpide : pointer du doigt toutes sortes de racismes et de nationalismes existants. L’album a été produit par Uwe Lulis, actuel guitariste d’Accept, et on est loin des ambiances Old School, mais costaudes, de leurs précédentes réalisations. Le Metal de REBELLION sonne très moderne, massif et particulièrement pêchu « Vaterland », « World War II », « Liberté, Egalité, Fraternité » en français dans le texte, « Sweet Dreams », « Verdun »). Les Allemands avancent en mode guerrier, mais l’espoir est au bout de cette avalanche de riffs.
SPACE CHASER – « Give us Life » – Metal Blade Records
Dix ans d’existence, une signature encore toute fraîche chez Metal Blade Records et un troisième album en main, SPACE CHASER commence à se faire une place et « Give Us Life » vient confirmer son ambition. Si le jeu des Berlinois penche désormais un peu plus vers le Thrash, ils sont cependant restés fidèles à un Speed Metal, certes plus puissant qu’auparavant, mais du bon vieux Speed Metal à l’allemande tout de même. Et c’en est même assez réjouissant. Très actuel et solide, « Give Us Life » enchaine les morceaux tranchants et incisifs dans lesquels le frontman du combo sort son épingle du jeu. Les riffs acérés et les rythmiques massives montrent aussi que SPACE CHASER a pris de l’envergure (« Army Of Awesomeness », « Juggernaut », « Dark Descent »). Un album qui devrait enflammer les scènes, sans aucun doute.
Enregistré à York en Angleterre durant le confinement de l’an dernier, ce premier album de HEAVY WATER, « Red Brick City », montre toute la complicité artistique entre le frontman de Saxon et son fils Seb qui s’avère être un redoutable chanteur et guitariste. Les Byford affichent une belle unité partageant leur amour du Rock de façon débridée et créative.
HEAVY WATER
« Red Brick City »
(Silver Lining Music)
Plutôt que de se morfondre devant des écrans ou de pleurer en écoutant l’album de Saxon, « Inspirations » sorti il y a quelques mois, Seb Byford a préféré entraîner son père dans l’écriture et la réalisation d’un album personnel et familial. HEAVY WATER a vu le jour l’an dernier durant le confinement et il faut bien avouer que le fils et le père ont été bien inspirés cette fois.
Composé à deux, « Red Brick City » est surprenant à plus d’un titre. Tout d’abord, il ressemble bien plus au fils qu’à Biff qui tient la basse et assure les chœurs avec sobriété et loin de son registre habituel. HEAVY WATER ne s’inscrit pas du tout dans la NWOBHM, mais dans un Rock Hard pur et dur aux multiples influences et aux passages musicaux très variés. Et Seb Byford ne manque pas de talent, loin de là.
A la guitare et au chant, il montre une belle palette enchainant les riffs costauds et les parties vocales pleines d’énergie et de mélodies avec une assurance et un savoir-faire bluffant (« Red Brick City », « Follow the Moment », « Solution »). HEAVY WATER se balade entre Rock 70’s, Doom allégé, Blues et un Hard Rock réjouissant et frais. Il règne une douce et Rock’n’Roll folie dans cette famille !
Issu des hauts-de-France, QUEEN (ARES) est le projet très abouti d’un quintet formé autour de musiciens chevronnés de la scène extrême locale. Et ce premier album, « From This Ground, From This Sea » est une immersion totale et captivante dans un post-Metal protéiforme et envoûtant. : sept titres dans lesquels le combo passe par toutes les émotions se jouant avec délectation des tessitures sonores.
QUEEN (ARES)
« From This Ground, From This Sea »
(Independent/Atypeek Music)
Cela fait maintenant deux ans que QUEEN (ARES) mûrit et peaufine son premier album. Et il faut reconnaître que ces cinq musiciens aguerris ont bien fait les choses, car « From This Ground, From This Sea » est un petit bijou de post-Metal. Composé de membres de Junon, The Lumberjack Feedback, Unswabbed, Sylvaine, Holispark et Big Bernie, le combo avance avec force et ambition.
Entièrement autoproduit, ce premier album s’étale sur sept morceaux pleins de relief à travers des sonorités post-Rock, Doom et post-HardCore sombres et captivantes et à la fois. Grâce à un son massif et limpide, QUEEN (ARES) s’échappe aussi sur des passages aériens très atmosphériques, où la puissance et le contraste du chant livrent une profondeur incroyable.
Les déchirures et les tempêtes se succèdent au fil des titres sur des riffs écrasants et une rythmique millimétrée dans un ensemble parfaitement maîtrisé par le quintet à la fois serein et brutal (« Swarm », « Burn », « Dive »). Loin de nous balader dans des montagnes russes, QUEEN (ARES) joue sur les ambiances avec beaucoup de cohérence et d’homogénéité (« The Fragile Shells », « Silent Changes »). Brillant !
