Heavy Punk Metal ou Metal Fusion, je laisse à chacun la liberté de se faire son idée sur ce très bon deuxième album d’AMERICAN TERROR. Une chose est sûre, « Where We Are » ne manque ni de fraîcheur, ni d’aplomb. Corrosif et explosif, le gang de Georgie fait des étincelles dans un style bien à lui.
AMERICAN TERROR
« Where We Are »
(Independant)
Nouvel album pour le furieux combo d’Atlanta et avec « Where We Are », AMERICAN TERROR règle quelques comptes avec une mention spéciale pour la Cancel Culture. La critique est acerbe et le quatuor n’y va pas par quatre chemins. Brutal et mélodique à la fois, les Américains affichent une volonté musclée et traversent avec la même détermination plusieurs styles.
Se présentant sous une étiquette de groupe Heavy Punk Metal, l’écoute de « Where We Are » s’avère pourtant assez différente. Certes, le Punk américain n’a rien à voir avec l’européen musicalement, donc le parallèle est un peu hasardeux… sauf si l’on s’en tient aux textes, qui restent virulents et engagés. Pour ce qui est d’AMERICAN TERROR, on est plutôt face à un Metal Fusion dans la veine de RATM ou de Mordred.
Sur des rythmiques tonitruantes, des riffs massifs et piquants et un chant révolté, le quatuor flirte même avec le Nu Metal (« N.L.M. »), les 90’s (« The System »), le Funk (« Just A Victim ») et des titres carrément Indus (« Self Control », « Take Out A Bully »). AMERICAN TERROR fait une belle démonstration de force en alternant les atmosphères, tout en gardant une belle unité.
D’une sincérité absolue et d’une grande profondeur, KAT RIGGINS revient avec un deuxième album très coloré et intense. « Progeny » s’inscrit dans un Blues, qui s’avère être une véritable déclaration d’amour à une musique en perpétuel mouvement et d’une émotion constante, ainsi qu’à la vie plus simplement.
KAT RIGGINS
« Progeny »
(Gulf Coast Records)
Deux ans après l’excellent « Cry Out », la chanteuse américaine vient confirmer tous les espoirs placés en elle par le guitariste Mike Zito, patron de Gulf Coast Records, qui a su immédiatement percer à jour l’incroyable voix et les capacités de la chanteuse. Et pour « Progeny », il a également réuni un groupe hors-norme pour interpréter les compositions flamboyantes de KAT RIGGINS.
Celle-ci ne chante pas seulement le Blues, elle le respire. Nourrie au Gospel, au Rythm’n Blues, à la Soul et au Rock notamment, la Floridienne se livre sur des textes très personnels dans lesquels elle apparait aussi vulnérable qu’incroyablement forte. Sur « Progeny », KAT RIGGINS rend hommage à la vie avec tout ce qu’elle comporte comme bonheur, joie, tristesse et colère.
Riche et abondante, la musique de l’Américaine se place dans un registre très actuel, où toute la culture Blues a sa place et rayonne à travers sa puissance vocale (« My City », « Warriors »). Très varié, « Progeny » passe du Blues Rock à la Funk, la Soul et même des passages Rap en clin d’œil (« In My Blood », « Expresso », « Walk On », « Promised Land », « Mama »). KAT RIGGINS régale une nouvelle fois !
Cinq ans après le décapant « Slime And Punishment », les Américains de MUNICIPAL WASTE refont surface avec « Electrified Brain » qui, comme son nom l’indique, possède tous les ingrédients pour un bon retournement de cerveau dans les règles. Et malgré le temps qui passe, c’est toujours agréable de constater que le Thrash Crossover du quintet n’a pas pris une ride, ni bougé d’un iota.
MUNICIPAL WASTE
« Electrified Brain »
(Nuclear Blast)
Cela fait plus de 20 ans maintenant que le gang de Richmond, Virginie, propage son Thrash Crossover et avec « Electrified Brain », on ne peut pas dire qu’il ait levé le pied. Ce septième album des Américains est un concentré de Metal de 14 titres rassemblés sur 34 petites minutes. Autant dire que ce nouvel opus est féroce et intense. MUNICIPAL WASTE n’est pas là pour faire le pied de grue.
Le quintet se livre sur un rythme effréné à travers des morceaux racés et frontaux, et ce qui surprend avec « Electrified Brain », c’est que l’esprit ‘déconne’ qui caractérisait le combo semble avoir presque disparu. La Thrash party habituelle a perdu de son entrain et se fait désormais beaucoup plus sérieuse. Par ailleurs, c’est aussi l’occasion de découvrir MUNICIPAL WASTE sous un angle que l’on ne voyait que trop peu.
