Catégorie : Rock

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Southern Blues Southern Rock

Parker Barrow : outlaw groove

Enjoué, rugueux et tendre à la fois, PARKER BARROW livre un premier opus très abouti, malgré son aspect un peu débridé. Groovy et audacieux, « Jukebox Gypsies » est un voyage dans le sud des Etats-Unis avec ses élans Rock, Blues et Soul. Au-delà d’évidentes filiations, la formation Southern affiche un visage très personnel et des chansons fougueuses pleines de feeling. Très prometteur.  

PARKER BARROW

« Jukebox Gypsies »

(Independant)

Bien sûr, PARKER BARROW tire son nom du célèbre couple de gangsters. Et il s’agit aussi ici d’une histoire de couple, composé de l’incroyable chanteuse Megan Kane et de Dylan Turner, batteur et compositeur. Uni à la scène comme à la ville, le duo présente son premier album, « Jukebox Gypsies », et le résultat est bluffant. Accompagné des guitaristes Manning Feldner et Alex Bender, ainsi que du bassiste Michael Beckhart, le groupe évolue dans un Southern Rock mâtiné de Blues et de Soul convaincant.

Malgré la relative jeunesse de la formation basée à Nashville, c’est un registre assez Old School que propose PARKER BARROW. Axé sur les quatre dernières années du couple, « Jukebox Gypsies » raconte en dix morceaux les hauts et les bas des deux artistes dans un style très roots, Rock et d’une énergie brute. Authentique et direct, le quintet alterne le chaos et des émotions pures avec toute la grâce incarnée par son explosive et sensuelle frontwoman. Très live dans l’approche, la performance est belle.

C’est assez difficile de croire qu’il s’agit d’un premier album, tant le songwriting est précis et redoutable d’efficacité. PARKER BARROW ne s’encombre pas de fioritures et va à l’essentiel, tout en gardant un souci du détail qui fait toute la différence (« Peace, Love, Rock’n’Rollin’ », « Throwin’ Stones », « Count Your Dollars », « Partner In Crime », « Good Time Gone Away », « Desire »). Influencé par la scène sudiste et avec un petit côté Janis Joplin dans la voix, les Américains séduisent d’entrée de jeu.

Photo : Caylee Robillard
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Rock Progressif

Karmamoi : une sensibilité intense

Précis et d’une grande délicatesse, le jeu de KARMAMOI brille littéralement sur cette nouvelle réalisation. Entre nouveaux titres et d’autres plus anciens qui ont reçu une relecture très soignée et inventive, les Italiens sortent l’un des meilleurs albums de Rock Progressif de cette année. Affichant plus d’une heure de musique, « Strings From The Edge Of Sound » est aussi complet qu’il est inspiré et immersif.

KARMAMOI

« Strings From The Edge of Sound »

(Independant)

Si la scène progressive italienne est aussi créative, c’est sûrement grâce à des formations comme KARMAMOI qui, depuis 15 ans en ce qui le concerne, l’anime et lui donne ses belles lettres de noblesse. Pourtant, c’est en s’appuyant sur des fondations Prog Rock britanniques établies il y a quelques décennies que les Transalpins se sont forgés cette identité très personnelle. Et sur ce sixième album, « Strings From The Edge Of Sound », elle s’affirme magnifiquement.

Ce nouvel opus réserve aussi son lot de surprises, puisque KARMAMOI propose quatre nouveaux titres et cinq déjà connus que le groupe a entièrement réarrangé pour leur offrir une version orchestrée. Et le résultat est somptueux, d’autant que l’ensemble est très homogène, parfaitement lié et ce sur plus d’une heure. Avec une telle tracklist, « Strings From The Edge OF Sound » ne montre aucun point faible et la qualité d’interprétation est également irréprochable. 

D’une grande finesse dans le songwriting, KARMAMOI fait preuve de beaucoup de diversité et de variations dans ses morceaux. Très bien produit par Daniele Giovannoni (batterie, claviers) et Valerio Sgargi (chant) avec Mark Tucker, le groupe fait la part belle au piano et à la guitare acoustique en ne s’interdisant pas des fulgurances très électriques bien senties. Et avec un tel chanteur, on est vite envoûté (« Black Hole Era », le génial « Nashira », « Room 101 », « Your Name », « Zealous Man »). Majestueux !

