Depuis 2014, les Allemands de HOUND développent un style et surtout une approche très personnelle du Hard Rock originel. Sur des bases solides et mélodiques, le quatuor apporte des touches psychédéliques et bluesy très pertinentes. « I Know My Enemies » est créatif, atypique et réellement addictif. Ce deuxième album ne souffre d’aucune faille.
HOUND
« I Know My Enemies »
(Metalville Records)
Il y a un côté diabolique et fascinant dans l’approche de la musique de HOUND. Défenseur d’un Hard Rock 70’s très vintage, le groupe s’est encore surpassé sur ce deuxième album où il apporte un souffle nouveau à l’âme d’un style tellement ancré dans ses traditions artistiques. Sauvage et plein de maîtrise, le quatuor allemand ne manque pas d’appétit et cela se ressent sur chaque titre de « I Know My Enemies ».
C’est avec une grande dévotion que HOUND insuffle une énergie très actuelle à ce registre qui semble tellement les avoir marqué. Du haut de sa fougueuse jeunesse, le combo distille des morceaux très matures avec un gros son et une production lourde et massive. L’album regorge de perles vintage, qui virevoltent de toute part grâce à des riffs appuyés, une basse hyper-groovy et une batterie déchaînée.
De « Sleep Is Thunder » à « The Downfall » en passant par « All Of Us », « Fortune », « Without A Sound » et le génial « Loyalty », HOUND nous projette dans une dimension dans laquelle le guitariste Nando Grujic déploie son talent sur des solos aériens , perchés et d’un feeling incroyable. Au chant, Wanja Neite dans un registre très androgyne fait preuve de finesse et de sensibilité, tout en restant très Rock. Une merveille !
Puissant et épais, percutant et massif, « Holding Time », le premier album des Américains de BLACKJACK MOUNTAIN, est tout cela à la fois. La qualité des mélodies et l’impact de son chanteur rend le Heavy Stoner du trio très Southern et Hard Rock et c’est franchement savoureux. Un mélange parfaitement dosé offre un style rugueux, accrocheur et épicé à souhait.
BLACKJACK MOUNTAIN
« Holding Time »
(Independant)
La Georgie n’enfante pas seulement des groupes de Blues, de Country ou de Southern Rock. Il existe quelques formations qui sortent du sérail et le trio de Carrollton en fait partie. Avec un petit côté Old School, qui signifie ici que le combo respecte le passé et la tradition, BLACKJACK MOUNTAIN propose un Stoner Heavy Southern mâtiné de Hard Rock très 70’s et surtout un groove imparable.
Sur des mélodies vocales accrocheuses et vraiment contagieuses, les Américains livrent leur premier album, « Holding Time », dont les compositions et la production sont un vrai ravissement (« What I Need », « Red Eagle »). Les basses grondantes et la fougue des rythmiques ne laissent pas de place au doute : BLACKJACK MOUNTAIN maîtrise son sujet et ce crossover volumineux sort de la brume.
Le trio poursuit sa route, balayant tout sur son passage avec des morceaux costauds et radicaux (« Devil In The Dark », « Witch Of The Swamp »). Les Sudistes balaient les courants et les modes à grand coup de riffs percutants, tout en laissant quelques respirations (« Nevermore », « Rivers Flows », « Echoes Of Time »). Comme souvent outre-Atlantique, les autoproductions surprennent par leur qualité et BLACKJACK MOUNTAIN est de cette trempe.
Fort d’une belle assurance, EVERTURE livre un premier album très abouti, dynamique et mélodique. Dans un Alternative Metal plein d’énergie, le quintet finlandais fait preuve de beaucoup d’allant et de générosité sur ce « Emerge » bien produit et plein de feeling.
EVERTURE
« Emerge »
(Inverse Records)
Les Finlandais d’EVERTURE ont fait les choses dans l’ordre. Après deux bons singles enregistrés depuis 2019 (« Rightly Accused » et « Long Way Down »), le groupe a senti l’heure de son premier album sonner. Et même si le parcours a été semé d’embuches et de multiples péripéties, le quintet est parvenu à mettre en boîte ce très bon « Emerge » tout en variations et aéré.
