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Thrash Metal

Toxik : retour en grâce

Alors que TOXIK avait fait très forte impression en émergeant sur la scène Thrash Metal américaine, côte Est, à la fin des années 80, le groupe avait splitté une première fois en 1992 avant de rater son come-back en 2007. Mais depuis 2013, on retrouve toute sa dynamique et sa force sur « Dis Morta », un troisième album racé et compact, en forme de renaissance.

TOXIK

« Dis Morta »

(Massacre Records)

Apparu en 1987 avec l’album « World Circus », puis « Think This » deux ans plus tard, TOXIK a ensuite disparu des radars pour refaire surface trois décennies après avec un simple EP, « Breaking Class ». Cependant, ces dernières années laissent penser que le quintet américain est bel et bien de retour et à en juger par l’écoute de « Dis Morta », il semble aussi inspiré qu’à ses débuts.

Basé dans l’état de New-York, il ne reste aujourd’hui que le guitariste et compositeur Josh Christian de la formation originelle. Il a pourtant réussi à garder intacts l’énergie et le son de TOXIK. Pour les textes, ils sont cette fois-ci écrits en collaboration avec Ron Iglesias, le frontman du combo qui lui doit d’ailleurs beaucoup vu l’incroyable diversité vocale proposée sur « Dis Morta ».

Très technique, percutant et avec un sens de la mélodie bien à lui, TOXIK est resté ce groupe original diffusant un Thrash Metal efficace et incisif (« Dis Morta », « The Radical », « Creating The Abyss », « Straight Razor », « Devil In The Mirror »). On ne peut regretter qu’une chose chez les Américains, c’est qu’ils n’aient pu livrer plus d’albums, car une telle créativité est assez rare dans le style.

Photo : Henk Brouwer
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Heavy Psych Rock Stoner Blues Stoner Rock

Geezer : une épopée grisante

Lorsque trois musiciens sont guidés par une volonté commune elle-même portée par un groove exceptionnel, cela donne vie à l’un des meilleurs groupes de Heavy Stoner Blues de ces dix dernières années. Avec ce sixième album, « Stoned Blues Machine », GEEZER partage le plaisir de son jeu bluesy et Psych sur des morceaux addictifs et d’un feeling exceptionnel.

GEEZER

« Stoned Blues Machine »

(Heavy Psych Sounds Records)

Cosmique et Heavy, le Stoner Blues du trio new-yorkais fait de nouveau des étincelles sur le bien-nommé « Stoner Blues Machine ». Avec ce sixième album, GEEZER vient affirmer son étincelante vision d’un registre qu’il contribue à élever au fil de ses réalisations. Pat Harrington (guitare, chant), Richie Touseull (basse) et Steve Markota (batterie) repartent en croisade avec une vision bluesy très personnelle.

Cette fois encore, les Américains nous embraquent dans un voyage musical dont ils le secret sur un groove surpuissant, magnifié par l’excellente production  de Chris Bittner qui parvient à projeter GEEZER dans une autre dimension. Si le Blues reste la base du combo, « Stoned Blues Machine » va bien plus loin en explorant un espace sonore totalement investit par la créativité et la technicité du trio.

Le groupe se fond dans une détente psychédélique pourtant portée par des riffs épais où le feeling des trois musiciens met en évidence leur plaisir de jouer (« Saviours »). Entraînant, ce sixième opus avance sur des rythmiques hypnotiques et d’une incroyable fluidité (« Logan’s Run », « Broken Glass », « Stoned Blues Machine »). GEEZER transmet une joie palpable grâce à un style plein de vie. Hors-norme !

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Blues Blues Rock

Popa Chubby : une énergie intense

POPA CHUBBY a repris du poil de la bête et les nouvelles compositions de « Emotional Gangster » sont enthousiasmantes et versent dans de nombreux courants Blues que le New-Yorkais maîtrise parfaitement. Musicalement vif et abouti, ce nouvel album manque pourtant d’une production véritablement à la hauteur, qui aurait donné plus de profondeur encore.

POPA CHUBBY

« Emotional Gangster »

(Dixiefrog/Pias)

Homme de scène, figure incontournable de la planète Blues et guitariste-chanteur au charisme évident, POPA CHUBBY mène une carrière exemplaire depuis plus de 30 ans. Ayant sévèrement accusé le coup après l’élection de Trump, puis avec la pandémie durant laquelle il a sorti « Tinfoil Hat », le New-Yorkais revient cette fois avec un album très positif où il montre un tout autre visage.

