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Lee Aaron : une fougue intacte [Interview]

Depuis son début de carrière tonitruant dans les années 80 avec une succession de hits incontournables, LEE AARON mène sa barque en étant devenue sa propre productrice et en effectuant avec « Radio On ! » un  remarquable retour à un Rock Hard mélodique percutant et entêtant. La Canadienne n’a rien perdu de sa fougue, bien au contraire, et parle sans détour de son amour du Rock, de son nouvel album et de la place des femmes dans ce milieu toujours très masculin.

– Depuis 2016 et l’album « Fire And Gazoline », tu es revenue au Rock de tes débuts dans lequel d’ailleurs ta voix prend une dimension incroyable. Et « Radio On ! » est lui aussi entièrement Rock. Finalement, on revient toujours à ses premières amours ?

Ah, ah ! Excellente question ! Je suppose que nous sommes tous enclins à vouloir retrouver nos premières amours. Quand nous écrivions les chansons de « Radio On ! », je voulais simplement capter cette énergie et ce sentiment que nous avions à l’adolescence quand nous étions si excités par les groupes que nous écoutions. Tout ce que nous voulions faire était de nous retrouver dans un garage et de jouer fort de la musique Rock pour nos amis. Nous n’essayions pas d’écrire des chansons à succès en soi, nous faisions juste de la musique que nous pensions être cool et qui faisait battre nos cœurs un peu plus vite. Je suppose que cela revient à la bonne vieille musique Rock’n’Roll pour nous. Nous sommes toujours de grands fans de la musique des autres. Je pense que cela nous motive pour continuer à créer.

– Avec ce nouvel album, tu reviens au Melodic Rock, voire au Hard Rock, qui a fait ton succès. Alors que le genre semble retrouver un regain d’intérêt, tu restes fidèle à ce que tu as toujours fait et cette authenticité est vraiment palpable. Te sens-tu détentrice d’un certain héritage musical ?

Je ne sais pas si héritage est le mot juste, mais j’ai toujours fait les albums que je voulais. J’ai exploré d’autres genres de musique (comme le Jazz, le Blues et même l’Opéra), mais je reviens toujours au Rock. Je pense que ces expériences musicales ont élargi ma réflexion et ma créativité pour faire de moi une meilleure chanteuse et une meilleure auteure-compositrice de Rock. Je pense qu’on retrouve les saveurs de ces différents styles dans ma musique et notamment sur « Radio On ! ». Pour ce qui est de faire des albums très mélodiques, je me suis toujours efforcée d’écrire des chansons avec des refrains qui restent dans la tête des gens et leur donnent envie de chanter. Pour moi, c’est la recette d’une bonne chanson.

– A l’écoute de « Radio On ! », on retrouve cette fougue et cette sincérité à travers  un Rock féminin pêchu et mélodique. Tu es d’ailleurs simplement accompagnée d’un groupe en formule guitare/basse/batterie très efficace. Tu souhaitais donner un son brut et direct à ce nouvel album ?

Je suis convaincu qu’en matière de production, plus c’est simple, mieux c’est. Si tu as perçu ce son comme brut et direct, c’est exactement ce que nous espérions ! Je préfère retirer des choses plutôt que d’en ajouter. Si une chanson se tient sur une instrumentation de base avec juste une voix, alors c’est un travail solide. À l’ère de la technologie numérique, il n’est même plus nécessaire pour les artistes de bien jouer de leur instrument. Tout peut être mis en boucle, édité, collé et corrigé. Je suis toujours dans cette idée ‘Old School’ selon laquelle les musiciens obtiennent de meilleurs sons quand ils jouent ensemble et en direct.

– Depuis tes débuts, tu es l’une des rares représentantes féminines dans le milieu du Rock et même du Hard Rock mélodique. Comment expliques-tu la situation actuelle et comment est-ce que tu penses que cela pourrait éventuellement changer ?

Être une femme dans le milieu du Rock a toujours été difficile et ça l’est toujours. J’ai maintenant le cuir épais face à la critique. Il y a toujours un journaliste ou un critique musical, qui veut vous réduire à votre « apparence » et rejeter votre talent et votre dur travail. J’en suis à mon 17ème album maintenant, donc évidemment, j’ai une éthique de travail féroce depuis des années. Nous sommes toujours moins nombreuses que nos homologues masculins, et cela ne compense pas notre sous-représentation sur les scènes des festivals et dans l’industrie musicale. Les hommes dirigent encore majoritairement le business et on voit assez rarement des groupes féminins avoir les mêmes cachets ou être en tête d’affiche des festivals Rock. L’ensemble du mouvement #MeToo a braqué les projecteurs sur certains promoteurs pour prendre conscience du fait que les femmes ont besoin d’être représentées plus équitablement dans les festivals. En 1984, à 21 ans, quand j’ai écrit la chanson « Metal Queen », je pensais que les femmes méritaient le respect et l’égalité totale dans le Hard Rock. C’était tout l’intérêt de la chanson, mais ce message a été complètement perdu dans le marketing sexiste des années 80. Les fans masculins pensaient que je m’autoproclamais comme leur propre déesse du sexe en Metal, ce qui était exactement le contraire. C’est pourquoi, pendant un certain temps, j’ai refusé de la chanter. Ce n’est que maintenant – 37 ans plus tard – que les journalistes m’interrogent sur la véritable signification de ces paroles.

– Sur « Radio On ! », tu abordes de nombreux sujets assez sensibles et personnels. C’est l’époque qui veut ça ou c’est un désir plus profond qui t’anime depuis plus longtemps ?

