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Harlem Lake : l’envol [Interview]

En quelques années seulement, HARLEM LAKE est parvenu grâce à une identité musicale forte à sortir bien au-delà de ses frontières. Les Hollandais s’étaient déjà fait remarquer avec un premier opus particulièrement abouti. Puis, le quintet a récidivé avec un Live étonnant d’énergie et de puissance avant d’entrer à nouveau en studio pour y enregistrer l’excellent « The Mirrored Mask », récemment sorti. D’ailleurs, depuis la sortie de ce deuxième album, le génial Sonny Ray à la guitare a quitté le groupe et les concerts sont désormais assurés par Wick Hayen. Le bassiste Kjelt Ostendorf, ainsi que la frontwoman Janne Timmer, reviennent sur l’incroyable accélération prise par le quintet.

– Quand je repense à notre première interview il y a près de trois ans lors de la sortie de « A Fool Paradise Vol.1 », j’avais vraiment été séduit par la grande qualité de l’album et de vos compositions. Il s’est passé beaucoup de choses depuis, et nous y reviendrons, mais tout d’abord, comment va HARLEM LAKE et quel regard portez-vous sur ces débuts plus que prometteurs ?

Kjelt : Merci ! Nous venons juste de sortir notre deuxième album studio, « The Mirrored Mask », et nous sommes actuellement en tournée où nous interprétons des chansons de cet album avec nos préférés de « A Fool’s Paradise ». A côté de ça, nous nous efforçons d’être meilleurs dans tous les domaines, que ce soit musicalement et sur l’aspect professionnel également. A mesure que nous grandissons et que nous gagnons en expérience, et avec des budgets plus importants aussi, nous pouvons aujourd’hui investir plus de temps en studio et faire appel à des personnes expérimentées de l’extérieur. Nous avons également signé cet album avec le label Jazzhaus et nous avons désormais des bookers dans plusieurs pays. De nombreux professionnels sont donc impliqués pour nous soutenir maintenant.

– L’an dernier, vous avez sorti « Volition Live », alors qu’on vous attendait avec un deuxième album studio. C’est très surprenant de voir un groupe, qui démarre comme vous, sortir ce genre d’album aussi vite dans sa discographie. C’était une question d’opportunité, qui s’est présentée lors du ‘Culemborg Blues Festival’, que de pouvoir enregistrer ce concert ?

Kjelt : En fait, nous enregistrons presque tous nos concerts. On ne sait jamais si cela peut nous être utile plus tard. Et nous avons eu une occasion unique de faire deux concerts consécutifs dans notre formation XXL, c’est-à-dire avec trois cuivres et deux choristes. Et en sortant ce live, nous voulions aussi offrir quelque chose de spécial à nos fans, sachant qu’il faudrait attendre un certain temps avant la sortie du prochain album studio. Personnellement, j’adore les albums live. Il y a quelque chose de magique dans le fait de capturer un moment unique et avec un minimum de montage. C’est brut, réel et c’est ce qui nous caractérise vraiment.

– Un mot aussi sur cette belle récompense aux ‘European Blues Challenge’, juste après le premier album. J’imagine que c’est une très belle reconnaissance et aussi une grande source de motivation pour la suite, non ?

Kjelt : C’est vrai ! Cela nous a aussi permis de faire des tournées à travers l’Europe, car de nombreux promoteurs de festivals étaient présents et nous ont programmés l’année suivante, ce qui nous a ouvert toutes sortes d’opportunités internationales.

– Vous êtes tous assez jeunes au sein de HARLEM LAKE et les choses sont allées très vite pour vous en peu de temps. Est-ce qu’au niveau de l’expérience acquise et de la confiance en soi, vous avez aussi le sentiment d’avoir fait un grand bond en avant ?

Kjelt : Nous avons acquis de l’expérience, c’est sûr. Depuis la sortie de « A Fool’s Paradise », nous avons donné plus de 100 concerts, dont un grand nombre à l’étranger. Chaque prestation nous apprend quelque chose, que ce soit sur scène ou en coulisses. Nous avons appris à nous adapter à différents types de scènes, à surmonter les barrières linguistiques, à gérer les longs trajets en van, les hôtels… Nous avons également dû apprendre les tenants et aboutissants des contrats d’enregistrement, des réservations, des vols, etc… Et bien sûr, nous continuons encore d’apprendre.

Janne : C’est certain. Je pense que j’ai beaucoup grandi en tant que chanteuse, mais surtout en tant qu’artiste de scène. Je me sens forte et confiante aujourd’hui et je suis plus libre de m’exprimer ! Il y a cinq ans, j’étais beaucoup plus modeste et réservée en concert. Maintenant, je me sens plus assurée, non seulement pour m’exprimer à travers le chant, mais aussi avec mon corps, en dansant et en faisant le show !

– Parlons de ce nouvel album. Là encore, on vous attendait avec le volume 2 de « A Fool Paradise ». Or, vous sortez « The Mirrored Mask ». C’est vrai qu’il est artistiquement assez différent. Est-ce pour cette raison, et peut-être compte tenu des textes, que vous ne voyiez pas en lui la suite du premier ?

Kjelt : Oui, je peux imaginer que tu as pu être surpris en apprenant que ce n’était pas le volume 2. Au départ, nous avions prévu que ce soit le cas. Mais en cours de route, il a évolué de lui-même. Il peut se passer beaucoup de choses en deux ou trois ans. Nous avons changé notre section rythmique et nous nous sommes développés dans plusieurs domaines. « The Mirrored Mask » sonne très différemment de « A Fool’s Paradise », à tel point qu’il n’était plus logique de les regrouper dans ce contexte. Sur le plan thématique, cependant, il y a une certaine continuité. En fait, quelques chansons de « The Mirrored Mask » ont ​​été écrites pendant la même période que « A Fool’s Paradise ».

– D’ailleurs, en parlant des textes, ils sont toujours plein d’émotion avec un aspect très Soul dans l’interprétation et plutôt Americana dans la narration. On peut y percevoir aussi un côté très personnel et intime. Est-ce qu’il est important pour toi, Janne, d’avoir un certain vécu pour pouvoir exprimer des sentiments avec autant de vérité ?

