Avec autant de chanteurs que d’albums à son actif, ART OF ANARCHY a finalement livré trois réalisations qui finissent par lui ressembler. Il faut dire que ses fondations sont solides et que ses membres parviennent toujours à ajuster leurs compositions au timbre vocale du nouveau venu. C’est encore le cas avec Jeff Scott Soto, qui fait parler l’expérience, sur ce « Let There Be Anarchy », qui ouvre peut-être un nouveau chapitre, tant l’harmonie est flagrante.
ART OF ANARCHY
« Let There Be Anarchy »
(Pavement Entertainment)
ART OF ANARCHY, c’est avant tout une aventure commencée en 2011 par Ron ‘Bumblefoot’ Thal et les frères jumeaux Votta, Jon à la guitare et Vince derrière les fûts. Et pour ce qui est de ce socle fondateur, il est toujours en place, malgré une histoire chaotique faite de désaccords et aussi de deuil. C’est Scott Weiland de Stone Temple Pilots, qui œuvra sur l’opus éponyme des Américains en 2015, et que l’on retrouvera mort dans son tour bus après avoir quitté le groupe. Puis, c’est Scott Stapp de Creed que l’on retrouve au chant sur « The Madness » en 2017, avant d’acter son départ l’année suivante.
Après deux chanteurs de ce calibre, il fallait donc à ART OF ANARCHY un frontman à la hauteur des espoirs et des attentes du quintet, dont Tony Dickinson (ex-Trans-Siberian Orchestra) tient d’ailleurs basse aujourd’hui. Et c’est Jeff Scott Soto, qui a notamment laissé une trace indélébile sur « Rising Force » (1984) et « Marching Out » (1985) d’Yngwie J. Malmsteen, que l’on retrouve derrière le micro. Une reprise de flambeau très largement à sa portée, mais on ne peut s’empêcher de regretter un tel gâchis de talent depuis les débuts du combo. L’anarchie dans toute sa splendeur !
En revanche, il faut reconnaître à ART OF ANARCHY une qualité qui fait sa force, c’est celle d’avoir réussi à adapter son jeu à une nouvelle couleur vocale à chacune de ses productions. Et c’est encore le cas sur « Let There Be Anarchy », taillée sur mesure pour un Soto au meilleur de sa forme. Il se fond et surnage même dans de nouvelles compos massives et musclées. Le Hard Rock très Heavy affiché ici va comme un gant au frontman, plus aiguisé que jamais, et parfaitement en phase avec ses partenaires (« Die Hard », « Echoes Your Madness », « Dying Days », « Rivals », « Vilified »). Enfin, l’heure de la stabilité ?
Déjà rompu à la scène, et d’ailleurs actuellement en tournée avec Disturbed, PLUSH ne compte pourtant qu’un seul album à son actif, auquel vient s’ajouter « Find The Beautiful », un nouvel EP plein de surprises. Entièrement féminine, la formation évite avec talent les écueils de ses jeunes années. Bien au contraire, elle distille un registre déjà très expérimenté et créatif. Fortes d’un solide Heavy Rock, les musiciennes semblent prêtes à écumer le monde entier avec une facilité qui impressionne déjà.
PLUSH
« Find The Beautiful »
(Pavement Entertainment)
Affichant une petite vingtaine d’années de moyenne d’âge, PLUSH n’a pourtant pas mis très longtemps à se faire une place sur la scène Rock américaine. Avec un premier album éponyme sorti en 2021, dont les singles « Hate » et « Better Off Alone » ont squatté les charts US, le quatuor refait son apparition avec un nouvel EP. Ne chroniquant que très rarement les formats courts, « Find The Beautiful » est d’une telle fraîcheur qu’il est assez normal de s’y pencher. Ces six nouveaux titres en valent vraiment la peine.
Composé de la chanteuse, guitariste et compositrice Moriah Formica, de Bella Perron à la lead guiatre, de la bassiste Ashley Suppa et de la batteuse Faith Powell, PLUSH surprend véritablement par sa maturité musicale, autant dans l’écriture que dans l’interprétation. Avec un Heavy Rock proche d’une Classic Hard Rock, les Américaines se montrent piquantes et n’ont vraiment pas froid aux yeux. Il suffit d’écouter le chant, les parties de guitare et la rythmique pour s’en convaincre. Cette jeunesse-là est fougueuse.
