En quelques années, ALLY VENABLE est passée d’un statut de star montante à celui d’artiste confirmée. Sans donner dans le démonstratif, la Texane, qui ne renie pas l’influence du grand Stevie Ray Vaughan, fait preuve de beaucoup de feeling dans un esprit délicieusement Southern. Avec « Real Gone », la jeune musicienne fait des étincelles et s’affirme avec classe.
ALLY VENABLE
« Real Gone »
(Ruf Records)
A quelques jours de son 24ème anniversaire, ALLY VENABLE sort déjà son septième album, si l’on inclue le sept-titres « Wise Man » paru alors qu’elle n’avait que 14 ans ! Et cet enfant prodige du Blues Rock ne s’arrête plus depuis et peaufine son jeu au fil du temps. Rien d’étonnant pour cette dernière considération, si ce n’est que son registre devient également de plus en plus personnel.
Guitariste et chanteuse de grand talent, ALLY VENABLE est aussi une songwriter accomplie et réalise même l’ensemble de « Real Gone ». Une maturité qui ne surprend pas plus que ça d’ailleurs lorsque l’on connait la portante courte carrière de la jeune femme. Et pour ce nouvel opus, elle s’est même offerte la collaboration du producteur Tom Hambridge (Susan Tedeschi, Kingfish, …).
Outre les deux moments que constitue la participation de Joe Bonamassa (« Broken And Blue ») et du géant Buddy Guy (« Texas Louisiana »), « Real Gone » regorge de pépites et la musicienne mène l’ensemble avec une élégance rare. Punchy sur le morceau-titre, « Justifyin’ », « Kick Your Ass » et « Two Wrongs », ALLY VENABLE se montre aussi très délicate sur « Gone So Long » et « Blues Is My Best Friend ». Une désormais grande dame !
Harmoniciste hors-pair, c’est pourtant à la guitare et au chant que s’illustre cette fois NICO WAYNE TOUSSAINT sur ce très bon « Burning Light », où le musicien s’autorise une belle et grande balade à travers le Blues et tout ce qu’il comporte comme diversité. Preuve que le style est encore loin de s’éteindre, et même qu’il brille de mille feux.
NICO WAYNE TOUSSAINT
« Burning Light »
(Independent/L’Autre Distribution)
Il aura fallu douze albums et une collaboration de près de 20 ans avec l’excellent label Dixiefrog à NICO WAYNE TOUSSAINT pour se lancer enfin en solo avec une guitare en main… même si ses harmonicas ne sont jamais bien loin. Originaire de Pau et grande figure du Blues français, le musicien a joué avec des pointures comme James Cotton, Luther Allison, Neal Black, Andrew Strong ou encore Guy Davis. Autant dire qu’entre la France et les Etats-Unis, il a eu tout le loisir de se faire plaisir aux côtés d’artistes prestigieux.
Si le talent de NICO WAYNE TOUSSAINT est incontestable, on ne l’attendait pas forcément à la guitare, et c’est là qu’il surprend autant qu’il épate. Bluesman dans l’âme, avec « Burning Light », il laisse s’exprimer son propre ressenti et son amour du genre avec une simplicité et une authenticité qui se lisent à chaque note. Les ambiances se confondent et se multiplient, passant de sonorités à la Ry Cooder à du Old-Tight plein de ressentis.
Guitariste, il ne l’était donc pas. Pourtant, NICO WAYNE TOUSSAINT fait aussi figure de vieux briscards, quant il fait parler la slide (« I Thank You God »). Et ça lui va plutôt bien quand il rend hommage au bluesman John Campbell sur le morceau du même nom. Plus relevé sur « Wanna Try Somebody » et « Valentine », il multiplie les ambiances (« Give Me Back The Key », « How Long To Heal ») avec une classe que l’on savait déjà grande.
Et si ce troisième album de la chanteuse, guitariste et compositrice LAURA COX n’était finalement pas celui de la maturité ? Après un nombre incalculable de concerts, celle qui a toujours livré un Hard Blues teinté de Southern propose avec « Head Above Water » un disque authentique, à l’équilibre parfait et solide et montre une grande confiance, notamment vocalement. La Française a franchi un cap, c’est une évidence, en réalisant un disque plus posé et plus roots aussi. Entretien avec la virtuose.
– Notre dernière interview date d’octobre 2020 lors d’un concert en Bretagne (salle Cap Caval à Penmarc’h – 29) et c’était le dernier avant l’interdiction. Et tu me disais que le Covid avait tué ton deuxième album. Depuis, tu as repris le chemin des concerts. Quel bilan tires-tu finalement de « Burning Bright » ?
Oui, on a été beaucoup freiné dans la promotion. L’album est sorti en novembre 2019 et ensuite, on a tourné jusqu’en mars seulement alors qu’on était en pleine lancée. C’est vrai que la vie du deuxième album a été un peu étrange. Mais on a beaucoup joué depuis l’année dernière et on a pu continuer à le faire vivre, mais tout a été un peu décalé. Le cycle des concerts a été très étrange aussi et c’est donc assez difficile d’en tirer un bilan. On l’a joué comme on a pu, mais je sens, comme les gens, qu’on a besoin d’un peu de fraîcheur, de nouvelles chansons… Et cet album va faire du bien à tout le monde !
– J’ai eu le plaisir de te voir au dernier ‘Hellfest’, pour bien commencer la journée, et tu nous as servi un set époustouflant. Toi qui es vraiment une artiste de scène, quel souvenir en gardes-tu, surtout après des mois très compliqués pour tout le monde ?
