Lorsqu’on connait la technicité de Blue Öyster Cult, se lancer dans un Tribute peut s’avérer être délicat au point d’y laisser quelques plumes et quelques dents. Mais concernant les musiciens de Stoner, Desert Rock et proto-Metal qui composent ce bel album DÖMINANCE & SUBMISSIÖN, il semblerait que le challenge ait décuplé leur inspiration. Mieux, certains morceaux sont revisités avec une fougue surprenante.
DÖMINANCE & SUBMISSIÖN
« A Tribute To Blue Öyster Cult »
(Ripple Music)
Chez le label californien Ripple Music, on ne manque pas d’idées et grâce à des connexions facilitées par des artistes-maison de haut viol et de grands talents, de beaux projets émergent comme ce DÖMINANCE & SUBMISSIÖN, un album hommage au légendaire groupe de Hard Rock occulte Blue Öyster Cult. Composé de reprises inédites interprétées par des artistes issus essentiellement du mouvement Stoner, la fête est belle, inattendue et agréablement surprenante.
S’atteler au répertoire des mythiques New-Yorkais n’est pas une mince affaire. Et il faut rappeler qu’à l’origine du projet, on retrouve feu Steve Hanford et Ian Watts de Ape Machine. Initialisé alors que ce premier était une fois encore en prison, il a tout juste eu le temps de finaliser ses propres parties avant de laisser la place à un casting hors-norme, dont le travail est aussi étonnant qu’éblouissant, le tout avec une production extrêmement brute.
A l’œuvre sur DÖMINANCE & SUBMISSIÖN, Mark Lanegan, Billy Anderson, Mondo Generator, Mos Generator, Howling Giant, des membres de Fu Manchu et High On Fire, ainsi que les talentueux Great Electric Quest, War Cloud et Spindrift s’en donnent à cœur-joie. Parmi les 13 morceaux, on redécouvre sous un œil neuf les classiques « The Reaper », « Burnin’ For You », « Godzilla », « Tattoo Vampire », « Fireworks » ou encore « Flaming Telepaths ». Un bon coup de fouet !
Les légendes ne meurent jamais, dit le proverbe. BUFFALO REVISITED en est la preuve vivante puisque, pour le 45ème anniversaire de son album le plus marquant, les Australiens ont rejoué « Volcanic Rock » devant une poignée de chanceux à Sydney. Le feeling est intact, l’intensité et la force des morceaux aussi et ce témoignage live ravivera bien des souvenirs auprès des amoureux d’un Rock très Metal véritable et authentique.
BUFFALO REVISITED
« Volcanic Rock Live »
(Ripple Music)
Les groupes australiens ayant réussi à sortir de leur gigantesque île se comptent sur les doigts d’une main. Il en est pourtant qui sont parvenus à influencer plusieurs générations de combos dans des registres qui vont du Heavy Metal au Stoner en passant par le Hard Rock, le Psych et même le Blues Rock. Et plus que des grands frères, BUFFALO REVISITED fait plutôt figure de parrain du genre et dépositaire d’une identité unique en son genre.
Fondé en août 1971, les rockeurs ont essuyé les plâtres avant que n’émergent Colored Balls, Ac/Dc, The Angels ou Rose Tattoo. C’est dire l’impact du groupe sur ses compatriotes. Malgré seulement cinq albums parus entre 1972 et 1977, BUFFALO REVISITED a eu le temps de fonder le mythe et reste toujours une référence pour de très nombreuses formations de pub-Rock et autres en Australie et même au-delà. Et aujourd’hui, la légende revit l’espace d’un live.
Avec Dave Tice (chant), seul rescapé du line-up originel, toute l’âme et l’intensité de BUFFALO REVISITED est manifeste sur ce « Volcanic Rock Live », qui reprend l’intégralité de l’album sorti en 1975. Enregistré dans un lieu assez intime à Sydney, on retrouve avec plaisir des morceaux comme « Sunrise (Come My Way) », « Freedom » et « The Prophet ». Seul bémol, on regrettera la qualité de l’enregistrement, qui est très loin d’être satisfaisante.
Lorsqu’on est musicien à Salem dans le Massachusetts, on ne tergiverse pas très longtemps sur la musique qu’on a l’intention de jouer… pour peu qu’on ait quelques accointances avec ce qui touche au sacrilège et à la sorcellerie. C’est donc le chemin emprunté par MOTHER IRON HORSE depuis ses débuts et qui est plus que jamais exorcisé sur ce deuxième très bon album, « Under The Blood Moon ».
