Dorothee Pesh, plus connu sous le nom de DORO, est une hyperactive. Entre la préparation de son nouvel album à paraître l’an prochain, plusieurs collaborations artistiques et même un parfum (!), elle a récupéré les droits sur la musique de sa longue carrière et sort un triple-album entre hymnes Heavy Metal, ballades, duos et reprises. Et l’Allemande, comme toujours, tient son rang !
DORO
“Magic Diamonds – Best of Rock, Ballads & Rare Treasures”
(Rare Diamonds Productions)
C’est vrai que je n’ai pas pour habitude de chroniquer les Best Of, mais celui-ci n’en est presque pas un ! En effet, la chanteuse propose certes ses classiques, et il y en a, mais aussi des versions live, plus rares, de morceaux tombés aux oubliettes ou plus simplement plus disponibles. Et puis, à l’heure où le Metal est envahi par les chanteuses d’opérette, DORO vient rappeler non seulement qu’elle est une précurseure, mais qu’elle reste la seule et unique Metal Queen à ce jour et une frontwoman exceptionnelle.
De Warlock et ses hymnes Heavy à sa longue carrière en solo, l’Allemande propose un Best Of regroupant pas moins de trois CD et va jusqu’à avouer que le choix fut cornélien et qu’il lui en reste des cartons plein ! L’occasion pour les plus jeunes de se jeter dans la belle discographie de la frontwoman, qui a aussi le mérite de remettre quelques pendules à l’heure. Entre les incontournables de DORO se glissent des versions live toutes aussi pêchues à l’image de ses prestations explosives.
On ne va pas entrer dans le détail des 56 morceaux présentés, mais entre de belles ballades studio ou extraites de concerts, de très bons duos avec Lemmy bien sûr, Slash, UDO, Tarja Turunen ou encore Pete Steele de Type O Negative, des versions live ardentes des immanquables de son grand répertoire, c’est un retour aux belles heures du Heavy Metal auquel nous convie DORO. Plein de surprises, on découvre également « Egypt » en hommage au grand Ronnie James Dio. Bref, un indispensable pour tous les amoureux de Heavy Metal !
Mené par les frères Jazz, Elmor et Jimmy, DOO THE DOO fait partie des groupes incontournables de la scène Blues hexagonale. Malgré une situation sanitaire incertaine, le quintet vient de sortir « Fishbone Juice », où l’on retrouve avec le même plaisir la fraîcheur et la bonne humeur des Bluesmen. Jimmy Jazz, chanteur et guitariste, nous en dit plus sur ce retour tant attendu.
– Vous revenez enfin avec ce nouvel album « Fishbone Juice », qu’on n’attendait presque plus. Vous en avez mis du temps, quel a été le déclic ?
En 2018, Patrick Lecacheur, le président du festival « Bain De Blues », nous avait soumis l’idée d’accompagner Paul Orta pour l’édition 2019 du festival. On avait déjà eu l’occasion de jouer avec Paul dans les années 90 et l’idée nous a tout de suite séduit. Paul était très enthousiaste de faire quelques dates avec nous en France. Tout était calé, sous le nom de « Paul Orta & The Rockin’ Guajillos ». Malheureusement Paul est tombé gravement malade quelques mois avant la tournée et nous avons du annuler sa venue. Nous avons donc assuré le concert sous notre propre nom. Ca a super bien fonctionné et le public était chaud bouillant. Mais malgré les nombreuses demandes, nous n’avions pas de disque à proposer à la fin de notre set ! Quelques jours plus tard, encore dans l’euphorie du concert, on s’est rappelé et on a rapidement pris la décision d’enregistrer un nouvel album.
– Justement, vous le prépariez de longue date ? Ce sont des titres que vous aviez déjà sous le coude ou que vous avez composé récemment ?
Non, on a commencé à travailler sur l’album au milieu du printemps 2019 et à part un titre qu’on avait en « stock », tous les morceaux ont été composés pour « Fishbone Juice ».