En fait, le ‘Hellfest’, on a eu le temps de s’y préparer, car on avait été programmé fin 2019 et ensuite cela a été reporté, reporté… Donc, j’ai eu le temps de le voir venir ! Mais c’était comme un rêve. Cela faisait des années que j’en rêvais ! C’était aussi un peu étrange, car j’y vais en tant que festivalière depuis 2010 et j’avais un peu l’impression d’être chez moi, à la maison, mais cette fois, c’était de l’autre côté : du côté artiste. Et l’accueil a été bon et on s’est éclaté malgré la chaleur. C’est un super souvenir, même si tout est passé très vite, puisqu’on a joué une trentaine de minutes. Et j’espère que ce ne sera pas notre dernier !
– Juste pour conclure sur ta prestation à Clisson, comment est-ce qu’on prépare un set dans des conditions comme celles-ci, à savoir une grande exposition et un passage assez court finalement ?
C’est vrai que c’est un show qu’on a vraiment préparé différemment. On a sélectionné les chansons les plus pêchues, parce qu’on sait très bien que les gens ne s’attendent pas à avoir 30 minutes de ballades. D’habitude, le set n’est pas construit comme ça, mais on joue très rarement aussi peu de temps. On y a mis toute notre énergie, même si on n’a pas trop nuancé en envoyant principalement des titres très Rock. On voulait quelque chose de dynamique, qui arrive à maintenir le public en haleine. Il y avait aussi quelques titres du nouvel album qu’on avait joué en avant-première. Rapide et efficace, au final !
– Parlons maintenant de ce très bon « Head Above Water » que tu es allée enregistrer à nouveau au mythique Studio ICP de Bruxelles en Belgique avec Erwin Autrique et Ted Jensen. L’ambiance devait être explosive pour ce troisième album après une telle attente, non ? Ou est-ce qu’au contraire tu étais plus sereine et détendue ? Ou les trois !?
J’étais assez sereine au final. L’enregistrement du premier album (« Hard Blues Shot » – NDR) avait été un peu compliqué, car je manquais de confiance en moi et l’ambiance n’était pas non plus super, car on avait eu des soucis techniques. Maintenant, plus ça va et plus tout se passe bien. On a travaillé dans la bonne humeur en étant studieux et productif, même si on s’est aussi beaucoup amusé. Je savais que j’étais bien entourée, que l’ambiance était bonne et puis, on n’avait pas rodé les chansons sur scène comme d’habitude, non plus. Elles étaient plus fraîches, plus spontanées, moins préparées et je pense que ce n’est vraiment pas un mal pour du Rock. Parfois, on a tendance à passer trop de temps sur une chanson et on se perd. J’ai abordé tout ça très sereinement en sachant aussi que ce ne serait pas de tout repos, parce qu’on avait deux semaines bookées et il fallait enregistrer tous les instruments additionnels que j’avais mis, les différentes pistes de guitares : il y avait quand même un peu de monde sur l’enregistrement. J’avais fait un petit planning et on était bien organisé.
– D’ailleurs pour rester sur l’enregistrement, beaucoup d’artistes de Blues rêvent d’aller enregistrer aux Etats-Unis ou même en Angleterre. Tu n’as pas été tenté par une aventure outre-Atlantique pour « Head Above Water » ?
En fait, mon label (Verycords- NDR) m’a proposé de repartir à l’ICP et comme cela s’était très bien passé pour le deuxième album (« Burning Bright » – NDR), il y avait un côté rassurant aussi, car je connais bien l’ingé-son, je connais bien le matos et l’accueil est très bon. C’est un super studio ! Je me sentais bien de revenir, car je savais qu’ils nous attendaient et où on allait enregistrer aussi. A un moment, je voudrais sûrement chercher d’autres sonorités, d’autres expériences. En tout cas, pour celui-là, on le sentait bien de le faire là-bas.
– Le titre de l’album en dit long sur ton état d’esprit à travers ces onze nouveaux titres, et pourtant c’est peut-être ton album le moins rageur, ce qui ne veut pas dire le moins fougueux ! Comment tu l’expliques ? Son écriture pendant le Covid peut-être ?
C’est ça ! Pour cet album, je voulais quelque chose de moins Hard, j’en avais un peu marre de crier tout le temps ! (Rires) Pendant le Covid, je suis partie au Portugal où j’ai composé la majorité des chansons près de l’océan. Je pense que ça a joué sur l’ambiance. Je voulais un album Rock et assez énergique, mais un peu moins dans le côté sombre et Hard. C’est ce que j’ai essayé de faire et je pense aussi qu’il me ressemble un peu plus. Le travail de compos était assez différent puisque, géographiquement, je n’étais pas au même endroit donc on a beaucoup moins travaillé ensemble. Quand je suis revenue, on a tout réarrangé en répétition et Mathieu (Albiac- NDR) a aussi apporté beaucoup de riffs et d’instrumentaux sur les morceaux les plus Hard, mais pour le reste, j’ai beaucoup plus travaillé en solo.
– Justement, je le trouve beaucoup plus Blues dans son ensemble et légèrement moins Rock dans l’approche. Il y a des aspects très roots avec notamment un banjo plus présent et de la slide aussi. Ca vient d’un désir d’explorer plus en profondeur toutes ces façons de faire sonner les cordes pour offrir un rendu peut-être moins massif ?
Oui, c’’est quelque chose que j’avais déjà un peu commencé à explorer avec le banjo, qui était beaucoup plus discret, sur les autres albums. J’ai eu envie de pousser ça un peu plus, car j’adore les instruments un peu Bluegrass. J’ai ajouté un peu de banjo, de la lap-steel et c’est quelque chose qui me plait vraiment de mixer toutes ses influences. C’est quelque chose que je pense garder comme ligne directrice pour les prochains disques. Je vais continuer à creuser dans cette direction.
– Pour avoir beaucoup écouté « Head Above Water », il a une sensation de road-trip qui règne sur l’album avec une dynamique qui ralentit un peu parfois, mais sans jamais s’arrêter. On fait un bon bout de route sous des cieux assez cléments et enjoués. C’était l’intention de départ ?