L’esprit Old School chevillé au corps, le groupe continue d’appliquer une recette gagnante, mêlant des passages très NWOBHM à des composantes carrément Hard-Core (« Ten Cent Beer Night », « Barreled Rage »). A travers un Crossover très efficace, MUNICIPAL WASTE avance façon rouleur-compresseur et en profite pour balancer quelques bonnes claques (« Last Crawl », « The Bite », « Crank The Heat »).
Accrocheur et portant un propos sombre sur la planète et la condition humaine, le septième album du quatuor américain est aussi puissant que surprenant, notamment dans sa structure. Découpé d’une manière étonnante, « Planet Zero » affiche une belle férocité et des mélodies toujours aussi efficaces. Brut et massif, ce nouvel opus s’inscrit dans une tradition d’Alternative Metal américain, qui a fait ses preuves.
SHINEDOWN
« Planet Zero »
(Warner Music)
Initialement prévue le 22 avril dernier, la sortie de ce nouvel album de SHINEDOWN a été repoussée en raison d’un retard dans la production de CD et de vinyle. Autant dire que l’impatience des fans doit être à son comble. Et ces derniers devraient être ravis, car « Planet Zero » fait plus que tenir la route. Si le quatuor donne son point de vue sur les réseaux sociaux, les maladies mentales et le totalitarisme, il ne sombre pas pour autant dans une noirceur exacerbée.
Essentiellement composé par son guitariste Zach Myers, ce septième album se veut donc très revendicatif, et parfois même alarmiste, sur notre époque et les systèmes à l’œuvre dans le monde. SHINEDOWN laisse même entrer Cyren, une voix robotique qui vient délivrer des messages d’alerte sous forme d’interludes entre les morceaux. Avec des sonorités 80’s proches de l’ère Atari, les Américains auraient peut-être du s’en passer, car « Planet Zero » se suffit largement à lui-même.
En effet, le combo de Jacksonville en Floride livre des compos soutenues en mettant l’accent sur des riffs bruts et efficaces (« Dead Don’t Die », « American Burning »). Tout en conservant son groove imparable, SHINEDOWN n’en oublie pas pour autant ce qui fait sa marque de fabrique, à savoir des refrains entêtants et hyper-fédérateurs. Véritablement taillé pour la scène, « Planet Zero » présente aussi des aspects plus légers (« Daylight », « A Symptom Of Being Human », « Hope »). Une belle combinaison.
De Chicago à Nashville, du Mississippi au Dakota et au Michigan, le multi-instrumentiste LITTLE BIHLMAN prend la route pour nous et distille sur ce très bon « The Legend Of Hipster Billings » une variante très personnelle d’Americana dans laquelle le Rock et le Blues jouent à armes égales.
LITTLE BIHLMAN
« The Legend Of Hipster Billings »
(Metalville)
A la fois chanteur, guitariste, batteur et compositeur, LITTLE BIHLMAN a travaillé pendant des années aux côtés des plus grands et écumé un grand nombre de scènes américaines. Rompu au Rock et au Blues surtout, c’est avec un nouvel album solo plus personnel et portant sur l’Americana que le natif du Michigan fait son retour.
A travers dix morceaux, LITTLE BIHLMAN raconte des histoires touchantes et très bien arrangées. Accompagné d’un quintet de pointures, le songwriter nous emmène en voyage à travers des lieux reculés des Etats-Unis et « The Legend Of Hipster Billings » possède tout du disque de baroudeur qui égraine son talent au fil des chansons.
Sur une production limpide et aérée, signée Miles Fulwider (Wynton Marsalis, Willie Nelson, Chick Corea), on se laisse donc embarquer dans cet Americana teintée de Blues et de Rock inspiré des grands espaces. LITTLE BIHLMAN est aussi inspiré qu’efficace et « The Legend Of Hipster Billings » s’écoute en boucle (« Tooth And Nail », « Lay Your Burden Down », « Straight Time », « Shine On »). Dépaysant.
Eclatant de talent et de virtuosité, le collectif américain présente le second volume de son somptueux projet, « I Am The Moon », qui en comptera quatre. Rassemblé autour de dix musiciens expérimentés et d’un feeling hors-norme, Susan et Derek guident le TEDESCHI TRUCKS BAND de main de maître et avec classe sur ce « Ascension », qui porte bien son nom.