– Votre album le plus marquant est « Hex » sorti en 2000. Quelles sont les différences majeures d’avec « Fishbone Juice », selon vous ?
Il s’est passé 20 ans entre les deux enregistrements ! Mais on y retrouve un peu tous les éléments qui constituent l’ADN de DOO THE DOO : Texas Beat, Swamp pop, Rock & Roll, Early Chicago Blues… Mais sinon, on fonctionne toujours beaucoup à l’instinct lorsqu’on travaille un nouveau morceau, on le joue et on sait instantanément si ça va le faire ou pas. On a toujours aussi essayé aussi de privilégier les enregistrements dans des conditions « live ». La configuration de la salle « Avel Dro » nous permettait de le faire, c’est ce qu’on voulait, pour garder la dynamique du groupe.
– Malgré la situation actuelle, vous avez décidé de maintenir la sortie de « Fishbone Juice ». L’absence de concerts ne vient pas trop ternir le tableau ?
Initialement, nous devions sortir l’album fin Juin 2020. Suite aux annulations de tous les festivals et concerts de l’été, nous avions pris la décision de repousser la sortie du disque début décembre en espérant que la situation s’améliore. Alors que le gouvernement nous annonçait qu’il était hors de question d’envisager un nouveau confinement, celui-ci est quand même entré en vigueur. Le disque étant déjà parti en fabrication, il nous semblait impossible de repousser une nouvelle fois la parution de l’album.
– 2020 est presque derrière nous, encore un petit effort. Comment envisagez-vous l’an prochain et est-ce que vous parvenez à vous projeter un peu malgré tout, et à mettre des choses en place ?
Tous les corps de métiers liés à la culture vont être fortement impactés par la crise sanitaire. Les artistes, techniciens mais aussi toutes les branches qui vivent du secteur de la culture, les magasins d’instruments de musique, les luthiers, les brasseurs, les prestataires de sonorisation, hôtellerie, restauration, etc… Le réseau des cafés-concerts et des salles de spectacles vont avoir du mal à se remettre de cette crise sans précédent. L’impact négatif va être très difficile à surmonter. Ce n’est pas évident de sortir un disque quand on a si peu de visibilité sur l’année à venir ! On espère en 2021 qu’un retour à la normale puisse se faire rapidement et que les spectacles et les concerts reprennent, car ce sont ces moments de convivialité, de rencontre et de synergie, dont les artistes ont besoin afin de se sentir physiquement confrontés au public. C’est cette interactivité qui impulse l’énergie et engendre la créativité, qui est vitale pour l’avenir du spectacle vivant !
Quatre ans après « Gore » qui n’avait ni conquis ni convaincu grand monde, DEFTONES revient avec un album digne de ce nom. « Ohms » est aussi puissant que mélodique et vient confirmer toute la force et l’inspiration du combo californien.
DEFTONES
« Ohms »
(Reprise Records)
« Ohms », c’est d’abord et surtout le retour du son originel de DEFTONES. Pour leur neuvième album, les Californiens ont fait appel à Terry Date, producteur de leurs quatre premiers disques. Et des années plus tard, on retrouve cette même signature sonore (actualisée) qui a rendu le groupe incontournable.
Avec un mix carré, profond et organique, il ne manquait qu’à Chino Moreno et sa bande de confirmer cette bonne entrée en matière avec de nouvelles compos dignes du DEFTONES de la grande époque. Et c’est chose faite puisque « Ohms » est à classer parmi les grands albums des Américains.
Passant du chant clair au scream avec brio, le frontman semble plus que jamais guidé par les riffs massifs de Stephen Carpenter (« Pompeji », « Urantia », « The Spell of Mathematics »). Entre sonorités mélancoliques et rageuses, le combo déroule avec puissance des compos très pêchues (« This Link is Dead », « Ohms »). DEFTONES est de retour, qu’on se le dise !