J’écris toujours sur ce que j’ai dans le cœur et à l’esprit à un moment précis. J’avais beaucoup pensé à la mort, ayant perdu ma mère en 2017, ainsi que beaucoup d’amis musiciens et chanteurs au cours des cinq ou six dernières années. Devenir parent de deux enfants a également changé ma façon de voir le monde. Parfois, je me retrouve tellement en colère contre la stupidité et la politique, le mépris de l’environnement et la façon dont nous nous restons si passifs face à l’impact des réseaux sociaux et des fake news. Cette colère me procure aussi de quoi écrire beaucoup de chansons ! (Rires)

– Même si Mick Fraser a travaillé sur le mix de « Radio On ! », c’est déjà le sixième album que tu produis. C’est important pour toi d’être à chaque étape du processus ?

Absolument ! J’ai mon propre label, Big Sister Records, et à travers je gère le studio, les ingénieurs, le mastering, le mix, les photographes, l’équipe de conception artistique et vidéo, etc… et je dirige chaque partie des albums jusqu’à leur finition. Ainsi, que ce soit un succès commercial ou non, je suis à chaque fois satisfaite du résultat. J’ai appelé Mike Fraser et je lui ai demandé s’il voulait mixer l’album (les morceaux étaient déjà terminés à 100%), et il a été vraiment excité à l’idée de travailler avec nous. Je me sens très chanceuse d’avoir pu travailler avec Mike et j’ai beaucoup appris à ses côtés… même s’il hésite encore à dévoiler certains de ses « secrets de mixage »… ! (Rires)

– En tant que chanteuse, tu n’as jamais été tentée de monter un groupe entièrement féminin, par exemple, comme cela se fait toujours régulièrement ?

C’est une excellente question. La réponse est pourtant non. Mais il y a tellement de grandes musiciennes avec qui j’ai pu travailler. La claviériste de mon groupe à la fin des années 90 était une femme, qui a également joué du Jazz avec moi pendant plusieurs années. Cela m’intéresse de travailler avec des musiciens qui sont les meilleurs et ils ne sont pas faciles à trouver. J’ai travaillé avec beaucoup d’hommes qui ne correspondaient pas non plus à mon groupe. En ce moment, j’ai un groupe fantastique de gars talentueux avec qui j’aime écrire et enregistrer. Nous avons ensemble une alchimie musicale assez redoutable. Alors, pourquoi est-ce que j’en changerais ?

– Les concerts reprennent petit à petit. Comment vas-tu constituer ta set-list entre anciens et nouveaux morceaux ? Cela ne doit pas être si évident avec autant de titres incontournables, si ?

Mon set se compose de beaucoup de nouvelles chansons. Parfois, j’ai du mal à intégrer tout ce que nous voulons jouer et ce que le public veut entendre. Mes fans apprécient vraiment le fait que j’enregistre toujours et demandent à entendre les nouveaux morceaux. Bien sûr, je vais toujours inclure les classiques comme « Whatcha Do To My Body », « Hands On », « Barely Holdin’ On », « Some Girls Do », « Metal Queen », , etc… Je change les chansons en fonction de l’endroit dans le monde où je joue, parce que certains pays ont leurs titres préférés qui sont très populaires. Quand je vois la joie qu’apportent ces vieux morceaux aux gens, c’est vraiment incroyable. Cela les ramène à une période plus jeune de leur vie et leur rappelle de bons souvenirs. Mais la plus belle chose de voir des jeunes qui ont été élevés par leurs parents en écoutant notre musique. Quand ta musique dépasse plus d’une génération, c’est la plus grande récompense.

L’album de LEE AARON, « Radio On ! », sera disponible 23 juillet sur Metalville Records.

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Hard Rock International Southern Rock Stoner/Desert

Acid’s Trip : une charge émotionnelle brute [Interview]

Aussi brut dans l’attitude que dans sa musique, ACID’S TRIP débarque avec un premier album fortement imbibé de Rock’n’Roll aux effluves bluesy et Southern. Originaire de Göteborg en Suède, le quatuor vient de livrer un « Strings Of Soul » aussi ébouriffant qu’intemporel entre riffs Hard Rock et ambiance Psych. Anna, guitariste et chanteuse de la formation, revient sur la conception de ce premier album et aussi sur sa vision de la musique à travers le groupe.  

– Avant tout, j’aimerais qu’on revienne sur la formation d’ACID’S TRIP en 2018. Tu jouais avec Honeymoon Disease jusqu’à ce moment-là. Que s’est-il passé ? Tu as senti que c’était le moment de passer à autre chose ?

ACID’S TRIP est né dans mon esprit bien avant que nous ayons jamais parlé de nous séparer avec Honeymoon Disease. Je voulais jouer un Rock plus dur et plus technique, et je n’avais pas le sentiment que le groupe était le bon pour ce genre-là. Je voulais donc créer ACID’S TRIP en tant que groupe parallèle, tout en conservant Honeymoon Disease pour continuer d’exprimer ma créativité. Mais après la dernière tournée espagnole, les autres membres ont abandonné et je n’ai eu d’autre choix que de me concentrer à 100% sur ACID’S TRIP, qui est alors devenu mon groupe principal. C’est ce qui pouvait arriver de mieux d’ailleurs. J’adore le mélange de Soul et de Hard Rock que nous produisons, et nous ne pourrions pas être plus heureux de la sortie de notre nouvel album. J’ai même l’impression que nous venons juste de commencer à jouer même si ça fait déjà trois ans. Le temps passe si vite quand on s’amuse !

– Avec ACID’S TRIP, on a l’impression d’un retour aux sources du Rock’n’Roll avec un son brut, efficace et sans concession. C’est l’objectif ? Aucun artifice ?