L’Américain semble avoir retrouvé le plaisir de jouer et de chanter un Classic Blues intemporel joyeux dans lequel il a toujours excellé, tout en y apportant une touche très moderne, grâce notamment à des textes pertinents et dynamiques. Et sur « Emotional Gangster », POPA CHUBBY s’en donne à cœur-joie sur des morceaux, qui ne manqueront pas de faire mouche sur scène, c’est certain.  

Enjoué sur « Equal Opportunity » où il célèbre les femmes, fédérateur sur « Fly Away » et « Why You Wanna Make War ? » (dont la version française est loin d’être indispensable) ou entraînant sur « New Way Of Walking », le Bluesman rend une belle copie. Cependant en ayant enregistré et mixé lui-même son album, POPA CHUBBY n’apporte pas la fraîcheur, le relief et le son qu’il aurait mérité. Seul bémol.

Retrouvez l’interview du bluesman :

Popa Chubby : (quel) chapeau l’artiste ! [Interview]

Et la chronique de « Tinfoil Hat » :

Popa Chubby : le vaccin Blues Rock
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Heavy metal

Sanhedrin : traditionnellement Old School

Avec leur troisième album, les New-Yorkais de SANHEDRIN change de braquet et élève leur Heavy Metal à un niveau supérieur. Toujours fidèle à une tradition très américaine du style, le power trio tient avec « Lights On » le meilleur album de sa courte carrière. Frais, spontané et puissant, le groupe avance des arguments plus que convaincants.

SANHEDRIN

« Lights On »

(Metal Blade Records)

Il y a chez SANHEDRIN une authenticité et une sincérité qui ne trompent pas. Œuvrant dans un Heavy Metal Old School, qui n’a pourtant pas pris une ride. Le groupe de Brooklyn atteint une certaine maturité avec ce troisième album, « Lights On ». Loin d’être nostalgiques, c’est plutôt habités d’une grande fraîcheur, et surtout sans effet, ni fioriture, que se présentent les Américains.

Sans faire dans le vintage ou le revival, SANHEDRIN s’efforce de maintenir la flamme d’un Heavy Metal solide, originel et fougueux. A eux trois, Erica Stoltz (basse, chant), Nathan Honor (batterie) et Jeremy Sosville (guitare) font trembler les murs dans un style très personnel, qui tient d’ailleurs bien plus de la scène américaine que de la NWOBHM.

Sombre et rugueux, « Lights On » a été conçu et réalisé durant la pandémie et pourtant ce troisième album est loin d’être austère. Très varié dans son jeu, SANHEDRIN se montre déterminé à l’image de sa frontwoman à l’énergie débordante. Le power trio sait où il va et la production très brute y est pour beaucoup (« Correction », « Code Blue », « Scythian Woman », « Death Is The Door »). Intemporel !

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Hard Rock Rock US

Warrior Soul : aux âmes perdues

Sauvage et déjanté, WARRIOR SOUL a en effet tout d’un groupe de guerriers. Kory Clarke, fondateur et leader du combo depuis plus de trois décennies, a une certaine idée du Hard Rock, qui irait des 70’s à notre époque avec quelques paramètres incontrôlables et parfois psychédéliques. Remuant à souhait ! Et la liberté, qui émane de « Out Of Bail », fait plus que plaisir à entendre.

WARRIOR SOUL

« Out On Bail »

(Livewire Records)

Cela fait des années que je suis les frasques de Kory Clarke, ancien batteur ayant officié chez les très bon Raging Slab, et de son groupe. Fondé à New-York en 1987, WARRIOR SOUL s’était rapidement fait un nom au début des années 90’s grâce à un Hard Rock pêchu et débridé, où le cogneur s’est emparé du micro pour devenir chanteur à part entière…. Tout en gardant ses baguettes en main.

Brut et sans concession, le combo s’articule aujourd’hui autour de Kory Clarke bien sûr, mais aussi de Dennis Post (guitare), de Christian Kimmet (basse) et des batteurs Ivan Tambac, John Besser et John Hogson. WARRIOR SOUL conserve ainsi une explosivité et une spontanéité, qui font de « Out On Bail » un album haut en couleurs et pour le moins percutant… à l’ancienne finalement !

Irrévérencieux et désinvoltes, les Américains s’inscrivent dans un Hard Rock très 90’s, aux frontières de l’Alternative et avec un côté Sleaze très urbain (« We’re Alive », « One More For The Road », « Cancelled Culture »). WARRIOR SOUL n’en fait qu’à sa tête et pourtant ce nouvel album est savamment orchestré (« End Of The World », « The New Paradigm »). Une bonne et vivifiante claque !

