Présent depuis de nombreuses années dans le circuit musical anglais et plus précisément dans le petit monde du Rock Progressif, Dave Hulatt sort le premier album de son projet solo, ROAD TRIP. Producteur, compositeur et interprète de tous les instruments sur « Merry Go Round », le Britannique s’est créé un univers très personnel et sans frontière artistique.
ROAD TRIP
« Merry Go Round »
(Epictronic Records)
Musicien, songwriter et producteur chevronné, c’est pourtant son premier album sous le nom de ROAD TRIP que vient de sortir le Britannique et multi-instrumentiste Dave Hulatt. Après un EP « Sun Daze », sorti en 2015, et qui était surtout un pur projet solo, « Merry Go Round » montre un éventail bien plus large de l’univers progressif et constitué de rêveries du guitariste anglais.
Musicien de session, Dave Hulatt a joué aux côtés de Nick Turner et Dave Anderson d’Hawkwind, c’est donc assez naturellement que l’on retrouve une touche psychédélique sur ce premier opus. Mais le terrain de jeu de ROAD TRIP est bien plus complexe et riche qu’il n’y parait. Dans la tradition d’un Rock Progressif très british, les neufs titres naviguent entre Rock, Folk et Psych.
Dans la veine de Rush, de Led Zeppelin ou de Nick Drake, « Merry Go Round » montre toute l’étendue du savoir-faire de l’artiste au niveau du mix et de la production, mais aussi et surtout de son talent de compositeur et d’interprète (« Crack In Space », « Light Of Perfection », « The Rabbit Hole Of Time »). ROAD TRIP propose un beau voyage à travers des sonorités captivantes et sensibles.
Lorsqu’on connait la technicité de Blue Öyster Cult, se lancer dans un Tribute peut s’avérer être délicat au point d’y laisser quelques plumes et quelques dents. Mais concernant les musiciens de Stoner, Desert Rock et proto-Metal qui composent ce bel album DÖMINANCE & SUBMISSIÖN, il semblerait que le challenge ait décuplé leur inspiration. Mieux, certains morceaux sont revisités avec une fougue surprenante.
DÖMINANCE & SUBMISSIÖN
« A Tribute To Blue Öyster Cult »
(Ripple Music)
Chez le label californien Ripple Music, on ne manque pas d’idées et grâce à des connexions facilitées par des artistes-maison de haut viol et de grands talents, de beaux projets émergent comme ce DÖMINANCE & SUBMISSIÖN, un album hommage au légendaire groupe de Hard Rock occulte Blue Öyster Cult. Composé de reprises inédites interprétées par des artistes issus essentiellement du mouvement Stoner, la fête est belle, inattendue et agréablement surprenante.
S’atteler au répertoire des mythiques New-Yorkais n’est pas une mince affaire. Et il faut rappeler qu’à l’origine du projet, on retrouve feu Steve Hanford et Ian Watts de Ape Machine. Initialisé alors que ce premier était une fois encore en prison, il a tout juste eu le temps de finaliser ses propres parties avant de laisser la place à un casting hors-norme, dont le travail est aussi étonnant qu’éblouissant, le tout avec une production extrêmement brute.
A l’œuvre sur DÖMINANCE & SUBMISSIÖN, Mark Lanegan, Billy Anderson, Mondo Generator, Mos Generator, Howling Giant, des membres de Fu Manchu et High On Fire, ainsi que les talentueux Great Electric Quest, War Cloud et Spindrift s’en donnent à cœur-joie. Parmi les 13 morceaux, on redécouvre sous un œil neuf les classiques « The Reaper », « Burnin’ For You », « Godzilla », « Tattoo Vampire », « Fireworks » ou encore « Flaming Telepaths ». Un bon coup de fouet !
Même teintée de sonorités latines et inscrite dans un Blues traditionnel intemporel, la musique de VANESA HARBEK a quelque chose d’universel. Avec « Visiones », la guitariste et chanteuse argentine réalise une fusion magique où Soul et Tango dansent sur le même rythme. Un troisième album captivant et chaleureux.
VANESA HARBEK
« Visiones »
(A1 Records/Broken Silence)
Loin de son Argentine natale, l’Allemagne, où elle vit depuis plus de cinq ans, n’a pas réussi à faire oublier ses racines latines à VANESA HARBEK. Guitariste, chanteuse et également trompettiste (« Muriendo Un Poco Çada Dia »), la musicienne livre avec « Visiones », un troisième album, qui est aussi probablement le plus personnel, le plus sensible et le plus inspiré de sa carrière. Un périple musical où le Blues traditionnel se fond dans le Rock et le Tango, comme pour mieux faire jaillir son feeling.