TEDESCHI TRUCKS BAND
« I Am The Moon – II : Ascension »
(Fantasy/Universal)
C’est sur le rythme d’un EP par mois que le TEDESCHI TRUCKS BAND a décidé de livrer sa dernière œuvre en quatre actes : « I Am The Moon ». Basé sur un conte perse, le groupe a entrepris une bien belle aventure et, après « Crescent » sorti il y a quelques semaines, on découvre aujourd’hui « Ascension » dans un format identique et surtout une inspiration toujours aussi flamboyante.
Susan Tedeschi et Derek Trucks, magistralement accompagnés de leurs dix camarades de jeu, livrent un second volet très différent du précédent. Sans pour autant délaissé le Blues mâtiné de Southern Rock dans lequel ils excellent, les deux songwriters de Floride évoluent cette fois sur une partition plus posée, où le TEDESCHI TRUCKS BAND flirtent avec des ambiances jazzy.
Ici encore, la créativité atteint des sommets avec une finesse et une fluidité incroyables. Que ce soit au niveau des guitares bien sûr, mais aussi du groove de la rythmique ou de la beauté des arrangements vocaux et des cuivres, les Américains sortent le grand jeu sans pour autant tomber dans la démonstration. Avec le TEDESCHI TRUCKS BAND, tout semble naturel et tellement évident dans l’interprétation…
Avec GREY DAZE, beaucoup ont découvert le tout premier groupe de Chester Bennington, devenu par la suite l’emblématique frontman de Linkin Park. Après un très bon « Amends », les Américains font revivre leur chanteur disparu avec ce tonique « The Phoenix », concentré de Rock Grunge efficace et toujours estampillé 90’s.
GREY DAZE
« The Phoenix »
(Loma Vista Recordings)
Avant d’œuvrer chez Linkin Park, Chester Bennington avait monté GREY DAZE qu’il a mené de 1993 à 1998, puis de nouveau en 2017 avant sa disparition. Deux ans après « Amends » qui contient des morceaux de la première période, « The Phoenix » revient avec des titres sur lesquels le défunt chanteur travaillait au moment de la reformation du groupe et qui, par la force des choses, n’ont pas pu être achevés à l’époque.
Les fondateurs Sean Dowdell (batterie), Mace Beyers (basse) et Cristin Davis (guitare), recruté en 2017, se sont donc remis au travail soutenus par leur entourage et la famille de Chester Bennington. Et « The Phoenix », en plus de bien porter son nom, est plus que convaincant. L’album sonne très actuel et le Rock Grunge de GREY DAZE n’a pas pris une ride, loin de là !
Moins dans l’émotion que sur « Amends », GREY DAZE donne dans le costaud avec des compos très homogènes, fraîches et percutantes (« Saturation (Strange Love) », « Anything Anything », « Starting To Fly », « Drag », « Hole »). Une chose est sûre, « The Phoenix » est loin d’être un album constitué de chutes de studio. Il est construit, très bien produit et surtout il évite bien des clichés.
Le septuagénaire aux frasques multiples, au verbe haut et au talent incontestable, HANK WILLIAMS JR, s’offre une parenthèse Blues à travers un album où se rencontrent Robert Johnson, Lightnin’ Hopkins, R.L. Burnside, Muddy Waters et Big Joe Turner notamment, et le tout dans une atmosphère très Southern. « Rich White Honky Blues » est un modèle du genre et s’écoule dans un souffle… brûlant.
HANK WILLIAMS JR
« Rich White Honky Blues »
(Easy Eye Sound)
En apprenant que le fils de la légende de la Country, et lui-même grand artiste et représentant du registre, s’apprêtait à sortir un album de Blues produit par Dan Auerbach des Black Keys, un grand sourire m’a envahi. HANK WILLIAMS JR fait donc une petite entaille à son style de prédilection avec des reprises triées sur le volet et quelques compos, et cela méritait bien que l’on s’y penche de plus près et que l’on s’y attarde un bon moment.
Parfaitement accompagné par les musiciens de l’album « Delta Kream » des Black Keys, le guitariste et chanteur semble vraiment s’éclater, malgré une mise en route un peu poussive. Il aura fallu qu’Auerbach demande au groupe de se lancer seul dans de poussiéreux et très roots morceaux de Blues pour que HANK WILLIAMS JR fasse parler la poudre à son tour. Et le hors-la-loi n’a pas perdu de sa légendaire gouaille.
En bon outlaw qui se respecte, le countryman est toujours aussi brut de décoffrage et semble même narguer tout son monde à chaque note et chaque parole. Irrévérencieux tout en restant très attaché aux traditions, HANK WILLIAMS JR régale sur ce très bon « Rich White Honky Blues », pourtant enregistré en trois jours seulement (« 44 Special Blues », « Georgia Women », « Short Haired Woman », « Rock Me Baby »). Mission accomplie avec classe !