Relevé et mélodique, ce premier opus est plein de promesses et de bonnes surprises. La rythmique est solide, les deux guitaristes se font plaisir et cela s’entend, et le frontman du combo livre une superbe prestation où il passe en revue une palette vocale très diversifié. EVERTURE a peaufiné son Metal Alternatif avec soin et talent.
Dans une veine très US, les Finlandais balancent d’entrée de jeu des morceaux bien rentre-dedans, costauds et accrocheurs (« In Between », « For Tomorrow »). Très bon techniquement, le quintet se veut aussi très fédérateur (« Undersky », « Closure »). Et EVERTURE sait aussi se montrer plus féroce et presque Nu Metal avec un chant brut (« The Rivers Flows », « The Unfortunate End »). Un premier album très réussi !
Chanteuse, guitariste et auteure-compositrice naviguant entre Blues, Folk et Rock depuis une dizaine d’années, GAËLLE BUSWEL sort son quatrième album, « Your Journey » (Verycords), probablement le plus accompli de la carrière de la Française. Sur une production riche au son très analogique, ces nouveaux morceaux marquent une nouvelle étape pour la musicienne. Entretien avec une artiste qui n’a qu’une hâte : remonter sur scène !
Photo : Eymard Guillaume
– On ne va pas refaire ton parcours mais depuis 2012, tu t’es faite une belle place au sein de la scène Blues française et au-delà. Avec ce quatrième album, tu viens encore confirmer une sacrée respectabilité. Et comme dans ton nouveau clip, on te sent radieuse…
Merci… C’est vrai que pour ce nouvel album, nous avons eu beaucoup plus de temps que pour les précédents pour la partie artistique, et notamment en studio. On y a mis toute notre énergie et c’est un album qui est beaucoup plus produit et sur lequel on a aussi vraiment eu envie de franchir une étape au niveau de la maturité musicale. Il y a aussi une prise de risque plus importante avec des morceaux plus Rock et des choses plus poussées. Notre chance a vraiment été d’avoir autant de temps pour nous y consacrer et c’est quelque chose de très positif. Par exemple, lorsque nous étions au studio ICP à Bruxelles, il y a des morceaux qui ont été entièrement écrits de A à Z pendant l’enregistrement. On avait même plus de titres de prévu au final. (Rires)
– « Your Journey » sort à la fin du mois et il est franchement très bon. On y retrouve ta touche personnelle bien sûr et on a aussi l’impression qu’un cap a été franchi musicalement. Comment l’interprètes-tu ?
C’est assez difficile à expliquer, mais c’était une volonté de notre part. C’est le quatrième album, les gens qui nous suivent connaissent bien notre univers. On a voulu oser et aller chercher des choses. Et comme un disque est un instant T, j’avais des choses à dire avec un impact plus important et plus poussé sur certains titres. J’ai aussi voulu montrer toutes les facettes que j’aime dans le Blues, le Rock et la Folk.
– L’album a été enregistré entre Bruxelles et Londres dans les fameux studios d’Abbey Road. Ca a du être un moment intense et une sorte d’accomplissement, non ?
Oui, c’était vraiment un grand moment ! Même au moment de poser le pied sur la première marche, on n’y croyait même pas en fait ! Il y a eu ensuite un grand moment d’émotion, parce que c’est un studio dans lequel tous les grands artistes sont passés. C’était fort de se retrouver là-bas, parce que les Beatles y ont enregistré et on avait fait la première partie de Ringo Starr en 2018. Et puis, nous avons aussi un morceau des Beatles qui nous suit sur la route depuis 10 ans maintenant. C’est vraiment un accomplissement de se retrouver dans ce studio. C’est aussi quelque chose qui a pu se réaliser grâce au soutien de nos fans. L’émotion vient aussi du fait que les lieux sont chargés d’une énergie assez indescriptible qui émane des murs. C’est impressionnant au point que nous étions tous super émus. Et puis derrière la console, il y avait Chris Bolster, qui a notamment travaillé avec Paul McCartney et les Foo Fighters. J’avais l’impression que c’était la première fois que je rentrais dans un studio ! (Rires) On se sent tout petit ! L’histoire d’Abbey Road nous a mis dans tous nos états. C’était très, très émotionnel ! (Rires)
Photo : Eymard Guillaume
– Avant ça, dans quelles conditions et quand as-tu composé ces nouveaux morceaux ?