Oui, un peu à la façon d’un voyage. J’avais envie qu’on se plonge un peu là-dedans avec un trame directrice. Comme tu dis, il y a des plans un peu plus doux, mais j’avais envie de l’imaginer comme on le faisait à l’époque, qu’on l’écoute en entier et pas en choisissant les chansons à l’unité. Je l’ai pensé comme ça, effectivement. En tant qu’auditrice, c’est aussi comme ça que j’écoute la musique. J’aime bien écouter les albums dans leur intégralité, plutôt que de sélectionner des chansons.
– On est complètement d’accord ! Le streaming, je ne sais même pas ce que c’est…
(Rires) C’est pratique, mais ça a beaucoup moins de charme, c’est vrai. Je préfère acheter un album pour avoir le contenu physique entre les mains. Un disque, tu le regardes, tu le découvres… C’est aussi un voyage visuel et pas seulement musical.
– Vocalement aussi, on te sent plus apaisée et plus féminine aussi, dans le bon sens du terme. Si la guitare reste ton terrain de jeu favori, est-ce que tu as plus travaillé ta voix sur cet album pour qu’elle soit autant mise en avant et avec autant de variété ?
Justement, j’ai arrêté de me dire que je voulais chanter comme telle ou telle chanteuse et j’y suis allée naturellement en me disant comment est-ce que je sentais les choses. Je n’ai pris aucune référence sur les chansons et tout ça est sorti très naturellement. Je pense aussi que j’ai gagné en expérience et en confiance en moi. Et vocalement, tout a été plus simple que sur les précédents. Je pense aussi que c’est parce que je m’affirme de plus en plus.
– Un petit mot aussi sur cette pochette, presqu’iconique, sur laquelle tu arbores une belle Les Paul Junior. Il y a un petit côté ‘figurine’ légèrement en contraste avec l’album. Comment s’est effectué ce choix ? Car on connait l’importance d’une pochette d’album…
En fait, je ne pensais pas partir dans cette direction, j’avais d’autres idées en tête. On a fait un shooting et quand le photographe a regardé ses photos et regardé tout ce qui avait été fait, il s’est arrêté sur celle-ci. Il m’a dit qu’elle était simple, que la posture était bonne, qu’elle en imposait tout en restant sobre et il est parti là-dessus. Moi, je n’étais pas sûre. On en a parlé avec le label et tout le monde a été unanime. Et finalement, j’en suis contente, car cela reste simple et ça laisse aussi un peu de mystère, car les gens qui ne me connaissent pas ne savent pas forcément à quoi s’attendre. Il y a la guitare qui donne une indication, mais ça donne aussi envie d’écouter, car tu te demandes un peu quel style de musique tu vas avoir ! (Rires)
– Enfin, j’aimerais te poser une question au sujet de Joe Bonamassa qui vient de créer son label, KTBA Records, et qui enchaine les signatures. Déjà, est-ce que vous vous connaissez et est-ce qu’ensuite une telle aventure avec un grand monsieur du Blues comme lui te tenterait ? Ne serait-ce que pour bénéficier d’une exposition internationale…
On ne s’est jamais côtoyé, mais je sais qu’il a vu mon nom passer et qu’il m’a cité sur des forums par rapport à des vidéos que je postais. Je l’adore, c’est l’un de mes guitaristes préférés et techniquement peut-être même le meilleur. Mais je ne te cache pas que je suis chez Verycords depuis mes débuts, et earMusic pour l’international maintenant, et ça se passe vraiment bien. J’espère continuer avec eux, mais on pourrait collaborer avec Joe Bonamassa sous d’autres formes comme des premières parties, par exemple, se voir plus en live et en tournée. Et c’est vrai que cette visibilité côté américain serait très bienvenue.
Depuis, LAURA COX est annoncée sur la croisière « Keeping The Blues Alive At Sea Mediterranean III » du 17 au 22 août prochains entre la Grèce et la Croatie à bord du Norwegian Jade et sera entourée de grands noms du Blues… comme quoi !
« Head Above Water » est disponible chez Verycords/earMusic.
Une telle audace de la part d’une chanteuse dont la créativité semble sans limite est suffisamment rare pour être soulignée. Dans un esprit très indépendant et DIY, SUN brise les codes de la Pop, d’un Power Rock exalté et d’un Metal souvent convenu, et tout ça fait franchement plaisir à entendre. Avec « Brutal Pop II », la musicienne s’affirme pleinement, tout en installant un style bien à elle.
SUN
« Brutal Pop II »
(Independant)
L’artiste franco-allemande, pour le moins singulière, peut se targuer d’avoir créé un registre à part entière et dont elle a même nommé ses deux premiers EP, « Brutal Pop ». Et cette fois, c’est avec le ‘Volume II’ qu’elle vient confirmer et peaufiner une musique aussi étonnante qu’accrocheuse. SUN a trouvé sa voie, elle est toute tracée et tellement évidente. Une espèce d’OVNI musical rafraîchissant et dynamique.
Bien sûr, on retrouve tous les éléments propres à la Pop avec des refrains addictifs et des mélodies légères et efficaces. Pourtant, Karoline Rose, alias SUN, qui cumule les postes de chanteuse, guitariste, claviériste, parfois bassiste et bien sûr songwriter, livre un univers très particulier où se mêlent de puissants screams et des double-pédalages cher au Metal. L’art de se fondre dans les contraires avec beaucoup d’originalité et d’agilité.
Après une première réalisation de six titres et ce « Brutal Pop II » qui en compte cinq, les deux EP de SUN sont finalement indissociables l’un de l’autre, afin de mieux saisir la démarche et l’œuvre très personnelle de la frontwoman. Dans une atmosphère marquée par le son des 90’s, elle enchaîne brillamment des morceaux aux arrangements subtils (« Wave », « Strength », « Princess Erakin », « John And I »). A découvrir d’urgence !
