Soufflant le chaud et le froid sur des morceaux très homogènes, MOON WIZARD présente un Stoner Metal varié, tout en maîtrise, à travers lequel cohabitent des atmosphères Doom, Heavy et même Hard Rock avec une épaisseur enveloppante. Mélodique et massif, « Sirens » impose des refrains entêtants portés par une frontwoman, qui se balade entre Metal et Rock sur des rythmes soutenus et languissants. Une réussite qui montre la vitalité de l’underground yankee.
MOON WIZARD
« Sirens »
(Hammerheart Records)
Troisième album pour Ashton Nelson (batterie), Aaron Brancheau (guitare) et Joseph Fiel (basse, chant) et le deuxième pour Sami Wolf (chant) qui a rejoint les trois amis d’enfance sur « The Night Harvest » sorti en 2020. Depuis cinq ans maintenant, MOON WIZARD peaufine son Stoner Doom Metal du côté de Salt Lake City, Utah, et « Sirens » est un bel aboutissement de ces dernières années de travail. Et cette présence féminine au chant a également ouvert un plus large champ d’action au quatuor.
Issus de la scène Black et Death, les trois musiciens de la formation originelle ont gardé un côté obscur dans leur Stoner et si le Doom domine les débats, les influences Heavy Metal sont très présentes et offrent à MOON WIZARD un aspect très mélodique. Et c’est aussi la voix de sa chanteuse qui distingue le combo avec originalité. On est loin d’un registre plombant et écrasant. Le groupe se veut plutôt accessible et se montre très accrocheur en s’inscrivant dans les pas très sabbathiens et classiques de leurs aînés.
Sur une production soignée, plus solide qu’agressive, MOON WIZARD évite aussi les écueils grâce à une paire basse/batterie en osmose et un guitariste inspiré et efficace qui donne sa ligne directrice à « Sirens ». Avec une mixité vocale utilisée à bon escient, l’ensemble gagne en profondeur et devient vite addictif (« Luminare », « Dessert Procession », « Magnolia », « Sunday », « Epoch »). Avec ce nouvel opus, les Américains franchissent un cap et livrent un disque mature et créatif. Bien structurés, les titres présentent un volume intéressant.
Originaire de Portland dans l’Oregon, TIME RIFT signe sa deuxième réalisation. Cependant, celle-ci a des allures de première, tant les changements de musiciens se sont multipliés en une décennie et surtout il dégage aujourd’hui une réelle unité musicale, qui manquait peut-être un peu sur son prédécesseur. « In Flight » marque donc un nouveau départ pour les Américains et le moins que l’on puisse dire est qu’ils sont dans les starting-blocks. Dans un proto-Metal aux contours occultes, ils nous emportent sur un rythme effréné dans un univers d’une nostalgie assumée.
TIME RIFT
« In Flight »
(Dying Victims Productions)
Fondé par le guitariste et bassiste Justin Kaye sur les cendres de Doomsower en 2014, TIME RIFT a mis du temps a stabilisé son line-up, s’essayant à de multiples moutures. Avec l’arrivée de Terrica Catwood derrière les fûts en 2017, puis celle de Domino Monet (Hadean, Nyx Division) au chant en 2023, le power trio semble désormais fixe et surtout en parfaite adéquation. Après « Eternal Rock » sorti en 2020 dans le marasme qu’on connait, le groupe a écumé les scènes dès ce fut possible et s’est aguerri pour livrer ce « In Flight », qui porte particulièrement bien son nom.
Car, forcément, avec ce deuxième album, on peut aisément dire que TIME RIFT prend enfin véritablement son envol et les compositions témoignent d’une volonté à toute épreuve. Resserré sur une grosse demi-heure, les neuf titres nous font faire un bond dans le temps, dans cette époque bénie des 70’s et du début des 80’s. Ce mix entre proto-Metal et Hard Rock 70’s aux saveurs Doom et Occult Rock débouche sur un disque au revival très réussi et porté par une production brute, organique, qui manque pas de vélocité et de dynamisme. Il bouscule autant qu’il séduit.
Savoureusement rétro, on pense évidemment à Led Zeppelin ou aux premiers Scorpions d’un côté et à Doro et aux Runaways de l’autre, mais TIME RIFT y pose une patte originale et personnelle et nous entraîne dans un tourbillon de décibels finalement très frais. Grâce à une frontwoman aussi polyvalente qu’efficace, le combo livre un opus convaincant où chaque instrument dispose de l’espace nécessaire pour s’exprimer avec force (« The Spear », « Coyote Queen », « Thunder Calling », « Dancing With The Sun », « Hellbound » et le morceau-titre). Costaud et accrocheur !