MOTHER IRON HORSE
« Under The Blood Moon »
(Ripple Music)
Blasko, bassiste d’Ozzy et dénicheur de talents pour le label californien Ripple Music, ne perd pas de temps et enchaine les belles signatures. Et jusqu’ici, c’est un sans-faute et ce nouvel album de MOTHER IRON HORSE vient confirmer le travail et l’oreille aguerrie de l’Américain. Originaire de Salem, Massachusetts, le fougueux quatuor évolue dans un Stoner Metal épais… Le contraire aurait même été surprenant.
Fondé en 2018, le combo sort son premier EP (« The Curse ») dans la foulée et est remarqué l’année suivante par le label italien Electric Valley Records, qui sort « Old Man Satan ». L’album est une belle vitrine pour MOTHER IRON HORSE qui enchaine les concerts avant que la pandémie ne vienne mettre fin aux projets des Américains. Qu’à cela ne tienne, le groupe trouve refuge en studio pour composer « Under The Blood Moon ».
Très profond et introspectif, ce deuxième opus est aussi gras que féroce et massif. La hargne du chant et les conséquentes parties instrumentales se confondent dans une débauche sonore où occultisme et ésotérisme font bon ménage. Et avec MOTHER IRON HORSE, on plonge dans un Stoner blasphématoire et jouissif (« The Devil Works », « Nocturnal Eternal », « Samhain Dawn / Night ») On en redemande !
Parce qu’il y a beaucoup, beaucoup de disques qui sortent et qu’il serait dommage de passer à côté de certains d’entre eux : [Going Faster] se propose d’en mettre plusieurs en lumière… d’un seul coup ! C’est bref et rapide, juste le temps qu’il faut pour se pencher sur ces albums, s’en faire une idée, tout en restant toujours curieux. C’est parti !
APPALOOZA – « Live at Smoky Van Sessions » – Ripple Music
En février dernier, APPALOOZA avait fait trembler ses terres bretonnes et même au-delà avec « The Holy Of Holies », un album de Stoner puissant aux échos Grunge porté par un trio aguerri et sûr de sa force. Très Heavy et inspiré par les grands espaces américains, le combo n’avait pu inonder les salles de ses lourdes rythmiques et de ses grosses guitares durant la pandémie.
Qu’à cela ne tienne, APPALOOZA et l’équipe des Smoky Van Sessions ont mis en commun leur volonté et leur immense désir de faire vivre la musique, en l’occurrence dans des lieux atypiques… à savoir au milieu de nulle part. Au menu de ces prestations live, trois morceaux explosifs, envoûtants et terriblement addictifs, le tout en pleine nature, et surtout avec APPALOOZA qui donne la charge.
« The Intergalactic Connection : Exploring The Sideral Remote Hyperspace »
Heavy Psych Sounds Records (Split album)
Cette rencontre entre les Italiens de GIÖBIA et les Ecossais de THE COSMIC DEAD est tout simplement savoureuse ert enchanteresse. Elle aurait même pu l’être encore plus si les deux formations avaient composé ensemble, mais contentons-nous de ce beau split album au titre interminable.
Sur la face A (désolé pour les plus jeunes !), ce sont les Transalpins qui allument la mèche avec trois morceaux dignes des grandes heures du quatuor. Plus inspiré que jamais, GIÖBIA s’envole dans un Acid Rock, dont il a le secret et qui captive autant qu’il hypnotise. Le dépaysement est total et chaque accord vibre à l’unisson. Entrée dans l’espace réussie.
Stratosphère inchangée avec THE COSMIC DEAD qui assène sans relâche son Rock Psychédélique poussé à l’extrême depuis déjà huit albums et quelques live. Les Ecossais s’évadent avec le morceau « Crater Creator » sur 20 minutes incroyablement riches, dans un tourbillon céleste d’une énergie savamment distillée. En apesanteur, le quatuor est aussi spatial qu’époustouflant.
Avec un premier album de cette trempe, HIGH DESERT QUEEN frappe déjà très fort. Son Stoner Rock très Southern sonne à la fois très brut et les arrangements particulièrement soignés font la différence. Les Texans montrent autant de force que de finesse sur ce premier album plein d’émotion et de puissance. Ryan Garney, chanteur et guitariste, nous parle du quatuor, de sa création jusqu’à l’enregistrement de « Secrets of the Black Moon ».