Revenue brillamment sur le devant de la scène il y a quelques années et saluée par son précédent album, « Radio On! », LEE AARON semble entamer avec un féroce appétit une seconde partie de carrière, qui lui va vraiment très bien. Avec « Elevate », la Canadienne persiste avec son groupe à livrer des chansons toujours aussi Rock et Hard avec ce soupçon si particulier et bluesy dans la voix. Une nouvelle fois, elle vient nous parler de son nouvel opus avec toute la fraîcheur et le côté direct qui la caractérise.
– L’an dernier, lors de notre dernière interview, je t’avais trouvé particulièrement épanouie d’autant que « Radio On! » était un album très réussi. Quel accueil a-t-il reçu et a-t-il été au niveau de tes attentes ?
J’ai reçu d’excellentes critiques et il s’est très bien vendu, alors oui, je dirais que j’ai été comblée. J’étais très contente de cet album et de la qualité des chansons qui contient. Je pense que le groupe est devenu meilleur au niveau de l’écriture. Mais j’essaie de ne pas me fixer d’attentes particulière, parce qu’on ne peut pas faire de la musique en espérant plaire aux autres. Il faut d’abord se faire plaisir. Ensuite, on espère que d’autres l’aimeront aussi. Par exemple, notre album de Noël, « Almost Christmas », n’a pas reçu de critiques élogieuses de la part de la presse Metal, mais le single « It Doesn’t Often Snow At Christmas » a obtenu des dizaines de milliers de streams, donc les gens l’aiment et l’écoutent.
– « Elevate » arrive finalement assez rapidement, et il a été composé durant le confinement. Tu l’as vécu comme une façon de rompre avec l’isolement et peut-être aussi de transformer la situation en source d’inspiration ?
Absolument. Nous avons fait deux émissions pour « Radio On! », puis le monde s’est à nouveau arrêté. Je sentais qu’il était très important de garder le groupe connecté et créatif, alors j’ai décidé que nous devions faire un autre album tout de suite. « Elevate » a été écrit et enregistré entre l’été 2021 et le printemps 2022. C’est un projet qui a permis de garder tout le monde très concentré et positif.
– Depuis « Radio On! », tu fais preuve à travers tes morceaux d’une énergie incroyable et cela se traduit par des chansons extrêmement positives. C’est ta manière de travailler qui a changé, ou c’est un regard neuf sur ta démarche artistique ?
Comme je te le disais, je pense que le groupe a atteint un point idéal dans la composition des morceaux et la compréhension de chacun d’entre-vous. Nous avons tous des influences différentes que nous faisons fusionner pour qu’elles se fondent toutes pour créer notre ‘son’. C’est très Rock, c’est costaud et positif. Dave aime vraiment la Power-Pop, Sean aime les classiques des années 80 et j’aime tout de la Pop au Metal en passant par le Punk et le Blues. D’une manière ou d’une autre, tout finit par bien se mélanger et il en ressort du LEE AARON.
– D’ailleurs, et comme son nom l’indique, « Elevate » est une invitation à aller de l’avant dans sa vie et ses projets. Ton objectif était de délivrer un message positif et de transmettre ton côté très volontaire ?
Je ne suis pas sûr d’avoir commencé à écrire « Elevate » dans un ‘but’ précis. Cependant, il était difficile de ne pas être affecté par ce qui se passait dans le monde à l’époque. La pandémie, et le fait de ne plus pouvoir se voir en personne, semblaient faire ressortir le pire des gens en ligne. Les médias sociaux ont la capacité de diviser complètement les bonnes personnes et c’était difficile à regarder. Le thème général de l’album reflète cela, mais il y ajoute : « Hey, soyez intelligents et gentils les uns avec les autres ! »
– Sur « Elevate », on retrouve à nouveau ce côté très live et spontané. Vous enregistrez toujours tous les quatre ensembles ? Et il y aussi quelques arrangements de cordes très bien sentis…
Merci ! Oui, nous avons encore enregistré tous et en direct dans la même pièce aux Armory Studios de Vancouver. C’est notre manière préférée d’enregistrer. Je pense que le plaisir se traduit sur les morceaux quand vous pouvez tous être dans le même espace en train de rire ensemble. Et pour les cordes, j’ai fait tous les arrangements au synthé moi-même à la maison, et le violon (sur « Spitfire Woman ») a été joué et enregistré à Winnipeg par une merveilleuse violoniste nommée Karen Barg.
– Ce nouvel album garde toujours ce côté Rock très rafraîchissant et qui est devenu ta signature depuis « Fire And Gazoline » notamment. Finalement, c’est cet aspect brut et direct qui te convient le mieux, je trouve. On te sent en recherche d’efficacité tout en restant très spontanée. Tu ne te reconnais pas dans les grosses productions actuelles, souvent surfaites ?
Je crois que ‘moins’ se traduit par ‘plus’ en matière de production. Nous avons essayé de garder des choses très simples avec seulement deux pistes de guitare sur la plupart des chansons et tous les chœurs sont chantés par tout le groupe. J’ai appris au fil des ans qu’en ajoutant plus de choses, cela ne sonnait pas nécessairement plus gros. Cela rend simplement la production plus épaisse. L’une des choses merveilleuses à propos de mon groupe est que ce sont tous des musiciens fantastiques. Nous n’utilisons jamais de pistes d’accompagnement ou de clics en live et nous n’avons pas besoin d’ordinateurs pour faire un concert. Et je veux que les albums reflètent cela.
– J’aimerais aussi qu’on dise un mot au sujet de ta collaboration avec Mike Fraser. Il semble avoir vraiment saisi l’esprit de ton écriture et l’identité musicale du groupe. Comment se traduit son implication dans la production de l’album ?