On a eu la chance de composer l’album juste avant la pandémie, il était prêt fin 2019. L’écriture a débuté en 2018 et on en avait d’ailleurs déjà fait tourner quelques uns sur scène. Pour la composition, quand tu arrives à ton quatrième album, les choses changent. J’ai fait énormément de collaborations avec mon équipe et Michal notamment qui co-compose pas mal de titres. Et au niveau des textes, j’ai travaillé avec la parolière américaine Angela Randall. Steve Belmonte, mon batteur, a aussi composé pour l’album. On s’est ouvert les uns aux autres, parce que cela fait aussi 10 ans qu’on travaille tous ensemble et on se connait tous très bien. C’était très intéressant et enrichissant de justement pouvoir partager ça. Sur « Last Day » par exemple, toute l’équipe a composé le morceau. C’était d’ailleurs la première fois qu’on écrivait collectivement.
– Sur une base Blues, Rock et Folk, les riffs rugueux sont très présents et de belles guitares présentent des solos peu démonstratifs, mais très efficaces. Et on retrouve cette même efficacité dans le songwriting de l’album. C’est quelque chose que tu recherchais ? Etre directe dans l’écriture ?
J’aime laisser place à la musique. Tous les musiciens de l’équipe sont vraiment très bons et c’est très important que chacun trouve sa place. Pour les guitares, j’ai la chance d’avoir un guitariste exceptionnel. L’idée était aussi d’aller droit au but, de ne pas tourner autour du pot. On avait des choses à dire et on a été direct pour que les gens saisissent bien le message. C’est vrai qu’il y a moins de métaphores. On avait aussi des coups de gueule et des coups de cœur à faire passer dans ces chansons.
– On notre aussi un bel équilibre entre les guitares acoustiques et électriques. C’était quelque chose que tu souhaitais ou cela s’est fait comme ça ? D’ailleurs, tu composes sur quel type de guitare ?
L’équilibre s’est fait très naturellement. On est vraiment au service de la chanson lorsqu’on compose, des arrangements jusqu’à son aboutissement. J’ai une vieille petite guitare des années 50 sur laquelle je compose tous mes morceaux et qui me suit depuis 11 ans. Je n’arrive pas encore à le faire sur une autre. Je pense qu’il y a surtout un aspect émotionnel. Je ne suis pas une grande technicienne. Ma démarche d’écriture et de composition est très spirituelle. Je suis en symbiose avec ma guitare, ce qu’elle dégage, les énergies que je peux ressentir avec la caisse qui vibre quand je chante en même temps… C’est une démarche un peu particulière, c’est vrai. On va dire que je suis un peu perchée, mais c’est ma façon de composer. (Rires)
Photo : Eymard Guillaume
– La présence des chœurs donne aussi un côté très Soul sur plusieurs morceaux avec des mélodies très accrocheuses. Là aussi, il semble y avoir eu un gros travail sur les voix…
En fait, ce sont les garçons qui m’ont demandé de faire tous les chœurs en me disant que ma voix se mélangerait bien aux harmonies. C’était un challenge pour moi, car c’était la première fois que j’enregistrais toutes les lignes de chœur. L’idée était d’apporter quelque chose de différent. Et ça a aussi été l’occasion d’aller chercher des choses dans ma voix, notamment au niveau des tessitures, ce que je n’avais jamais fait auparavant. J’ai pu exploiter la puissance des aigus notamment, car les chansons s’y sont prêtées. Je ne me suis pas limitée du tout. On a tous laissé parler nos instruments, notre cœur et notre âme…
– Justement, y a-t-il des choses que tu as expérimenté et que tu t’es enfin autorisée sur « Your Journey » ?
On s’est tout autorisé, en fait ! Même dans le style avec des titres très rentre-dedans. Et le simple fait de sortir un album a également beaucoup changé. Les gens peuvent avoir un coup de cœur pour une chanson qu’ils vont télécharger sur Internet. On a la chance d’avoir des fans qui défendent l’objet physique, alors on a d’abord pensé à eux. On a voulu explorer et tenter beaucoup de choses qui étaient en nous depuis pas mal de temps. On les a vraiment laissé sortir sur cet album en se faisant plaisir et en apportant de nouvelles choses. Sur un quatrième album, je pense qu’il y a aussi une étape à franchir et je pense qu’on a bien relevé ce défi-là.