Oui, notre principal objectif était ce retour aux sources avec un son plus brut et technique même s’il reste facile d’accès. Nous aimons les riffs intelligents, amusants mais qui sont bien pensés et qui donnent une note personnelle à la tonalité dans laquelle nous jouons. Ce genre de riffs est original, car il n’y a pas beaucoup de groupes aujourd’hui, qui consacrent autant de temps juste pour trouver « ce riff parfait ». De nos jours, tout semble axé sur une  voix entraînante et des accords Rock, ce qui n’est pas grave, mais les gens ne se souviendront plus de ces morceaux dans quelques années. Notre album fait partie de ceux qui dureront des décennies et plus, vous ne vous ennuierez jamais en l’écoutant. Laissez-vous aller !

– Et il y a cette superbe Flying V sur laquelle tu joues. On en voit beaucoup trop peu depuis un moment, et notamment dans la nouvelle génération. J’imagine qu’il y a une histoire personnelle autour de cette guitare aussi, non ?

Ouais, ma Vera est ma principale et la seule guitare sur laquelle que je joue en fait. J’ai aussi une excellente guitare JPN SG, mais elle est ma guitare de secours en tournée, car j’aime un peu trop la V. J’ai vu cette édition spéciale de 1998 en 2014-2015, lorsque je passais devant un magasin de guitares ici à Göteborg. Je l’ai vu à travers la vitrine et 10 minutes plus tard, j’ai acheté la guitare de mes rêves. Elle a un son génial et surtout, le manche me parle et je joue beaucoup mieux. Les guitares sont très personnelles et j’adore la forme en V. J’élargirai ma collection V, lorsque le groupe atteindra les grands charts ! (Rires !) Et si Gibson lit ceci, passez-moi un coup de fil !!!

– Avec une inspiration très 70’s, ACID’S TRIP est résolument ancré dans son temps entre Rock lourd et Stoner Psych. L’accent est aussi porté sur un groove imparable et une folie permanente dans l’attitude, comme une sorte de défouloir très orchestré finalement. C’est votre comportement qui guide votre musique, ou l’inverse ?

Oui, c’est l’amour de vieux groupes comme Captain Beyond, The Dead Boys, MC5 et le Kiss des 70’s à leur apogée. Nous écoutons beaucoup de musique Rock et Heavy, et depuis que je collectionne les vinyles, j’ai écouté des milliers de disques qui ont perfectionné mon style d’écriture et la façon dont j’entends les mélodies. Tout ce que j’écris fait référence à quelque chose que j’ai entendu auparavant, et cela sonne comme je l’entends. J’adore l’album, car il a une âme, peu de groupes de Rock aborde le Rock de cette façon.

– J’aimerais que tu me dises un  mot sur l’intro de l’album, « Prelude », elle aussi très originale. Quand on connait la suite de « Strings Of Soul », on imagine que vous avez voulu désorienter votre auditoire dès le début, non ?

Quand l’album était presque terminé, il nous restait quelques notes d’orgue à enregistrer. Mon père jouait sur tous les disques Honeymoon Disease, alors je lui ai demandé s’il voulait aussi le faire sur l’album d’ACID’S TRIP. Je connais sa façon de jouer, et lui celle dont je chante les mélodies. C’est comme ça aussi que j’entends les arrangements de chorale et ça sort naturellement pour moi. Je lui ai demandé de jouer un morceau mélancolique auquel j’ajouterai plus tard des voix. Je veux que les gens réfléchissent lorsqu’ils écoutent notre album, et « Prelude » était un moyen de mettre les gens de bonne humeur. Certaines personnes aiment ça et d’autres veulent juste des chansons Rock pour ensuite passer à l’album suivant. Je viens du milieu Psych Prog avec beaucoup de Blues, et on ne peut pas donner une âme à un album sans une bonne intro à mon avis.

– Avec ACID’S TRIP, on touche au Hard Rock un peu Old School, mais aussi à des ambiances Stoner, bluesy et même Southern. En, fait, vous êtes un groupe de cow-boys and girls scandinaves des temps modernes ! C’est ça ?

(Rires) Oui, je suppose que oui ! Quand je cherche une grande variété d’émotions, je mets du Lynyrd Skynyrd. Quand j’ai besoin de réfléchir à quelque chose, je me tourne plutôt vers des sons de Floride, et quand j’ai besoin d’inspiration pour des harmonies, je mets du Allman Brothers et du Big Mama Thorton. Et quand j’ai besoin de vitesse, les Hellacopters sont le meilleur choix. Et voilà, vous avez le mix d’ACID’S TRIP ! Le voyage que j’ai fait en 2018 à Nashville puis à Jacksonville, en Floride, m’a vraiment donné une perspective sur les choses et j’ai réalisé que le Rock peut être beaucoup plus que simplement maltraiter des guitares. Bien que ce soit amusant à faire, il faut être plus intelligent que ça.

– Vous avez entièrement enregistré « Strings Of Soul » vous-mêmes, qui a ensuite été mixé et masterisé par Ola Ersfjord. La première étape était importante pour vous, afin de délivrer ce son particulier qui forge vraiment l’identité d’ACID’S TRIP ?

Je pense que oui, surtout quand il s’agit du chant et de toute la production de l’album. Lorsque vous entrez en studio, le résultat est souvent ce que le producteur est capable de faire. Cela peut être une expérience vraiment géniale et qui peut également améliorer la qualité de l’album, car c’est un travail de professionnel. Mais cela peut aussi compromettre le son, le rendre trop commercial et « trop » clean, car il n’y a plus de place pour les erreurs et les joyeux petits accidents. J’ai pris le rôle de producteur pour cet album, ce qui m’a pris beaucoup de temps et d’efforts. Sans mon intervention, l’album aurait probablement un son plus moderne, ce qui pourrait être une bonne chose. Mais nous voulions garder l’ambiance que nous avions sur ce projet : beaucoup de café et de longues heures passées à répéter. J’ai fait le chant dans une pièce sombre toute seule, ce qui a été une expérience formidable. J’ai fait confiance à mon instinct et ça s’est bien passé.