– Quand, après deux ans d’existence, on déboule avec un premier album de cette qualité, c’est qu’on possède tout de même une sérieuse expérience. Quel est votre parcours à tous les quatre ?
Nous avons tous participé à d’autres projets auparavant, ce qui aide bien sûr. Mais nous avons eu beaucoup de chance de bien nous entendre très vite musicalement. Nous sommes allés en studio après environ six répétitions et après n’avoir été ensemble que quelques mois. L’album a été terminé il y a déjà plus d’un an, mais en raison de la pandémie, il ne sort que maintenant. Et encore aujourd’hui, nous grandissons toujours et nous apprenons à jouer les uns avec les autres.
– Peu de temps après votre formation, vous avez suffisamment de matière pour un album complet. Et vous vous rendez chez vous, à Austin, dans les studios Red Nova Ranch avec le producteur Jeff Henson aux manettes. L’histoire commence plutôt bien. Comment s’est déroulé l’enregistrement et que vous a-t-il apporté ?
En fait, nous avions commencé dans un autre studio, mais après l’enregistrement de la batterie, le monde s’est arrêté. Nous avons dû attendre huit mois avant de pouvoir changer de studio, et nous n’aurions pas pu être plus heureux que d’enregistrer avec Jeff Henson. Il nous avait été fortement recommandé et il a fait un excellent travail. Il a de très bonnes idées et c’est un grand producteur.
– Ensuite, c’est le Suédois Karl Daniel Lidén du studio Gröndhal qui s’est chargé du mix et du mastering avec un résultat incroyable. Vous lui avez laissé carte blanche, ou au contraire un cahier des charges bien précis ?
Nous avons été ravis de pouvoir travailler avec Lidén. Nous admirons depuis longtemps son travail avec des groupes comme Lowrider, Greenleaf, Dozer et Domkraft. Je lui ai envoyé de la musique pour voir s’il aimerait travailler avec nous et il m’a rapidement répondu qu’il était d’accord. Nous lui avons simplement dit les choses que nous recherchions, et ensuite il a eu carte blanche. Nous sommes vraiment très satisfaits du résultat. Il nous a fait sonner exactement comme nous le voulions, ce qui n’est pas toujours un exercice facile à faire.
– Juste après, vous tapez dans l’œil de Blasko, bassiste d’Ozzy et récemment arrivé chez Ripple Music pour justement dénicher de nouvelles pépites. Et il ne tarde pas à vous signer. Décidemment, les astres semblent alignés !
Nous ne savons pas comment tout ça s’est passé, mais nous sommes simplement heureux que cela se soit produit ! Nous avons beaucoup de chance et nous ne nous posons pas trop de questions. Nous sommes juste reconnaissants et on essaie de continuer à avancer.
– Vous deviez sortir l’album en juin dernier sous le titre « Bury The Queen ». Si on comprend le report de la sortie, pourquoi avez-vous changé de titre pour « Secrets Of The Black Moon ». C’est sur les conseils des Blasko, ou c’est de votre propre initiative ?
C’est un conseil de Blasko. Nous sommes ravis de travailler avec lui, car il a de très bonnes idées. Il a souligné et insisté sur l’importance de faire une très bonne première impression jusqu’au moment où nous mettions la touche finale au disque. Ce qui est ironique, c’est que le titre « Secrets of the Black Moon » est extrait d’une chanson que nous avons retirée de l’album et que nous publierons plus tard.
– Musicalement, l’album présente un bel équilibre avec une puissance affichée, un groove efficace et des moments très planants. Votre conception d’un bon Stoner, c’est d’y intégrer un peu de Doom et de Psych dans un Rock racé ? Votre jeu est d’ailleurs assez sophistiqué…
Merci ! La chose amusante à propos de ce disque, c’est que nous ne nous sommes pas souciés de ce que nous écrivions. On était plutôt préoccupé à faire des chansons que nous aimions et que nous aimerions écouter. Nous n’en sommes encore qu’aux balbutiements en tant que groupe, et cet album est vraiment une découverte personnelle même pour nous. Et cela nous a aidés à voir ce qui fonctionne et ce que nous voulons faire pour aller plus loin. Nous sommes très enthousiastes !