Ce sont de très beaux compliments, merci. J’adore vraiment travailler avec Mike. Il est très talentueux et c’est un merveilleux ingénieur et mixeur, de classe mondiale et à tous les niveaux. J’ai produit l’album et géré la sélection finale des chansons et les arrangements qui, selon moi, étaient l’essence de ce que nous essayions de transmettre avec « Elevate ». Mike est un génie des sons de guitare organiques et de batterie. Et c’est là qu’il brille vraiment sur cet album. J’ai beaucoup appris en travaillant avec lui. De plus, c’est également une personne incroyable.
– Sur « Elevate », tu parles aussi des réseaux sociaux et de leurs dangers. Tu dis qu’il faut en éviter les pièges et je suis entièrement d’accord. Sans faire de leçons de morale, de quelle manière t’en préserves-tu, car on peut aussi en tirer bien des avantages ?
Je suis totalement coupable de passer trop de temps sur Internet comme tout le monde. Cependant, j’ai essayé d’être beaucoup plus consciente de la façon dont j’utilise les médias sociaux au cours des deux dernières années. Pendant le Covid, j’ai eu l’impression qu’il y avait un changement dans le comportement des gens en ligne. Sans interaction humaine et de responsabilité en face à face, les gens sont devenus assez méchants dans leur discours avec les autres. Il y a une polarisation effrayante qui se produit parce que ce que nous voyons que notre ‘flux’ et il est contrôlé par des analyses et des robots. Les gens ne voient vraiment que des informations qui correspondent à leur point de vue. Quand quelqu’un présente un avis différent, il se sent trahi ou choqué par celui-ci. Et la moitié du temps, les informations sont imposées, car il n’y a aucun contrôle en ligne pour empêcher les mensonges de devenir viraux. C’est un problème dangereux et omniprésent. J’espère que les gens prennent le temps de comprendre ce qui se passe, plutôt que de le perdre à faire défiler des vidéos Tik-Tok. Et puis, les médias sociaux peuvent également être mobilisés pour faire beaucoup de bien.
– Enfin, tu es venue jouer en France il y a peu de temps. Comment as-tu trouvé l’accueil du public, et quels souvenirs marquants en gardes-tu ?
Nous adorons la France ! Le public était incroyable et mes moments préférés ont été de rencontrer les fans après le spectacle. Ils étaient tous si chaleureux et aimables. Beaucoup avaient attendu des années pour nous voir et nous avons vraiment pu partager leur enthousiasme. Les organisateurs du festival étaient de vrais amateurs de musique Hard Rock et leur mission était de faire venir des groupes dont ils étaient fans. Ce genre de passion est vraiment spécial et ce sont mes types de festivals préférés. Et nous avons pu visiter la maison d’enfance d’Arthur Rimbaud qui appartient à Patty Smith, donc c’était génial aussi !
Le nouvel album de LEE AARON, « Elevate », est disponible chez Metalville Records.
Retrouvez également la première interview donnée à Rock’n Force par la chanteuse canadienne :
Passionnée et subtile, la chanteuse ELLES BAILEY a sorti son nouvel opus, conçu sur ses terres anglaises, en début d’année et « Shining in The Half Light » est étincelant de bout en bout. Parfaitement entouré de musiciens dont la sensibilité est éclatante, la compositrice britannique nous berce par sa voix gorgée d’émotion sur des morceaux d’un Americana Roots teinté de Blues incarné de la plus belle des manières.
ELLES BAILEY
« Shining In The Half Light »
(Outlaw Music)
Sorti en février dernier, je ne pardonne toujours pas d’être passé à côté de ce somptueux troisième album d’ELLES BAILEY. La chanteuse de Bristol y livre l’une de ses meilleures performances vocales. Alors qu’il devait être enregistré à Nashville, la pandémie l’a poussé à investir les studios de Middle Farm dans la campagne du Devon. Et « Shining In The Half Light » brille de mille feux.
Soutenues par un quatuor de choc, des chœurs exceptionnels et avec Dan Weller (Enter Shikari) à la production, les nouvelles compostions de l’Anglaise prennent du volume et la qualité de l’écriture fait le reste. Entre Americana Roots et Blues, ELLES BAILEY se hisse avec talent parmi les meilleurs songwriters du style avec notamment des ambiances Gospel absolument superbes.
Entraînante sur « Cheats And Liars », enjouée sur « The Game », bluesy sur « Colours Start To Run » et son magistral solo ou plus délicate sur « A Different King Of Love », ELLES BAILEY sait tout faire et la justesse dont elle fait preuve vient définitivement assoir son statut d’artiste incontournable. « Shining In The Half Light » s’impose comme un album de Blues Americana terriblement roots, expressif et addictif.
C’est vrai que le Blues et l’Americana sont un peu la chasse gardée des Etats-Unis, terre nourricière du style, mais l’Europe compte aussi de belles formations et de grands artistes. Et même si le grand public reste à conquérir, certains mènent habillement leur chemin grâce à une créativité et une sincérité irréprochable. MIKE ANDERSEN fait partie de cette catégorie de songwriter au jeu très personnel et d’un esthétisme musical sensible et affirmé.
MIKE ANDERSEN
« Raise Your Hand »
(Custom Records/Baco Music)
Reconnu à sa juste valeur en Scandinavie, le Danois MIKE ANDERSEN peine pourtant à émerger dans l’hexagone, malgré ce neuvième album qui vient s’ajouter à sa belle discographie. Depuis une vingtaine d’années maintenant, avec son groupe ou en solo, le songwriter est parvenu à imposer à son Blues Americana très Folk une identité qui fait de lui une valeur sûre du genre.