Janne : Mon style d’écriture est très lyrique à la base. J’aime exprimer mes émotions de manière imagée. Je trouve important d’être honnête, mais bien sûr, je romance ou j’amplifie certaines émotions. Les sentiments donnent la voie, mais les expériences qui les provoquent peuvent être à la fois les miennes et celles des autres. C’est plus facile si je les ai vécues bien sûr, car cela me permet d’intégrer des événements réels, ou de les utiliser comme métaphores. Je pense que les paroles de « Crying In A Desert » en sont un bon exemple. J’ai imaginé un cow-boy marchant dans un désert post-apocalyptique, sans cheval, juste lui et son arme. Toute sa situation sert de métaphore de la solitude et du désespoir.

– Une petite chose m’avait aussi intrigué en écoutant « The Mirrored Mask », car j’ai eu la chance de pouvoir le découvrir il y a quelques semaines déjà grâce à vous. J’avais noté les deux très beaux interludes instrumentaux : « Prelude To Mirrored Mask » et « Crying In A Desert Outro ». Pour quelle raison, ce dernier a-t-il disparu de la version finale du disque ?

Kjelt : Il n’a pas disparu ! En fait, c’est l’un de nos préférées. Nous l’avons simplement intégré à « Crying In A Desert », car ils vont vraiment ensemble. Mais ceux qui écouteront le CD verront qu’il y a une plage supplémentaire. Nous avons donné à cette outro, que nous avons surnommée en plaisantant « The Dessert », sa propre piste cachée, afin que les amateurs de guitare puissent passer directement au solo. Vous ne la verrez pas sur la pochette de l’album, mais si vous parcourez le CD, vous la trouverez.

– Vous avez beaucoup tourné depuis la création du groupe et participé à de nombreux festivals. Est-ce que cette proximité avec le public a pu modifier votre manière de composer pour être encore plus efficace et accrocheur dans la composition de vos morceaux ?

Kjelt : Eh bien, oui et non. Nous jouons souvent de nouvelles chansons en concert avant de les enregistrer pour évaluer la réaction du public. D’un autre côté, les performances en live et les enregistrements en studio peuvent donner l’impression que ce sont deux mondes différents. Les gens écoutent différemment la musique lors d’un concert et à la maison, et cela influence la façon dont nous composons et nous enregistrons, c’est certain. En concert, nous pouvons prendre plus de temps et faire quelques expérimentations, car le public est pleinement impliqué dans le moment. En studio, on a tendance à être plus directs et plus précis.

– La complicité entre Sonny Ray à la guitare et Dave Warmerdam aux claviers était déjà très perceptible sur le premier album et surtout sur le ‘Live’. Là, elle prend encore une autre dimension, tout comme cette rythmique irrésistible. On sent un réel élan commun, un esprit de groupe très fort. Vous composez et peaufiner tous les morceaux ensemble ?

Kjelt : Composer, pas nécessairement, mais peaufiner, oui ! Parfois, on part d’un fragment de mélodie, de quelques mots, d’un feeling ou de quelques accords. D’autres fois, la chanson arrive presque terminée. Et même là, on cherche encore ce qui fera qu’elle sonnera comme du HARLEM LAKE, et peu importe qui a eu l’idée initiale.

– J’aimerais aussi qu’on dise un mot sur la version XXL de HARLEM LAKE, qui était d’ailleurs à l’œuvre sur « Volition Live » et qui apportait un volume incroyable. Vous n’avez pas souhaité renouveler l’expérience sur « The Mirrored Mask », car les cuivres sont beaucoup plus discrets ?

Kjelt : Je ne pense pas que nous ayons vraiment abordé le sujet, en fait. Nous voulions simplement faire ce qui nous semblait le mieux pour les chansons. « Volition Live » visait davantage à capturer l’énergie, alors que cet album est davantage axé sur la narration d’une histoire.

– Un mot aussi sur la pochette de l’album, qui s’inscrit dans la continuité artistique des deux autres. Outre le fait de présenter une personnalité musicale très identifiable, c’est important qu’elle se prolonge aussi visuellement ?

Kjelt : Oui ! En fait, chaque élément qu’on peut contrôler fait partie de notre identité. Tout cela fait partie de l’expérience dont dispose l’auditeur avec la musique que nous créons. La représentation visuelle à elle seule peut déjà créer l’ambiance, c’est pourquoi elle est très importante pour nous, en effet.

– Enfin, comment cela se fait-il qu’un groupe comme HARLEM LAKE ne soit pas signé sur un label digne de ce nom, même si Jazzhaus sort celui-ci ? Vous tenez absolument à conserver votre indépendance et donc la liberté artistique qu’elle procure ?

Kjelt : Oui, nous avons signé cet album avec le label allemand Jazzhaus. Mais nous l’avons fait une fois l’album terminé, ce qui nous a permis de conserver une liberté artistique totale. Pour les prochains disques, nous signerons peut-être avant, mais nous privilégierons toujours notre indépendance artistique. Nous exprimer de manière honnête est la principale raison pour laquelle nous faisons tout cela.

Le nouvel album de HARLEM LAKE, « The Mirrored Mask », est disponible chez Jazzhaus et sur le site du groupe : https://harlemlake.com/

Retrouvez la (déjà) longue et première interview du groupe à l’occasion de son premier album…

Harlem Lake : au service du feeling [Interview part.1]
Harlem Lake : au service du feeling [Interview Part.2]

… et la chronique de l’album Live :

Harlem Lake : sensible et virtuose

Photos : Maaike Ronhaar (1, 2, 4, 5 6)

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Rock Progressif

Lesoir : l’art de la nuance

Si la délicatesse caractérise le jeu de LESOIR, son côté Rock et dynamique vient compléter une palette artistique lumineuse et positive, notamment grâce à des voix souvent doublées et des parties de guitares limpides et entraînantes. Sans faire étalage de leur technique, les Néerlandais sont pourtant extrêmement pointilleux et poussent le souci du détail dans ses retranchements. Avec « Push Back The Horizon », c’est avec beaucoup de maturité et d’inspiration, qu’ils nous invitent à un voyage musical coloré et envoûtant.

LESOIR

« Push Back The Horizon »

(V2 Records)

En l’espace de 15 ans aujourd’hui, la formation de Maastricht a su se faire un nom sur la scène progressive, malgré une trop grande discrétion à mon goût. Avec « Push Back The Horizon », c’est sa sixième réalisation et le style se fait de plus en plus précis. Musicalement d’une grande richesse, grâce à un travail impressionnant sur les textures et les arrangements, LESOIR sort vraiment du lot et le fait même avec beaucoup d’élégance. Et entre Prog soigné et Art-Rock, on est littéralement porté par la fluidité des mélodies.