– Assez rapidement et notamment du à la qualité de vos concerts, vous vous êtes faits remarquer par le patron du très réputé label underground Heavy Psych Sounds Records. C’est une belle récompense, en plus d’être la maison de disques idéale pour vous aussi, non ? Elle vous ressemble beaucoup…

Elle nous ressemble beaucoup, c’est vrai. Oui, on adore Heavy Psych Sounds Records ! Le label nous a vraiment pris sous son aile et nous n’aurions pas pu avoir de meilleurs partenaires dans ce domaine. L’ambiance et le style sont parfaits pour nous. Et c’est très direct !

– Le printemps est là et la pandémie semble nous laisser un peu respirer. Avec un album encore tout chaud, vous devez bouillir d’impatience de remonter sur scène ?

Absolument, mais à l’heure où nous parlons, nous prévoyons des concerts pour 2022, car nous ne voulons pas le faire cet automne. Il y a de grandes choses à venir et nous visons les festivals pour l’année prochaine. L’album est pertinent et il le sera encore à l’avenir ! 

L’album « Strings of Soul » d’ACID’S TRIP est disponible chez Heavy Psych Sounds Records depuis le 7 mai !

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Alternative Rock Hard Rock

Diamante : fresh & blue

Débordante d’énergie, la chanteuse à la chevelure bleue DIAMANTE revient avec un nouvel album, « American Dream ». Sur des morceaux racés et puissants, le Melodic Rock aux contours Hard et Metal de l’Américaine joue sur l’impact des refrains entêtants et des riffs robustes et incisifs. Très accessible et abordable, mais pas désagréable du tout.

DIAMANTE

« American Dream »

(Independant)

Malgré un premier qui a connu un franc succès outre-Atlantique, c’est toujours en indépendante qu’Azzura Boveli, alias DIAMANTE, revient avec ce « American Dream » rentre-dedans et une fois encore taillé pour les charts. A seulement 24 ans, la chanteuse américaine se montre d’une maturité étonnante, grâce notamment à une voix puissante et de l’adrénaline à revendre.  

Survitaminé et musclé sont les maîtres-mots de ce second opus, dont le Rock Hard mélodique fait mouche à chaque morceau. Très formaté et très calibré pour les radios US, « American Dream » est bien entendu surproduit, mais la fraîcheur des morceaux, les riffs massifs et racés, ainsi que le superbe timbre de voix de DIAMANTE suffisent à rendre l’album entrainant et convaincant.

Aguerrie par de longues tournées aux côtés de Three Days Grace, Chevelle et Breaking Benjamin avec qui elle chante d’ailleurs « Iris » (une reprise des Goo Goo Dolls), la frontwoman avance sans filtre et séduit par sa fougue presqu’instinctive (« American Dream », « Ghost Myself », « Unfuck You »). DIAMANTE séduira les amateurs de Melodic Rock intense, costaud et très féminin. Une belle surprise.

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Blues Rock

Nell : une solide corde sensible

Dans un univers électro-acoustique et sur des textes chantés dans la langue de Shakespeare, NELL trace son chemin de bien belle manière. Son Blues Rock aux accents Folk est aussi fédérateur qu’entraînant et sensible. Et l’authenticité de l’artiste se perçoit dès les premières notes de ce « The Pace Of Life » au songwriting très efficace.

NELL

« The Pace Of Life »

(Independant)

La voix est assurée, les mots sont forts et l’ensemble est aussi électrique qu’intimiste. Pour ce nouvel EP, et après un album en 2017 (« Not That Sleek »), NELL a décidé de prendre les choses en main et se livre avec force et intensité à travers cinq morceaux, aussi efficaces que mélodiques. « The Pace Of Life » s’écoute en boucle, à un point où l’on reste même un peu sur sa faim.

Songwriter, guitariste et chanteuse, NELL est très bien entourée par la solide rythmique composée de Nicolas Marsal (basse) et Etienne Lagarde (batterie), qui apporte coffre et relief aux compositions. Entre Blues Rock et Folk, les textes de la francilienne se veulent personnels et touchants (« Mom », « Figure It Out » où elle chante même en duo et en français).

Le côté Blues Rock aux riffs épais (« The Call Of Rythm », « I Forgot To Be Pretty ») laisse aussi place à la guitare acoustique et plus légère de NELL, qui offre une belle couleur à « The Pace Of Life ». Le temps d’un titre, le très bon « Six Years », la chanteuse s’engouffre dans un mid-tempo assez Pop rappelant agréablement le duo Dun Leia par sa douceur et son côté aérien. Très réussi et addictif.

EP disponible sur : www.nellsounds.com

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Blues International Rock

When Rivers Meet : l’authenticité du Blues et la force du Rock [Interview]

Bercé par le Blues et le Rock, les Anglais de WHEN RIVERS MEET font partie de cette nouvelle génération au son authentique et à la démarche artistique sincère. Le couple, à la ville comme à la scène, est parvenu sur son premier album, « We Fly Free », à parfaitement retranscrire cette énergie Blues Rock directe et sensible. Grace (chant, mandoline et violon) et Aaron Bond (chant et guitares) reviennent ensemble sur leur duo, leurs inspirations et cette récente mise en lumière du groupe. Entretien.