Caractérisé par une grande classe et une élégance naturelle, MIKE ANDERSEN parvient encore à se renouveler et « Raise Your Hand » marque un nouveau chapitre plein d’émotion à travers des compositions Blues, Country et Folk très bien senties. L’écriture raffinée du chanteur lui offre une fabuleuse marge de manœuvre, s’échappant aussi dans des sonorités nouvelles et des rythmes plus soutenus.
Ce n’est pas lui faire offense que de dire que son Blues sonne également terriblement européen, même si les codes viennent forcément d’outre-Atlantique (« Finally Free »). C’est justement ce qui fait l’une des particularités de MIKE ANDERSEN et son originalité. D’une grande fraîcheur et avec un chant très spontané, il parvient à envoûter son auditoire avec des morceaux à la fois touchants et authentiques (« I Can Dance », « Down In His Room », « What Can I Do »).
Toujours aussi souriante et pleine d’énergie, GAËLLE BUSWEL n’a pas levé le pied ces derniers mois et enchaîne concert sur concert avec son groupe. Forte d’un album très bien accueilli dès sa sortie en mars de l’année dernière, la chanteuse, guitariste et compositrice semble plus épanouie que jamais. Un an et demi après la sortie de « Your Journey », l’occasion était belle de prendre de ses nouvelles entre deux dates. Entretien.
– Notre dernière interview date de mars 2021, une semaine avant la sortie la sortie de « Your Journey » et en plein confinement. Il y avait de la frustration bien sûr, mais on te sentait aussi pleine d’énergie. Comment s’est faite la reprise des concerts et quel accueil l’album a-t-il reçu sur scène ? J’imagine que cela a du être explosif…
Ah, c’était génial que ça reparte, même si c’était très étrange au début. Les gens n’osaient pas encore ressortir, mais cela nous a permis de renouer avec la scène, de faire sonner nos amplis et de revoir notre public. La sortie de « Your Journey » a été vraiment superbe, il a reçu un superbe accueil de la presse et nos fans l’ont adoré. Je pense qu’il est sorti au bon moment pour rebooster le moral des gens… et le nôtre également ! J
– Au moment de la sortie, il y avait déjà beaucoup de choses de calées. Est-ce que les dates ont pu être reportées normalement et d’autres peut-être même ajoutées ?
Tout a été chamboulé ! Toutes les dates à l’étranger ont été reportées à l’année d’après et certaines autres tombaient du jour au lendemain. Même notre concert de sortie d’album a du être différé. Ca a été une nouvelle façon de s’organiser mais nous nous sommes adaptés et puis, nous n’avions pas vraiment le choix.
– Est-ce que pendant ce repos forcé, vous en avez profité pour réarranger certains nouveaux titres et peut-être aussi répéter et retravailler des plus anciens pour les inclure aux setlists ?
Cette période n’a pas été de tout repos, car nous avions chacun des engagements familiaux à gérer comme l’école à la maison pour certains. C’était très frustrant de ne pas pouvoir faire autant de musique que d’habitude, mais cela nous a permis de sortir un double album et d’offrir plus de musique aux gens. Au départ, notre album était déjà prêt en mars 2020, mais j’avoue que pendant cette année-là, ça m’a permis vraiment de l’apprécier en le rebossant à la maison avant sa sortie. Souvent, on enregistre, l’album sort et on part en tournée. Ensuite une fois sur scène, les chansons ne nous appartiennent plus, les gens se les approprient suivant leur ressenti et leur histoire. Là, nous avions un album prêt depuis un an.
– Pour t’avoir suivi sur les réseaux sociaux durant ces mois de reprise, j’ai pu voir qu’il règne une très belle ambiance au sein du groupe. Ce début de tournée m’a paru très spécial et particulier avec beaucoup de joie et une très belle dynamique. Qu’est-ce qui a été le plus excitant : retrouver le public ou présenter enfin le nouvel album ?
J’avoue que j’adore mon équipe, c’est ma famille. Se retrouver sur scène pour ce qu’on aime faire, c’était génial, car la musique se partage en live, pas derrière un écran. Et nous avons pu retrouver cette symbiose que nous avions tous ensemble et revoir le public nous a fait le plus grand bien également. C’est pour ça qu’on aime tant ce métier, c’est pour ce que ça dégage, ce moment unique qui se suspend à chaque concert, cette énergie qui se dégage du public et ce qu’on partage tous ensemble.
– Les mois suivants, ça a été le début des festivals. Là aussi, beaucoup d’émotions, j’imagine, face à des foules plus importantes et un enthousiasme décuplé. De quelle manière as-tu abordé ces ‘grands rendez-vous’ ?
Nous étions un peu perdus, les scènes paraissaient immenses et on ne savait plus trop comment parler aux gens sans aborder ce sujet de confinement. J’étais surexcitée que ça reparte et en même temps un peu stressée. Est-ce que ma voix allait tenir après un an au calme ? Car bosser à la maison et en live ne demande pas du tout la même énergie. Est-ce que les gens seront toujours là ? Et les voir masqués crée, mine de rien, une distance. C’était très mitigé ! (Rires) Mais nous avons vite repris goût à tout ça ! J
Et cette année est repartie sur les chapeaux de roues ! Quel bonheur de se dire dans un coin de la tête, « allez, oublions ce qui s’est passé et vivons l’instant présent pour continuer d’avancer ». Il y a eu des moments grandioses comme les retrouvailles avec tous les groupes que nous croisons sur les routes, les artistes étrangers, les fans… Ca fait vraiment du bien !
– Début septembre, il y aussi eu cette date au Kazakhstan, après la Roumanie. Comment cela s’est-il passé ? Cela doit avoir une saveur très particulière de se produire devant un public qui ne te connait pas forcément ?