Guidé par ses deux fondateurs et principaux compositeurs, Maartje Meessen (chant, claviers, flûte) et Ingo Dassen (guitare), le groupe trouve son équilibre sur des riffs efficaces et des orchestrations d’une grande finesse. Dans la continuité de « Mozaic », sorti il y a quatre ans déjà, « Push Back The Horizon » est à nouveau produit par le duo constitué de John Cornfield (Muse, Robert Plant) et Paul Reeve (Matt Bellamy), qui cerne parfaitement l’atmosphère du quintet et offre à LESOIR beaucoup de profondeur.

En ouvrant avec le morceau-titre, les Hollandais captent sans mal l’attention, tant l’harmonie entre le chant, les chœurs, la rythmique et le duo guitare-flûte est évidente. C’est toute la force de ce Rock pointu, qui alterne les ambiances en se faisant tour à tour aérien et mystérieux (« Fireflies », « You Are The World », « What Do You Want From Me ? », « As Long As Your Girls Smile »). Et sur certaines versions, LESOIR nous fait le plaisir des 20 minutes de « Babel », un titre d’anthologie datant de 2022 et son véritable joyau.

(Photo : Harry Heuts)

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Metal Progressif Modern Metal Symphonic Metal

Simone Simons : red ride

Même si elle ne déboussolera pas ses fans de la première heure, SIMONE SIMONS sort quelque peu des sentiers balisés d’Epica. Très symphonique pour l’essentiel, « Vermillion » affiche des ambiances franchement Electro, assez Prog même et résolument Metal. Composé en collaboration avec le maître à penser d’Ayreon, ce premier envol sous son nom oscille entre des moments calmes et des impacts plus musclés, où la frontwoman distille une prestation à la fois épique et aérienne.

SIMONE SIMONS

« Vermillion »

(Nuclear Blast Records)

Emblématique chanteuse d’Epica depuis plus de deux décennies et figure incontournable de la scène Metal Symphonique, SIMONE SIMONS se présente cette fois en solo avec un premier album très complet et plutôt convaincant. A l’instar de ses consœurs Floor Jansen et Charlotte Wessels, on découvre un univers plus personnel et assez différent de ce à quoi elle nous a habitué jusqu’à présent, tout en restant fidèle à son style. Cela dit, on connait ses grandes qualités vocales et dans ce domaine, elle reste incroyable.  

« Vermillion » ne ressemble donc pas à une production de son groupe, car SIMONE SIMONS parait ici plus libre et se montre également plus sobre au niveau du chant. Les embardées lyriques sont par conséquent moins systématiques et elle évolue dans des contrées très électroniques, légèrement progressives, mais toujours aussi Metal. Cette diversité fait aussi ressortir toute l’étendue du panel de la voix de la Hollandaise. D’ailleurs, cet éclectisme soudain doit beaucoup à la présence d’Arjen Lucassen à ses côtés.

C’est avec son complice de longue date et leader d’Ayreon que SIMONE SIMONS a conçu ce premier effort et cela s’entend sur quelques morceaux aux reflets cinématographiques et même Indus (« Red », « Dystopia », « Fight Or Flight »). Par ailleurs, si « Vermillion » est assez synthétique dans la production, il offre une collection de riffs impressionnante (« Aeterna » et ses sonorités orientales, « Cradle To The Grave » en duo avec Alissa White-Gluz d’Arch Enemy, « The Weight Of My World »). Une émancipation réussie.

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Desert Rock Psych Stoner Rock

Drive By Wire : into the forest

Brumeuse et intimiste mais aussi explosive et massive, cette nouvelle production de DRIVE BY WIRE va mettre une fois encore tout le monde d’accord. Si la chanteuse de la formation des Pays-Bas se surpasse à nouveau pour livrer une très belle prestation, ses camarades de jeu ne sont pas en reste. Epais et incisif, le Stoner Rock du combo côtoie le Psych et le Desert Rock pour se faire lumineux. « Time Horizon » est vibrant, onirique et parfois même sonique et fascinant. Un moment très fort.

DRIVE BY WIRE

« Time Horizon »

(Argonauta Records)

C’est le temps de la majorité pour DRIVE BY WIRE, qui célèbre cette année ses 18 ans d’existence, tout comme la sortie de son premier album éponyme. Depuis, autour de sa fondatrice et charismatique frontwoman et guitariste Simone Holsbeek, l’autre pilier Alwin Wubben (guitare) tient le lead. Il est brillamment accompagné par Marcel Zerb (basse) et Ingmar Regeling (batterie), qui forment à eux deux une rythmique qui rend imparables les compos du groupe en leur permettant de créer des pics sonores et un relief très changeant.

Six ans déjà après le très bon « Spellbound », DRIVE BY WIRE est enfin de retour avec « Time Horizon », qui se trouve être largement à la hauteur de son prédécesseur. A noter que les Hollandais ont profité de la pandémie pour s’essayer à la musique de film, voyant même quelques morceaux apparaître dans les séries ‘Batwoman’ et ‘Riverdale’ (vous me direz !). Et c’est l’an dernier qu’ils ont décidé de s’isoler pour composer leur cinquième album, qui se veut particulièrement brut et spontané, aidé par une production très organique.

Les jams sessions réalisées en pleine forêt ont un caractère très direct et compact et invitent à une escapade psychédélique entre un Stoner solide et un Desert Rock plus aride et hypnotique. Aussitôt indentifiable sur « Northern Lights », DRIVE BY WIRE impose sa signature et apporte aussi une évolution dans son jeu. Le quatuor avance tout en contraste en multipliant les ambiances avec classe (« Shape Shifting », « Elements », « Dustfader », « Black Sails »). « Time Horizon » ouvre de nouvelles portes en restant insaisissable.

Photo : Marta Ros
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International Rock Progressif

Marillion : une histoire de famille [Interview]

Devenus inoubliables pour ses fans comme pour le groupe, les désormais fameux ‘Marillion Weekends’ sont des rendez-vous incontournables que les Britanniques aiment immortaliser sur des albums live, qui sont autant de témoignages de la réelle connexion avec leur public. Fidèle à cette tradition, MARILLION sortira dans quelques semaines le concert de l’une des trois soirées données à Port Zelande en Hollande l’an dernier. Steve Hogarth, le chanteur de la formation anglaise, revient sur le choix de l’enregistrement dans son intégralité de « An Hour Before It’s Dark » et ces rencontres que tous affectionnent véritablement.