Les plus jeunes n’ont peut-être pas en mémoire DAN REED NETWORK, formation issue de Portland, Oregon. Pourtant au beau milieu des années 80, le groupe a marqué toute une génération. Pionnier du Rock Fusion aux côtés de King’s X, RHCP et un peu plus tard RATM, les Américains sont enfin de retour, sous le même line-up ou presque, avec « Let’s Hear It For The King », un sixième album toujours aussi haut en couleur, Funk et terriblement Rock ! Entretien avec son chanteur et compositeur Dan Reed.
Photo : Anders Gustafsson
– Avant de parler de ce nouvel et très bon album, peux-tu nous dire de qui est aujourd’hui composé DAN REED NETWORK, plus de 30 ans après sa création ? Ce sont les mêmes musiciens ?
Ce sont tous les mêmes membres du groupe, à l’exception de notre nouveau claviériste Rob Daiker. Et Dan Pred, le batteur avec qui je joue depuis le lycée alors que nous avions 16 ans, le guitariste Brion James et le bassiste Melvin Brannon font partie du groupe depuis notre formation en 1984.
– Sans entrer dans le détail, il s’est passé beaucoup de choses depuis 1988 et pourtant « Let’s Hear It For The King » n’est que le sixième album du groupe. Sans parler de régularité, n’as-tu pas quelques regrets de ne pas avoir été plus prolifique avec le groupe ?
Non, je n’ai aucun regret de ne pas avoir fait plus de musique. J’ai aussi sorti six albums solo et instrumentaux au cours de cette période, produit un long métrage, dirigé une boîte de nuit pendant trois ans et j’ai eu la chance de parcourir le monde en étudiant différentes cultures. Le seul regret que j’ai est d’avoir quitté le groupe en 1993 sans prévenir les autres membres du groupe. Cela a été une erreur égoïste de ne pas faire de projets pour l’avenir de tout le monde après notre séparation.
– A ses débuts, DAN REED NETWORK évoluait avec des groupes comme King’s X, RHCP et RATM. As-tu aussi le sentiment que c’était une époque bénie en termes de créativité par rapport à aujourd’hui et à ce style surtout ?
Je ne sais pas si c’était une bénédiction ou non, mais je pense que c’était une période vraiment excitante pour la créativité musicale et l’épanouissement de différents styles. Je me sens honoré que DAN REED NETWORK soit considéré comme l’un des nombreux groupes révolutionnaires, qui ont essayé de mélanger les genres.
Photo : Amanda Rose
– Avec ce nouvel album, on retrouve tout ce qui fait l’identité du groupe : l’esprit Rock, Funk et Soul avec de fortes mélodies. Cela fait combien de temps que vous êtes sur l’écriture de « Let’s Hear It For The King » ? Car il est aussi très actuel…
Merci ! Toutes les chansons du nouvel album ont été écrites en 2019 et enregistrées en janvier 2020. Puis, le Covid est arrivé et a repoussé la sortie de l’album jusqu’à cette année. J’ai pu lire que les paroles semblent être une sorte d’état des lieux du monde d’aujourd’hui en 2022. Peut-être que nous avions vu l’avenir dans nos cœurs en écrivant ces morceaux ? Je sens que le conflit et la division entre les partis politiques de gauche et de droite nous poussent à nous confronter au lieu de nous rassembler. Et c’était déjà vrai en 2019, autant que maintenant.
– Je te suis depuis les débuts du groupe et je trouve ce nouvel album assez surprenant sur beaucoup d’aspects. On peut le percevoir comme une certaine renaissance. C’est aussi dans cet état d’esprit que tu le vois et que tu l’as composé ?
Notre objectif avec cet album était de rendre hommage à nos racines, ce groupe qui remplissait les clubs à la fin des années 80… tout en essayant en même temps de créer la musique que nous aimons aujourd’hui en 2022. Notre seule ‘règle’ était d’écrire et d’enregistrer des chansons qui seraient géniales à jouer en live. J’espère que nous y sommes parvenus. Au final, ce nouvel album est une sorte d’album-concept dans le sens où il vaut mieux l’écouter du début jusqu’à la fin. Et j’espère qu’à la fin de l’album, l’auditeur se sentira un peu plus inspiré pour se battre pour son avenir.
– Etonnamment, l’album sonne aussi peut-être plus européen qu’américain. C’est une démarche que tu as souhaité ? On a un peu le sentiment que tu t’es démarqué de la scène de Portland des débuts. C’est le cas ?