Oui, c’était fabuleux. On ne savait pas du tout à quoi s’attendre, car nous sommes vraiment inconnus là-bas et c’était une belle surprise. Nous avons reçu un superbe accueil et rencontré beaucoup de gens qui apprenaient le français, et du coup l’échange était magique. C’est un sacré challenge de monter sur scène et de se dire que 100% des gens qui sont en face n’ont jamais entendu ta musique. C’est une première rencontre ! J
– Au-delà de la tournée, il y a également eu de magnifiques premières parties. Zucchero, Mavis Staples, Ana Popovic, George Thorogood, Kiefer Sutherland, Foreigner, Blue Öyster Cult… C’est une année splendide ! Ca valait bien un petit confinement finalement, non ?
J’avoue que cette année été parfaite. C’était de sublimes rencontres avec ces artistes et leur public. Ca motive tellement de rencontrer certaines légendes et de partager un moment de musique avec eux.
– Sans te demander avec qui tu as eu le plus de plaisir à partager la scène… Quoique ! Quel public t’a le plus surpris et le plus ému, car les gens viennent surtout pour la tête d’affiche ?
Ah, je me souviendrai toujours de notre première partie de Jonny Lang à la Cigale et celle de ZZ Top au Zénith de Nancy, car à la fin le public nous a fait une standing-ovation. Ca nous a mis les poils !
– Enfin, je sais que les concerts continuent encore, et tant mieux !, mais est-ce que tu penses déjà au prochain album ? Tu as quelques morceaux de côté, ou quelques mélodies ou des textes dans un coin de la tête ?
Ah oui ! On pense déjà à la suite !!! C’est reparti et plus rien ne nous arrêtera ! J
Le dernier album de GAËLLE BUSWEL, « Your Journey », est toujours disponible chez Verycords.
Authentique et sincère, Leather Leone a le Heavy Metal chevillé au corps et demeure son porte-voix depuis plus de trois décennies maintenant. Avec une puissance vocale intacte et une envie qui semble décupler à chaque album, la frontwoman américaine sort son troisième album en solo, « We Are The Chosen », véritable plaidoyer à ce style qu’elle incarne littéralement. Avant d’entamer les concerts, LEATHER revient sur son parcours et sur cette nouvelle réalisation. Entretien.
– Notre première et unique interview date de 1989 pour la sortie de « Shock Waves » et pour avoir suivi ta carrière, ce qui m’étonne le plus, c’est que ta voix n’a pas changé. Comment fais-tu pour conserver une telle puissance et une telle énergie ?
Merci beaucoup. C’est une sorte de force primale qui me traverse quand j’entends une guitare électrique ! Sinon, je fais du cardio, je bois des quantités incroyables d’eau, je travaille ma voix (parfois) pendant 30 à 40 minutes avec un bon volume sonore et j’essaie bien de dormir. Mais c’est vrai que c’est une bénédiction de posséder une telle puissance.
– A cette époque-là, tu chantais dans Chastain avec David, avec qui tu as sorti de très bons albums comme « The 7th Of Never » ou « The Voice Of The Cult ». Et après « For Those Who Dare », tu as fait un long break de 20 ans. Pour quelles raisons as-tu quitté la scène à ce moment-là et pendant si longtemps ?
Je voulais que le groupe développe un Metal plus agressif. Mais je n’ai pas eu beaucoup de chance, car personne n’était intéressé par ce nouveau projet. Comme je ne suis pas du genre à faire des compromis, pour quelque raison que ce soit, je suis partie. Cependant, je suis fière de la marque que j’ai laissée avec Chastain. Cela n’a pas vraiment été un gros problème, et puis le temps s’est écoulé. Au final, je voulais prendre six mois de congés, et puis…
– Ensuite, tu es revenue toujours au sein de Chastain pour deux albums avant de sortir « Leather II » il y a cinq ans. A quel moment, as-tu ressenti le besoin de continuer en solo, ou en tout cas avec un autre groupe et sous ton nom ?
C’est juste parce que j’ai encore pas mal de choses à dire. Et je voulais écrire mes propres chansons, faire mon propre truc. Je n’avais jamais réalisé à quel point je ressentais cela jusqu’à ce que l’opportunité se présente. J’ai rencontré Vinnie Tex et le chemin s’est ouvert à moi. On écrit bien ensemble, il me comprend musicalement. Et je suis très excitée sur ce que nous réserve l’avenir.
– Te voici de retour avec « We Are The Chosen », dont le titre est lourd de sens. On y décèle beaucoup de motivation et de persévérance. On a le sentiment que tu as du faire face à de nombreux obstacles pour parvenir à tes fins. C’est le cas ?
Oui, comme tout le monde, je pense… La vie est un voyage permanent où on essaie d’aller quelque part… Beaucoup de situations ont changé pour moi musicalement en 2019. J’ai juste pris une profonde respiration et j’ai avancé. J’avais déjà tout ça en tête depuis un certain temps. Ca a été un vrai soulagement de pouvoir l’exprimer à travers le Metal. Et je savais que tout le monde me comprendrait : « Nous sommes les élus » !
– Parlons des musiciens qui t’accompagnent et notamment du Brésilien Vinnie Tex avec qui tu as travaillé en étroite collaboration sur l’album. Comment vous êtes-vous rencontrés et quel a été le déclic de cette complicité qui paraît si évidente ?
J’ai rencontré Vinnie en 2016 lors d’une tournée en Amérique du Sud avec Rob Rock. Nous sommes devenus amis. Finalement, c’était la seule personne qui était à mes côtés. Et nous étions tous les deux un peu incertains quant à nos efforts musicaux respectifs… (Rires) Mais nous avons vite découvert que nous étions sur la même longueur d’onde artistiquement. Nous sommes deux personnes complètement différentes, mais nous nous retrouvons totalement dès qu’il s’agit de Metal. Je suis bénie !