Enregistré dans deux studios de Nashville, « Find The Beautiful » présente une belle maîtrise portée par une production qui dévoile toute la puissance, comme la délicatesse, que PLUSH déploie sur les six titres. C’est d’ailleurs un peu étonnant que le morceau-titre de l’EP soit une ballade, ce qui montre l’assurance des jeunes femmes. Musclées et très mélodiques sur « Run », « Kill The Noise » et le massif « Left Behind », elles sont également impériales sur la reprise de Heart, « Barracuda ». L’avenir leur tend les bras !
Le vaste territoire musical de NEBULA DRAG continue de s’étendre à des contrées où un Psych exaltant se fond dans une brutalité sauvage. Généreux et compact, « Western Death » entretient une sorte de flou et une brume dans laquelle on se perd avant qu’une rythmique puissante vienne nous ramener à la réalité. Le combo californien obsède par cette impression qu’il a à nous faire croire à une jam torturée, alors même qu’il nous propulse dans un Stoner Metal noueux et envoûtant.
NEBULA DRAG
« Western Death »
(Desert Records)
Ca tremble à nouveau du côté de San Diego ! Et cela aurait même dû avoir lieu bien plus tôt si des problèmes de fabrication n’avaient pas énormément retardé la sortie de « Western Death », enregistré il y a plus d’un an. Mais nous y voilà et NEBULA DRAG se montre vraiment à la hauteur. Encore plus fuzz, lourd et cosmique que sur ses deux premières réalisations, le trio marque le retour fracassant de Corey Quintana (guiatre, chant), Garrett Gallagher (basse) et Stephen Varns (batterie) avec un enthousiasme débordant.
Les Américains avaient déjà mis tout le monde d’accord il y a quatre ans avec « Blud ». Pourtant, « Western Death » élève leur Heavy Stoner Psych à un niveau que le combo n’avait pas encore atteint. Les riffs sont tellement épais que la lumière passe difficilement. Quant à la paire basse/batterie, son groove est si massif qu’il gronde d’un même écho. Le mur du son imposé par NEBULA DRAG donne l’impression d’une explosion sonore ininterrompue, d’où s’échappe tout de même une musicalité singulière.
Sur une base très Metal et une guitare tranchante et solide, « Crosses » ouvre les hostilités avec force et conviction comme on avait pu le constater en août 2022 à sa sortir en single. Assez stellaire, l’ensemble garde des sonorités 90’s et le rythme imposé est aussi impressionnant que les envolées psychédéliques qui ponctuent « Western Death ». Ca cogne, ça secoue et ça enivre. NEBULA DRAG enchaine les pépites et se montre très accrocheur (« Sleazy Tapestry », « Failure », « Kneecap », » Side By Side », « Western Death »).
Fraîchement formé, le quintet de l’Indiana démarre sur les chapeaux de roue avec un premier album, « One In The Chamber », qui montre beaucoup de maturité dans le jeu et un enthousiasme et un dynamisme débordants. Très américain dans le style comme dans la démarche, et oscillant donc entre Hard Rock, Alternative et Hard Rock, DOWNSHIFT livre des morceaux très accrocheurs, porté par la voix d’un frontman qui en impose, une rythmique Heavy très solide et deux guitaristes qui donnent au groupe une assise assez monumentale. Encore indépendante, j’ai voulu en savoir un peu plus sur cette formation qui transpire totalement le Rock’n’Roll avec son chanteur et guitariste, Jordan Payne. Entretien.
– Je vous ai découvert il n’y a pas si longtemps avec votre premier album, « One In The Chamber », qui m’a vraiment bluffé. En dehors du fait que vous soyez originaires de l’Indiana, j’en sais finalement assez peu sur vous. Pourrais-tu nous faire une petite présentation de DOWNSHIFT ?