Conçu sur les bases d’un Metal Progressif à multiples facettes, WELCOME-X ne se refuse aucune incartades, qu’elles soient Jazz, Doom ou plus extrêmes et c’est ce qui fait sa force. Le quintet vient tout juste de livrer un « Vol.2 » à travers lequel il continue d’explorer de bien belle manière des horizons musicaux inattendus et particulièrement saisissants. Entretien avec Phil Bussonnet, bassiste et compositeur du groupe.
– Tout d’abord, un petit mot sur votre concert de vendredi dernier (interview réalisée le 05/07) au Triton aux Lilas, près de Paris. Comment ça s’est passé ? J’imagine que ça doit être un grand plaisir de retrouver la scène après tout ce temps ?
C’est vrai qu’en dehors d’un festival au mois d’août de l’année dernière en Bretagne, on n’avait pas rejoué du tout depuis et ça fait quand même très long. Ca ne m’est jamais arrivé de toute ma vie de rester aussi longtemps sans faire de scène. C’était vraiment un bonheur ! Même si la jauge est limitée et les gens masqués, tout le monde était content et on sentait une énergie vraiment étonnante.
– Restons un peu au Triton, puisque vous y avez enregistré ce deuxième album, et il y est même produit. C’est votre base ? Quels sont vos liens avec l’endroit ?
Ce sont des gens avec lesquels je travaille depuis très longtemps avec qui on a réalisé beaucoup de choses et différents projets. En ce qui nous concerne, ils sont plus ou moins producteurs. Pour l’album, on a transformé le club en studio, on y a fait toutes les prises et ils prennent toutes les charges de production à leur compte, c’est-à-dire le mix, le pressage et la distribution. C’est un partenariat très précieux pour moi. Et surtout, ils nous laissent toute latitude sur le disque au niveau artistique. Nous sommes complètement libres. C’est essentiel, car on garde un regard sur toute la réalisation de l’album.
– Parlons de votre deuxième album sobrement intitulé « Vol. 2 ». C’est le prolongement et la suite du premier, ou est-ce que justement vous avez souhaité partir dans d’autres directions ?
C’est vraiment la suite immédiate du premier. Ce sont des morceaux qui ont été écrits directement dans la foulée et dans la même veine. L’album n’est pas vraiment détaché du premier, au contraire même. C’est comme si on avait fait un double-album, sauf qu’on a mis deux ans à le faire.
– Musicalement, et pour faire court, WELCOME-X évolue dans un registre Metal Progressif, dans lequel vous vous démarquez franchement. C’est peut-être aussi dû au fait qu’il n’y ait pas vraiment de références purement Heavy Metal dans votre musique. C’est aussi votre sentiment ?
On a des références, mais elles sont vraiment très variées. Cela va de Black Sabbath à Meshuggah et bien d’autres. En fait, on n’a pas la volonté d’écrire dans un style très ciblé. Je suis vraiment mon propre groove et l’inspiration vient sur le moment. Il n’y a aucun cahier des charges sur le plan styliste, donc c’est un mélange de plein de choses qui nous ont nourris au fil du temps.
– Justement, vous affichez un style très Metal à grands renforts de gros riffs, de solides rythmiques et d’un chant qui côtoie souvent les extrêmes. C’est cet aspect qui vous permet de libérer toute cette énergie ? Ces fondations très musclées ?
Exactement. De toutes manières, j’avais envie de faire une musique très pêchue. C’est un projet que j’ai depuis bien longtemps et je voulais faire quelque chose de résolument Rock, c’est-à-dire une écriture à base de riffs de guitare et c’est ce qu’on a réussi à faire. Au niveau des voix, j’aime beaucoup l’approche de Sam (Kün, chanteur – NDR) dans le sens où il possède différents registres. C’est une vraie richesse d’avoir toute cette palette.
– Dans le même temps, WELCOME-X développe aussi beaucoup d’éléments Jazz, dans lesquels vous êtes d’ailleurs très à votre aise. C’est votre passé musical individuel qui veut ça ?
Sans doute, oui. J’en ai pratiqué beaucoup dans toutes sortes de contextes, même si mes premières amours musicales sont vraiment Rock. J’ai été amené à jouer avec beaucoup de musiciens de Jazz de différents horizons et je pense que cela m’a aussi nourri avec ces ouvertures harmoniques et cette possibilité d’improviser, même si on ne l’utilise pas au sein du groupe. Toute la musique que l’on fait est très écrite.
– Est-ce qu’en faisant cohabiter des ambiances Doom avec des atmosphères très aériennes, et notamment jazzy, vous n’avez pas peur de déstabiliser des auditeurs pas forcément adeptes de ces deux styles, mais plutôt de l’un ou de l’autre ?