Photo : Anne-Marie Forker

– Avant de parler de ce nouvel album live, j’aimerais que tu me dises ce que représentent à tes yeux les ‘Marillion Weekends’, qui existent depuis 2002 maintenant ?

A l’origine, c’est une idée du manageur des Stranglers, Sil Willcox. Nous étions dans sa maison dans l’ouest de l’Angleterre, il nous a dit que le groupe faisait un week-end de promotion et nous y sommes allés. On s’est dit aussitôt qu’on pourrait aussi le faire nous-mêmes. C’est ce qu’il s’est passé et c’est devenu de plus en plus important. Alors, on a trouvé un ‘Center Park’, pas très loin de Londres au milieu de nulle part. Comme il n’y avait pas vraiment de lieu dédié, on a installé un grand chapiteau de 2.000 places environ. Tous les fans venaient là et y restaient trois jours. Ensuite, les gens ont carrément planifié leur venue, car il y a un aéroport international pas très loin. Ils venaient des Etats-Unis, du Canada, du Brésil… Dorénavant, c’est quelque chose que nous faisons tous les deux ans. Et c’est très spécial. C’est un peu comme une tournée, mais inversée. On ne parcourt pas le monde, c’est le monde qui vient à nous. C’est devenu une tradition et beaucoup de gens y ont même fait connaissance, et maintenant ils viennent s’y retrouvent autour de la musique.

– A Port Zelande en Hollande l’an dernier, il y avait des fans venus de 45 pays différents. C’est une chose incroyable que l’on ne voit même assez rarement dans les plus gros festivals. J’imagine que c’est une grande fierté et beaucoup d’émotion aussi. Comment expliques-tu cet engouement et cette incroyable fidélité à MARILLION ? Je ne suis pas sûr que beaucoup de groupes aient un tel soutien…

J’ai aussi un peu de mal à comprendre. D’ailleurs, ce n’est pas à moi de l’expliquer, je pense. Il ne faut pas trop y penser, non plus. Sincèrement, je ne comprends pas vraiment. Il se passe quelque chose autour de la musique et les gens entrent vraiment en communion en quelque sorte. Tu sais, même avant moi avec Fish, il se passait un truc spécial. Il était le frontman et le chanteur du groupe et il écrivait lui-même les textes. Il fallait voir le feeling et les sensations qu’il y avait lorsqu’il chantait ! Il chantait des choses vraies, des choses auxquelles il croyait. Et c’est exactement ce que je fais aussi. Mes paroles sont des sortes de confessions, elles viennent du cœur, de mes sentiments les plus profonds et de mes expériences personnelles. Je pense que les gens s’y reconnaissent, peuvent s’identifier et sentir que tout est vrai. Ce ne sont pas juste des mots posés pour obtenir tel ou tel effet sur eux, il n’y a aucun marketing là-dedans. C’est un peu le même processus d’écriture que Joni Mitchell, Paul Simon ou Neil Young… celui d’écrire des choses vraies. Je pense que les artistes sont là pour faire preuve de vérité et c’est vraiment ce que le public attend d’eux. Et une passion se développe ensuite autour de ça.

Steve Hogarth

– Pour rester sur le concept des ‘Marillion Weekends’, quelle est la différence fondamentale par rapport à une tournée plus classique ? Y a-t-il une petite pression supplémentaire à jouer devant les ‘puristes’ du groupe ?

Non, au contraire ! On attend vraiment de jouer devant eux. Il y a un réel et très fort feeling entre eux et le groupe. Nous montons tous sur scène avec beaucoup d’excitation et c’est génial ! C’est incroyable ce que les gens nous renvoient. Quelque part, c’est peut-être aussi pour ce genre de situation que nous le faisons. Ils ont une telle connaissance du groupe et, surtout, ils sont tous de ton côté. Tout ce que tu joues, ce que tu chantes, tes déplacements sur scène sont scrutés. Ces gens-là font partie de la famille. Les sentiments entre-nous sont exceptionnels et merveilleux.  

– L’évènement est aussi marqué par un gros travail sur la configuration des lieux, autour des visuels et avec un jeu de scène exceptionnel, ainsi que des invités. L’an dernier, ce fut June Road, Dilemma, The Dave Foster Band et Pure Reason Revolution. Est-ce que vous vous impliquez aussi directement dans la programmation ?

Oui, nous écoutons tout. On ne fait pas véritablement la programmation, ce serait mentir, mais nous sommes très attentifs à toutes les suggestions. Les gens envoient beaucoup de choses à notre management, qui nous les fait ensuite écouter. On regarde si cela conviendrait et où en sont les groupes dans leur carrière aussi. Il faut aussi que ça leur aille. Et puis, il faut quand même que ça nous plaise. (Sourires)

– L’une des particularités des ‘Marillion Weekends’ est aussi que ce sont les fans qui vous demandent de jouer leurs morceaux préférés. J’imagine que vous devez recevoir des milliers de propositions. Comment procédez-vous ? Vous faites travailler les algorithmes ?

Tu sais, c’est quelque chose d’assez difficile, car il faut faire très attention pour ne pas décevoir les fans. Cela dit, en fin de compte, le plus important est ce que nous nous sentons aussi de les jouer. Avec Steve, Pete, Mark, Ian et moi-même, nous devons être parfaitement en phase avec nos choix et ce qui doit être interprété. Finalement, nous avons le dernier mot, c’est vrai, mais nous avons également un regard sur les emails que nous recevons, ce qui nous fait nous poser d’autres questions. Et puis, il y a aussi des morceaux qu’on ne joue pas beaucoup, ou que nous n’avons pas joués depuis très longtemps. Et il faut ensuite que tout cela fonctionne ensemble ! On écoute tout, bien sûr, mais au final, nous avons le dernier mot… (Sourires)

– Revenons aux setlists de ces trois soirées où vous avez donc décidé de jouer « An Hour Before It’s Dark », votre dernier album studio dans son intégralité, le samedi soir. Là encore, c’est le choix de vos fans, ou juste le vôtre ?

Le jouer entièrement est votre choix. C’est notre dernier album et il a été particulièrement bien accueilli par les fans. D’habitude, on prend des morceaux qui proviennent d’un ou deux albums que nous jouons aussi dans leur entier, parce que ce n’est pas quelque chose que nous pouvons souvent faire en tournée. On prend régulièrement des albums comme « Seasons End » (1989), « Holidays In Eden » (1991) ou « Marbles » (2004) et on joue tous les morceaux au fil du week-end. Cette fois, on a souhaité leur faire plaisir et le jouer en intégralité le même soir. Et puis, « An Hour Before It’s Dark » (2022) est le plus récent et nous en sommes vraiment très fiers. Et nous avons pensé que tout le monde serait content de l’entendre intégralement.