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Hard Rock Heavy metal Progressif Proto-Metal Stoner/Desert

Döminance & Submissiön : culte et dévotion

Lorsqu’on connait la technicité de Blue Öyster Cult, se lancer dans un Tribute peut s’avérer être délicat au point d’y laisser quelques plumes et quelques dents. Mais concernant les musiciens de Stoner, Desert Rock et proto-Metal qui composent ce bel album DÖMINANCE & SUBMISSIÖN, il semblerait que le challenge ait décuplé leur inspiration. Mieux, certains morceaux sont revisités avec une fougue surprenante.

DÖMINANCE & SUBMISSIÖN

« A Tribute To Blue Öyster Cult »

(Ripple Music)

Chez le label californien Ripple Music, on ne manque pas d’idées et grâce à des connexions facilitées par des artistes-maison de haut viol et de grands talents, de beaux projets émergent comme ce DÖMINANCE & SUBMISSIÖN, un album hommage au légendaire groupe de Hard Rock occulte Blue Öyster Cult. Composé de reprises inédites interprétées par des artistes issus essentiellement du mouvement Stoner, la fête est belle, inattendue et agréablement surprenante.

S’atteler au répertoire des mythiques New-Yorkais n’est pas une mince affaire. Et il faut rappeler qu’à l’origine du projet, on retrouve feu Steve Hanford et Ian Watts de Ape Machine. Initialisé alors que ce premier était une fois encore en prison, il a tout juste eu le temps de finaliser ses propres parties avant de laisser la place à un casting hors-norme, dont le travail est aussi étonnant qu’éblouissant, le tout avec une production extrêmement brute.

A l’œuvre sur DÖMINANCE & SUBMISSIÖN, Mark Lanegan, Billy Anderson, Mondo Generator, Mos Generator, Howling Giant, des membres de Fu Manchu et High On Fire, ainsi que les talentueux Great Electric Quest, War Cloud et Spindrift s’en donnent à cœur-joie. Parmi les 13 morceaux, on redécouvre sous un œil neuf les classiques « The Reaper », « Burnin’ For You », « Godzilla », « Tattoo Vampire », « Fireworks » ou encore « Flaming Telepaths ». Un bon coup de fouet !

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Doom Post-Metal Psych

King Bastard : une odyssée cathartique

Montrer autant d’audace et d’assurance dès son premier album est une chose plutôt rare. Avec « It Came From The Void », KING BASTARD s’embarque dans un vagabondage spacial et agité à travers un Doom puissant, moderne et psychédélique où le quatuor flirte avec le post-Metal. Presqu’entièrement instrumental, l’opus des New-Yorkais côtoie le surnaturel avec minutie.

KING BASTARD

« It Came From The Void »

(Independant)

Rarement un album aura aussi bien porté son titre. « It Came From The Void » résume à lui seul les intensions et l’aboutissement des compositions du quatuor new-yorkais. Et il s’agit d’un trip musical dans les ténèbres de l’espace auquel nous invite KING BASTARD et dans lequel il nous propulse sans prévenir. Et si ce premier opus autoproduit ressemble à s’y méprendre à une jam cosmique, il n’en est pourtant rien.

N’allez pas croire que « It Came From The Void » a quoique ce soit de cacophonique, il est plutôt chaotique dans sa conception, même si son aspect expérimental a été soigneusement pensé. KING BASTARD sait où il va et il y court sans aucune hésitation, ni retenue. Enregistré en conditions live le temps d’un week-end dans le Queens à New-York, ce premier effort est une déflagration Doom Psych unique.

Dans univers très cinématographique, KING BASTARD développe un style basé sur l’épaisseur et l’impact des riffs, la puissance de sa rythmique et l’exploration d’atmosphères souvent proches d’un post-Metal fracassant, fondu dans un psychédélisme de chacun instant (« From Hell To Horizon », « Bury the Survivors/Ashes To Ashes », « Blackhole Viscera »). Aussi imprévisible que libérateur, l’album est un lâcher prise total.  

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Blues Rock Southern Rock

Grande Revival : démoniaque

Rarement un groupe n’aura aussi bien porté son nom. GRANDE REVIVAL vient alimenter le feu sacré d’un Southern Rock très Blues et Heavy avec une vivacité et un talent incroyable. Aux guitares, Dirty Dave Osti et Craig Erikson montrent un panache renversant en se mettant au diapason d’un registre hors du temps. « Liberty Station » est intemporel, inspiré et rend un magnifique hommage à la guitare.

GRANDE REVIVAL

« Liberty Station »

(Grooveyard Records)

Basé dans l’état de New-York, le label Grooveyard Records a pour objectif de valoriser la guitare du moment qu’elle soit Rock, Blues, Heavy et un brin Old School. Il a aussi la particularité de sortir des pépites, et celle-ci en est une très belle. GRANDE REVIVAL est l’œuvre des deux artilleurs de la six-cordes Dirty Dave Osti et Craig Erikson, et la combinaison des virtuoses débouche sur un Southern Blues mâtiné de Hard et de Rock.