KAT RIGGINS chante le Blues comme elle respire et les notes de Gospel et de Rythm’n Blues, dans lesquelles elle se meut, le rendent encore plus joyeux et pétillant. Sur « Revival », elle confirme la classe dont elle a toujours fait preuve depuis ses débuts. Avec un naturel et une vivacité de chaque instant, le voyage devient vite addictif et on se laisse guider par cette voix chaleureuse et envoûtante. Une magie qui devient très vite évidente et irrésistible.
KAT RIGGINS & HER BLUES REVIVAL
« Revival »
(House Of Berry Productions)
Et de six pour KAT RIGGINS qui, deux ans après l’excellent « Progeny », surgit avec « Revival » qui n’est pas sans rappeler dans son titre son premier effort, « Blues Revival » sorti en 2016. Un réveil qui semble se faire par étape pour la chanteuse et compositrice floridienne, qui en a aussi profité pour quitter le label de Mike Zito, Gulf Coast Records. Après ces deux dernières belles réalisations qui l’auront particulièrement mis en lumière et lui valurent deux nominations aux Blues Music Awards, celle-ci devrait suivre leurs pas…
Paru il y a quelques semaines parmi beaucoup d’autres, « Revival » dénote quelque peu de son prédécesseur. Vocalement, KAT RIGGINS est toujours exceptionnelle de puissance, de polyvalence et de feeling. C’est essentiellement le contenu qui peut peut-être surprendre par son côté plus classique, plus roots aussi et donc moins moderne, mais solidement intemporel. L’Américaine et son groupe montrent une fois encore qu’ils sont à leur aise dans tous les registres et qu’il n’y a pas grand-chose qui leur résiste.
Conçu avec Tim Mulberry qui l’a produit, mixé et masterisé, la frontwoman a co-écrit l’ensemble de « Revival » et les morceaux respirent toujours cet aspect optimiste et positif, dont elle a fait sa marque de fabrique. Malgré un son un peu en dessous et étouffé (à moins que ce ne soit le numérique), KAT RIGGINS est rayonnante et porte aussi ce nouvel opus grâce à des textes enthousiasmants et pertinents (« Lucky », « Revived », « Southern Soul », « Mojo Thief », « Mighty », « Healer »). Brûlant et enjoué, « Revival » réveille les sens.
Huit ans après cette prestation, la cantatrice scandinave décide sortir des cartons son concert donné au Hellfest. Accompagné d’un groupe classique, plus un violoncelle, TARJA n’avait pas manqué de faire le show devant sa fan-base française, qui avait pu apprécier et mesurer l’étendue de son talent et la solide clarté de sa voix. Unique en son genre dans le monde du Metal, la Finlandaise incarne littéralement l’aspect symphonique du style dans toute sa splendeur sur ce bon « Rocking Hells : Live At Hellfest ».
TARJA
« Rocking Heels : Live at Hellfest »
(earMUSIC)
Si vous y étiez, vous vous souvenez certainement de la performance de TARJA le 19 juin 2016 sur la main stage du Hellfest. Ses fans en tout cas étaient aux anges, puisque la chanteuse venait juste de sortir « The Brightest Void » et s’apprêtait à dévoiler « The Shadow Self », quelques semaines après ce passage. Deux albums dans la même année est une chose suffisamment rare pour être souligné, même avec trois reprises parmi lesquelles on retrouve d’ailleurs ici la non-essentiel « Supremacy » de Muse. Un faute de goût pardonnée.
Car il n’y a rien à redire de « Rocking Hells : Live At Hellfest », on pardonnera aussi que le set livré à Clisson ne soit pas dans son intégralité, trop long certainement. Comme souvent dans les festivals, la tracklist contient des morceaux parmi les plus percutants de la frontwoman à commencer par « No Bitter End », extrait du dernier opus en date de TARJA à l’époque. Non seulement, il affiche une pleine puissance, mais il lui permet aussi de mettre tout de suite les choses au clair concernant ses légendaires capacités vocales.
Si TARJA mène une belle carrière solo depuis son départ de Nightwish, il faut reconnaître qu’à ce moment-là ses albums n’étaient encore du même calibre, mais elle s’est bien rattrapée par la suite. Cela dit, les versions de « Ciaran’s Well », « Calling From The Wind » et « Victim Of Ritual » sont imparables et irréprochables, tout comme l’excellent medley de titres de son ancienne formation « Tutankhannen/Ever Dream/The Riddler/Slaying The Dreamer », qui a enflammé les adeptes de Metal Symphonique présents. Un beau souvenir.
Très bien accueilli par le public et les critiques lors de sa sortie, WEDINGOTH a décidé de surfer sur l’engouement suscité autour de « Five Stars Above » pour enregistrer et filmer un concert donné dans sa ville en vue de la parution d’un CD et d’un DVD. « Five Stars (A)Live » reprend donc l’ensemble des morceaux, et dans l’ordre, de leur précédente production et sur une petite heure, le Rock/Metal Progressif des Français se montre tout aussi immersif qu’en studio et l’attention des fans présents renforce encore ce sentiment d’immédiateté.