– Vous y avez inclus aussi « Estonia » (1997), « Afraid Of Sunlight » (1995) et « Go ! » (1999), qui se fondent d’ailleurs parfaitement dans l’ensemble. Et ce sont toutes des chansons des années 90. C’est un choix uniquement artistique par rapport l’ambiance générale de ce concert ?

Oui, toujours. Cela dit, nous ne réfléchissons pas pendant des heures pour savoir si tel ou tel morceau conviendrait le mieux et à quel endroit du set le placer. Non. (Sourire) Le choix a été assez évident, car « Afraid Of Sunlight », par exemple, se fond parfaitement dans l’album. « Go ! » est l’une des chansons préférées de nos fans. Quant à « Estonia », c’est un morceau que nous adorons tous jouer. Et finalement le contexte était parfait pour ce concert. Les arrangements avec les cordes sont aussi incroyables. Ils font un peu écho à « With Friends From The Orchestra» (2019) dans l’orchestration. C’est quelque chose que nous trouvons fantastique. En fait, c’était une décision et un choix très naturels par rapport à la set-list.

Photo : Anne-Marie Forker

– Il y a assez peu de groupes qui jouent l’intégralité d’un album sur scène. Chacun parcourt sa discographie et c’est assez normal. Est-ce qu’on se prépare différemment pour ce genre de concert, en s’immergeant notamment dans l’album, par exemple, ou dans les vidéos qui ont accompagné certaines chansons à l’époque ?

Oui, en fait, nous avons créé des montages vidéo spéciaux pour le concert en prenant différents éléments. C’est surtout pour donner une cohérence et un fil rouge à la soirée. Et comme l’album est sorti il y a seulement deux ans, nous avons eu le temps de préparer tout ça. D’habitude, c’est plus court et on ne peut pas réaliser tout ce que l’on voudrait. Nous avons aussi des gens de grands talents qui ont travaillé là-dessus. Ce n’était finalement pas si compliquer à produire et cela n’a pas demandé un budget exorbitant, non plus.

– Si je ne me trompe pas, l’album est déjà disponible sur votre store sur Internet depuis un an. C’est important pour vous de garder la main sur votre musique en marge de votre maison-de-disques ? A moins que ce soit aussi pour satisfaire d’abord vos fans ?

Tu sais, c’est un ‘business-model’ que nous avons inventé. C’est nous qui avons inventé le ‘crowdfunding’ aux environs de 1998. On a été le tout premier groupe dans le monde à procéder ainsi. L’objectif est que l’argent récolté permette à produire le mieux possible nos projets en étant indépendants. On a toujours voulu enregistrer et produire vos albums sans l’apport de notre maison-de-disques. C’est comme ça que nous travaillons depuis très longtemps et d’ailleurs ces dernières années, beaucoup de groupes nous ont imités. C’est devenu très naturel pour nous de procéder ainsi. De plus, nous conservons tous les droits sur notre musique et nous contrôlons l’ensemble jusqu’à la sortie de l’album dans le commerce.  

– Pour conclure, j’ai une petite question assez personnelle. L’album sort le 21 juin, le jour de mon anniversaire et je vous en remercie ! C’est une idée qui vous est venue spontanément et est-ce une décision unanime pour me faire plaisir ?

Bien sûr que c’est pour toi ! (Rires) Comment aurait-il pu en être autrement ? Et nous le referons l’an prochain !!! (Rires)

L’album live de MARILLION, « An Hour Before It’s Dark Live in Port Zelande », sortira le 21 juin prochain chez earMUSIC.

Retrouvez aussi la chronique du dernier album studio du groupe :

Marillion : un élan lumineux
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Death Mélodique Funeral Doom Metal

Angmodnes : les abysses de l’âme

Devenu trio pour cette nouvelle réalisation, les Hollandais continuent l’exploration de leur Doom aux ramifications Funeral, Death et post-Black Metal avec « The Rot Of The Soul ». Très bien produit, ce nouvel album se lance dans une immersion mélancolique au cœur de sentiments qui viennent se heurter sans ménagement. ANGMODNES en fait pourtant découler une certaine élégance, pourtant meurtrie par un sujet difficile à aborder. Techniquement irréprochables, il nous entraîne dans un tourbillon de sensations.

ANGMODNES

« Rot Of The Soul »

(Meuse Music Records/Tragedy Productions)

Pourtant formé en 2013, à Utrecht aux Pays-Bas, il aura fallu attendre neuf longues années avant que ne sorte « The Weight Of Eternity », un EP sur lequel ANGMODNES a bâti les fondations de son Funeral Doom Metal. Composé de M.V. (batterie) et d’Y.S. (guitare, basse, chant), le duo s’est extrait de son groupe Apotelesma pour ce nouveau projet. Cette fois aussi, les Hollandais officialisent l’arrivée de F.S. au chant, qui était d’ailleurs déjà apparue sur le premier effort il y a deux ans. Une présence féminine qui apporte un brin de légèreté avec des choeurs captivants et lumineux dans cet océan de ténèbres.

Car sur « Rot Of The Soul », le propos est forcément sombre et parler de mélancolie est même un doux euphémisme. ANGMODNES, qui tient d’ailleurs son nom de l’anglais ancien signifiant ‘angoisse’ ou ‘chagrin’, nous plonge dans les obscures pensées d’un protagoniste en proie à une profonde dépression. Et au fil de l’écoute et de ses interrogations, c’est assez saisissant de voir de quelle manière le trio aborde le sujet en multipliant les atmosphères, comme les sonorités, se faisant peu à peu envoûtant, tant on passe d’émotion en émotion avec une fluidité et une progression incroyables.

L’utilisation, avec parcimonie, du piano sur certaines intros notamment accentue encore la dramaturgie des morceaux dépassant pour l’essentiel largement les dix minutes, et instaure un climat qui s’assombrit et se durcit méthodiquement. Entre growl et chant clair, passages presque Lo-Fi et fulgurances Black Metal, ANGMODNES se livre à l’envie dans un Death/Doom mélodique, dont les structures témoignent de la mise en place d’une atmosphère très personnelle. Difficile d’en extraire un titre plus qu’un autre, tant « The Rot Of The Soul » se montre inspiré. Un travail d’orfèvre.