Photo : Rob Blackham

– Avant ce premier album, vous avez sorti deux EP, « The Uprising » et « Innocent Of Youth ». Ils vous ont permis de vous aguerrir, de peaufiner ou de personnaliser votre jeu ?

Aaron – Nous avons tâtonné pendant un moment avant de trouver notre style. On a fait de l’Americana pendant un certain temps, mais cela ne correspondait pas tout à fait. Le tournant s’est produit lors d’un concert de Guns N’ Roses à Londres et ça a vraiment été le déclic. La réponse était évidente : mélanger le Rock et le Blues car, après tout, c’est ce que nous aimons. Le faire en duo était la grande question. Comment développer quelque chose de nouveau, de distinctif et d’unique. Nous aimons le Classic Rock et le Blues à l’ancienne et des artistes comme Bad Company et John Lee Hooker. Lorsque nous avons découvert notre son, nous en sommes immédiatement tombés amoureux et on avait vraiment hâte d’aller en studio.

La chose la plus importante était de trouver le bon producteur, qui pourrait partager notre vision et nous avons eu la chance de trouver Adam Bowers. Quand nous avons commencé à travailler sur l’EP « Uprising », c’était tout simplement magique. Adam a fini par jouer de la basse et de la batterie sur tous nos morceaux. Il s’est vraiment mis des deux côtés de la barrière. Nous avons appliqué cette formule au deuxième EP « The Innocence of Youth », que nous avons enregistré pendant l’hiver dernier. Nous avons décidé de le faire dans le même style que le précédent. Et ça nous a conduit naturellement  à enregistrer l’album « We Fly Free ».

Nous voulions quelque chose d’un peu plus expérimental avec cet album tout en racontant une histoire à chaque morceau. On voulait une ambiance organique, et nous avons donc utilisé une technique d’enregistrement en espace ouvert avec des micros partout. Tout a été enregistré sur du vieux matériel à bande avec des anciens amplis Marshall et Fender qui développe une belle réverbération. Nous voulions enregistrer quelque chose d’authentique, une vraie représentation de ce que nous sommes, et c’est ce que nous espérons avoir accompli.

– Durant ces derniers mois, vous avez également été très présents sur les réseaux sociaux en diffusant en direct vos prestations dans « Rockin’ The Lockdown ». Qu’avez-vous gardé de cette expérience, outre le fait de conserver un lien fort avec votre public ? Perfectionner vos morceaux ?

Grace – Lorsque le confinement a commencé, comme tout le monde, tous nos concerts ont été annulé. Nous ne savions pas combien de temps cela allait durer à l’époque et il était fort possible que ce soit long. Nous avons donc décidé en mars de l’an dernier de diffuser nos prestations en direct. Nous avons vu quelques groupes le faire, alors pourquoi pas nous ! C’était un peu bizarre les premières fois, mais c’est maintenant devenu normal. Nous avons eu la chance d’avoir été très soutenus chaque semaine, et nous avons atteint plus de 100.000 streams dans le monde entier. De plus, cela nous offre un concert chaque semaine, ce qui est plutôt cool.

Photo : Rob Blackham

– Parlons maintenant du très bon « We Fly Free », un premier album qui semble bien porter son nom. Il sort après deux singles qui vous ont valu de belles louanges. J’imagine que cette confiance acquise doit vous porter aujourd’hui ?

Grace – Ouais, nous étions très nerveux quand nous avons sorti l’album, parce que c’était la première fois. Nous ne savions pas à quoi nous attendre par rapport aux critiques, mais nous espérions vraiment que les gens l’aimeraient. Nous avons été extrêmement chanceux que Planet Rock et BBC Radio 2 aient joué quelques-unes de nos chansons, ainsi que de nombreuses émissions de radio sur Internet.

– WHEN RIVERS MEET distille un Blues Rock aussi énergique que sensible. Lorsque vous composez vos morceaux, comment est-ce que vous vous répartissez les rôles, notamment vocalement ? Vous composez ensemble ?

Aaron – Les idées viennent vraiment de partout. Cela peut être d’un riff de guitare, une voix ou des paroles et ensuite on commence à travailler dessus. Puis, nous nous séparons dans différentes pièces. Grace continue à travailler sur la musique et je travaille sur les paroles. Et nous nous remettons ensemble pour travailler sur la chanson. Si nous l’aimons, on continue à travailler dessus, mais si on ne l’aime pas, on la jette et on passe à la suivante. Nous sommes impitoyables là-dessus, c’est notre façon de faire. Et il a fallu beaucoup de temps pour arriver à cette approche, mais c’est la formule qui fonctionne le mieux pour nous.

– Il y a beaucoup de slide, de la mandoline et même du violon sur l’album, ce qui offre une grande diversité à l’album. Etonnamment, on retrouve presqu’autant d’influences anglaises que du Blues de Chicago et même quelques sonorités Southern Rock. C’est un mélange plutôt détonnant !

Grace – Oui, nous avons beaucoup d’influences musicales que nous voulons exploiter quand nous écrivons. Aaron a grandi avec le Rock’n’Roll de son père et la musique des années 70 de sa mère. D’une manière ou d’une autre, il a trouvé lui-même le Blues et le Classic Rock quand il était jeune. Ses premiers CD étaient « Boom Boom » de John Lee Hooker et « A Real Live One » d’Iron Maiden. C’est cette ouverture au monde de la musique qui nous a massivement impacté en tant que couple. J’écoutais plus Dusty Springfield et les autres grands chanteurs de Soul avant de rencontrer Aaron. Ce doit être le destin que nous nous soyons rencontrés dans le pub rock préféré d’Aaron et que la première conversation que nous ayons eue porte sur la musique. Et Elvis passait dans le Juke Box…

Photo : Rob Blackham

– A travers toute cette incandescence qui traverse « We Fly Free », on note également un son très vintage présent sur tout l’album. C’est une façon de rendre votre Blues intemporel ?