Le simple fait que nous soyons originaires de l’Indiana est peut-être la chose la plus intéressante chez nous ! (Rires) Nous sommes tous issus de la ‘middle-class’, et on aime la musique Rock et aussi se dépasser dans tout ce que nous faisons. Nous nous considérons comme des artistes, mais aussi comme des hommes d’affaires. Nous sommes toujours à la recherche de la prochaine chose que nous pourrions faire pour aller plus loin. Qu’il s’agisse d’un moyen de mieux promouvoir notre musique, ou simplement d’être plus professionnels dans la façon dont nous traitons avec les clubs et les salles, nous essayons toujours de progresser et de viser l’excellence.
– C’est assez rare de voir un groupe fondé par deux guitaristes, même quand l’un des deux est aussi chanteur. J’imagine qu’en ce qui concerne la composition, cela doit faciliter beaucoup de choses. Est-ce que vous effectuez un travail en commun, confrontez-vous vos idées ou est-ce que l’un d’entre-vous tient le lead ?
Eh bien, c’est définitivement les deux. Il y a certaines chansons sur lesquelles j’ai écrit la plupart des parties de guitare, et d’autres qui sont presqu’entièrement composées par Aaron (Parrett – NDR). Les autres sont en grande partie le fruit d’un effort commun. Il peut écrire le couplet et moi le refrain, ou alors il propose une idée générale et nous essayions, travaillions et peaufinons chaque petite note jusqu’à ce que nous soyons complètement satisfaits. Je dirais que cela a rendu les choses plus faciles, parce que nous nous entendons très bien et nous avons eu une vision très similaire du travail des guitares sur l’album. Cependant, être plusieurs à être compétents sur le même instrument peut souvent être un véritable obstacle, lorsque l’association ne se fait pas de manière créative. Heureusement, nous avons toujours su nous en tenir au plan et mettre de côté tout ego lors du processus d’écriture. Nous voulons vraiment le meilleur résultat pour une chanson. Peu importe de qui vient l’idée finalement.
– Vous avez sorti deux singles, « Lose It » et « Give It To You » avant l’album. Aujourd’hui, la plupart des groupes présente d’abord quelques morceaux, histoire de se faire connaître. Que pensez-vous du mode actuel de communication dicté par les réseaux sociaux, et est-ce qu’extraire ces chansons vous semblait une bonne idée ? Est-ce que cela aurait pu avoir d’autres conséquences sur la sortie du disque en cas de mauvais accueil, par exemple ?
Je ne pense pas que nous aurions beaucoup changé dans la façon dont nous avons publié quoi que ce soit, sauf peut-être une meilleure planification de la promotion. Nous faisons tout ça nous-mêmes et tout cela est encore une expérience d’apprentissage. Les réseaux sociaux et les plateformes de streaming ont créé un espace unique pour les artistes non-signés. C’est vrai que nous avons désormais la possibilité d’être entendus sur les mêmes supports que les plus grands artistes du monde. Cependant, cela signifie que tous les groupes et les musiciens du monde bénéficient de la même attention dans ce même espace. Les eaux sont très troubles. Pourtant, là où quand les musiciens non-signés rêvaient de passer à la radio, ils peuvent désormais figurer sur des playlists Spotify populaires.
– Vous évoluez, et c’est bien naturel, dans un style très américain entre un Hard Rock assez classique façon Testa notamment, et un Alternative Rock plus inspiré par Nickelback entre autres. Les riffs sont massifs et les mélodies accrocheuses et DOWNSHIFT dégage une énorme énergie. C’était l’objectif premier en créant le groupe ?
Tout d’abord, merci pour ces mots très agréables ! Aimant à la fois le Classic Rock et le nouvel Alternative Rock du style Nickelback, c’est plus un honneur qu’une surprise d’être comparé à ces artistes. Notre objectif avec cet album était de vraiment prêter attention à ce qu’il nous faisait ressentir, d’appuyer sur la pédale et de ne pas la relâcher tout au long du processus. Je m’attends à ce que le prochain album soit plus diversifié en termes de dynamique… à la fois émotionnellement et dans le son aussi.
– De plus, et sans remettre en cause la qualité des chansons, elles sont très formatées pour les radios américaines notamment avec aussi un petit côté ‘stadium‘. Est-ce par souci d’efficacité et de percussion, ou plus simplement est-ce votre façon de composer, votre idée de la musique de DOWNSHIFT ou une manière d’écrire avec une notion d’urgence dans les structures ?