WEDINGOTH
« Five Stars (A)Live »
(Independant)
Avec la sortie de son quatrième opus l’an dernier, WEDINGOTH avait un peu créé la surprise, tant « Five Stars Above » montrait un niveau de jeu remarquable. Suite à quelques changements de line-up, le groupe a désormais trouvé la stabilité depuis « A Love In The Crowd » (2016) et n’a depuis de cesse de peaufiner son style dans une veine progressive où se côtoie Rock et Metal. Guidé par une frontwoman dont le chant tout en nuances révèle une identité profonde, la formation confirme ici son savoir-faire sur scène.
Enregistré le 27 mai 2023 à ‘La Rotonde’ à Lyon, WEDINGOTH a donc joué à domicile l’intégralité de son album studio devant un public conquis et tout acquis à sa cause. Très bien capté, le résultat est à la hauteur des attentes, autant au niveau du son que de la prestation exemplaire des Rhodaniens. La musique du quatuor prend tout son sens en live, ce qui offre aussi un aspect plus brut et direct. Plus musclés et moins arrangés que sur disque, les titres gagnent en proximité et la différence est nette.
En jouant pleinement la carte de la parité, WEDINGOTH libère également une sensibilité assez rare, et l’entente vocale entre Céline Nephthys et la bassiste Manon Fortin sur les chœurs est parfaite. De leur côté, Stéphane Rochas (batterie) maintient le cap, tandis que Steven Segarra, fondateur et guitariste, livre une performance sans faute et irrésistible. Et si « Five Stars (A)Live » s’écoute dans son entier, on retiendra les versions de « Masterpiece Of Life », « Time », « Cross The Mirror » et l’incontournable « My Own Sacrifice ». Classe !
Si JAX HOLLOW a basé sa réputation grâce à des concerts enflammés et un Blues Rock pied au plancher, la songwriter originaire du Massachussetts a de très nombreuses cordes à son arc. Avec « Come Up Kid », celle qui vit désormais dans la ‘Music City’ du Tennessee, n’a pas mis longtemps à en saisir des codes artistiques aussi riches que nombreux, et nourrit désormais son registre de saveurs Americana, Country et Folk. Porté par une production somptueuse et très organique, elle détonne dans un paysage où elle vient apporter de la fraîcheur et une véritable bouffée d’air frais sur des sonorités Indie et très libres.
JAX HOLLOW
« Come Up Kid »
(Independent)
Elle l’avait révélé il y a quelques semaines ici même, ce nouvel opus serait plus intime, plus personnel et sa direction ne serait peut-être pas non plus celle que l’on attend de la flamboyante guitariste-chanteuse. Il faut reconnaître que de ce côté-là, la surprise est belle et elle est de taille. Car si « Come Up Kid » s’ouvre sur « Changing Suits », suivi de « Easy Or Harder ? », deux morceaux plein d’allant, c’est un aspect plus délicat et aux teintes acoustiques plus présentes que nous présente JAX HOLLOW. Et la jeune Américaine semble aussi plus imprégnée de ce que peut apporter Nashville en termes de couleurs musicales.
Dès « Keeping My hands Busy », c’est cette fibre qui ressort, tout comme sur le single « Don’t Call Me Baby » et ensuite « Fallout » et son violon. La musicienne avait présenté son nouvel effort comme étant une sorte de biographie de ses deux dernières années, faites de hauts et de bas. Et c’est vrai qu’en cela, son Americana se prête beaucoup plus à la narration, ce qui ne l’empêche pas d’assurer de belles envolées guitaristiques, passant de l’acoustique à l’électrique avec la même dextérité. Sorte de catharsis, « Come Up Kid » apparaît presque comme une libération pour JAX HOLLOW qui resplendit littéralement au chant.
Accompagnée par un groupe irréprochable et d’un feeling irrésistible, c’est sans doute la première fois aussi que la voix de la chanteuse prend une telle dimension. Capable d’une extrême sensibilité comme d’une puissance claire (« Corner Store Jay’s », « Blazing Glory », « Stone Cold Sober »), elle se balade d’un style à l’autre, d’une ambiance à une autre en jouant sur les émotions avec beaucoup de sincérité, comme sur la poignante chanson-titre ou la très country « Birds On A Wire ». Enfin, JAX HOLLOW clôt ce très bon disque avec le touchant « Sycamore St » pour un final de toute beauté en guitare et piano. Rayonnante !
Retrouvez son interview accordée au site il y a quelques semaines :
Comme toujours, la vie rayonne de gaieté sur ce nouvel opus de ROSALIE CUNNINGHAM. Avec « To Shoot Another Day », la Britannique nous plonge dans les 70’s avec une joie omniprésente. Très riche musicalement et d’une énergie contagieuse, ses chansons ont ce point commun de toutes évoluer dans une ambiance très psychédélique, progressive aussi, avec une liberté éclatante et sans se soucier vraiment d’une certaine nostalgie palpable, mais dont elle joue d’ailleurs avec malice et une désinvolture très élégante.