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Power Rock Rock Hard

Seraina Telli : rockin’ rainbow

Après quatre petites années au sein de Burning Witches (2015-2019), la frontwoman helvète a décidé de changer de voie et de se lancer seule dans un registre musclé, certes, mais loin du Metal qu’elle assenait auparavant. Plus féminines aussi, les compositions de « Addicted To Color » n’en demeure pas moins solides et entêtantes. Avec ce très bon deuxième album, SERAINA TELLI montre beaucoup de caractère.

SERAINA TELLI

« Addicted To Color »

(Metalville)

Après seulement deux albums studio et un live avec Burning Witches, la Suissesse SERAINA TELLI a pris son envol et il faut  bien reconnaître que depuis l’an dernier et son premier opus, « Simple Talk », elle semble plus rayonnante que jamais. Le chemin qu’elle emprunte en solo est lui aussi différent de son ancien groupe avec une approche plus Rock, plus mélodique et plus ouverte. Bien sûr, il reste des éléments Hard Rock dans son jeu et on ne saurait s’en plaindre.

La trentaine épanouie, elle réussit avec « Addicted To Color » le tour de force de concentrer une belle énergie, une qualité d’écriture indéniable, une voix puissante, une grande polyvalence musicale et un jeu de guitare très efficace. Loin d’une vision souvent en noir et blanc du Rock et du Metal, SERAINA TELLI met de la couleur, de la joie et de la profondeur dans les morceaux de son deuxième album. Positive et dynamique, la musicienne creuse son sillon.

Musicalement positionnée entre Rock Hard et Power Rock, elle affiche une grande diversité et « Addicted To Color » est bien plus complet et personnel que « Simple Talk », qui ne bénéficiait pas non plus d’une production aussi ample. Evidemment très à son aise sur des titres rentre-dedans (« Songs Fort The Girls », « Be Somebody », « Boogied Man », « Left Behind »), SERAINA TELLI libère de magnifiques charges émotionnelles sur des chansons plus lentes voire acoustiques (« All Your Tears », « The Harder Way »). Bien joué !

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Metal Progressif Rock Progressif

Oblivion Protocol : le gratin du Prog

Membre fondateur de Threshold il y a plus de quatre décennies,  Richard West a souhaité offrir un second volet à l’un des opus de sa formation. Faute d’accord avec le reste du groupe, il mène son projet en solo sous la bannière d’OBLIVION PROTOCOL et entouré de musiciens aussi chevronnés qu’inspirés. « The Fall Of The Shires » présente la crème de la crème sur un Prog Metal et Rock brillant et d’une fluidité singulière.

OBLIVION PROTOCOL

« The Fall Of The Shires »

(Atomic Fire Records)

Dès la sortie de « Legends Of The Shires » en septembre 2017 avec Threshold, Richard West avait déjà dans un coin de la tête l’idée et l’envie de lui donner une suite. Pas convaincus, ses camarades de jeu n’ont pas souhaité tenter l’aventure. Alors, le compositeur et virtuose des claviers s’est mis à l’ouvrage et n’a pas été long à rassembler un casting de choix pour interpréter ce « The Fall Of The Shires » de grande classe et de haute volée sous le nom d’OBLIVION PROTOCOL et sur un Metal/Rock Progressif éblouissant.

Et à l’évidence, le Britannique peut compter sur quelques amis tout aussi brillants et dont la réputation n’est plus à faire depuis très longtemps. Ainsi, on retrouve avec un grand plaisir le guitariste Rudd Jolie (Within Temptation), le bassiste Simon Andersson (Darkwater), le batteur Darby Todd (Devin Townsend) et Karl Groom de Threshold venu faire quelques apparitions. Les membres d’OBLIVION PROTOCOL sont d’une incroyable complicité et « The Fall Of The Shires » s’inscrit en digne successeur du premier effort.

Il va sans dire que la magie opère naturellement chez OBLIVION PROTOCOL. Sur la base de quelques idées datant du premier album, Richard West a poursuivi l’écriture de ce concept-album et il en ressort des titres fascinants. D’ailleurs, écouter l’album de Threshold et enchainer avec celui-ci est assez édifiant, sachant qu’en plus six ans les séparent. Scindé en deux parties, « The Fall » ouvre et clôt cette petite merveille, qui envoûte véritablement (« Tormented », « This Is Not A Test », « Vertigo », « Public Safety Broadcast »). Eblouissant !