Je dirais que c’est un peu des deux. Je suis fan de musique commerciale, c’est vrai. J’ai grandi dans un environnement où la radio représentait 90% de la musique que j’écoutais. Pas seulement du Rock d’ailleurs, mais aussi de la Pop, de la Country et tout ce qui est suffisamment accessible pour passer à la radio. Donc, même si je ne nierai pas notre ambition d’être le plus abordable possible au sens commercial du terme, c’est aussi une façon très importante de percevoir la musique.
– D’ailleurs, « One In The Chamber » est un album très mature pour un jeune groupe. Est-ce parce vous y travaillez depuis longtemps, ou parce que vous avez une expérience individuelle déjà conséquente avec de précédentes formations ?
Aaron et moi avons déjà joué ensemble dans des groupes et même s’ils n’étaient pas terribles, ils n’étaient pas à la hauteur de ce que j’ai l’impression que nous avons fait jusqu’à présent avec DOWNSHIFT. Nous avons beaucoup progressé au fil des années, et nous avons vraiment pris cet album au sérieux. Toutes les chansons que nous avons écrites ne figurent pas sur la tracklist du disque, mais nous avons travaillé très dur pour que celles-ci sonnent le mieux possible. Je mentirai aussi si je n’accordais pas également du crédit au producteur avec lequel nous avons travaillé. Il nous a vraiment aidés à tirer le meilleur parti de nos chansons et de nous-mêmes durant tout le processus d’enregistrement.
– Malgré un titre et quelques morceaux assez sombres, « One In The Chamber » est un album plutôt positif et moteur. On a l’impression que certains textes sont là pour réveiller l’auditeur et même le motiver. Et votre musique avec sa dynamique va aussi dans ce sens. C’est ce que vous avez voulu faire sur ce premier album : motiver les gens ?
Je ne dirais pas que l’album entier est destiné à ‘motiver’ tout le monde, mais nous voulions absolument que les gens prennent du plaisir à l’écouter. Nous ne voulions pas que ce soit émotionnellement éprouvant d’écouter notre musique. Honnêtement, nous espérions suivre l’expression ‘sexe, drogue et Rock’n’Roll’ et donner à notre musique ce même sentiment de légèreté et de liberté. Si quelques chansons sont marquées d’une empreinte plus sombre, c’est parce que c’est exactement ce que nous ressentions à l’époque. Nous n’avons pas voulu non plus diminuer l’honnêteté de la musique que nous écrivions. Cela dit, nous avons essayé de ne pas faire trop de morceaux dark ou trop chargés négativement.
– J’aimerais que l’on revienne un instant sur les guitares, sans oublier bien sûr la solide et irréprochable rythmique basse/batterie. Il y a beaucoup de densité dans les riffs avec un espace sonore bien remplis. Quant aux solos, ils sont très directs, percutants et explosifs sans jamais traîner en longueur. J’imagine que c’est une chose à laquelle vous portez une attention toute particulière ?
Oui, bien sur ! Nous sommes deux guitaristes ! (Rires) Nous avons, en effet, porté une attention toute particulière au travail des guitares et nous avons vraiment essayé de faire en sorte que le travail solo/lead trouve son équilibre. Bien qu’il s’agisse d’un effort commun, la plus grande partie du mérite revient à Aaron sur l’album. Il est assez bon guitariste pour pouvoir facilement jouer tous les solos. Mais nous avons surtout essayé de nous assurer que chaque note jouée était nécessaire à la chanson, plutôt que d’être trop démonstratif. Ce n’était pas si difficile, car il a une grande capacité à jouer ‘sur’ la chanson et aller vers plus de simplicité. Je suis heureux de voir que tu n’as pas eu l’impression qu’on s’éternise en en faisant trop. C’était le but !
– Enfin, que dirais-tu au public français qui souhaite découvrir DOWNSHIFT, car la culture européenne est assez éloignée de ce genre de Hard Rock et de l’Alternative Rock en général, qui peuvent chez nous passer pour assez, voire très commercial ?
Je décrirais DOWNSHIFT comme du Heavy Rock moderne avec des notes de Classic Rock et une voix mélodique. Nous avons essayé de trouver le bon mélange tout en restant suffisamment commercial pour être considéré comme ‘mainstream’. Je pense que nous pourrions plaire à des personnes d’âges et de styles différents. Il y a un petit quelque chose pour tout le monde sur cet album.