Aaron – Nous étions très conscients du son que nous voulions. L’ambiance vintage très live du Classic Rock et du Blues était quelque chose que nous recherchions. Nous sommes de grands fans de Led Zeppelin, Bad Company, Free, Guns N’Roses, Nirvana etc., et aussi des grands maîtres du blues comme John Lee Hooker, Muddy Waters, Robert Johnson, Bonnie Raitt et beaucoup d’autres. Le processus d’enregistrement qui était présent à l’époque de ces grands musiciens était quelque chose que nous voulions. Cela donne une telle ambiance live, sans fioriture et qui dégage une énergie pure, ce qui était très important pour nous.

– Enfin, vous évoluez en duo et ça vous va très bien. Est-ce que l’idée d’étoffer votre line-up vous a déjà effleuré ?

Grace – Nous serons toujours un duo dans l’âme. Mais nous sommes actuellement en train de former un groupe pour la suite avec une basse, une batterie et un orgue Hammond. Cela ne veut pas dire que nous ne sortirons pas encore en duo de temps en temps si l’occasion se présente, mais notre objectif est de vraiment faire un bon spectacle et avoir un groupe derrière nous va nous permettre vraiment de le faire, afin aussi de recréer le son de l’album.

Le très bon premier album éponyme de WHEN RIVERS MEET est disponible sur le site du groupe : www.whenriversmeet.co.uk

Retrouvez aussi la chronique de l’album :

When Rivers Meet : les petites rivières font les grands fleuves
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Blues Rock

Suzi Quatro : une réjouissante longévité

SUZI QUATRO traverse le temps et semble incarner plus que jamais le Glam Rock, le Blues et la Soul qui ont fait d’elle une figure légendaire de la scène Rock américaine féminine. Avec « The Devil In Me », la chanteuse et bassiste, vient rappeler son énorme talent et surtout livre l’un de ses meilleurs albums. Une persévérance et une performance qui l’honorent cette fois encore, et qui font d’elle la dernière frontwoman vraiment active d’une époque bénie.  

SUZI QUATRO

« The Devil In Me »

(SPV Steamhammer)

Décidemment, la Ville de Detroit est sous le feu des projecteurs depuis quelques semaines. Après l’excellent album d’Alice Cooper, c’est en voisine que la chanteuse SUZI QUATRO livre un nouvel album, qui vient s’ajouter à sa longue discographie. Et il semblerait que nos deux septuagénaires soient toujours aussi inspirés. Avec « The Devil In Me », la chanteuse livre l’une des ses meilleures réalisations depuis longtemps.

Si les 70’s ont vu la carrière de l’Américaine prendre son envol avec un Glam Rock endiablé, SUZI QUATRO n’a jamais lâché l’affaire malgré des traversées du désert inévitables. Enchainant les albums, les tournées et en renouvelant son jeu et son répertoire, elle revient aujourd’hui avec « The Devil In Me » où elle fait honneur au Rock, au Blues, au Glam et à la Soul auxquels elle reste très attachée.  

Produit et enregistré dans le studio de son fil, Richard Tuckey également compositeur (au moins, pas de problème d’héritage !), la chanteuse n’a rien perdu de sa voix et de sa fougue, et ses lignes de basse sont toujours aussi groovy. Sur de bons riffs bien Rock et Blues, SUZI QUATRO déploie un très bel album dont on retiendra le morceau-titre bien sûr, « Betty Who » avec sa copine Cherie Currie (ex-The Runaways), « Get Outta Jail » ou encore « I Sold My Soul Today ». Inépuisable !

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Blues International

Joanna Connor : au nom du groove [Interview]

Une signature sur le label de Joe Bonamassa, qui produit et joue sur l’album, un groupe de classe mondiale et un jeu tout en feeling, il n’en fallait pas plus à la chanteuse et guitariste JOANNA CONNOR pour se retrouver en tête des Charts Blues américains. « 4801 South Indiana Avenue » vient grandir le Blues de Chicago, grâce à une prestation hors-norme, une slide sauvage et groovy et une empreinte vocale saisissante. Rencontre avec cette artiste qui vit un rêve éveillé…

Photo : Margaret Speed

– Avant de parler de ce très bon nouvel album, j’aimerais que tu retraces ton parcours. Tu es née à New-York, a grandi dans le Massachusetts et musicalement tes influences se situent du côté de Chicago. Comment es-tu venue à la musique, au chant et à la guitare ?

Ma mère était une mélomane passionnée. Elle m’a initié au Jazz, au Blues, à la Funk, au Rock, au Gospel, à l’Afro-Pop et au Reggae toute mon enfance. Je continue cependant de croire que la muse m’a choisi. J’ai été fasciné par la musique toute ma vie. Je chantais constamment à la radio ou sur ma chaîne Hi-fi et je m’imaginais sur une scène. Ma mère m’a offert une guitare à 7 ans, j’ai chanté dans les chœurs d’école à partir de 4 ans et ensuite j’ai joué du saxophone de 12 à 20 ans. J’étais fasciné par le Blues de Chicago. Je voulais désespérément étudier tous les grands maîtres et faire partie de cette culture. J’ai donc finalement déménagé là-bas à 22 ans.

– Peu de temps après ton arrivée à Chicago, tu as joué avec les plus grands avant de fonder ton propre groupe. C’est une vraie bénédiction d’être ainsi intronisée, non ?