Photo : Patric Ullaeus
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Hard Rock Rock Rock/Hard

The Trousers : taillé pour la scène

Sixième assaut du combo magyar qui a eu plus de temps, pandémie oblige, pour donner suite à « Invisible Darkness », paru en 2018. Avec « Animal Gun », THE TROUSERS ne change rien à ses bonnes habitudes et continue son très bon travail de sape à base de Hard Rock et d’un furieux Rock’n’Roll. Une belle débauche d’énergie et un album rondement mené !

THE TROUSERS

« Animal Gun »

(Sliptrick Records)

De manière générale, les groupes issus des pays de l’Est ne sont que très rarement sophistiqués dans leur approche. Et c’est justement cette spontanéité qui fait leur attrait, ce que vient brillamment confirmer THE TROUSERS. Sans fioriture depuis ses débuts en 2006 à Budapest, il propose un concentré de ce qu’il aime et l’anime et il s’agit ici d’un Hard’n’Roll authentique et brut, le tout dans un esprit live séduisant.   

Après cinq albums qui montrent une évolution technique et artistique constante, les Hongrois passent un nouveau cap avec « Animal Gun ». Beaucoup plus travaillé, mais toujours aussi fougueux et directs, ils ont peaufiné la production de ce nouvel opus pour le rendre plus dynamique et massif. Un résultat que l’on doit d’ailleurs à leur ancien batteur, qui a accompagné THE TROUSERS une grosse décennie.

Classiques mais consistants, les morceaux oscillent entre un Rock façon Misfits et MC5 et un Hard Rock qui rappellent The Angels et Thin Lizzy. Le mélange est savoureux et même si les élans musclés ne manquent pas, THE TROUSERS est loin de négliger l’aspect mélodique de ses compositions (« Hope Dies Last », « Bag Of Bones », « The Great Beyond », « Vanish In The Haze », « All Over Shakin’ Down », « Animal Gun »). Résolu et sans détour !

Photo : Norbi Pandur-Balogh
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Alternative Rock Glam Rock Hard US Heavy Rock

Sixty Hours : l’heure de vérité

Ca fait plaisir de voir un groupe français s’émanciper un peu de la plupart des registres empruntés par les formations Rock et Metal de l’hexagone. Sans tomber dans les clichés, direction la côte ouest des Etats-Unis avec le quatuor SIXTY HOURS qui enveloppe son Hard Rock ensoleillé d’ambiances assez différentes, mais qui se complètent bien sur ce « Little Dreamer » plein d’assurance.

SIXTY HOURS

« Little Dreamer »

(Independant)

Un peu de légèreté et même d’audace avec les Français de SIXTY HOURS, dont le premier album sort après une campagne de financement participatif active. De la légèreté donc, puisque nous sommes dans un style qui rassemble des atmosphères et des sonorités dont le spectre, même s’il reste très américain, est plutôt large, et qui fait d’ailleurs tout son charme. Quant à l’audace, elle se niche dans les multiples styles à l’œuvre ici, et l’on replonge (avec plaisir !) quelques décennies en amont. 

SIXTY HOURS avance avec deux guitaristes, ce qui lui offre un champ d’action plutôt conséquent. Cela dit, pas de remplissage sur ce « Little Dreamer » et le partage des rôles, tout comme leur complémentarité, tient dans un bel équilibre avec le soutien d’une rythmique agile et solide. Et si on n’a pas le temps de s’ennuyer, c’est aussi parce qu’on passe sans sourciller du Heavy Rock au Rock US, de l’Alternative Rock au son du Seattle des 90’s et avec même une subtile touche Glam Rock.

Sur une (auto)production très actuelle, les Alsaciens rappellent inévitablement le meilleur de la scène Hard et Rock des années 80 et 90 et made in USA. Vigoureux et malgré deux morceaux très Pop, pas forcément utiles mais assumés, ce premier effort est plein de promesses et surtout très accrocheur avec une énergie très communicative (« This Is Our Place », « Aerial Dances », « Trial », « Peace & Quiet » et le morceau-titre). Après un EP sorti l’an dernier, SIXTY HOURS passe la seconde avec brio.

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Rock US Roots Rock

Grace Potter : magical road-trip

Au volant d’un opus somptueux, GRACE POTTER passe en revue une multitude d’émotions, de rythmes et de couleurs musicales, ce qui atteste encore et toujours de sa débordante créativité. « Mother Road » est le témoignage direct d’un voyage introspectif entrepris par la songwriter sur l’une des plus célèbres routes des Etats-Unis. Limpides et chaleureuses, les chansons du disque célèbrent l’envie folle d’une connexion à la vie. Magistral !  