Toutes les infos sur le groupe sont disponibles sur son site, et l’album est présent sur toutes les plateformes :
Etant donné le pédigrée de RON COOLEN et de KEITH ST JOHN et vu la saisissante brochette d’artistes venus se joindre à eux, on aurait pu imaginer « Here To Stay » très démonstratif, chacun jouant sa partition avec le plus de virtuosité possible, histoire d’impressionner le voisin. Pourtant, c’est porté par des morceaux très accrocheurs et pêchus que les deux musiciens s’expriment sur une réalisation tout en feeling, et qui surtout annonce déjà une suite.
RON COOLEN + KEITH ST JOHN
« Here To Stay »
(RC Music/Suburban Distribution)
A l’écoute de « Here To Stay », on ne peut que se rendre à l’évidence : ces deux-là sont faits pour s’entendre et musicalement, ça fait des étincelles entre le Hollandais et l’Américain. Cela fait déjà quelques années que les deux artistes travaillent ensemble et l’addition des talents a réellement porté ses fruits. Compositeurs, producteurs et multi-instrumentistes, RON COOLEN et KEITH ST JOHN présentent un disque parfaitement équilibré, entre Hard Rock et Heavy Metal.
« Here To Stay » est le deuxième album solo du Néerlandais et le premier avec le célèbre frontman. Réputé pour ses performances avec Burning Rain, Kingdom Come, Montrose et Lynch Mob, KEITH ST JOHN illumine littéralement ces morceaux composés avec RON COOLEN qui, non-content de jouer les parties de guitares, s’est également chargé de jouer la batterie, la basse et les claviers. Et pour couronner le tout, une brillante liste de guests jalonne ce bel opus.
Si les compos du duo se suffisent à elles-mêmes, les invités apportent un vrai plus de par leurs différents parcours, ainsi qu’à travers des styles distincts et très personnels. Gus G (Firewind) se déchaînent sur « Saints And Sinners » et « Firebird », Timo Somers (Ayreon) sur « Jaded Eyes », « Mr. Jones » et « Bust Me Out », avant de laisser la place à George Lynch sur « Sin City 23 » et Per Nilsson (Meshuggah) sur « 90 Shades Of Hell ». Enfin, Joey Conception (Dark Tranquillity) et Satchel de Steel Panther complètent ce casting de rêve. Magnifique !
Brillant cette fois encore, le quatuor belgo-anglo-américain continue son aventure musicale entre un Rock Progressif fin et un Art-Rock très élaboré. Avec « 8mm », FISH ON FRIDAY avance dans une sorte de spleen très positif (si, si !) où les claviers se mêlent à la guitare, guidés par un chant à trois voix particulièrement bien mixé. Atmosphérique et aux multiples reliefs, cette nouvelle réalisation surprend et détend autant qu’elle envoûte.
FISH ON FRIDAY
« 8mm »
(Cherry Red Records)
Après le très bon « Black Rain » sorti il y a trois ans, la multinationale progressive livre « 8mm », un album d’une élégance renouvelée à laquelle elle nous a habitués depuis ses débuts. Toujours emprunt d’une certaine nostalgie dans ses textes et sa musique, FISH ON FRIDAY fait cette fois un clin d’œil aux vieux films amateurs à travers son titre bien sûr, et aussi dans son contenu qui met en valeur les mélodies, les harmonies, la créativité des musiciens et livre quelques surprises.
Fondé il y a un peu plus de 15 ans à Anvers en Belgique par le claviériste, chanteur et producteur Frank Van Bogaert (avec Williams Beckers parti depuis) et aujourd’hui accompagné du guitariste californien Marty Townsend, du bassiste anglais Nick Beggs et du Belge Marcus Weymaere à la batterie, FISH ON FRIDAY dévoile son univers si singulier sur des réalisations toujours aussi raffinées. « 8mm » ne déroge pas à la règle et le voyage est beau, tant l’envolée est constante.