DAN REED NETWORK se démarquait déjà complètement de la scène de Portland dès le début. Mais il y avait beaucoup de très bons groupes de Rock et d’incroyables groupes de funk, qui jouaient à Portland à l’époque. Nous voulions mélanger ces deux styles, un peu comme Mother’s Finest, Sly And The Family Stone… et même les premiers albums d’Aerosmith pour créer de la musique Funk avec un esprit Rock’n’Roll.
Photo : Laurence Harvey
– La musique n’est pas non plus le seul art que tu pratiques et auquel tu t’intéresses très sérieusement. Peux-tu nous dire un mot au sujet de tes activités annexes ?
Mes projets parallèles, comme la réalisation de films et la peinture d’art abstrait, sont devenus de plus en plus un objectif principal au même titre que la musique. La pandémie m’a permis de me concentrer sur ces autres formes d’art, car nous n’étions plus en mesure de tourner. Alors, j’ai passé plus de temps avec ma famille, à écrire des scénarios et à peindre. J’ai eu la chance d’avoir reçu beaucoup de soutien pour mes œuvres et cela m’a permis de pouvoir être plus souvent chez moi, et moins dans les aéroports.
– Pour conclure, j’imagine qu’avec un tel album, la scène doit vous manquer même s’il vous avez déjà commencé de tourner. Avec une telle carrière, comment vas-tu concevoir la set-list ? Tu vas donner la priorité à « Let’s Hear It For The King » ?
J’ai, en effet, très envie de faire des tournées, que ce soit avec DAN REED NETWORK, mon trio où je joue davantage de guitare électrique comme avec Danny Vaughn de Tyketto. Nous avons sorti notre premier album début 2020, « Snake Oil and Harmony », juste avant que le virus ne bloque le monde. Donc finalement, je reprendrai la route vers la fin de cette année et j’espère qu’en 2023, nous ferons davantage de tournées mondiales avec DAN REED NETWORK !
Nous aimons toujours faire honneur à notre discographie entière et jouer nos anciens morceaux préférés. Et nous avons l’intention d’inclure au moins six chansons du nouvel album sur scène. Mais nous aimons aussi changer les choses et jouer différents sets chaque soir… Donc, on ne sait jamais vraiment ce que nous allons jouer, mais une chose est sûre : ce sera une célébration de la vie en sueur, groovy et Rock !
Enfin, merci à toi, François ! J’ai beaucoup apprécié tes questions et ton regard sur le nouvel album. Et oui… nous reviendrons en France, c’est sûr ! (Sourires)
Le nouvel album de DAN REED NETWORK, « Let’s Hear It For The King », est disponible chez Drakkar Entertainment et sur : www.danreed-network.com
C’est une Amérique sous le soleil, et souvent même sous le cagnard, que VALLEY OF THE SUN met en musique depuis un peu plus d’une décennie déjà. Avec « The Chariot », le quatuor de Cincinnati signe un petit chef-d’œuvre bluesy, très Rock et brut. Sur un Stoner frontal, les Américains vont au plus près, et au plus juste, du plaisir.
VALLEY OF THE SUN
« The Chariot »
(Fuzzorama Records/Ripple Music)
Stellaire et surtout lumineux et solaire, ce nouvel album de VALLEY OF THE SUN coche toutes les cases d’un disque Stoner Rock fédérateur et vraiment inspiré. En 12 ans de carrière, le quatuor de Cincinnati, Ohio, continue sa route sur un rythme effréné, c’est vrai, et toujours guidé par un instinct incroyable. Sans fioriture, ni excès de zèle, le groupe se livre encore avec élégance et détermination.
« The Chariot » transpire l’Amérique dans ce qu’elle a de plus authentique, à la manière d’un Clint Eastwood ou d’un Sean Penn : avec une vérité chevillée au corps (« As We Decay »). Hypnotisant grâce à la voix de Ryan Ferrier (également à la guitare), VALLEY OF THE SUN s’affranchit des codes du Stoner Rock pour nous embarquer dans une vision très actuelle de son quotidien (« Images », « Running Out Of Love »).
Sur un Fuzz très maîtrisé et surtout un panache Heavy Rock très américain, le combo s’appuie sur une rythmique millimétrée et pourtant sauvage, parfaitement enrobée des riffs aériens, ou appuyés, des deux guitaristes. VALLEY OF THE SUN distille un souffle Rock’n’Roll en continue entre un Stoner habile et musclé et un Rock US affûté très captivant (« Evil I’ve Become », « The Chariot », « Headlights »). Du grand art et de la belle ouvrage.