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Hard Rock Heavy metal

Ron Coolen + Keith St John : l’union sacrée

Etant donné le pédigrée de RON COOLEN et de KEITH ST JOHN et vu la saisissante brochette d’artistes venus se joindre à eux, on aurait pu imaginer « Here To Stay » très démonstratif, chacun jouant sa partition avec le plus de virtuosité possible, histoire d’impressionner le voisin. Pourtant, c’est porté par des morceaux très accrocheurs et pêchus que les deux musiciens s’expriment sur une réalisation tout en feeling, et qui surtout annonce déjà une suite.

RON COOLEN + KEITH ST JOHN

« Here To Stay »

(RC Music/Suburban Distribution)

A l’écoute de « Here To Stay », on ne peut que se rendre à l’évidence : ces deux-là sont faits pour s’entendre et musicalement, ça fait des étincelles entre le Hollandais et l’Américain. Cela fait déjà quelques années que les deux artistes travaillent ensemble et l’addition des talents a réellement porté ses fruits. Compositeurs, producteurs et multi-instrumentistes, RON COOLEN et KEITH ST JOHN présentent un disque parfaitement équilibré, entre Hard Rock et Heavy Metal.   

« Here To Stay » est le deuxième album solo du Néerlandais et le premier avec le célèbre frontman. Réputé pour ses performances avec Burning Rain, Kingdom Come, Montrose et Lynch Mob, KEITH ST JOHN illumine littéralement ces morceaux composés avec RON COOLEN qui, non-content de jouer les parties de guitares, s’est également chargé de jouer la batterie, la basse et les claviers. Et pour couronner le tout, une brillante liste de guests jalonne ce bel opus.

Si les compos du duo se suffisent à elles-mêmes, les invités apportent un vrai plus de par leurs différents parcours, ainsi qu’à travers des styles distincts et très personnels. Gus G (Firewind) se déchaînent sur « Saints And Sinners » et « Firebird », Timo Somers (Ayreon) sur « Jaded Eyes », « Mr. Jones » et « Bust Me Out », avant de laisser la place à George Lynch  sur « Sin City 23 » et Per Nilsson (Meshuggah) sur « 90 Shades Of Hell ». Enfin, Joey Conception (Dark Tranquillity) et Satchel de Steel Panther complètent ce casting de rêve. Magnifique !  

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Cobra Spell : ladies evil [Interview]

C’est du côté de l’Espagne que la guitariste, compositrice et productrice, Sonia Anubis est allée reconstruire le line-up de son groupe COBRA SPELL. Après avoir œuvré dans le Heavy Metal de Burning Witches et le Death Metal de Crypta, c’est dans un registre très 80’s que l’autodidacte hollandaise s’épanouit aujourd’hui. Après deux EP, c’est sous la bannière de Napalm Records que le quintet livre « 666 », un premier album très varié, Heavy et solide, où les femmes dictent leurs règles. Entretien avec une musicienne très enthousiaste.

Photo : Raquel Garcia

– Avant de parler de votre premier album, j’aimerais que l’on parle du line-up de COBRA SPELL, qui a changé depuis « Anthems Of The Night ». En dehors de toi bien sûr, Sonia, la formation est entièrement espagnole. Comment vous êtes réunies et est-ce que tout le groupe est dorénavant installé en Espagne… ou ailleurs ?

J’ai fondé le groupe avec le rêve de créer un groupe de Heavy Rock inspiré des années 80. COBRA SPELL a démarré comme un projet parallèle avec des musiciennes vivant à l’international. Les deux EP, « Love Venom » et « Anthems of the Night », ont été extrêmement bien reçus, au-delà même de nos attentes. Depuis, le groupe a grandi et a eu de belles et multiples opportunités, ce qui a conduit à des changements. Il faut être prêt à tout. Maintenant que nous avons signé avec Napalm Records et que nous sortons un premier album, le groupe avait besoin d’un line-up solide comme le roc et le moyen le plus simple d’y parvenir était de ne pas vivre trop loin les unes des autres. Nous sommes donc majoritairement installées en Espagne.

– Tu as fondé le groupe il y a quatre ans maintenant après tes expériences au sein de Crypta et Burning Witches, qui étaient également des groupes entièrement féminins. Que tu sois entourée de femmes était aussi ta priorité pour COBRA SPELL ?

En fait, COBRA SPELL a été fondé avant Crypta et non pas suite mon départ de ces groupes. Et faire partie d’une formation entièrement féminine est quelque chose de très valorisant. Lorsque je faisais partie de Crypta, j’ai vu beaucoup de jeunes femmes venir me voir et me dire que ce que je fais en tant que musicienne les inspirait. Le sentiment d’avoir cet effet sur d’autres femmes est incroyable. A l’époque où nous vivons, il existe toujours un déséquilibre entre les sexes et il est donc important d’avoir des modèles féminins et également de se serrer les coudes en tant que femmes et se soutenir mutuellement. J’ai donc décidé de faire de COBRA SPELL une formation entièrement féminine pour diffuser cette énergie dans le monde de la musique.

Sonia Anubis

– D’ailleurs, tes deux anciens groupes évoluent dans des styles très différents de COBRA SPELL. Est-ce que, maintenant, tu fais enfin ce que tu as toujours voulu musicalement et est-ce que c’est aussi ce qui t’avait déjà justement poussé à monter ton propre projet ?

Oui, c’est vrai ! COBRA SPELL est le groupe où je peux exprimer ma créativité et ma vision musicale sans contraintes. Après avoir été musicienne ‘live’ pendant dix ans auparavant, il était temps de me lancer dans quelque chose de plus personnel ! Et c’est la meilleure décision que je n’ai jamais prise de m’engager pleinement dans COBRA SPELL.

– Après « Venom Love » (2020) et « Anthems Of The Night » (2022), le premier album sort enfin. C’était important pour toi de passer avant par deux formats courts, ou c’est juste une question de circonstances ?

Il était important pour COBRA SPELL de sortir d’abord ces deux EP pour trouver la bonne identité au niveau du son, mais aussi au niveau du line-up. Je voulais aussi sortir un album uniquement avec le soutien d’un label. La signature avec Napalm Records et la solidification du line-up font que nous sommes prêtes à 100% pour ce premier album ! Hell yeah !