– On sent aussi que ton amour pour le Heavy Metal est toujours intacte et très vivant même ! « We Are The Chosen » sonne très actuel et pourtant il y a ce côté intemporel que d’aucun appelle ‘Old School’. On te sent presqu’imperméable aux modes d’ailleurs. Est-ce que tu gardes un œil sur ce qui se fait de nouveau en matière de Metal, et pas uniquement de Heavy ?
Oui, un peu. Je suis une grande fan de Metal extrême. Ma playlist Spotify est composée d’Arch Enemy, Jinjer, Lamb of God, Spiritbox et bien sûr Dio !! L’agressivité du Metal d’aujourd’hui est tout simplement fantastique… Elle me nourrit énormément.
– Ce troisième album contient des morceaux très forts et très caractéristiques de ton style et aussi de ta carrière comme « We Take Back Control », « Who Rules The World » ou « Off With Your Heart ». On a presque l’impression que « We Are The Chosen » est une ode au Heavy Metal originel et à sa vitalité malgré les années qui passent…
Merci beaucoup. C’est ce que je fais depuis toujours. En fait, je n’ai jamais entrepris d’écrire de la musique de telle ou telle manière… C’est juste ce que je suis. Et je le fais fièrement.
– Il y a aussi « Hallowed Ground » qui est dédié au grand Ronnie James Dio, qui est une influence majeure chez toi et que tu as croisé à de nombreuses reprises. Ca t’a paru une évidence de lui consacrer un morceau ?
Oui, et c’est toujours le cas. Quand j’ai l’opportunité de créer, il est là avec moi. Son influence sur moi est stupéfiante, c’est vrai. La moindre des choses que je puisse faire, c’est du Metal pour lui, pour lui dire merci.
– Pour parler de la production de l’album, comment une chanteuse américaine et un guitariste brésilien se retrouvent-ils en Pologne pour enregistrer un disque ? C’est quelque chose de peu banal…
J’ai donc rencontré Vinnie en 2016 sur la tournée de Rob Rock avec qui il jouait. Et nous avons fini par faire « II » ensemble. A ce moment-là, on était sur la route, près de la Pologne, et on a décidé de refaire quelques pistes vocales sur l’album. Vinnie était en relation avec les studios Hertz, puisqu’il a une grande expérience du Metal extrême. Ils m’ont invité et l’expérience a été exceptionnelle. Le Metal est imprégné jusque dans les murs du studio, grâce à des groupes comme Behemoth, Vador, Hate… Il y avait un réel sentiment de créativité et de détente, et c’est exactement ce dont j’avais besoin et aussi de faire partie d’une telle équipe.
– J’aimerais que tu nous dises un mot sur la pochette de « We Are The Chosen », qui est signée Marcelo Vasco qui a aussi travaillé pour Slayer, Kreator et Testament. Là aussi, tu avais le désir de perpétuer une certaine tradition ?
J’aime les icônes et l’imagerie du Metal extrême. Ma vie musicale à ce moment-là était si chaotique que c’était exactement ce qu’il me convenait. Et puis, c’est un ami de Vinnie. Je lui ai envoyé la photo et je lui ai demandé s’il pouvait essayer de créer quelque chose de légèrement démoniaque, un peu dérangé… et il a réussi ! Je suis tellement fière de l’avoir maintenant dans mon équipe !
– Enfin, on sent une grande fraîcheur sur ce nouvel album et beaucoup d’envie surtout. Il dégage beaucoup de force comme si tu nourrissais ces morceaux depuis un long moment, malgré leur spontanéité. Tu dois être vraiment impatiente d’aller le défendre sur scène, j’imagine…
Oh oui ! C’est mon objectif principal… Tourner, tourner, tourner ! D’ailleurs, je vous invite à me suivre sur les réseaux sociaux, je les actualise au fur et à mesure que les dates s’ajoutent. Et encore un immense merci à vous tous pour votre soutien à « We Are The Chosen » !
L’album de LEATHER, « We Are The Chosen », sera disponible le 25 novembre chez Steamhammer/SPV.
Même si le style est essentiellement joué en Amérique du Nord, l’Americana qu’interprète ALYSSA BOURJLATE est d’une étonnante authenticité, compte tenu de sa rareté dans l’hexagone. Sur « I’ve Lost Myself On The Way », la chanteuse et compositrice française fait de sa sincérité une force et un atout majeur.
ALYSSA BOURJLATE
« I’ve Lost Myself On The Way »
(Independent)
Après des débuts assez discrets sous son seul prénom et avec deux albums en français, « Insomnie » (2008) et « Mariage Noir » (2010), ALYSSA BOURJLATE prend un virage très Americana, un style peu répandu chez nous et qui marie Country, Blues, Folk, et Rock avec une approche très narrative. Entièrement écrit en anglais, ce troisième opus marque une nouvelle entrée en matière très réussie et particulièrement convaincante.
Soutenue par un groupe de musiciens chevronnés (guitare, basse, batterie, banjo, harmonica), c’est en songwriter avertie que se présente ALYSSA BOURJLATE avec des morceaux très personnels et tout en délicatesse. Ecrit et composé par ses soins, « I’ve Lost Myself On The Way » retrace finalement, et avec élégance, le parcours de la chanteuse ces dix dernières années. L’essence-même de l’Americana…
Très bien produit, l’ensemble est constitué de titres d’une belle unité artistique à la fois intimistes et dynamiques (« High And Dry », « Outlaw », « King Of Sadness », « Never Be Yours »). Par ailleurs, ALYSSA BOURJLATE a eu la bonne inspiration de reprendre « Cry To Me » du grand Salomon Burke et aussi « Losing My Religion » de R.E.M., dont la présence interroge un peu par son décalage. Un disque et une chanteuse à découvrir d’urgence.