Organique et puissant, ce premier EP éponyme de COFFEE AT NINE montre une maturité étonnante. Le trio montpelliérain fait preuve d’originalité dans un registre Desert Rock aux accents Stoner et Grunge.
– Commençons par votre rencontre. COFFEE AT NINE est une aventure très récente…
Nous nous connaissons déjà depuis quelques années, on s’est rencontrés à l’école de musique où nous faisions nos études. Chacun de notre côté, nous avions nos vies et nos projets, jusqu’à que nous fassions notre premier concert en mars 2019. En nous jouions ensembles depuis trois semaines. Pour l’histoire, le groupe avait un premier line-up, sous un autre nom, et c’est l’été dernier que nous avons adopté ce nouveau nom, que nous avons choisi ensembles, et qui nous correspond.
– Quelques mois après votre formation, vous enregistrez déjà un premier EP. Votre complicité et votre complémentarité ont fait des étincelles dès le départ ?
Ça a très bien marché entre nous, dès le départ ! Après nos deux premiers concerts, nous nous sommes retrouvés autour de quelques jams et bières… On prend un réel plaisir à jouer ensemble et il faut dire que ça nous a rendu particulièrement productifs. Nous sommes vraiment sur la même longueur d’onde.
– Vous avez décidé de sortir un EP après quelques mois. Vous étiez trop impatients pour attendre un album complet ?
Dans un premier temps, faire un EP, ça nous a permis de dévoiler notre musique assez rapidement, mais aussi de pouvoir se concentrer sur un nombre minimum de morceaux afin de les optimiser pour qu’ils aient vraiment le rendu qu’ils ont aujourd’hui. Avec ça, on a pu aussi cristalliser la spontanéité du moment. On s’était formés quelques mois auparavant, et cet EP est le témoin de trois potes qui se régalent bien jouer ensemble !
– COFFEE AT NINE a un son très personnel nourri de Desert Rock et de Grunge. Ce sont ces influences (et quelles sont-elles ?) qui vous ont rapproché au moment de fonder le groupe ?
Ce sont effectivement ces influences, c’est aussi cette veine musicale des années 90 qui nous correspond musicalement. On recherche toujours quelque chose de simple, plein d’énergie et qui nous parle avec une certaine fougue. On a tous des influences diverses, allant du Metal, au Jazz et au Rock moderne. Mais c’est le son de cette période qui marche pour nous. Je pense que dans cet EP, on peut entendre des choses comme Alice In Chains, Fu Manchu, QOTSA, Soundgarden…
– Vos morceaux sont à la fois massifs et percutants et pourtant vous mettez également l’accent sur les mélodies et les refrains. Comment faites-vous la jonction entre la puissance et les harmonies ?
En gros, l’idée c’est « on veut des riffs bien épais et des refrains accrocheurs pour que tout le monde puisse s’éclater avec sa bière en concert ». On part du principe qu’on a envie de traduire notre intention dans la musique, et le partager sur scène, et de faire la fête avec les gens qui viennent nous voir. Sur cet EP pour le son, c’est Simon Pillard du Buèges Valley Recording Service, qui s’est occupé de la production de A à Z. Il a fait un travail aux petits oignons, et a su rester fidèle à ce que nous voulions.
– L’adage veut qu’il n’y ait pas de meilleure formule pour le Rock que le power trio. C’est aussi votre sentiment et le line-up le plus efficace pour ce type de musique, selon vous ?
C’est vrai qu’à trois ça fonctionne très bien, on se connait assez pour parfois lâcher les rênes en concert, écrire des morceaux et avoir les mêmes idées, et puis il faut le dire, on a fatalement plus de bières quand on est trois que quatre ! On n’a jamais vraiment réfléchi à un membre en plus, qui sait à l’avenir… Quoique non en fait !
– Malheureusement, votre EP est sorti en plein confinement. Comment avez-vous vécu la situation et comment envisagez-vous l’avenir, même si les concerts ne reprendront pas avant un moment ?