ROSALIE CUNNINGHAM
« To Shoot Another Day »
(Esoteric Recordings)
Décidemment, depuis le split de son groupe Purson en 2016, celle qui a aussi joué avec Jack White, vit un début de carrière en solo épanouissant. Après un premier album en 2019 suivi de l’excellent « Two Piece Puzzle » (2022), ROSALIE CUNNINGHAM a même sorti le très bon « Live At Capela » dans la foulée et nous revient aujourd’hui avec son troisième effort studio. Une fois encore, la jeune Anglaise se montre aussi surprenante que talentueuse et l’audace musicale dont elle fait preuve est juste incroyable.
La chanteuse, multi-instrumentiste et compositrice fait preuve d’une créativité débordante et « To Shoot Another Day » nous ballade dans des contrées Psych entre Rock, Soul, Funk et Blues avec une saveur vintage aussi délicate qu’authentique. Comme d’habitude, ROSALIE CUNNINGHAM s’est occupée de tout dans son home-studio avec la complicité de son guitariste et compagnon Rosco Wilson, qui a co-écrit quatre morceaux et participé au mix. Et les ambiances sont variées et chaleureuses pour devenir vite addictives.
Cela n’aura échappé à personne, le titre de cette nouvelle réalisation est un clin d’œil au légendaire James Bond, dont le thème de « Die Another Day » est repris dès le premier titre éponyme. Et l’atmosphère très cinématographique que l’on retrouve aussi sur la pochette se propage sur l’ensemble du disque à travers des chansons très soignées, pleines de paillettes sonores scintillantes et parfois dramatiques. Vocalement, ROSALIE CUNNINGHAM fait une véritable démonstration alternant fougue et douceur avec beaucoup de sensibilité.
En quelques années seulement, HARLEM LAKE est parvenu grâce à une identité musicale forte à sortir bien au-delà de ses frontières. Les Hollandais s’étaient déjà fait remarquer avec un premier opus particulièrement abouti. Puis, le quintet a récidivé avec un Live étonnant d’énergie et de puissance avant d’entrer à nouveau en studio pour y enregistrer l’excellent « The Mirrored Mask », récemment sorti. D’ailleurs, depuis la sortie de ce deuxième album, le génial Sonny Ray à la guitare a quitté le groupe et les concerts sont désormais assurés par Wick Hayen. Le bassiste Kjelt Ostendorf, ainsi que la frontwoman Janne Timmer, reviennent sur l’incroyable accélération prise par le quintet.
– Quand je repense à notre première interview il y a près de trois ans lors de la sortie de « A Fool Paradise Vol.1 », j’avais vraiment été séduit par la grande qualité de l’album et de vos compositions. Il s’est passé beaucoup de choses depuis, et nous y reviendrons, mais tout d’abord, comment va HARLEM LAKE et quel regard portez-vous sur ces débuts plus que prometteurs ?
Kjelt : Merci ! Nous venons juste de sortir notre deuxième album studio, « The Mirrored Mask », et nous sommes actuellement en tournée où nous interprétons des chansons de cet album avec nos préférés de « A Fool’s Paradise ». A côté de ça, nous nous efforçons d’être meilleurs dans tous les domaines, que ce soit musicalement et sur l’aspect professionnel également. A mesure que nous grandissons et que nous gagnons en expérience, et avec des budgets plus importants aussi, nous pouvons aujourd’hui investir plus de temps en studio et faire appel à des personnes expérimentées de l’extérieur. Nous avons également signé cet album avec le label Jazzhaus et nous avons désormais des bookers dans plusieurs pays. De nombreux professionnels sont donc impliqués pour nous soutenir maintenant.
– L’an dernier, vous avez sorti « Volition Live », alors qu’on vous attendait avec un deuxième album studio. C’est très surprenant de voir un groupe, qui démarre comme vous, sortir ce genre d’album aussi vite dans sa discographie. C’était une question d’opportunité, qui s’est présentée lors du ‘Culemborg Blues Festival’, que de pouvoir enregistrer ce concert ?
Kjelt : En fait, nous enregistrons presque tous nos concerts. On ne sait jamais si cela peut nous être utile plus tard. Et nous avons eu une occasion unique de faire deux concerts consécutifs dans notre formation XXL, c’est-à-dire avec trois cuivres et deux choristes. Et en sortant ce live, nous voulions aussi offrir quelque chose de spécial à nos fans, sachant qu’il faudrait attendre un certain temps avant la sortie du prochain album studio. Personnellement, j’adore les albums live. Il y a quelque chose de magique dans le fait de capturer un moment unique et avec un minimum de montage. C’est brut, réel et c’est ce qui nous caractérise vraiment.