Ce fut une véritable bénédiction, la meilleure et la plus fructueuse façon de faire. J’ai été extrêmement privilégié d’avoir reçu une éducation musicale et un enseignement aussi riches. Cela n’a cependant pas été facile tout le temps. Mais en regardant en arrière, ce sont certains de mes mentors qui ont été les plus durs. Ils m’ont appris le plus musicalement et m’ont endurci. Toute cette expérience a fait de moi la musicienne que je suis aujourd’hui. Je pense que c’était un grand avantage, car cela m’apporté plus de caractère que je n’aurais pu en avoir si je n’avais pas déménagé à Chicago. Cela m’a également donné une connaissance approfondie de la façon dont se joue le Blues de l’après-guerre.

– Dès le départ, tu as mené de front le chant et la guitare. C’est indissociable selon toi ?

Il y a des chanteurs qui vous épateront juste en chantant. Et il y a des instrumentistes qui ont du génie. Mais faire les deux est absolument merveilleux. J’ai commencé comme chanteuse qui jouait de la guitare rythmique. Et sans me vanter, j’étais une sacrée guitariste rythmique et cela m’a donné une excellente base. Mais je me sentais incomplète. Je voulais avoir un jeu plus expressif.

Photo : Allison Morgan

– Parlons de ce nouvel album et tout d’abord de son titre « 4801 South Indiana Avenue », qui est lourd de sens. Tu nous expliques un peu ?

C’est l’adresse d’un des clubs les plus importants de l’histoire du Blues : le Theresa’s Lounge, au sud de Chicago. Les plus grands y ont joué : Howling Wolf, Muddy Waters, Buddy Guy, JR Wells. Je m’y suis produite trois fois avant sa fermeture. C’était un endroit sympa et un peu difficile même. Mais il y avait une grande énergie, une atmosphère et une mémoire musicale dans ces murs.

– L’album sort sur le label de Joe Bonamassa, KTBA Records. Il l’a produit avec le grand Josh Smith. Un beau duo qui offre un son très organique et presqu’analogique. Comment l’enregistrement s’est-il passé ? J’imagine que ce doit être un vrai plaisir de travailler avec des gens si exigeants ?

Travailler avec deux musiciens d’une telle compétence était un rêve. J’étais nerveuse au début… très nerveuse même ! Mais la musique jouée par ces musiciens fantastiques était si puissante, si expressive et avec tellement de groove que j’ai juste lâché prise, puis joué et chanté avec mon cœur. Toute la session a vraiment spéciale d’un bout à l’autre. Quelque chose en moi savait que nous faisions tous quelque chose qui allait avoir un impact.

– Tu as dit que Joe Bonamassa avait fait ressortir le meilleur de toi, qu’il t’avait demandé de repousser tes limites. De quelle manière cela s’est-il concrétisé ?

Il savait ce qu’il voulait et il a été très direct. Joe a également utilisé un humour assez sec pour faire valoir ses arguments et j’ai apprécié cela. J’avais, et j’ai toujours, énormément de respect pour lui en tant qu’artiste et maintenant aussi en tant que producteur, donc cela m’a inspiré. Joe m’indiquait quel type d’attaque ou quel feeling il voulait que je fasse passer sur les solos de guitare. Il a choisi l’ampli et les guitares sur lesquels jouer. Il m’a peint des scénarios fictifs, lorsque je chantais pour me faire comprendre la chanson et son émotion. Il a également chanté pour moi, montrant comment il voulait que j’utilise ma voix sur chaque morceau. J’ai tellement appris et je pense que nous avons réalisé ensemble ce dont chaque titre avait besoin.

Photo : Maryam Wilcher

– Sur l’album, tu es aussi accompagnée d’un groupe de classe mondiale. Peux-tu nous le présenter ? Il y a un feeling incroyable entre vous…

Le groupe était tellement incroyable. Les musiciens ont été si sensibles les uns les autres et aussi très polyvalents, fougueux, syncopés et sensuels. Tout ce que nous avons joué a été un pur délice. J’ai particulièrement été époustouflé par Reece Wynans. C’est un dieu du clavier ! Quel honneur de jouer avec lui et quelle histoire il a eu notamment avec Stevie Ray Vaughan! C’est un rêve devenu réalité que de jouer avec lui. Avoir aussi Joe Bonamassa et Josh Smith aux arrangements des chansons et jouant de la guitare tout au long de l’album a été vraiment fantastique ! C’était le paradis de la guitare. J’ai aussi beaucoup aimé le bassiste Calvin Turner et le batteur Lemar Carter, qui jouent avec les meilleurs bluesmen. Ils ont jeté une base brûlante à la musique qui m’a également donné l’impression d’être à Chicago avec mon groupe.

– Enfin j’aimerais que tu parles de ton jeu de guitare, et notamment de la façon dont tu joues de la slide. C’est une pure folie ! Il en dégage tellement de force et d’émotion…

Si vous ne jouez pas avec passion et intensité sans cherchez à communiquer ce qu’il y a en vous, alors pourquoi vous jouer ? Quand je prends une guitare, elle fait partie de moi. Nous sommes connectées. Je ressens également des sentiments très intenses, de l’agressivité et de la passion qui sortent de moi à travers l’instrument. Par ailleurs, en tant que guitariste femme, je sens que je dois prouver quelque chose et jouer aussi dur et ardemment qu’un homme. Certaines musiciennes sont trop passives. Je ne veux pas juste « être bonne pour une fille » comme on dit… vraiment pas.

– Encore bravo pour ce très bel album, Joanna. Il est d’ailleurs actuellement et logiquement numéro 1 des Charts américains de Blues et j’espère vite l’entendre en live… !

To all my fans in France, je t’aime.