– Ryan, ta voix est aussi un atout majeur de HIGH DESERT QUEEN. Il s’en dégage beaucoup d’émotion et une grande sincérité. Et il y aussi une grande tranquillité d’esprit. C’est dû aux thèmes abordés dans vos morceaux ?
Merci beaucoup. J’ai tendance à écrire sur les choses que nous vivons et ce que la musique elle-même me fait ressentir. Musicalement, on peut vraiment nous entendre grandir par moments. J’ai pu vraiment le percevoir, ce qui a fait que beaucoup de paroles parlent de croissance personnelle, de recherche d’un équilibre et de paix, et aussi de mettre les expériences passées derrière soi pour s’efforcer d’être toujours meilleur.
– Une autre évidence émane de votre musique, c’est votre ville d’origine : Austin. Il y a un côté Southern chez vous, qui est très présent et c’est une empreinte sonore qui apporte beaucoup de chaleur. Le Texas a quelque chose d’indélébile ?
Oui, il y a quelque chose de très fort au Texas et qu’il faut expérimenter par soi-même. Nous considérons même notre musique comme du ‘Texas Desert Rock’, car elle contient ce vécu qui est ancré en nous.
– Un dernier mot à propos de la pochette. Y aviez-vous un message à faire passer, ou juste décrire votre univers à travers un visuel qui contient quelques codes ?
Nous adorons la pochette de Solo Macello. Nous lui avons donné le thème général que nous désirions et il a créé quelque chose dont nous sommes tous tombés amoureux. Il y a beaucoup de sens cachés dans cette pochette. Mais l’art n’est pas destiné à être expliqué, c’est une question d’interprétation. Nous laissons donc à chacun la liberté de l’interpréter comme il le souhaite !
L’album « Secrets of the Black Moon » de HIGH DESERT QUEEN est disponible depuis le 15 octobre chez Ripple Music.
Toujours aussi protéiforme et envoûtant, CRYSTAL SPIDERS continue de tisser sa toile sur un deuxième album contrasté et inventif. Le registre Doom Rock et proto-Metal du duo américain a encore pris du volume en partie grâce à la présence de Mike Dean de Corrosion Of Conformity. « Morieris » est à la fois décapant et hypnotique.
CRYSTAL SPIDERS
« Morieris »
(Ripple Music)
Brenna Leah (basse, chant) et Tradd Yancey (batterie, chant) n’auront pas mis très longtemps à faire parler d’eux au-delà de leur Caroline du Nord natale. Après le très bon « Molt », son premier album sorti il y a tout juste un an, CRYSTAL SPIDERS est déjà de retour avec son successeur, « Morieris », encore plus consistant et créatif grâce, notamment, à la présence d’un invité de marque.
En effet, le duo a convié son ami, le producteur Mike Dean (bassiste de Corrosion Of Conformity) à composer et enregistrer les parties de guitares sur l’ensemble de l’album. Et le résultat est à la hauteur du talent du musicien. Il apporte ainsi un aspect plus progressif mais aussi plus sauvage au Doom Rock aux effluves proto-Metal de CRYSTAL SPIDERS. Sans perdre son identité, son espace musical s’étoffe.
Dans les vapeurs psychédéliques de « Morieris », un côté encore plus mystique se dégage des morceaux, qui se font plus profonds au fil de l’album (« Harness », « En Medias Res », « Maelstrom »). Toujours aussi lourd et massif, le désormais trio sait aussi frapper fort en restant très incisif (« Morieris »). A la fois Metal, bluesy, Doom et Rock, CRYSTAL SPIDERS est plus insaisissable que jamais.
Il existe des groupes qui parviennent à régénérer un style en puisant au cœur de ses racines. C’est le cas de HOLY DEATH TRIO dont le Hard Rock très vintage et Southern vient secouer l’auditeur. Les Texans signent un très bon premier album, aussi jubilatoire qu’intemporel. Tout en assumant ses influences, le power trio régale aussi par son approche très moderne et sauvage.
HOLY DEATH TRIO
« Introducing… »
(Ripple Music)
Arrivé il y a quelques mois chez Ripple Music pour y dénicher de nouveaux talents, Rob Blasko, accessoirement bassiste d’Ozzy, n’a pas mis bien longtemps à trouver une vraie pépite et méchamment armée de surcroit. Et cette première signature se nomme HOLY DEATH TRIO, combo Hard Rock aux saveurs vintage fougueuse et presque démoniaque.