Comme tous les artistes, la situation actuelle n’est pas facile. Effectivement, on ne sait pas quand on va pouvoir retourner sur scène. Nous devions défendre notre EP en avril le jour de sa sortie, mais ça été évidemment compromis. Il en a été de même pour le tournage du clip que nous devions démarrer à cette période. Donc, on en a profité pour explorer de nouvelles idées, on va se concentrer sur l’écriture de nouveaux morceaux, et faire en sorte de partir tourner l’an prochain. On ne lâche rien et de toute façon, on est trop borné pour ça !
Groupe incontournable de la scène Stoner et beaucoup plus largement Rock et Hard, CLUTCH a vécu comme nous tous une année très spéciale. Faute de concert, le quatuor du Maryland n’a pas pour autant rompu le contact avec ses fans. Une compilation, des concerts en streaming, un album de reprises avec des duos et des réenregistrements, les Américains ne sont pas restés les bras croisés. Rapide retour sur cette année très particulière…
– En mars dernier, en plein confinement, vous avez sorti une compilation uniquement en format numérique (« Monsters, Machines, And Mythological Beasts »). Qu’est-ce qui vous a incité à revenir si rapidement avec un nouvel enregistrement, même s’il ne s’agit pas de nouvelles chansons ?
2019 a été une année très chargée en concerts, et 2020 devait être plus ou moins pareille. Nous ne pensions pas avoir beaucoup de temps disponible pour écrire et enregistrer un album entier avec de nouvelles chansons. Du coup à la place, nous sommes allés en studio régulièrement pour enregistrer des reprises et retravailler aussi de vieux morceaux. Au départ, on voulait les mettre un par un sur les plateformes de streaming. Finalement, nous en avons eu assez pour sortir un disque physique que nous avons intitulé « Weathermaker Vault Series Vol. 1 ».
– Ce nouveau disque sort également sur votre propre label WM. Créé en 2008, il vous apporte beaucoup de liberté, non ?
Weathermaker Music nous permet de sortir tout ce qui concerne le groupe depuis 2008. Nous avons également un groupe instrumental appelé ‘The Bakerton Group’, dont deux albums sont sortis sous WM, ainsi que plusieurs albums de formations qui incluent d’ailleurs plusieurs membres de CLUTCH.
– Parmi ces chansons, il y a des réenregistrements, des reprises et des duos. Comment avez-vous effectué le choix de la tracklist ?
Les reprises que nous avons choisies sont juste des morceaux qui ont été une source d’inspiration, ou simplement nos préférés depuis des années. Ces originaux de CLUTCH, qui ont été réenregistrés, ont été sélectionnés parce que nous sentions d’une manière ou d’une autre que nous pouvons mieux les jouer. Et puis, ça nous fait du bien de les écouter dans des versions améliorées !
– Quelques mots à propos de Randy Blythe de Lamb Of God qui partage avec vous « Passive Restraints ». Comment est née l’idée de ce duo ?
Randy est un ami. Nous avons tourné avec Lamb of God à plusieurs reprises ces dernières années. Lors de notre dernière tournée aux États-Unis avec eux, on a voulu que Randy nous rejoigne sur scène. Nous lui avons demandé quelle chanson il voudrait chanter, et il a choisi « Passive Restraints ». Ce n’était pas une chanson qui faisait partie de notre setlist à l’époque. C’était donc excitant de la jouer. L’énergie et l’enthousiasme de Randy nous ont incité à retourner en studio et à la réenregistrer avec lui. Personnellement, c’est l’une de mes préférées parmi ces nouveaux enregistrements.
– Ces nouvelles versions vous ont-elles permis de vous recentrer sur votre son et votre démarche artistique ?
Bien sûr ! Certains des enregistrements originaux avaient plus de dix ans, et nous avons estimé que nous pouvions les jouer beaucoup mieux aujourd’hui. Parfois, il faut des années de tournées pour jouer correctement une chanson !