C’est justement la liberté que je me réserve. Après, j’espère que ce ne sera pas trop déstabilisant et que les gens seront sensibles à ça. C’est vraiment ce que j’avais envie de proposer et c’est peut-être aussi la marque de fabrique de WELCOME-X, avec de multiples facettes et un mélange des genres.
– En parcourant le livret du disque, on observe un environnement assez sombre et même assez énigmatique, qui traduit aussi le contenu des textes. Est-ce que vous pouvez nous en dire un peu plus sur l’aspect conceptuel de ce nouvel album ?
Les deux ont été construit de la même manière et illustrer par notre ami Paul d’Emgalaï Grafik, qui a réalisé tous les graphiques et les dessins. Au niveau des ambiances musicales et des textes, c’est un peu une chronique du monde dans le lequel on vit à travers notre ressenti, ainsi que de la vie qu’on mène au milieu de tout ça. Le constat n’est pas forcément très gai, mais sans être forcément pessimiste non plus. On observe ce qui nous entoure et on a envie d’en parler et aussi peut-être de donner notre avis sur le sujet.
– Pour conclure, vous venez tout juste de reprendre les concerts. Est-ce qu’une tournée est prévue dans les mois ou semaines à venir, afin de faire vivre ce « Vol. 2 » sur scène ?
Pour le moment, il n’y a rien de concret, juste quelques pistes. C’est encore un peu compliqué au niveau de l’organisation. Ca commence à bouger un peu pour cet automne, mais très timidement. Pour l’instant, c’est encore un peu flou.
L’album « Vol.2 » de WELCOME-X est disponible depuis le 25 juin (Production Le Triton).
Parce qu’il y a beaucoup, beaucoup de disques qui sortent et qu’il serait dommage de passer à côté de certains d’entre eux : [Going Faster] se propose d’en mettre plusieurs en lumière… d’un seul coup ! C’est bref et rapide, juste le temps qu’il faut pour se pencher sur ces albums, s’en faire une idée, tout en restant toujours curieux. C’est parti !
N E K E R – « Slower » – Time To Kill Records
Il semblerait que le one-man-band de Nicola Amadori (basse, chant) ne soit plus qu’un lointain souvenir. Depuis « Louder », premier album sorti en 2017, l’Italien semble s’être attaché à Daniele Alessi (batterie) et Alessandro Eusebi (guitare). Et il faut reconnaître que le trio est plus que cohérent et son Sludge aux saveurs Doom et Southern est très riche et envoûtant. N E K E R a fière allure et « Slower » atteint les sommets attendus depuis ces dernières années. Tout en mouvement et en progression, le trio transalpin se montre capable d’être tranchant et agressif comme plus lent et pesant. Entre un Doom très sombre et un Sludge démoniaque, « Slower » offre une palette incroyable de variations de tempos et d’harmonies. Et le chant très protéiforme d’Amadori apporte une fraîcheur presque ensorceleuse.
Doom Sessions Vol. 666 – DEAD WITCHES / WITCHTHROAT SERPENT – Heavy Psych Sounds Records
Pour le sixième volume de ses « Doom Sessions », Heavy Psych Sounds Records affiche le chiffre de la bête et une pochette à faire frémir avant même la première écoute. Il faut admettre que le duo formé par le label italien nous plonge dans les tréfonds du Doom le plus obscur et occulte qui soit. Et ça commence frontalement avec le quatuor britannique DEAD WITCHES avec un morceau long de 14 minutes. Le nouveau projet du batteur Mark Greening (ex-Electric Wizard, Ramesses et With The Dead) navigue entre ténèbres et brutalité grâce, notamment, à sa chanteuse Spring Thompson. Puis direction la France, Toulouse, avec WITCHTHROAT SERPENT qui signe les deux autres titres. Le Stoner Doom du quatuor ne manque ni d’impact, ni d’intérêt, loin de là ! Un sixième très bon cru de 40 minutes du label italien.
DEMON INCARNATE – « Leaves Of Zaqqum » – Metalville
C’est une belle surprise que proposent les Allemands avec un quatrième album, « Leaves Of Zaqqum », que le groupe a eu le temps de mûrir et de peaufiner durant ces derniers mois d’inactivités scéniques. Mené par Lisa Healey (chant), Jan Paul (guitare) et Kai Schneider (batterie) qui composent l’essentiel des morceaux, DEMON INCARNATE est complété par Matz Naumann (basse) et Donny Dwinanda Putra (guitare) venus s’y greffer. Le Stoner Metal du combo est très fortement orienté vers le Doom avec efficacité et de solides riffs. Le quintet germanique réussit une belle synthèse d’influences sabbathiennes avec des ambiances rappelant fortement Candlemass, tout en y injectant délicatement des sonorités orientales. La particularité de DEMON INCARNATE réside aussi dans la voix de sa chanteuse, qui est vraiment la signature du groupe.