– Un mot aussi sur cette belle récompense aux ‘European Blues Challenge’, juste après le premier album. J’imagine que c’est une très belle reconnaissance et aussi une grande source de motivation pour la suite, non ?
Kjelt : C’est vrai ! Cela nous a aussi permis de faire des tournées à travers l’Europe, car de nombreux promoteurs de festivals étaient présents et nous ont programmés l’année suivante, ce qui nous a ouvert toutes sortes d’opportunités internationales.
– Vous êtes tous assez jeunes au sein de HARLEM LAKE et les choses sont allées très vite pour vous en peu de temps. Est-ce qu’au niveau de l’expérience acquise et de la confiance en soi, vous avez aussi le sentiment d’avoir fait un grand bond en avant ?
Kjelt : Nous avons acquis de l’expérience, c’est sûr. Depuis la sortie de « A Fool’s Paradise », nous avons donné plus de 100 concerts, dont un grand nombre à l’étranger. Chaque prestation nous apprend quelque chose, que ce soit sur scène ou en coulisses. Nous avons appris à nous adapter à différents types de scènes, à surmonter les barrières linguistiques, à gérer les longs trajets en van, les hôtels… Nous avons également dû apprendre les tenants et aboutissants des contrats d’enregistrement, des réservations, des vols, etc… Et bien sûr, nous continuons encore d’apprendre.
Janne : C’est certain. Je pense que j’ai beaucoup grandi en tant que chanteuse, mais surtout en tant qu’artiste de scène. Je me sens forte et confiante aujourd’hui et je suis plus libre de m’exprimer ! Il y a cinq ans, j’étais beaucoup plus modeste et réservée en concert. Maintenant, je me sens plus assurée, non seulement pour m’exprimer à travers le chant, mais aussi avec mon corps, en dansant et en faisant le show !
– Parlons de ce nouvel album. Là encore, on vous attendait avec le volume 2 de « A Fool Paradise ». Or, vous sortez « The Mirrored Mask ». C’est vrai qu’il est artistiquement assez différent. Est-ce pour cette raison, et peut-être compte tenu des textes, que vous ne voyiez pas en lui la suite du premier ?
Kjelt : Oui, je peux imaginer que tu as pu être surpris en apprenant que ce n’était pas le volume 2. Au départ, nous avions prévu que ce soit le cas. Mais en cours de route, il a évolué de lui-même. Il peut se passer beaucoup de choses en deux ou trois ans. Nous avons changé notre section rythmique et nous nous sommes développés dans plusieurs domaines. « The Mirrored Mask » sonne très différemment de « A Fool’s Paradise », à tel point qu’il n’était plus logique de les regrouper dans ce contexte. Sur le plan thématique, cependant, il y a une certaine continuité. En fait, quelques chansons de « The Mirrored Mask » ont été écrites pendant la même période que « A Fool’s Paradise ».
– D’ailleurs, en parlant des textes, ils sont toujours plein d’émotion avec un aspect très Soul dans l’interprétation et plutôt Americana dans la narration. On peut y percevoir aussi un côté très personnel et intime. Est-ce qu’il est important pour toi, Janne, d’avoir un certain vécu pour pouvoir exprimer des sentiments avec autant de vérité ?
Janne : Mon style d’écriture est très lyrique à la base. J’aime exprimer mes émotions de manière imagée. Je trouve important d’être honnête, mais bien sûr, je romance ou j’amplifie certaines émotions. Les sentiments donnent la voie, mais les expériences qui les provoquent peuvent être à la fois les miennes et celles des autres. C’est plus facile si je les ai vécues bien sûr, car cela me permet d’intégrer des événements réels, ou de les utiliser comme métaphores. Je pense que les paroles de « Crying In A Desert » en sont un bon exemple. J’ai imaginé un cow-boy marchant dans un désert post-apocalyptique, sans cheval, juste lui et son arme. Toute sa situation sert de métaphore de la solitude et du désespoir.
– Une petite chose m’avait aussi intrigué en écoutant « The Mirrored Mask », car j’ai eu la chance de pouvoir le découvrir il y a quelques semaines déjà grâce à vous. J’avais noté les deux très beaux interludes instrumentaux : « Prelude To Mirrored Mask » et « Crying In A Desert Outro ». Pour quelle raison, ce dernier a-t-il disparu de la version finale du disque ?
Kjelt : Il n’a pas disparu ! En fait, c’est l’un de nos préférées. Nous l’avons simplement intégré à « Crying In A Desert », car ils vont vraiment ensemble. Mais ceux qui écouteront le CD verront qu’il y a une plage supplémentaire. Nous avons donné à cette outro, que nous avons surnommée en plaisantant « The Dessert », sa propre piste cachée, afin que les amateurs de guitare puissent passer directement au solo. Vous ne la verrez pas sur la pochette de l’album, mais si vous parcourez le CD, vous la trouverez.