– J’imagine que ces longs mois sans concert vous ont permis de réfléchir, d’écrire et de composer. Avez-vous déjà des idées, des chansons ou même des prémices de votre prochain album ? Et peut-être même une date de sortie ?
Cette année a vraiment été difficile pour se projeter sur du long terme, et je dirais même que le côté créatif de l’écriture en a été affecté. Nous avons passé la majeure partie de notre temps à nous concentrer sur la diffusion d’une série de concerts en direct sur le Net que nous avons appelé « Live From The Doom Saloon ». On a d’ailleurs fait notre dernier concert le 18 décembre dernier. Le ‘Doom Saloon’ est notre salle de répétition et notre studio ici chez nous, dans le Maryland.
C’est là que nous nous réunissons pour élaborer de nouveaux morceaux et répéter. Avec l’aide de nos amis des productions My Good Eye et LiveFrom, nous diffusons en streaming et en direct régulièrement des concerts complets. En 2021, nous allons passer plus de temps à écrire de nouvelles chansons. Et avec un peu de chance, nous reprendrons la route pour les partager avec vous. Une chose est sûre, nous enregistrerons un nouvel album cette année.
A l’occasion de la sortie début mars de « Carnivore », le nouvel album de BODY COUNT et avant la venue du groupe en France, un p’tit coup de fil à Ernie C. s’imposait, histoire de prendre le pouls du gang de Los Angeles. En grande forme, le lead guitariste et fondateur du mythique groupe de Rap Metal revient sur la carrière du groupe, son évolution et la tournée à venir.
– La première fois que je t’ai vu, c’était à Paris en octobre 1994. Et après une belle carrière, BODY COUNT est plus que jamais là. Ce groupe est une vraie cure de jouvence ?
Si BODY COUNT est une cure de jouvence ? (Rires) Je ne sais pas… C’est vrai que le groupe est de nouveau populaire, et je n’ai pas vraiment d’explication à ça. Une chose est sûre, nous sommes bel et bien de retour !
– « Carnivore » va bientôt sortir. Selon toi, quelle est la principale différence d’avec « Bloodlust » ? Peut-être plus Heavy, non ?
« Carnivore » est probablement plus tranchant que « Bloodlust ». Mais je pense que l’écart le plus frappant est entre notre premier album et aujourd’hui. Le groupe est totalement différent. Nous étions beaucoup plus Punk lorsque nous avons commencé, alors que maintenant nous sommes vraiment un groupe de Metal. Cela se ressent dans le son du nouvel album et dans son contenu.
– C’est toujours Will Putney qui produit « Carnivore », il semble avoir parfaitement cerné le son de BODY COUNT. C’est le producteuridéal ?
On adore vraiment Will ! Il est véritablement devenu un membre du groupe. C’est même notre troisième guitariste ! (Sourires)
– Sur l’album, vous rendez hommage à votre ami Lemmy de Motörhead en reprenant « Ace Of Spades ». Pourquoi ce choix, vous vous seriez distinguer avec un morceau moins connu ?
Nous avons tout naturellement choisi « Ace Of Spades », car nous pensions vraiment que nous pourrions en faire une bonne version. Tu sais, je respecte énormément Lemmy, et ça me paraissait être un bon choix. Et puis, lorsque nous avons repris des morceaux de nos potes de Slayer et de Suicidal Tendencies, on a aussi repris leurs titres les plus populaires.
– Cette année, BODY COUNT fête ses 30 ans d’existence. Tu imaginais en 1990 que le groupe durerait si longtemps, et surtout en gardant la même intensité qu’à ses débuts ?
Ouais, 30 ans c’est vrai, tu as raison ! (Rires) Et nous sommes excités comme au premier jour. Je suis vraiment heureux de cette longévité, car nous éprouvons toujours le même plaisir. Alors, venez nous voir dans quelques mois, nous allons vraiment passer un bon moment ! Et puis, nous sommes vraiment heureux de venir jouer en France, on a toujours adoré se produire chez vous : le public est génial !