Coproduit par Beggs et Van Bogaert, qui se partagent subtilement le chant, ce sixième opus accueille aussi la chanteuse Lula Beggs sur plusieurs titres, ainsi que Theo Travis (flûte et saxo). Délicate et aérienne, la légèreté apparente fait presqu’oublier la virtuosité du groupe et la grande qualité des arrangements. FISH ON FRIDAY se fend même d’une superbe reprise des Britanniques Metro (« Flames » sorti en 1977) et enchaine quelques merveilles (« 8mm », « Jump This Wall », « Silently Raging »).
La très florissante scène Country américaine ne cesse de faire émerger de jeunes chanteuses dont le talent, souvent précoce, surprend par la qualité d’interprétation et aussi la force d’écriture. ALANA SPRINGSTEEN fait partie de cette nouvelle génération, qui ne vient pas bousculer l’ordre établi, mais plutôt lui apporter un petit supplément d’âme, en sortant habillement et tout en finesse des habituels clichés. Dès son premier effort, « Twenty Something », elle montre qu’elle n’a pas froid aux yeux et son avenir semble d’ores et déjà tracé.
ALANA SPRINGSTEEN
« Twenty Something »
(Columbia Records NY/Sony Music Nashville)
Originaire de Virginie et désormais installée à Nashville, Tennessee, la jeune musicienne fait déjà preuve de beaucoup d’assurance et d’un charisme certain alors que sort tout juste son premier album. Sans complexe et affichant une belle maturité musicale, ALANA SPRINGSTEEN a même décliné « Twenty Something » en trois parties qu’elle a sorti séparément au fil des mois (« Messing It Up », « Figuring It Out » et « Getting It Right »). Avec du caractère, elle fait des débuts remarquables et remarqués outre-Atlantique dans un registre qui ne cesse de se renouveler.
Du haut de ses 22 ans, l’Américaine marche dans les pas des grandes chanteuses Country avec une confiance et un savoir-faire étonnants. Dans le sillage de Carrie Underwood et Miranda Lambert notamment, ALANA SPRINGSTEEN dégage beaucoup de fraîcheur et, portée par l’insouciance et la spontanéité de son âge, elle apporte une touche originale au style. Tout en contraste, les trois parties de « Twenty Something » se fondent dans un ensemble très homogène construit sur 18 morceaux très matures. Son aplomb et sa créativité détonnent à travers des titres forts, tendres et intenses.
Si la songwriter tient aussi la guitare, elle s’est entourée de musiciens chevronnés, dont d’ailleurs un très bon six-cordistes. Les textes d’ALANA SPRINGSTEEN se retrouvent ainsi solidement mis en lumière et elle parcourt ses émotions de jeune femme avec autant d’innocence que de chaleur et de sensibilité. Difficile de ne retenir que quelques titres sur ce long « Twenty Something », mais « Cowboy And Tequila », « Chameleon », « Tennessee Is Mine », « You Don’t DeserveA Country Song », « Amen », « Caught Up To Me » et le morceau-titre sortent du lot. A surveiller de très près !
Au volant d’un opus somptueux, GRACE POTTER passe en revue une multitude d’émotions, de rythmes et de couleurs musicales, ce qui atteste encore et toujours de sa débordante créativité. « Mother Road » est le témoignage direct d’un voyage introspectif entrepris par la songwriter sur l’une des plus célèbres routes des Etats-Unis. Limpides et chaleureuses, les chansons du disque célèbrent l’envie folle d’une connexion à la vie. Magistral !
GRACE POTTER
« Mother Road »
(Fantasy)
Malheureusement presqu’inconnue en France (ce qui est entièrement de notre faute !), GRACE POTTER est pourtant une grande Dame du Rock américain, version roots et authentique. Originaire du Vermont, la chanteuse, guitariste et experte de l’orgue Hammond B-3 a entamé sa carrière en 2002, a multiplié les collaborations de haut vol et nous livre aujourd’hui son cinquième album, produit par Eric Valentine (QOTSA), qui est également son mari à la ville. Et leur complicité est évidente jusque dans le son.
La voix délicieusement éraillée, GRACE POTTER nous invite à un road-trip intimiste avec « Mother Road », un terme emprunté à l’écrivain John Steinbeck qui qualifiait ainsi la légendaire ‘Route 66’. L’Américaine avale le bitume en dévoilant et délivrant ses pensées, ses états d’âme et aussi ceux de personnages imaginaires, qui viennent se fondre dans un Rock mâtiné de Soul, de R&B, de Country avec un voile légèrement bluesy qui vient délicatement se poser sur ces nouveaux morceaux.