Originaires du Texas, John P. Rosales, Jonathan Gibson et Trey Alfaro ont été nourris au Hard et au Heavy Metal des années 70 et 80 et bercés de Blues sudiste décapant. Et HOLY DEATH TRIO a parfaitement digéré cette belle mixture pour la faire sienne. Naturellement intitulé « Introducing… », ce premier album fracasse à tout-va.
Sur un groove imparable, le trio déroule et la machine à riffs s’emballe (« White Betty », « Bad Vibrations », « Get Down »). Sous la houlette de Charles Godfrey (Whiskey Myers, Swans), ce premier opus bénéficie d’une belle production qui met parfaitement en relief la fièvre que procure HOLY DEAH TRIO (« The Killer », « Fish Sticks »). Du beau boulot !
Solide et sans détour, ce deuxième album de DOCTOR SMOKE transpire le Heavy Metal comme on ne le voit malheureusement plus très souvent. Grâce à un chant parfaitement mis en valeur, des riffs inspirés et une rythmique épaisse, les Américains parviennent à nous plonger au cœur d’un genre qu’ils renouvellent et rafraîchissent sur ce très bon « Dreamers And The Dead ».
DOCTOR SMOKE
« Dreamers And The Dead »
(Ripple Music)
Originaire de l’Ohio, le quatuor américain est du genre costaud et incisif. Sept ans séparent pourtant « Dreamers And The Dead » et « The Witching Hour », premier album de DOCTOR SMOKE. Et ces années auront aussi déclenché des changements, ou ajustements, musicaux. Ainsi, de morceaux dans une veine Stoner Doom, le combo affiche aujourd’hui un Heavy Metal plus tranchant et moins lourd.
Armé de deux très bons guitaristes d’une efficacité redoutable, DOCTOR SMOKE a éclairci son jeu, lequel est devenu moins épais et nettement plus virevoltant. Sans faire dans le démonstratif, le quatuor enchaine les riffs bien sentis et musclés. Et malgré quelques influences puisées dans la NWOBHM avec son petit côté Old School, le combo sonne toujours très américain.
Si les mélodies des guitares mènent le jeu, la force de frappe de sa rythmique donne un impact certain et un relief massif à « Dreamers And The Dead ». Grâce à une très bonne production, les morceaux de ce deuxième album sont accrocheurs à l’image des hymnes Metal d’antan (« This Hallowed Ground », « The Rope », « Out Of Time », « Reborn Into Darkness » et « Been Here Before »). Un carton pour le gang de l’Ohio !
Quelques mois après avoir sorti un très bon premier album, « Quest Of Oblivion », en autoproduction, le quatuor de Seattle a résonné jusqu’en Californie où sa musique est arrivée aux oreilles affûtées du staff de Ripple Music. Il faut dire que le Doom Blues très Psych, Stoner et Grunge de SUN CROW surprend par sa fluidité et sa créativité. Ben Nechanicky, guitariste du combo, revient sur le parcours du groupe et surtout sur sa vision de la musique et de l’état d’esprit des Américains.
– « Quest For Oblivion » possède déjà une belle histoire. Vous l’aviez déjà sorti sur Bandcamp à l’automne dernier avant qu’il ne suscite l’intérêt de Ripple Music, qui le sort aujourd’hui en physique. J’imagine que ce doit être gratifiant d’être repéré par un label comme celui-ci, non ?
Oh oui, carrément. Nous étions aussi confus que tout le monde quant à ce qu’il fallait faire quand la pandémie faisait rage. Alors, nous nous sommes dits : sortons simplement l’album et mettons-le là où les gens pourront le trouver. Lorsque nous avons parlé pour la première fois aux gens de Ripple Music, qui avaient vu l’album grimper dans les Doom Charts (ce qui était aussi une sacrée surprise), ça a tout de suite été génial. Nous l’avions publié en autoproduction de manière simple, honnête et assez modeste. Etre repéré par des gens aussi cool et expérimentés que Todd (Severin, le boss du label – NDR) et l’équipe de Ripple, qui sont profondément dans l’esprit des musiques dont nous sommes de grands fans, est incroyable.
– Avant d’aller plus loin, éludons le changement de chanteur avec le remplacement de Charles Wilson par Todd Lucas. Que s’est-il passé ? Son départ a eu lieu dans l’intervalle, avant la signature avec Ripple Music ?