Un grand merci à Ernie C. pour sa gentillesse et sa disponibilité… et ce très bon album !
Quoiqu’on en dise et malgré le contexte, 2020 ne pouvait se faire sans un nouvel album de BLACK STONE CHERRY. Et « The Human Condition » se pose comme une évidence. Ce huitième album du combo du Kentucky vient mettre du baume au cœur.
BLACK STONE CHERRY
“The Human Condition”
(Mascot Records)
Le retour du gang du Kentucky en 2020 était plus qu’improbable sur le papier. Et pourtant, ils l’ont fait et de quelle manière ! Et dès « Ringin’ In My Head », le refrain puis le solo vous sautent autant en plein tronche. Ensemble depuis 19 ans quand même, BLACK STONE CHERRY donne une belle leçon de Rock’n’Roll et montre que le Southern a plus que de la ressource.
Robertson et sa bande se sont enfermés dans le studio de leur bassiste, Jon Lawhon, pour y concevoir ce nouvel album, tout en émotion et qui porte un regard lucide sur la situation actuelle. Ne serait-ce que la voix ensorceleuse et chaude est à même de rassembler les plus sceptiques. BLACK STONE CHERRY ne lâche rien.
Entre Southern Blues et Alternative Rock, le quatuor est toujours aussi réjouissant (« Push Down & Turn », « The Chain », « Some Stories »). Et les gros riffs pleins de chaleur consoleraient le plus triste d’entre-nous. Bien qu’enfermé, BLACK STONE CHERRY montre aussi un sacré savoir-faire, loin des grosses productions, mais tellement plus authentique et positif.
Fougueux et élégant, ce premier album Live d’AVATARIUM inscrit définitivement le groupe parmi les formations les plus créatrices du Doom. Sans renier ses fondations musicales, le quintet suédois propose un style unique et très actuel, et met un bon coup de jeune à un registre souvent très conservateur.
AVATARIUM
« An Evening With Avatarium »
(Nuclear Blast)
Créé en 2013 par Leif Eidling (fondateur, bassiste et compositeur de Candlemass), AVATARIUM compte déjà un EP et quatre albums et à son actif, dont le dernier en date « The Fire I Long For » lui a permis de voler de ses propres ailes, suite au départ de son créateur. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que cela a fait du bien et a levé un vent nouveau sur la formation suédoise, dorénavant nettement plus libre musicalement.
Toujours guidé par sa chanteuse et guitariste Jennie-Ann Smith, le quintet propose un Doom très Heavy, moins prévisible et tirant même sur le Rock. Si l’aspect occulte et ténébreux n’a pas disparu, AVATARIUM laisse entrer un peu plus de lumière sur ce live long de 15 morceaux aussi limpides que compacts et entraînants (« Voices », « Rubicon », « Pearls and Coffins »). Les Scandinaves maîtrisent leur sujet, et semblent plus libres que jamais.
Enregistré à domicile à Stockholm en janvier dernier, « An Evening With Avatarium » ne manque franchement pas d’audace, bien porté par des musiciens d’un niveau exceptionnel (« Avatarium », « Shake That Demon », « Sky At The Bottom Of The Sea »). Avec des intermèdes en suédois qui ne manquent pas d’exotisme, AVATARIUM nous fait vivre un concert entre puissance et émotion à travers une prestation irréprochable.
Avec six albums en 12 ans de carrière, AMARANTHE est d’une régularité implacable. Le Metal mélodique des Suédois, aux contours Heavy, Power et même Pop, place le groupe dans un registre musical assez particulier et souvent insupportable pour beaucoup. Mais « Manifest » tient plutôt bien la route.
AMARANTHE
« Manifest »
(Nuclear Blast)
Avec AMARANTHE, c’est tout ou rien. On peut aimer le côté puissant et massif du style des Suédois et détester carrément son côté Pop accentué par des nappes de synthés omniprésentes. Pourtant, toujours aussi véloce et pêchu, le groupe fait le job et fait preuve d’une explosivité conséquente. Et grâce à une production plus sombre et plus brute, « Manifest » n’est pas dépourvu d’intérêt.