– Enfin, tu ne vas malheureusement pas pouvoir défendre ton nouvel album en concert tout de suite. Comment vis-tu cette situation qui dure depuis un an maintenant ?
On espère vite reprendre la route, car cette période est hyper-frustrante. Ca fait un an qu’on n’a pas mis les pieds sur une scène et c’est vraiment notre place… et pas ailleurs ! Faire du live temporairement derrière un écran, c’est cool parce qu’il faut de toute façon continuer à faire vivre notre musique et on s’adapte aussi à la situation. Mais nous voulons que ça reprenne très rapidement, car on a vraiment envie de lâcher les chevaux ! Cet album est en nous depuis près d’un an et demi et on est prêt à le défendre sur scène, à vibrer avec un vrai public ! La musique ne se partage simplement en lâchant un titre sur la toile. Une chanson prend tout son sens quand on peut la partager et l’échanger avec des gens en face de nous. Maintenant, on prend le risque de sortir un album en plein Covid et on espère que les gens vont nous soutenir pour faire vivre ce disque, parce que notre rôle est aussi d’apporter ces moments d’évasion !
« Your Journey » sera disponible le 26 mars chez Verycords.
RED CARDELL, ce sont des milliers de concerts depuis 1992 et une communion de chaque instant avec son public. Alors en cette période sombre et trouble, le groupe est orphelin et laissé à l’écart par cette situation inédite. Mais les Finistériens ne sont pas restés les bras croisés, loin de là, et décident aujourd’hui de faire un beau cadeau à leurs fans avec ce « Climatik » sensible, touchant et plein d’espoir.
RED CARDELL
« Climatik »
(Coop Breizh)
L’emblématique groupe breton RED CARDELL s’est retrouvé, comme tout le monde, le bec dans l’eau et surtout privé de son terrain de jeu : la scène. C’est en préparant leur futur set acoustique prévu pour la reprise des concerts en jauge réduite que les Quimpérois ont eu la très bonne idée de prendre trois jours, les 5, 6 et 7 octobre dernier dans le studio Le Chausson de Plestin Les Grèves, pour réenregistrer de nouvelles versions entièrement acoustiques de neuf morceaux de leur vaste répertoire.
C’est donc avec un regard nouveau et sous une autre lumière que RED CARDELL revisite en acoustique ses chansons qui ont laissé tellement de beaux souvenirs en concert. Extraites des albums « Un monde tout à l’envers », « Rock’n roll Comédie », « 3 », « Douleur », « Sans Fard », « Rouge » et « Courir », elles font étonnamment écho à la pénible période que nous vivons. Visionnaire et intemporel, le quatuor avance avec toujours cette même intensité et une sincérité incroyable. Les frissons parcourent une fois encore cet album…
Neuf titres ont donc été enregistrés en session live en studio, tandis que la chanson « Climatik » est extraite d’un concert unplugged au Théâtre de Morlaix en juin 2018, tout comme « Comme une pierre qui roule » et « Le Fond », issues de ce même concert. L’émotion qui émane de ces morceaux, que l’on connait pourtant très bien, rappelle ô combien RED CARDELL a fait de l’authenticité sa marque de fabrique (« A Rochechouart », « Si Mille Choses », « Fantômes », « Le Petit Bistrot »).
Enregistré sans public, « Climatik » est un avant tout un cadeau aux fans, aux Bretons et à tous les mélomanes en manque de concerts. Alors, en attendant de retrouver le groupe sur les planches, on se régale des nouvelles interprétations de « La Scène », « A Montparnasse », « Rock’n Roll Comédie » ou du grand classique « We’ve got to be alone », toujours aussi passionné et prenant. Disponible sur toutes les plateformes numériques, « Climatik » est en téléchargement gratuit jusqu’au 22 mars, alors ne traînez pas !
Le frontman allemand est l’un des rares à avoir pu fouler une scène en 2020 et ce sont les Bulgares qui ont eu ce privilège en septembre dernier. L’ancien chanteur d’Accept (dont je ne comprends toujours l’actuelle légitimité) en a d’ailleurs eu des frissons tellement ce concert est exceptionnel dans l’énergie et la communion. Une soirée magique qu’on espère tous aussi revivre le plus vite possible.