SUN CROW était dans une étrange période musicale depuis un moment. Nous ne savons pas ce qu’il s’est réellement passé avec Charles, nous ne savons même pas s’il le sait lui-même. Il était là, nous nous sommes retournés et il était parti. Sans blague ! Il s’est présenté comme un fantôme une fois tôt le matin, a dit des choses étranges et a laissé un numéro qui ne fonctionnait pas. Nous avons attendu un certain temps, aucun des anciens numéros ou de comptes ne fonctionnaient. Nous avions tous convenu de faire ce que nous pouvions pour terminer le travail et sortir l’album. Nous pensons qu’il est préférable de s’assurer que sa voix soit entendue sur ces enregistrements, où qu’il se trouve. Aussi étrange que cela ait été (et soit toujours), le groupe a décidé de continuer en son absence à travailler avec notre ami Todd sur la suite.
– Charles Wilson avait produit une très forte prestation vocale sur l’album. Quelle va être votre démarche avec Todd Lucas ? Reproduire le même esprit au niveau du chant, ou partir sur tout autre chose plus en adéquation avec son style ?
Ouais, c’est vrai. Son art et son travail sont uniques, et il est important pour nous que les gens puissent l’entendre. Il est très clair que ce sont des personnes très différentes, mais ils ont aussi des choses en commun. C’est vraiment étonnant, mais ils ont un passé et des expériences similaires dans leur jeunesse. Ils viennent tous les deux de régions arides de l’est de Washington et ont tous deux des gammes vocales proches. Leur style et leurs influences sont un peu différents. Todd est un peu plus ancré dans les années 70, alors que Charles l’était solidement dans les années 90. Nous sommes enthousiastes quant à leurs points communs, mais aussi leurs différences.
– Musicalement, « Quest For Oblivion » est étonnant de maturité et de créativité pour un premier album. Vous avez fait très fort ! Ce sont des morceaux que vous travaillez et mûrissez depuis longtemps, car l’écriture est précise et les morceaux solides ?
Ca fait très plaisir à entendre, merci ! Keith (Hastreiter, batterie – NDR) et moi avons joué ensemble pendant longtemps. Nous avons travaillé les morceaux de manière organique et les choses ont avancé très naturellement. Les chansons sont à l’origine conçues sous la forme d’un set live à interpréter dans l’ordre du disque. D’une certaine manière, « Quest for Oblivion » capture à la fois une performance et une idée prévue de longue date. Il reflète notre façon de vivre, autant qu’il projette une histoire.
– Contrairement au Doom Metal classique, votre jeu est très véloce sans être trop écrasant. Au contraire, SUN CROW propose un style très aéré et aérien. C’est important pour vous de vous démarquer des codes du genre en vigueur ?
Merci, c’est un vrai compliment. Je dirais que peut-être que certaines des parties disposent d’une sorte de fluide naturel. En jouant fort, il y a des oscillations et des tensions qui ont besoin de se libérer. Peut-être que les sons plus désorientés reflètent nos intérêts pour le mystérieux, et nos discussions sur la nature des choses que nous ne comprenons pas. Ensuite, c’est une réaction à ces sentiments. Nous ne nous efforçons pas vraiment d’être différents ou d’essayer de nous conformer, nous faisons juste notre truc et nous en tenons à ça.
– Justement, votre jeu est fait de plusieurs composantes comme le Grunge et le Blues pour l’essentiel. On a l’impression que dès qu’un groupe vient de Seattle, il y a forcément l’influence du Grunge. C’est vraiment si présent dans la ville et parmi les groupes ?
Je pense que oui. Le grunge est une sorte de terme inventé pour expliquer quelque chose de viscéral qui était dans la musique ici pendant longtemps avant que le reste du monde ne commence à le définir comme une catégorie. C’est quelque chose qui est très naturel dans le nord-ouest du Pacifique. Cela s’est même étendu de la Colombie-Britannique au Canada, jusqu’au nord de la Californie dans un vaste paysage culturel où certaines de ces façons d’être se sont tout simplement implantées. L’eau froide, les forêts sombres, les paysages isolés et les longs hivers sont des facteurs directs. Parfois, les mythologies se nourrissent d’elles-mêmes, mais c’est peut-être quelque chose de moins important que la météo et la culture palpable. Tout ça est évident dans le son, bien que chaque expérience soit toujours unique suivant les gens.