– Vous avez beaucoup tourné depuis la création du groupe et participé à de nombreux festivals. Est-ce que cette proximité avec le public a pu modifier votre manière de composer pour être encore plus efficace et accrocheur dans la composition de vos morceaux ?
Kjelt : Eh bien, oui et non. Nous jouons souvent de nouvelles chansons en concert avant de les enregistrer pour évaluer la réaction du public. D’un autre côté, les performances en live et les enregistrements en studio peuvent donner l’impression que ce sont deux mondes différents. Les gens écoutent différemment la musique lors d’un concert et à la maison, et cela influence la façon dont nous composons et nous enregistrons, c’est certain. En concert, nous pouvons prendre plus de temps et faire quelques expérimentations, car le public est pleinement impliqué dans le moment. En studio, on a tendance à être plus directs et plus précis.
– La complicité entre Sonny Ray à la guitare et Dave Warmerdam aux claviers était déjà très perceptible sur le premier album et surtout sur le ‘Live’. Là, elle prend encore une autre dimension, tout comme cette rythmique irrésistible. On sent un réel élan commun, un esprit de groupe très fort. Vous composez et peaufiner tous les morceaux ensemble ?
Kjelt : Composer, pas nécessairement, mais peaufiner, oui ! Parfois, on part d’un fragment de mélodie, de quelques mots, d’un feeling ou de quelques accords. D’autres fois, la chanson arrive presque terminée. Et même là, on cherche encore ce qui fera qu’elle sonnera comme du HARLEM LAKE, et peu importe qui a eu l’idée initiale.
– J’aimerais aussi qu’on dise un mot sur la version XXL de HARLEM LAKE, qui était d’ailleurs à l’œuvre sur « Volition Live » et qui apportait un volume incroyable. Vous n’avez pas souhaité renouveler l’expérience sur « The Mirrored Mask », car les cuivres sont beaucoup plus discrets ?
Kjelt : Je ne pense pas que nous ayons vraiment abordé le sujet, en fait. Nous voulions simplement faire ce qui nous semblait le mieux pour les chansons. « Volition Live » visait davantage à capturer l’énergie, alors que cet album est davantage axé sur la narration d’une histoire.
– Un mot aussi sur la pochette de l’album, qui s’inscrit dans la continuité artistique des deux autres. Outre le fait de présenter une personnalité musicale très identifiable, c’est important qu’elle se prolonge aussi visuellement ?
Kjelt : Oui ! En fait, chaque élément qu’on peut contrôler fait partie de notre identité. Tout cela fait partie de l’expérience dont dispose l’auditeur avec la musique que nous créons. La représentation visuelle à elle seule peut déjà créer l’ambiance, c’est pourquoi elle est très importante pour nous, en effet.
– Enfin, comment cela se fait-il qu’un groupe comme HARLEM LAKE ne soit pas signé sur un label digne de ce nom, même si Jazzhaus sort celui-ci ? Vous tenez absolument à conserver votre indépendance et donc la liberté artistique qu’elle procure ?
Kjelt : Oui, nous avons signé cet album avec le label allemand Jazzhaus. Mais nous l’avons fait une fois l’album terminé, ce qui nous a permis de conserver une liberté artistique totale. Pour les prochains disques, nous signerons peut-être avant, mais nous privilégierons toujours notre indépendance artistique. Nous exprimer de manière honnête est la principale raison pour laquelle nous faisons tout cela.
Le nouvel album de HARLEM LAKE, « The Mirrored Mask », est disponible chez Jazzhaus et sur le site du groupe : https://harlemlake.com/
Retrouvez la (déjà) longue et première interview du groupe à l’occasion de son premier album…
Après des débuts en solo et plusieurs albums, puis une escapade avec Skilda, c’est dorénavant au sein de WIDILMA que le chant de Kohann se pose et continue de s’aventurer avec son partenaire Konan Morel, chef d’orchestre de ces balades celtiques intemporelles. C’est une nouvelle plongée depuis le néolithique jusqu’à l’âge de bronze que nous offre « Silina » sur fond d’Electro et de néo-Folk, où les instruments traditionnels guident et donnent la voie. Le monde de la formation bretonne paraît très proche dans sa modernité, tout en restant une transmission véritable et toujours très captivante.
WIDILMA
« Silina »
(Independant)
Deux ans après un premier album, « Brixtia », et un passage très remarqué à la dernière édition du festival Motocultor sur ses terres bretonnes, WIDILMA réapparaît avec une deuxième réalisation un peu spéciale. Le duo a en effet décidé de revisiter une partie de son répertoire avec une approche plus électronique, mais toujours aussi envoûtante. L’effet de transe est même augmenté sur certains morceaux et le voyage dans ces îles mystérieuses, sur les Hautes Terres de Kembre avec les créatures qui les habitent est encore saisissant.