Vétéran chevronné et véritable guérillero de la guitare, Dirty Dave Osti distille ses riffs et ses solos avec une vision intense, solide et des vibrations uniques. Le Californien fait des merveilles et impressionne. Et son compagnon de route, Craig Erikson, n’est pas en reste non plus. Le multi-instrumentiste de l’Iowa multiplie les acrobaties musicales répondant note pour note et donnant une saveur supplémentaire à GRANDE REVIVAL, qui n’en manque pourtant pas.

Pour épauler le duo, on retrouve une rythmique de choc composée d’Anthony James Tuco à la basse et Cosmos Beuz à la batterie. Et dans une ambiance légèrement vintage, grasse et généreuse, le Southern Heavy Rock de GRANDE REVIVAL ronronne et atteint sans des sommets d’où transpire un amour pour un Blues électrique et organique. « Liberty Station » donne libre-court à l’expression guitaristique et à l’authenticité.

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Blues Folk/Americana Soul / Funk

Natalia M. King : la grâce incarnée

Si le Blues s’est révélé à elle tardivement, le coup de foudre a été immédiat et la facilité avec laquelle la chanteuse s’est approprié le style est époustouflante. La New-Yorkaise, et française d’adoption, se livre sur un album taillé sur mesure, « Woman Mind Of My Own », que des saveurs Americana et surtout Soul viennent délicatement envelopper. NATALIA M. KING se présente sans fard à travers neuf morceaux délicats et radieux.

NATALIA M. KING

« Woman Mind Of My Own »

(Dixiefrog)

Arrivée en France il y a un peu plus de 20 ans maintenant, la chanteuse NATALIA M. KING est tombée dans le Blues un peu par hasard et l’électrochoc fut une révélation. Sept albums plus tard, la New-Yorkaise rayonne littéralement sur ce « Woman Mind Of My Own », qui navigue entre Blues, Soul et Americana qu’elle incarne brillamment. Roots et raffinée, difficile de ne pas tomber sous le charme.

Accompagnée par des musiciens étincelants, l’Américaine chante avec une rare émotion des morceaux de sa composition, ainsi que trois reprises qu’elle a totalement pris à son compte comme pour mieux les incarner. Faisant preuve d’un éclectisme remarquable, NATALIA M. KING affiche d’ailleurs une belle unité tout au long de l’album, signe d’une forte et sincère personnalité.  

Sensible sur « One More Try » de George Michael, très roots sur « (Lover) You Don’t Treat Me No Good » avec le bluesman Grant Haua, la chanteuse s’offre aussi un duo de toute beauté avec Elliott Murphy sur le « Pink Houses » de John Cougar Mellencamp. NATALIA M. KING régale sur ce nouvel album d’une réelle authenticité (« Forget Yourself », « Play On », « So Far Away », « Aka Chosen »). 

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Blues Rock

Joe Bonamassa : le Blues à hauteur de guitare

L’homme au costume n’en finit plus d’étonner et de séduire depuis quelques albums déjà. Beaucoup plus intime et authentique, le jeu et le songwriting du guitariste-chanteur ont rarement atteint de tels sommets. Avec « Time Clocks », JOE BONAMASSA célèbre le Blues et le Rock brillamment, tout en se montrant aussi virtuose que fédérateur. 

JOE BONAMASSA

« Time Clocks »

(Provogue/Mascot)

Du haut d’une discographie qui commence à être franchement conséquente, JOE BONAMASSA est comme le bon vin : il se bonifie avec le temps. Déjà sur son précédent album, « Royal Tea », le guitariste et chanteur avait éclairci et simplifier son jeu au profit de morceaux plus digestes et efficaces. Avec « Time Clocks », il se met à nouveau au service de ses chansons, et le pari est gagnant.

C’est à New-York avec son producteur Kevin Shirley et avec Bob Clearmountain au mix que le six-cordiste a mis en boîte « Time Clocks », et le résultat est très largement à la hauteur. Clair, dynamique et relevé, ce nouvel opus dispose d’un line-up d’une petite dizaine de musiciens venus accompagner un JOE BONAMASSA à son apogée et plus collectif que jamais. Il régale à chaque titre.

Virtuose, l’Américain se révèle de plus en plus en plus comme un songwriter hors-pair, qui n’hésite pas à se remettre en question et en se montrant aussi habile dans un registre Blues que Rock. Vocalement aussi, JOE BONAMASSA est plus assuré à l’instar de textes également plus profonds et personnels (« Notches », « The Hearts That Never Waits », « Mind Eye », « The Loyal Kind », « Hanging On A Loser »). Un album de star !