– On a parlé du Grunge, mais le Blues est aussi très présent dans votre musique et surtout dans son aspect sombre. D’où viennent vos références en termes de Blues ? Et comment l’intégrez-vous dans ce Doom Metal imposant ?
C’est un sentiment, un aspect plus sombre qui nous attire. Pour nous, tout le Metal lourd est fondamentalement du Doom Blues existentiel. Les premiers musiciens, qui utilisaient le volume et le gain de leurs amplis pour en extraire ce son, étaient les grands joueurs de Blues originaires du fleuve Mississippi. C’est devenu le Rock’n’Roll, et tout est rapidement devenu plus fort à mesure que les amplis devenaient plus puissants. Les groupes des années 60 et 70 l’ont rapidement porté à un niveau que nous pourrions reconnaître comme du Metal aujourd’hui, mais les mêmes motifs étaient suggérés dès les années 40. Même les tout premiers artistes comme Bukka White (qui était principalement un musicien acoustique) obtenaient ces sons en utilisant une diapositive qui ressemble beaucoup à ce que vous obtenez avec une distorsion amplifiée. Lorsque vous ajoutez cela aux technologies d’enregistrement limitées de l’époque, les sons étaient assez sauvages et bruts. C’est une réponse physique plus qu’autre chose. Tant de choses sont venues de ces gens-là et de leur art, nous nous inspirons beaucoup d’eux et essayons de l’honorer de la meilleure façon possible.
– Enfin, j’aimerais qu’on dise un mot sur la production et le mix de « Quest Of Oblivion ». De quelle manière avez-vous travaillé et dans quelles conditions l’album a-t-il été enregistré ?
Notre ami, ingénieur et producteur Gary Mula, a mis tout son talent et sa vision dans le processus. Nous avons enregistré la plupart des morceaux dans un studio de notre quartier que notre bassiste (Brian Steel – NDR) a aidé à mettre en place. Enregistrer là-bas semblait être un choix évident, et c’est juste en haut de la rue où vivent quelques-uns d’entre nous. Maintenant que j’y pense, Brian vivait en fait juste à côté du studio. Nous avons produit un bon ensemble de sessions, qui ont finalement donné à Gary un puzzle surréaliste de bonne qualité pour commencer le mix. Nous sommes vraiment heureux qu’il ait partagé avec nous ses dons pour démêler des nœuds en quatre dimensions. Les amitiés que nous y avons tissées sont pour la vie.
Le premier album de SUN CROW, « Quest Of Oblivion », est disponible chez Ripple Music depuis le 2 juillet.
Avec « Quest For Oblivion », SUN CROW vient de créer une faille ou le chaînon manquant entre le Doom, le Stoner, le Blues et le Grunge avec une créativité et une dextérité, qui créent un nouveau champ des possibles. Sur 70 minutes, le quatuor de Seattle montre un travail instrumental exceptionnel doublé d’une prestation vocale époustouflante.
SUN CROW
« Quest For Oblivion »
(Ripple Music)
Les groupes de Seattle font du Grunge (sauf peut-être Jimi Hendrix quand même !), tout le monde sait ça ! SUN CROW ne déroge, presque, pas à la règle. Sauf que le quatuor s’est approprié une partie de l’esprit du style pour mieux le malmener. Pour faire court, le groupe prend un malin plaisir à l’écrabouiller et le déchiqueter minutieusement à l’aide d’un Doom Metal massif, lourd et explosif teinté de Blues. Un début de plaisir.
SUN CROW ne se contente pas de grungiser son registre avec un Doom dévastateur, le combo est bien plus subtil que ça. Les énormes riffs de Ben Nechanickey laissent aussi échapper des effluves de Blues très aériennes, qui apportent un peu de lumière à ce « Quest For Oblivion » étonnant et très novateur. Et l’imposante rythmique de Brian Steel (basse) et de Keith Hastreiter (batterie) offre un volume considérable à l’album.
Qualifié ce premier opus des Américains de colossal n’est pas infondé, surtout si l’on prend en compte la prestation hors-norme de Charles Wilson, son chanteur, remplacé depuis par Todd Lucas. Surpuissant sur « Fear », « End Over End », « Collapse » ou « Titans », SUN CROW manie le Doom, le Stoner, le Blues et le Grunge avec une aisance déconcertante (« Black It Out », « Hypersonic »). L’un des albums de l’année ! Incontestablement !