Entourées par l’océan, à Uxsama, Silina et Siata, WIDILMA prolonge le plaisir de cette exploration tribale, où s’entremêlent les chants et les mots secrets distillés en gallois, breton et en gaulois. Très imagé, le langage emprunté évoque des temps anciens, même si la couleur musicale est résolument moderne. La chanteuse Kohann et le multi-instrumentiste et producteur Konan Mevel ont créé un univers personnel, pourtant universel, qui vient témoigner d’une culture civilisationnelle qui perdure et se réinvente au fil des morceaux.
Entre mythe et ésotérisme, des saveurs chamaniques pénètrent « Silina » et ce n’est pas un hasard si la chouette vient survoler le morceau « Hi Blaidd » ou l’aigle « Eryr », tandis que le pibgorn se fait aussi entendre sur « Runa Inis ». L’aspect parfois technoïde de certains passages rend l’atmosphère de certains titres moins contemplative, mais toujours très hypnotique. Celte et pagan, WIDILMA travaille son identité avec beaucoup d’originalité et la voix de Kohann nous berce et nous emmène dans une ambiance énigmatique réconfortante.
En janvier dernier, un sextet aux horizons diverses avait bouleversé une institution du Metal en passant au spectre du Doom un répertoire quasi-intouchable. Composé de membres de Fu Manchu, Year of the Cobra, Kylesa, Lowrider, Kyuss et Monolord, SLOWER s’était approprié des morceaux de Slayer en leur infligeant un traitement très particulier… et le résultat était renversant ! Cette fois, avec « Rage And Ruin », c’est en trio que Bob Balch (Fu Manchu) à la guitare, Amy Tung Barrysmith (Year of the Cobra) à la basse et au chant et Esben Willems (Monolord) à la batterie remettent ça avec la surprise d’y aller aussi de leurs propres compositions. Le porteur du projet, et six-cordiste très ‘Fuzzy’ s’il en est, et la frontwoman du combo reviennent sur cette deuxième réalisation…
– Bob, au moment de concrétiser vraiment le projet, est-ce que tu as longtemps cherché le son de guitare le mieux adapté au registre de Slayer, ou s’est-il imposé rapidement à toi ?
Le son de guitare est arrivé assez rapidement, en fait. Je voulais qu’il soit aussi fuzz que possible, mais qu’il reste néanmoins très épais et fuyant avec des palm mutes prononcés. On ne peut pas jouer des chansons de Slayer sans palm mutes (une technique qui consiste à étouffer les cordes avec la paume de la main – NDR). Alors, j’ai installé une tonne de pédales fuzz avec différents drives, et c’est après avoir testé pas mal de choses que j’ai opté pour la meilleure combinaison que j’ai pu trouver.
– Amy, comment l’adaptation s’est-elle effectuée pour toi, d’abord au chant ? D’ailleurs, cette fois, tu joues également de la basse et du piano. C’est quelque chose qui t’avait manqué sur le premier album ?
En fait, ça s’est plutôt bien passé. Je me suis référée aux chansons originales uniquement pour déterminer où les voix devaient se placer. Mais j’ai essayé de garder l’esprit ouvert en ce qui concernait les mélodies. Et il n’y en a pas beaucoup dans les chansons originales de Slayer. J’ai donc pu laisser libre court à ma créativité dans l’interprétation. Et j’ai vraiment aimé explorer toutes sortes de choses, puis les instructions d’Esben (Willems, batterie – NDR), lorsqu’il m’a contacté pour la première fois, ont été essentielles. Il m’a dit : ‘fais ce que tu veux !’ Et j’ai vraiment pris ça à cœur.
En ce qui concerne la basse et le piano, au moment où j’ai rejoint le projet, nous avions déjà Peder (Bergstrand de Lowrider – NDR) à la basse. Il est tellement talentueux et il a fait un travail tellement incroyable que je n’ai pas pu imaginer qu’il en soit autrement que ce qu’il avait joué. J’ai donc suivi cette ligne. Et en ce qui concerne le piano, il ne semblait pas y avoir de réelles nécessités sur le premier LP, donc je ne pense pas qu’il manquait quoi que ce soit.
– Bob Balch –
– SLOWER a commencé avec un line-up de six musiciens et vous évoluez aujourd’hui en trio sur l’album. En quoi cela a-t-il changé votre jeu et votre approche à tous les deux sur « Rage And Ruin » ?
Bob : Je ne sais pas trop, si cela a changé grand-chose, en fait. Sans doute un peu, oui. Amy a dû en faire plus, parce qu’elle joue de la basse et elle chante. Mais de mon côté, mon approche a été similaire à celle du premier album, excepté dans l’écriture des morceaux originaux.