Il faut aussi savoir qu’elle est artiste peintre et a signé la pochette de l’album, ainsi que les illustrations des chansons dans le livret du disque. Et c’est parfaitement réussi et en totale adéquation avec le contenu des titres. VANESA HARBEK est donc une artiste complète et, comme un pied de nez, la Sud-Américaine commence l’album avec le morceau « Positive Day » pour le conclure avec « Boring Day ». Entre les deux : le voyage.
Si certains verront des similitudes dans le jeu de l’Argentine et celui du grand Carlos Santana, les racines ne sont pourtant pas les mêmes. Seuls le jeu et la chaleur des sonorités les rassemblent, notamment sur les titres chantés en espagnol (« Te Extraño Buenos Aires », « Tal Vez Mañana », « Unelvo Al Sur »). VANESA HARBEK séduit par un toucher fluide et délicat, ainsi que par un chant captivant et sincère (« It’s Crazy », « Hell In Paradise », « Many Years »). Un groove enchanteur.
Quand l’un des meilleurs guitaristes de notre beau pays décide de se faire plaisir avec deux amis également chevronnés et rompus à l’exercice, ça fait plus que piquer la curiosité. Et il est justement question de piquant avec ce « Hot Sauce » fraîchement livré par COUR SUPREME. Rock, Hard, Southern, Heavy et Boogie Blues, la recette du trio est sacrément épicée.
COUR SUPREME
« Hot Sauce »
(Independant)
Depuis une bonne décennie maintenant, COUR SUPREME bâtit son Power Rock dans un registre où peu de groupes osent d’aventurer dans l’hexagone. Cela dit, le trio n’est pas composé de lapins de trois semaines, mais de musiciens qui n’ont plus rien à prouver et qui, à travers cette formation, se font tellement plaisir que cela s’entend sur chaque note de ce troisième album « Hot Sauce ».
Après « Milestone », un EP sorti en 2020 en guise de préambule, Jean-Marc Palma (basse, chant), Gilles Chevalier (batterie) et Judge Fredd (guiatre, chant) proposent un album complet et plutôt relevé. Avec « Hot Sauce », COUR SUPREME a aussi resserré les rangs et affiche un songwriting racé et efficace. Brut, mais non sans nuances, le trio va à l’essentiel et se montre aussi chaleureux que massif.
Si on avait déjà pu découvrir le percutant « Big Zulu » qui se fond parfaitement dans l’album, le reste de cette nouvelle galette révèle de bien belles surprises (« Rocky Road », « Subterranean Rodeo », « Get Your Fire », « Mustang »). Sur une production soignée, COUR SUPREME distille son Hard Blues, ou son Heavy Boogie c’est selon, avec une touche Southern et un esprit Blues bien ancré. Une saine respiration.
Le puissant Metal Pagan d’EREB ALTOR refait surface avec un neuvième album déchainé et impressionnant de maîtrise. Typiquement Black Metal dans l’approche de certains morceaux et plus atmosphériques et Doom sur d’autres, le quatuor viking propose avec « Vargtimman », un album complet et varié, jouant sur les ambiances dans des joutes vikings mémorables.
EREB ALTOR
« Vargtimman »
(Hammerheart Records)
Cela fait bientôt 20 ans que les valeureux Vikings d’EREB ALTOR montent à l’assaut et passent à l’attaque armés d’un metal sombre et fracassant. La thématique païenne et nordique guide le groupe dont le registre s’affine au fil des albums, et ce neuvième opus est très certainement le meilleur d’une déjà belle discographie. Le quatuor suédois n’est pas prêt de rendre les armes, ça c’est clair !
Sur « Vargtimman », EREB ALTOR fait parler la poudre, ou plutôt les glaives, et monte en puissance au fur et à mesure que les morceaux défilent. Les riffs sont tranchants, les rythmiques lourdes et le travail effectué sur le chant, tout en nuances, montrent que le combo scandinave est parvenu à ses fins. Entre Black Metal et des influences Folk traditionnelles, le groupe impressionne par sa noirceur et son énergie.
Si quelques passages nous renvoient à Bathory, Grand Magnus et Wardruna, EREB ALTOR se révèle sous une identité plus personnelle à travers « Vargtimman ». Féroces et guerriers, les Suédois oscillent entre titres violents et d’autres plus atmosphériques et Doom (« Fenris »). Parfois Folk et épiques (« Alvabot ») ou plus puissants (« Rise Of The Destroyer »), le groupe perpétue la tradition Viking Metal et Pagan avec force.