GRACE POTTER

« Mother Road »

(Fantasy)

Malheureusement presqu’inconnue en France (ce qui est entièrement de notre faute !), GRACE POTTER est pourtant une grande Dame du Rock américain, version roots et authentique. Originaire du Vermont, la chanteuse, guitariste et experte de l’orgue Hammond B-3 a entamé sa carrière en 2002, a multiplié les collaborations de haut vol et nous livre aujourd’hui son cinquième album, produit par Eric Valentine (QOTSA), qui est également son mari à la ville. Et leur complicité est évidente jusque dans le son.

La voix délicieusement éraillée, GRACE POTTER nous invite à un road-trip intimiste avec « Mother Road », un terme emprunté à l’écrivain John Steinbeck qui qualifiait ainsi la légendaire ‘Route 66’. L’Américaine avale le bitume en dévoilant et délivrant ses pensées, ses états d’âme et aussi ceux de personnages imaginaires, qui viennent se fondre dans un Rock mâtiné de Soul, de R&B, de Country avec un voile légèrement bluesy qui vient délicatement se poser sur ces nouveaux morceaux.

Si elle nous plonge dans une certaine ‘Amérique profonde’, GRACE POTTER ne tombe pas dans le larmoyant, bien au contraire, elle se montre lumineuse, attachante et déterminée à laisser entrer le soleil (« Ready Set Go », « Good Time », « Lady Vagabond », « Futureland », « Masterpiece » et le génial morceau-titre). Affichant une incroyable liberté et portée par un groupe d’exception, la musicienne est clairement dans le partage d’une nostalgie sous-jacente et surtout d’un optimisme sans faille.

Photo : Grace Potter
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AOR Hard FM Melodic Rock

Heart Line : golden years

D’un statut d’incontournable dans les années 80/90 à celui de paria les deux décennies qui suivirent, le Hard FM, Melodic Rock ou AOR, c’est selon, retrouve des couleurs et redore son blason de belle manière depuis quelques temps. Sans sombrer dans un revival sans saveur, HEART LINE tire au contraire très habillement son épingle du jeu, grâce à des musiciens talentueux et une vision très actuelle, qui font de « Rock’n’Roll Queen » un disque incontournable et un véritable électrochoc.

HEART LINE

« Rock’n’Roll Queen »

(Pride & Joy Music)

Aussi surprenant que cela puisse paraître, la scène hexagonale en matière de Hard FM, vulgairement appelé AOR de nos jours, est dépeuplée et presqu’orpheline. Pourtant, celles et ceux qui ont connu les grandes heures de MTV en ont été joyeusement abreuvés de longues années durant. Mais au milieu de ce désert musical typiquement français, une oasis a vu le jour il y a deux ans avec l’arrivée en trombe de HEART LINE avec un premier album, « Back In The Game », digne des meilleures productions internationales.

Affichant, c’est vrai, une certaine légèreté en raison de la mise en avant de mélodies bardées de refrains entêtants et d’un côté très accessible qui fait justement sa marque de fabrique, le style est pourtant techniquement très exigeant et même plutôt pointu pour qui vise les sommets. N’en joue donc pas qui veut ! Et c’est avec cette volonté et ce savoir-faire que HEART LINE vient frapper encore plus fort avec « Rock’n’Roll Queen », sa deuxième réalisation, toujours faite-maison, encore plus aboutie, assurée et inspirée.

Fondé par son virtuose de guitariste, Yvan Guillevic, qui produit aussi l’album, le quintet breton peut compter sur son équipe de choc, qu’il convient de citer, composée d’Emmanuel Creis (chant), Jorris Guilbaud (claviers), Dominique Braud (basse) et Walter Français (batterie). Fin et accrocheur, HEART LINE distille des compositions très matures et irrésistibles (« I Am The Night », « Call Of The Wild », « Living My Dreams », « Hard Life », « The Fire Still Burns » et le morceau-titre). Un exercice de haute voltige et de grande classe !