Amy : Je ne crois pas que ça a beaucoup changé. Au niveau vocal, j’ai abordé le projet de la même manière. Ajouter la basse, c’était juste voir les choses sous un angle différent, mais rien de très nouveau finalement. Pour les morceaux originaux, en revanche, cela a demandé certainement une approche différente, car nous n’avions jamais écrit ensemble auparavant. Et puis, nous étions à distance tout le temps. Cela dit, je m’attendais à ce que ce soit plus difficile, mais j’ai été très surprise de la facilité avec laquelle nous avons travaillé tous ensemble et de la rapidité avec laquelle nous avons pu assembler ces chansons. C’était assez fluide et très amusant.
– Vous venez tous les deux de la scène Stoner et vous vous frottez régulièrement au Doom (notamment Amy). Qu’est-ce qui peut paraître insurmontable lorsqu’on transpose des morceaux de Thrash Metal dans un registre comme celui-ci ?
Bob : Nous avons essayé une première chanson de Slayer et il est devenu très clair dès le début qu’elle ne voulait pas du traitement Doom Metal. Je suppose que les riffs donnent la voie et ils ont assez mal réagi à une telle chose cette fois-ci. La plupart des chansons mid-tempo acceptent assez bien une approche Doom plus lente. Mais celles-ci ne l’étaient tout simplement pas ! (Rires)
Amy : Honnêtement, j’adore faire ça avec les chansons : ralentir les chansons rapides, accélérer les chansons lentes, etc… Juste faire la maligne et voir ce qui se passe ! On ne sait jamais, il peut y avoir des surprises. Mais comme l’a dit Bob, ça ne marche pas toujours. L’un des titres sonnait plutôt bien au ralenti, mais une fois que j’y ai ajouté des voix, ça sonnait clairement très, très mal. Nous l’avons rapidement mis à la poubelle, après que tout le monde ait bien rigolé ! (Rires)
– Amy Tung Barrysmith –
– Le premier album était entièrement dédié à Slayer et à cinq de ses morceaux les plus emblématiques. Avec « Rage And Ruin », vous reprenez deux des trois titres de l’EP « Haunting The Chapel », sorti il y a 40 ans déjà et qui avait été un tournant pour le groupe. C’est un choix étonnant compte tenu de cette vaste discographie. L’idée était-elle de surprendre ?
Bob : L’idée initiale était de reprendre l’intégralité de ce premier EP. Une fois que nous avons réalisé qu’une des chansons n’était pas réalisable, la décision qui a suivi a été de commencer à travailler sur des chansons originales. Je suis content que nous nous soyons embarqués là-dedans. A mon avis, elles sont vraiment bonnes.
– La grande nouveauté sur « Rage And Ruin » est donc l’apparition de quatre morceaux originaux. Du 100% SLOWER ! Dans quel état d’esprit avez-vous abordé ses nouvelles compositions et l’objectif était-il aussi de coller au plus près aux reprises et donc à Slayer ?
Bob : J’ai vraiment puisé dans tous les trucs de Slayer pour écrire les originaux. Cependant, mon objectif principal est toujours de m’assurer qu’il y ait des BPM différents, des tonalités divergentes et des structures de chansons nouvelles, lorsque je compose pour un album. Je savais qu’une fois que nous aurions la version d’Esben sur les mélodies, puis le chant et la basse d’Amy, les chansons prendraient forme et trouveraient leur propre voie, leur identité.
– Esben Willems –
– Ces nouveaux morceaux se fondent parfaitement dans la sonorité des covers et il y a une réelle identité musicale qui émerge aussi. Est-ce que vous considérez tous les deux « Rage And Ruin » comme le véritable acte de naissance de SLOWER ?
Bob : Oui, bien sûr, étant donné que c’est la première fois que nous nous essayons à des morceaux originaux.
Amy : Absolument. Dès que nous avons commencé à écrire nos propres textes, nous avons compris que nous étions en train de créer quelque chose de très intéressant.
– Est-ce que maintenant que vous avez franchi l’étape de la création originale, le ‘Rubicon’ en quelque sorte, un nouveau chapitre s’ouvre pour SLOWER avec peut-être déjà quelques idées en tête ?
Bob : Il y a toujours des riffs qui circulent, bien sûr. J’aimerais beaucoup faire un album complet avec uniquement des morceaux originaux.
– Au fait, est-ce que vous avez eu des retours des membres de Slayer depuis le premier disque et ont-ils écouté celui-ci ?
Bob : Gary Holt nous a donné son feu vert, il m’a dit que c’était très ‘Heavy’ ! (Sourires)
– Enfin, j’aimerais savoir si vous allez prendre la route pour défendre ce nouvel album ?
Amy : Nous avions l’intention de le faire ce mois-ci, mais il y a eu des imprévus dus à des circonstances familiales. En tout cas, j’adorerais jouer ces chansons en live quand le moment sera venu.
« Rage And Ruin » de SLOWER est disponible chez Heavy Psych Sounds.