– Avec COBRA SPELL, vous explorez un Heavy Metal très Sleaze, aux multiples influences et surtout très marqué par les années 80. Est-ce que, comme beaucoup de fans, tu considères cette époque, qu’aucune d’entre-vous n’a d’ailleurs connu, comme l’âge d’or du Metal ?

Absolument ! Je ne l’ai pas vécu, mais la meilleure musique, les meilleurs films, les voitures, le design, tout ce que vous voulez… viennent des années 80 !

– « 666 » présente donc un Heavy très Sleaze et 80’s comme on l’a dit, où beaucoup de courants du Metal se croisent. C’était important pour toi qu’il soit le plus varié possible, d’autant que Kristina Vega, la frontwoman du groupe, possède une large palette vocale ?

Damn ! C’est un réel plaisir de travailler avec une telle professionnelle ! Kristina est une chanteuse incroyablement talentueuse avec de très grandes possibilités vocales. Quant à la composition et à l’écriture de la musique de COBRA SPELL, je ne me limite pas à un seul sous-genre des années 80. J’aime explorer de nombreux sons et des ambiances issues de courants comme l’AOR, le Speed Metal, le Power Metal, le Glam, le Rock’n’Roll et plus encore. Le mélange de toutes ces influences est ce qui devient finalement l’identité du son de COBRA SPELL.

– Au-delà du line-up, « 666 » est également très féminin dans le propos à travers des chansons et des textes souvent explicites. C’est aussi pour vous une façon de livrer un message à l’intention des femmes dans une période où leur parole se fait justement beaucoup mieux entendre ?

Les paroles ont été écrites sans filtre et avec le cœur ! Je n’aime pas faire de compromis sur les attentes du public, ou sur ce que les gens aimeraient entendre. Je suis assez intrépide à cet égard. C’est quelque chose de spontané et de naturel, car les paroles ont été écrites par une femme et les thèmes, s’ils proviennent souvent d’expériences personnelles, le sont toujours à travers le regard d’une femme.

– Entre Glam Rock, Heavy Metal, Sleaze et même Rock’n’Roll, COBRA SPELL montre beaucoup de diversité et il y a  aussi ce langoureux solo de saxo sur « Love = Love ». Il fallait un instant plus ‘glamour’ aussi sur cet explosif « 666 » ?

« Love = Love » est l’exemple parfait d’une chanson typiquement inspirée de l’AOR dans le style. Je compose d’ailleurs les morceaux les plus mélodiques sur un synthé, plutôt qu’à la guitare. Le solo de saxophone est une décision de dernière minute que j’ai proposée quand nous étions au studio d’enregistrement et le producteur a vraiment aimé l’idée ! Il devait y avoir un solo de guitare, mais non, c’est ça que je voulais… Il fallait qu’il y ait un solo de sax ! Alejandro, notre producteur, a donc cherché un saxophoniste parmi ses contacts et a contacté la bonne personne. La saxophoniste, Nata Estevez, a interprété un solo entièrement improvisé et qui figure désormais à jamais sur le disque. La chanson ressemble maintenant beaucoup plus à la bande originale d’un film des années 80 et j’adore ça !

– Enfin, j’aimerais qu’on dise un mot des parties de guitares. On sent beaucoup de complicité entre toi et Noelle. Comment vous êtes-vous réparties les rôles et est-ce que vous avez composé ensemble les rythmiques et les solos ? A moins que tu aies conservé le lead sur tout l’album ?

J’ai composé toutes les chansons et les mélodies de « 666 », mais il y en a une sur laquelle Noelle m’a aidé, c’est « Love Crime ». Concernant les solos, c’est quelque chose que nous nous sommes partagées toutes les deux sur l’ensemble de l’album.

L’album de COBRA SPELL, « 666 », est disponible chez Napalm Records

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International Symphonic Metal

Blackbriar : la beauté de l’obscurité [Interview]

Très dark et avec un imaginaire souvent proche du gothique, BLACKBRIAR commence à faire parler de lui sur la scène européenne. Comme beaucoup de ses compatriotes, le quintet hollandais œuvre dans un Metal Symphonique où le tragique côtoie le féérique comme en témoigne ce deuxième album « A Dark Euphony ». Porté par une frontwoman inspirée, le groupe semble prêt à confirmer sa belle évolution. Zora Cock (chant) et René Boxem (batterie, composition) ont répondu à l’unisson à quelques questions. Entretien.

– BLACKBRIAR existe depuis plus d’une décennie maintenant et tout juste deux ans après « The Cause Of Shipwreck », vous sortez « A Dark Euphony ». Votre jeu a énormément évolué depuis vos débuts, alors quel regard portez-vous sur votre parcours avec le recul ?

Les premières années ont été consacrées à la recherche de notre propre son. Au départ, nous nous sommes inspirés du groupe Halestorm pour former BLACKBRIAR, et nous avons donc commencé par faire un style de musique assez différent, plus orienté vers le Hard Rock. Mais cela ne correspondait pas du tout à la voix de Zora. Tout a commencé lorsque nous avons décidé de changer les choses et de laisser Zora décider de la direction à prendre, puis avec l’écriture de choses dans lesquelles elle avait vraiment l’impression que sa voix pouvait atteindre son plein potentiel. Cela a donné le single « Until Eternity ». Dès lors, nous avons commencé à enfin sentir que nous allions dans la bonne direction et que nous pouvions continuer notre voyage. Ensuite, nous n’avons pas voulu attendre plus longtemps pour sortir d’autres morceaux. Nous avons commencé par des singles et des EP. C’est pour cette raison que notre premier album a pris du temps, nous devions d’abord construire les choses. Maintenant, nous pensons que tout s’est passé pour le mieux et nous avons même pu sortir le deuxième sur l’incroyable label Nuclear Blast Records !

– Vous avez, en effet, la particularité d’avoir sorti beaucoup de singles et d’EP avant d’enregistrer votre premier album. C’est assez atypique dans la démarche. Vous ne vous sentiez pas prêts, ou est-ce que ces formats correspondaient mieux à vos attentes de l’époque ?

Pour être tout à fait honnête, cela était principalement dû aux restrictions financières et au temps dont nous disposions en tant que groupe autoproduit. Ecrire, enregistrer et sortir un album complet coûte nettement plus cher que l’enregistrement d’un EP. Et nous n’avions pas les fonds à l’époque. Nous avons donc lentement construit notre premier album, au fil des années. Grâce à nos fans et nos followers, nous avons réussi à le sortir nous-mêmes en avril 2021 et nous leur en sommes extrêmement reconnaissants.