Photo : Cédric Andreolli
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Hard US Heavy Rock

Mammoth WVH : à pas de géant

En l’espace de deux réalisations qu’il a lui-même composé et interprété seul, MAMMOTH WVH vient frapper à la porte du cercle très fermé des musiciens hors-norme. Aussi à l’aise derrière les fûts, à la guitare ou au chant, le Californien grave fièrement son prénom sur ce « Mammoth II » d’une incroyable variété, plein de feeling et sur lequel il laisse éclater une faculté, peut-être innée, à produire des chansons très fédératrices.

MAMMOTH WVH

« Mammoth II »

(BMG)

Au départ, on aurait pu croire à une double-peine lorsqu’il s’est lancé dans une carrière musicale. Etre le fils de la légende Eddie Van Halen et porter le patronyme de Wolfgang, rien que ça !, aurait pu lui brûler les ailes avant même son envol. Mais fort d’un premier album réussi et très bien accueilli, MAMMOTH WVH a enchainé les concerts, épreuve de vérité s’il en est, pour s’imposer de belle manière, armé d’un Hard US efficace.

Multi-instrumentiste plus que confirmé, il a tenu cette fois encore à jouer seul l’intégralité de « Mammoth II » à savoir tous les instruments et aussi toutes les voix. Et à ce niveau-là, très peu de musiciens peuvent actuellement en faire autant, sachant qu’il ne s’est pas forcément facilité la tâche. Même si quelques gimmicks paternels se font sentir ponctuellement, tout comme l’influence majeure d’Aerosmith, MAMMOTH WVH s’éclate !

Impressionnant de dextérité et de maîtrise, c’est bien sûr dans un style Hard US et Heavy Rock, qui le berce depuis son enfance, qu’il a choisi d’évoluer. Sans en faire de trop, il régale par ses mélodies entêtantes (« Right ? », « Like A Pastime », « Waiting ») et ses solos millimétrés (« Another Celebration At The End Of The World », « I’m Alright »). Avec ce deuxième opus plus Heavy, MAMMOTH WVH brille aussi par un sens du songwriting redoutable.

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Southern Rock

Robert Jon & The Wreck : through West coast eyes

Génial et infatigable groupe de scène, ROBERT JON & THE WRECK aime également beaucoup les studios. Avec cette troisième réalisation (dont un Live) en quelques mois, le quintet viennent compléter « One Of A Kind » avec quatre nouveaux très bons titres, qui sentent bon le Southern Rock de la côte ouest américaine, dont le soleil brille tout au long de ce « Ride Into The Light », malgré tout un peu court.

ROBERT JON & THE WRECK

« Ride Into The Light »

(Journeyman Records)

L’incroyable ascension de ROBERT JON & THE WRECK ne doit rien au hasard. Il y a le talent bien sûr, mais aussi et surtout le travail. Et être aussi prolifique tout en maintenant un tel niveau d’exigence est remarquable à plus d’un titre. Depuis leur signature sur le label de Joe Bonamassa, Journeyman Records, les Californiens ont sorti l’EP « One Of A Kind » et le « Live At The Ancienne Belgique » à quelques semaines d’intervalle seulement, tout en assurant de très nombreux concerts.

Entre ses tournées aux Etats-Unis et les allers-retours en Europe, ROBERT JON & THE WRECK ne se laisse pas vraiment de répits. C’est donc avec un certain étonnement que j’ai pris la nouvelle de la sortie de « Ride Into The Light » il y a quelques semaines. Déjà ? D’autant que chez Bonamassa, on n’est pas du genre à faire les choses à moitié et la qualité prime toujours sur la quantité. D’ailleurs, les artistes qu’il a signé sont là pour l’attester. Et puis, tout s’est éclairé…

Un rapide coup d’œil sur la tracklist suffit à comprendre que le quatre-titres sorti en mars a été complété par quatre inédits. On ne va pas s’en plaindre, mais ça va mieux en le disant, surtout que « Ride Into The Light » ne dure qu’une petite demi-heure. A la décharge de ROBERT JON & THE WRECK, ces nouveaux morceaux sont admirablement bien produits (Don Was, Dave Cobb, Kevin Shirley, Bonamassa et Josh Smith). Reste maintenant à se régaler des concerts à venir et attendre patiemment le prochain album…

Photo : Blackham Images

Le groupe se produira le 29 septembre prochain à la salle Cap Caval de Penmarc’h (29) et les billets sont toujours disponibles :

www.seetickets.com/fr/d/event/robert-jon-the-wreck/salle-cap-caval/9478321