L’une des particularités et l’un de ses points forts viennent aussi et surtout du fait que les Scandinaves avancent avec trois chanteurs principaux aux timbres de voix bien différenciés et très complémentaires. On retrouve ainsi la chanteuse Elize Ryd et sa puissance vocale claire et mélodique, Henrik Englund et son registre growl/scream et Nils Molin dans un style Heavy plus traditionnel.
Et avec eux trois, AMARANTHE est bien armé et les possibilités harmoniques sont multiples. Musclé sur « Do Or Die », « Viral » ou « Scream My Name », le sextet peut aussi compter sur la technique de son guitariste et de la session rythmique. Très équilibré, « Manifest » est très Heavy et costaud comme en témoignent des morceaux très calibrés autour de quatre minutes. Efficace et percutant.
Si AIRBAG revient quatre ans après « Disconnected », c’est sans deux de ses membres fondateurs. Le line-up a beau s’être resserré, la musique est loin de l’être et « A Day at the Beach » est peut-être même l’un des meilleurs albums des Norvégiens. Le très prolifique Bjørn Riis, guitariste et chanteur, revient sur la création de ce nouvel opus.
– Maintenant que vous jouez en trio, y a-t-il des choses que vous avez voulu expérimenter sur ce nouvel album que vous ne pouviez pas faire auparavant ?
Peut-être un peu, oui. Le fait d’être trois implique aussi moins de compromis, et nous sommes tous en phase avec ce que nous aimons et ce que nous voulions explorer. C’était aussi le cas avant, mais on perd toujours quelque chose quand un membre quitte le groupe. Cette fois, c’était peut-être plus facile. La voie à suivre était aussi plus claire.
– Sur « A Day At The Beach », l’atmosphère est très inspirée par l’électronique, les musiques de films et même par la New Wave des années 80. Et pourtant AIRBAG sonne toujours Rock, très actuel et toujours intemporel…
C’est vrai qu’il y a peut-être plus d’éléments électroniques cette fois. On en a toujours fait usage, mais avec cet album on a réussi à trouver le bon équilibre entre le Rock et les sons électroniques. C’est l’un des albums les plus difficiles que nous ayons enregistré, mais il y a toujours beaucoup de références à nos premiers albums et à notre côté très atmosphérique.
– La production est également très organique malgré tout, avec ce son de guitare directement indentifiable. Pourtant ce cinquième album laisse apparaître une nouvelle façon de jouer, toujours aussi positive…
Oui, c’est vrai, merci. En un sens, c’est un nouveau départ. Tu sais, perdre deux membres originels t’oblige aussi à te poser et à tout recommencer. Nous conservons cet héritage et nous sommes toujours le batteur, le chanteur et le guitariste qui ont joué sur tous les albums. Mais je pense qu’on a tous senti qu’il s’agissait tout de même d’un nouveau départ pour le groupe.
– Un mot sur le morceau-titre, « A Day At The Beach », qui est scindé en deux parties et qui constitue un moment fort de l’album…
Les deux parties étaient censées être de courtes interruptions entre les autres chansons. En même temps, je pense qu’elles racontent toutes les deux des parties importantes de l’histoire, et créent en quelque sorte l’ambiance de tout l’album.
– Enfin, « A Day At The Beach » devait sortir le mois dernier et a du être repoussé en raison du Covid-19. Quelle est ta réaction face à ce choc planétaire ?
C’est un monde étrange dans lequel nous vivons en ce moment, mais nous allons le surmonter. Nous avons des fans aux quatre coins du monde et nous savons que beaucoup sont profondément affectés d’une manière ou d’une autre. Donc je pense que la seule chose à dire est de rester en sécurité et de prendre soin de nous tous.