– « A Dark Euphony » est sorti il y a quelques semaines et il marque un grand bond en avant pour BLACKBRIAR. On a vraiment l’impression que vous prenez une nouvelle dimension artistiquement. C’est aussi votre sentiment ?

Vraiment, oui ! Il est important pour nous de conserver notre son et dans chaque chanson, y verser toute notre inspiration. Nous aimons donc penser que sur chaque nouveau morceau, il y a une nouvelle dimension, un nouveau monde et de nouveaux sentiments qui émergent.

– D’ailleurs, j’aimerais que vous me disiez un mot sur la pochette de l’album, qui est en noir et blanc dans un style souvent utilisé dans le Metal extrême. Et il y a ce titre avec le mot ‘Euphony’, qui paraît opposé et en contraste avec votre style ‘symphonique’… Vous vouliez jouer sur cette symbolique ?

Nous travaillons avec le même designer artistique, Alip, depuis le tout début, depuis la création du logo du groupe. Nous avons l’impression que les œuvres appartiennent à l’ensemble du monde BLACKBRIAR et nous voulons continuer dans ce style. On aime le contraste élevé, le style noir et blanc et tout ce qu’Alip fait pour nous. Nous avions l’impression que la pochette de « A Dark Euphony » convenait parfaitement à l’album, parce que nous pensons qu’il y a de la beauté dans l’obscurité. Et le titre vient en partie des paroles de l’une des chansons, « Cicada ».

– Ce nouvel album est très bien produit et bénéficie d’une réalisation ample et puissante. Dans quelles conditions et avec qui avez-vous travaillé, car le résultat est également  étonnant de fraîcheur ?

Notre processus d’écriture commence généralement avec Zora et ses paroles. Elle crée ensuite les mélodies et les lignes vocales. Elle enregistre a cappella et me les envoie. Je continue ensuite à créer la musique à partir de la voix. Et une fois qu’il y a une première version, nous l’apportons à notre producteur Joost van den Broek, avec qui nous travaillons depuis notre EP, « I’d Rather Burn ».

– Vous comptez ‘seulement’ deux albums à votre actif, mais déjà une longue expérience. Est-ce que sur « A Dark Euphony », vous avez pu mettre en place et réaliser des idées que vous aviez depuis longtemps, car on vous sent pleinement épanouis et très confiants ?

Pour nous, c’est un processus continu. Dès que nous terminons un album, nous commençons à écrire de nouvelles chansons. D’un point de vue créatif, nous faisons simplement ce qui nous vient sur le moment, en plongeant profondément dans la création de chaque chanson. C’est très spontané, donc on n’utilise pas tellement d’idées qu’on pourrait avoir depuis longtemps.

– A l’écoute de l’album, il y a aussi une chose qui s’impose comme une évidence, c’est la voix de Zora, qui est immédiatement identifiable et s’affirme avec beaucoup de caractère. Est-ce que c’est un aspect sur lequel vous avez tout particulièrement travaillé pour une mise en valeur plus forte ?

Zora a toujours été la pièce maîtresse de BLACKBRIAR, en tant que chanteuse principale, bien sûr, mais la musique tourne aussi entièrement autour de son écriture. Tous les instruments, les arrangements et l’orchestration soutiennent ses lignes vocales, afin que nous puissions pleinement embrasser et mettre en valeur ses idées.

– Enfin, le Metal Symphonique est un style qui se prête bien aux albums-concepts. Est-ce que vous y avez déjà pensé ? Et est-ce que c’est un exercice qui vous attire ?

Nous n’avons pas encore réalisé d’album-concept jusqu’à ce jour, c’est vrai. Zora aime écrire tout ce qui lui passe par la tête, en toute liberté, sans avoir à s’en tenir à quelque chose de précis. Elle m’a dit vouloir essayer, alors peut-être qu’un jour… Nous avons quelques chansons qui ont une sorte de lien les unes avec les autres, mais elles figurent sur des albums différents.

Le nouvel album de BLACKBRIAR, « A Dark Euphony », est disponible chez Nuclear Blast Records.

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Atmospheric Avant-Garde Doom

The Answer Lies In The Black Void : l’envoûtement

Rompu aux registres avant-gardistes, Martina Horváth et Jason Köhnen se sont attelés à la création d’un deuxième opus et celui-ci s’avère encore plus fascinant. Entre Metal et passages très aériens, THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID aborde le Doom sous tous les angles dans une approche atmosphérique très novatrice. Sur « Thou Shalt », la magie opère brillamment  pour produire un ‘Avant-Doom’ astral et fulgurant.

THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID

« Thou Shalt »

(Burning World Records)

La chanteuse hongroise Martina Horváth (Thy Catafalque) et le multi-instrumentiste hollandais Jason Köhnen (Celestial Season, The Lovecraft Sextet, Bong-Ra) continuent leurs expérimentations musicales communes, en marge de Mansur, et présentent le nouvel album de THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID, « Thou Shalt ». Deux ans à peine après l’étonnant « Forlorn », le duo nous replonge dans les méandres saisissants de son Doom Metal atmosphérique avec tout que cela comporte de nuances et de paysages sonores panoramiques.

Accompagné de Botond Fogi (guitare), Attila Kovacs (guitare) et de Mark Potkovacz (batterie), le combo se fond dans l’obscurité pour mieux jaillir sur des fulgurances très Metal. La frontwoman se fait presqu’obsédante tant la variété et la qualité de son chant sont exceptionnelles. THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID repousse l’univers du Doom dans ses derniers retranchements avec une créativité d’une grande richesse. A la fois complexe et évidente, la musique du quintet donne des frissons de plaisir tout en s’ouvrant à des dimensions multiples.

Tour à tour extrême et très mélodique, le style affiché est hallucinant de variations et « Thou Shalt » demande donc plusieurs écoutes avant d’en saisir l’entièreté. Lentes, écrasantes, mystérieuses, sauvages, démoniaques ou sensibles, d’une rare beauté et insaisissables, les atmosphères et les ambiances explorées par THE ANSWER LIES IN THE BLACK VOID transcendent les frontières du genre pour se faire ‘Avant-Doom’, comme le décrit la formation. Et pour que l’expérience soit totale, il faut se perdre dans ce monument artistique hors-norme. 

Photo : Peter Palotas