Et pour se procurer ce petit bijou :

https://jbonamassa.com/albums/2021/joannaconnor/4801/

Retrouvez aussi la chronique de l’album :

https://rocknforce.com/joanna-connor-wild-slide-woman/

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Extrême

No Terror In The Bang : le Metal en 16/9

Très orchestré tout en restant très incisif, NO TERROR IN THE BANG se présente avec un premier album, « Eclosion », aux ardeurs conséquentes et aux ambiances contrastées. Le sextet normand réussit haut la main le pari de rassembler un Metal résolument moderne avec des sonorités classiques, propres au 7ème art.

NO TERROR IN THE BANG

« Eclosion »

(M&O Music)

C’est suffisamment rare de voir un groupe fraîchement formé (2019) sortir un album aussi abouti, complexe et si bien produit que cela nécessite d’être souligné. Dans un Metal Alternatif absorbant toutes sortes d’influences, souvent très opposées, NO TERROR IN THE BANG surnage grâce à une technicité et une créativité imparable et très originale. Le voyage musical est pour le moins atypique et présente de multiples thématiques.

Originaire de la région rouennaise, le sextet présente un pédigrée conséquent avec des musiciens aguerris aux horizons divers, faisant vraiment la force du combo qui est capable de faire de grands écarts incroyables. L’identité de NO TERROR IN THE BANG se devine déjà sur le morceau d’ouverture, « Saule Pleureur », dont la finesse nous transporte dans un univers très cinématographique, façon écran géant.

Très atmosphérique, la formation fait assez rapidement parler la poudre (« Another Kind Of Violence ») sur des riffs racés et fragmentés (« Micromegas »). Avec un piano très présent, les mélodies se font intemporelles sous l’impulsion de Sofia Bortoluzzi, chanteuse polymorphe au flow impressionnant et nuancé (« Uncanny, « Poison »). NO TERROR IN THE BANG possède la carrure des grands et ça va vite se voir.

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Blues

Skylar Rogers : made in Chicago

SKYLAR ROGERS puise son Blues dans son cheminement personnel pour livrer un premier album très Rock et Soul. Authentique, la chanteuse américaine joue autant de la puissance de sa voix que de la sincérité et de la profondeur qu’elle lui accorde. Sans coller aux standards de Chicago, sa ville, la chanteuse propose un Blues Rock authentique, généreux et saisissant.

SKYLAR ROGERS

« Firebreather »

(Independant)

Etant née et ayant grandi dans les quartiers difficiles de Chicago, SKYLAR ROGERS vit le Blues comme qu’elle le chante… avec force ! Après un premier EP en 2019 (« Insecurities »), elle sort enfin son premier album dans cette période malheureusement difficile et qui lui a valu d’arrêter une grande tournée américaine bien lancée. La chanteuse a d’ailleurs co-écrit « Firebreather », qui est aussi sensible que punchy.

Toujours accompagné de son groupe, l’excellent The Blue Diamonds, la frontwoman n’est pas là pour faire de la figuration et distille un Blues Rock teinté de Soul avec quelques touches rappelant même la Motown. Multipliant les morceaux assez mid-tempos (« Hard Headed Woman », « Back To Memphis »), SKYLAR ROGERS n’en oublie pas pour autant le côté mordant que lui permet ses capacités vocales (« Failure », « Moving On »).

Très varié dans son ensemble, « Firebreather » ne ressemble pas aux albums enregistrés à Chicago, malgré bien sûr quelques piqûres de rappel (« Thankful »). En marge des dynamiques morceau-titre et « Like Father Like Daughter », SKYLAR ROGERS sait aussi se faire plus émotive et touchante comme sur le délicat et poignant « Drowning ». Avec un premier album aussi abouti, l’Américaine fait son entrée par la grande porte.

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Blues

Joanna Connor : wild slide woman

Produite par Joe Bonamassa, qui joue également sur deux titres de ce nouveau petit bijou, la chanteuse et guitariste JOANNA CONNOR déverse un Blues plein d’émotion et d’une énergie incroyable. Accompagnée par un groupe de classe mondiale, l’Américaine irradie de son talent les dix morceaux de « 4801 South Indiana Avenue », qui est d’une élégance totale. Un must !

JOANNA CONNOR

« 4801 South Indiana Avenue »

(KTBA Records)

Présente depuis les années 80 sur la scène Blues de Chicago, on ne présente plus JOANNA CONNOR, l’une des reines incontestables du Blues Rock et surtout une virtuose de la slide. Toujours très bien entourée, l’Américaine s’est adjoint les services d’un groupe hors-norme pour son 14ème album, le premier sorti sur le label indépendant de Joe Bonamassa, qui produit avec Josh Smith ce magnifique « 4801 South Indiana Avenue ».

Tirant son titre d’un haut lieu du Blues et Funky de Chicago, l’atmosphère qui se dégage de ce nouvel album de la songwriter est juste exceptionnelle. Soutenue par le claviériste Reese Wynans (SRV), du bassiste Cavin Turner, du batteur Lemar Carter et d’une session cuivre renversante, JOANNA CONNOR explose et tire des sons incroyables de sa Gibson. Toute aussi puissante vocalement, elle rayonne sur les dix morceaux.

Dominant les débats sur « Destination », « For The Love Of A Man » ou « I Feel So Good », la guitariste livre une prestation à la hauteur de sa réputation : fougueuse, dynamique et intense. Honky-Tonk sur « Come Back Home », pleine d’émotion sur « Bad News » en hommage à Luther Allison et presque psychédélique sur « It’s My Time », JOANNA CONNOR livre un vrai chef- d’œuvre, qui s’annonce comme un futur classique du genre.