Si elle nous plonge dans une certaine ‘Amérique profonde’, GRACE POTTER ne tombe pas dans le larmoyant, bien au contraire, elle se montre lumineuse, attachante et déterminée à laisser entrer le soleil (« Ready Set Go », « Good Time », « Lady Vagabond », « Futureland », « Masterpiece » et le génial morceau-titre). Affichant une incroyable liberté et portée par un groupe d’exception, la musicienne est clairement dans le partage d’une nostalgie sous-jacente et surtout d’un optimisme sans faille.
Gras et costaud, le style de VERMILION WHISKEY génère une énergie très Rock’n’Roll dans l’attitude et résolument Metal dans le son. Malgré une approche très brute et sans détour, la formation du sud des Etats-Unis est particulièrement accrocheuse et libère un tsunami Southern baigné de Stoner. « Crimson & Stone » dégage une amplitude entraînante et harmonique.
VERMILION WHYSKEY
« Crimson & Stone »
(Independant)
Originaire de Lafayette dans la bouillonnante Louisiane, VERMILION WHISKEY concentre à lui seul tous les ingrédients qui font l’explosivité et la chaleur sudiste, dans le sens très musclé du terme. Fidèle à une tradition Southern Metal et Rock, le groupe conjugue avec talent des sonorités Hard Rock et Stoner, tout en maintenant les mélodies comme ligne directrice de son jeu. Imparable.
Bien sûr, l’épaisseur et l’aspect massif des riffs font penser à Zakk Wylde, mais l’univers de VERMILION WHISKEY ne manque pas d’originalité. Bien au contraire, le quatuor peaufine son Southern Stoner Metal et l’évolution depuis « 10 South », son premier album sorti il y a dix ans, est manifeste. Les Américains s’imposent avec puissance sans pour autant manquer de finesse et de créativité.
Là où VERMILION WHISKEY brouille un peu les pistes, c’est qu’il parvient habillement à injecter quelques touches d’Alternative Metal dans son solide registre, ce qui lui apporte un côté accessible et très fédérateur. Pour le reste, le combo se montre frontal grâce à des morceaux très bien structurés (« Down To You », « The Get Down », « Dissonance », « Atrophy »). Une belle et forte performance.
Joueur de Blues, de Rock Psychédélique, de Jazz, compositeur de musique classique et de films, GARY LUCAS est une bande originale de son époque à lui tout seul. Songwriter et guitariste hors-pair et aux mille visages, l’Américain est aussi incontournable que discret, dont le talent et la virtuosité parlent pour lui. Aujourd’hui sort « The Essential », une belle représentation de l’éclectisme et de l’élégance du musicien.
GARY LUCAS
« The Essential »
(Knitting Factory Records/PIAS)
Je sais que je ne chronique habituellement pas les compilations, mais si vous n’avez aucun album de GARY LUCAS, c’est le moment de vous procurer « The Essentiel ». Le double-album retrace sur 36 titres les 40 ans de l’incroyable carrière de ce guitariste de génie. Bien plus qu’un guitar-hero, l’Américain est un héro de la guitare à qui aucun style ne résiste : un touche-à-tout capable de tous les grands écarts possible.
Le leader de Captain Beefheart, puis de Gods & Monsters, a joué avec les plus grands groupes et artistes et compte également une trentaine d’albums solos à son actif et dans des registres très différents. Parmi ses collaborations, GARY LUCAS a côtoyé Leonard Bernstein, Chris Cornell, Nick Cave, Warren Haynes (Allman Brothers), Iggy Pop, Dr John… La liste est très longue !
Mais le fait le plus marquant et célèbre du guitariste reste la découverte de Jeff Buckley dont il devient le mentor et pour qui il écrira « Mojo Pin » et « Grace », devenus des classiques. Producteur des Français de Tanger et co-compositeur de « Spider Web » de Joan Osborne, GARY LUCAS a même signé des bandes originales de films et de séries TV. Virtuose au jeu élégant, l’Américain est bien plus qu’une référence.