U.D.O.
« Live in Bulgaria 2020 – Pandemic Survival Show »
(AFM Records)
Qu’est-ce qu’il fait du bien ce double-album live d’UDO ! Enregistré dans le majestueux amphithéâtre romain de Plovdiv en Bulgarie le 18 septembre 2020, il est l’un des rares concerts ayant pu se dérouler (presque) normalement durant cette année silencieuse. Tout en respectant les restrictions sanitaires, les 2.500 personnes présentes ont du passer une soirée mémorable, car l’Allemand a passé en revue son répertoire avec classe.
D’ailleurs, si vous n’avez pas encore fait vos achats de mars, oubliez vite le dernier album de son ancien groupe Accept qui ne présente que très peu d’intérêt, et reprenez une dose de Heavy Metal teuton, délivré par l’un des maîtres du genre. Accompagné d’Andrey Smirnov (guitare), Fabian Dee Dammers (guitare), Tilen Hudrap (basse) et Sven Dirkschneider (batterie), UDO montre une forme éblouissante face à un public qui le lui rend bien.
Composé de 25 morceaux parmi les classiques de la carrière solo du frontman, on retrouve avec plaisir des versions dynamitées de ses morceaux avec Accept (« Midnight Mover », « Balls To Wall », « Metal Heart », « Princess Of The Dawn », « Fast As A Shark »). Mais c’est encore dans ses propres compos qu’il est le plus à son aise (« Vendetta », « Make The Move », « Man And Machine », « Animal House », « In The Darkness »). UDO est royal et régale !
LIQUID BEAR n’a pas voulu faire de 2020 une année blanche, et on ne peut que s’en réjouir. Le Stoner Rock Psych distillé les Parisiens réveille de beaux souvenirs très 70’s et progressifs, tout en restant solidement ancré dans son temps. Avec « Heavy Grounds », le quatuor propose un très bon EP, solide et sensible.
LIQUID BEAR
« Heavy Grounds »
(Independant)
Après son premier EP, « Unwind » sorti fin 2018, LIQUID BEAR n’a pu s’empêcher, faute de concerts, d’entrer en studio l’an dernier pour y enregistrer un second. Une manière aussi d’exorciser cette difficile et maudite année que les Parisiens ont décidé de dépeindre à travers cinq titres, où le quatuor affirme vraiment son style. Et « Heavy Grounds » se projette dans un concentré efficace des influences du groupe.
Dans un ensemble très progressif, les Franciliens se présentent dans un style Rock très varié dont la structure des morceaux est très connotée et marquée par les 70’s. Cela dit, LIQUID BEAR y pose une touche très actuelle, même si le chemin emprunté semble hors du temps. Malgré des thèmes très sombres liés à l’époque, comme la quête de notre rôle dans cette société, le combo ne rend pourtant pas une copie sinistre, bien au contraire.
Sur un Stoner aux touches Classic Rock et Psych et dans un environnement très progressif, le groupe balance de très bons riffs, presque Fuzz parfois, et se distingue par de bons breaks et une belle puissance (« Goblin Crusher », « The Frog »). Vocalement très présent, LIQUID BEAR nous emmène dans des contrées aériennes et solides (« Billions Of Crabs », « Heavy Grounds »). Après deux EP, on attend maintenant l’album !
Malgré la pandémie et la distance, le projet mené par le duo Celia Woodsmith et Chris Hersch, SAY DARLING, a vu le jour grâce à une ténacité de chaque instant. Le quintet américain sort son premier album, « Before & After », qui se déguste comme une gourmandise Rock un brin vintage, Blues et Americana.
SAY DARLING
« Before & After »
(Independant)
C’est une belle bouffée d’oxygène et un album apaisant et entraînant que propose SAY DARLING. Et ce savoureux mélange de Blues, d’Americana et de Rock vintage est le fruit de la rencontre entre Celia Woodsmith (Della Mae) et Chris Hersch (ex-Girls Guns & Glory). Né après un concert intimiste en 2016, le duo s’est depuis étoffé et s’est constitué un beau répertoire avec « Before & After ».
Entouré de Scott Coulter (orgue), Paul Chase (basse) et Jared Seabrook (batterie), les guitaristes guident le groupe sur des textes de l’excellente songwriter qu’est Celia Woodsmith. Avec quelques réminiscences Bluegrass et Country, SAY DARLING a su s’inventer un registre alternatif, sorte d’intermédiaire lumineux à la croisée des chemins.
« Before & After » est aussi la conséquence artistique des effets de la pandémie. Avec une première partie positive et légère enregistrée avant la crise (« Turn It On », « Cat Call »), c’est Celia Woodsmith qui a composé les quatre derniers morceaux en raison de la distance séparant les musiciens. Et le résultat est très concluant (« Harvey Blaine », « These Songs », « Isolation »). SAY DARLING a affronté les événements et il en ressort de vrais petits bijoux.
Brutal, subtil et très technique, ce deuxième album des Américains de XAEL ne se contente pas de fusionner des genres musicaux très différents. Il créé un monde où se rencontrent Fantasy, science-fiction, Technical Death, Metal Progressif et le Folk Pagan dans une unité futuriste et à la fois ancestrale. « Bloodtide Rising » est un album hors du commun.
XAEL
« Bloodtide Rising »
(Pavement Entertainment)
C’est en 2017 que le batteur Joshua Ward (Rapheumets Well) pose les bases et les fondations de XAEL, dont le projet en lui-même est déjà un concept à lui tout seul. L’Américain fait des émules et est bientôt rejoint par le chanteur Joshua Niemeyer, le guitariste Daniel Presnell, le chanteur et six-cordiste Chris Hathcock (The Reticent) et le bassiste Brad Parris (Nile). Autant dire une belle bande de furieux !
Dans un univers original et personnel où le groupe est allé jusqu’à créer un monde entre Fantasy et science-fiction d’une complexité étonnante, on découvre également un registre musical assez singulier. Entre Technical Death, Folk, sonorités Folk et ancestrales, XAEL surprend et la grande technicité du quintet mise à disposition d’un tel concept est magistrale.
Très polymorphe, « Bloodtide Rising » renvoie autant à des groupes comme Cattle Decapitation que Wardruna, c’est dire le large spectre que proposent les Américains. Aussi à l’aise dans un registre Metal Progressif que Death et Pagan, l’odyssée proposée par XAEL est franchement inédite. Eclectique et novateur, le combo captive et ensorcelle (« Suun Rai Arn », « Srai-The Demon Of Erring », « Bloodtide Rising », …). Une envolée spectaculaire !
C’est sur un faux-rythme que COSMIC REAPER surgit avec un Doom Metal Psych aux subtiles sonorités Stoner à travers un premier album éponyme rugueux et granitique. Simples, efficaces et obsédants, les morceaux du quatuor Américain sont aussi épais que tranchants, et la voix lointaine et éthérée de leur chanteur tente tant bien que mal à apporter un peu de lumière à cette sombre entreprise. Un régal !
COSMIC REAPER
« Cosmic Reaper »
(Heavy Psych Sounds Records)
Avant de vous caler ce premier album de COSMIC REAPER entre les oreilles, installez-vous confortablement et prenez une bonne respiration. Le quatuor américain présente un Doom Metal aux contours Psych et la chape de plomb qui va s’abattre sur vos tympans est écrasante à tout point de vue. Véritablement sur orbite, le combo est paré pour le décollage et le voyage s’annonce mouvementé.
Originaire de Caroline du Nord, COSMIC REAPER a fait ses premières armes avec un EP, « Demon Dance », qui a vite séduit les amateurs de sensations fortes, qui se sont rapidement rués à ses concerts. Stoppés net par la pandémie, les Américains en ont profité pour composer un premier album éponyme et les sept morceaux présentés sentent le souffre autant qu’ils bastonnent et enivrent.
Dès les premières notes de « Hellion », l’expédition spatiale commence dans une atmosphère tendue, où la production massive et puissante fait des merveilles. COSMIC REAPER a également soigné les arrangements sur ces nouveaux titres à vraiment écouter au casque (« Stellar Death », « Planet Eater », « Infrasonic ») ! Et comment ne pas succomber à « Wasteland » et ses deux parties aussi Psych qu’épaisses ? Voilà, vous pouvez respirer !