Depuis ces trois dernières semaines, tout le monde y va de son Top 10 des albums de l’année. Médias en tout genre, artistes ou fans, chacun livre sa petite liste, façon lettre au Père Noël. Mais même sous couvert d’une objectivité irréprochable, c’est très difficile d’être impartial car on ne peut, et c’est heureux, échapper à sa propre subjectivité. Et puis, on se base sur quels critères finalement ? Créativité ? Technique ? Emotion ? Nombre d’albums vendus ? Artistes sympathiques et amis ? Mérite ? La liste peut s’avérer très longue…
Comme vous le savez, la maxime, et même la devise, de Rock’n Force est inscrite en haut et à gauche du site : sans œillères, ni notes. Alors dresser un Top 10 de 2021 va un peu à l’encontre de la démarche que j’ai entreprise ici. Tout d’abord, pour avoir publié un peu plus de 500 chroniques d’albums durant cette première année d’existence, il va m’être très difficile d’en choisir une dizaine. C’est toujours possible dans la mesure où j’effectue déjà une sélection drastique, mais est-ce vraiment pertinent ?
Pour ceux qui reviennent de manière récurrente dans tous les classements que j’ai pu voir, il n’y a finalement que des artistes incontournables, des têtes d’affiche. On les retrouve donc, et non sans une certaine logique, car ces disques sont très attendus : Iron Maiden, Alice Cooper, Mastodon, Black Label Society, Exodus, Helloween, Gojira, Dream Theater (Oups !) et j’en passe… Finalement, des artistes reconnus qui sont tous dans le Top 10 des plus grosses ventes d’albums de l’année. Il faut aussi préciser que ce sont les groupes qui bénéficient de la meilleure exposition médiatique… et ça aide !
Quid des autres ? Sur Rock’n Force, je traite de (presque !) tous les styles de musiques et leurs dérivés qu’ils soient Rock, Metal et Blues. Alors, il faudrait peut-être établir un Top 10 par style et aussi par sous-genres. Des nombreux registres extrêmes au Stoner et ses variants (c’est à la mode !), en passant par le Progressif au sens large et le Psych, ou encore les multiples nuances de Heavy Metal et de Hard Rock, ainsi que les innombrables styles de Blues, il faudrait en fait commencer par élaborer un Top 10 des Top 10. Ensuite, en parcourant les centaines (et même plus !) d’albums sortis, il faudra choisir.
Et si on va encore un peu plus loin, pourquoi ne pas établir un Top 10 des réalisations françaises ? Celui qui nous concerne directement. Sans faire preuve d’un chauvinisme exacerbé, les groupes hexagonaux ont encore livré une moisson éblouissante l’an passé ! Quant aux éternels oubliés, ceux qui s’autoproduisent, pas un mot nulle part, non plus. Pourtant si vous tapez ‘autoproduction’ dans le moteur de recherche de Rock’n Force, vous constaterez que la liste est longue, en plus d’être belle ! A croire que tous ces artistes non-signés ne valent pas la peine qu’on s’y attardent. En plus d’être navrant, c’est triste. Mais sauf contre-ordre, c’est marche à l’ombre !
Alors, plus que jamais, ce sera définitivement sans œillères, ni notes… et par conséquent sans Top 10. Ah si ! Il y en a un qui serait faisable sans trop de difficultés : celui des imposteurs maîtres d’un marketing institutionnel. Encore faut-il avoir du temps à perdre. La musique reste un domaine où la subjectivité est reine et seuls les goûts de chacun comptent au final. Et ici, on n’est pas à ‘L’Ecole des Fans’, mais chez Rock’n Force. Mon objectif reste de mettre en lumière autant que possible des artistes qui ne le sont pas souvent, qui proposent une musique de qualité, et il reste inchangé !
Pour conclure, et par curiosité, quel est votre Top 10 à vous ? Et si vous me le laissiez en commentaire en m’expliquant brièvement comment vous l’avez constitué ? Merci à vous, j’aimerais beaucoup ! Je vous adresse tous mes vœux pour cette nouvelle année, et restez curieuses et curieux… c’est le plus important !
Loin des conventions et des idées reçues inhérentes à chaque style et qui permettent à chacun de mettre les albums dans une case bien précise, XCIII fait fi des étiquettes, à moins que ce soit pour mieux les coller où bon lui semble. Sur « Void », c’est un télescopage savamment dosé entre des sonorités Metal, Trip-Hop, Prog-Rock, Coldwave et toujours avant-gardistes et expérimentales que nous propose le musicien français.
XCIII
« Void »
(My Kingdom Music)
Avec XCIII, on ne sait jamais vraiment à quoi d’attendre et c’est une très bonne chose ! Toujours seul aux commandes, Guillaume Beringer, qui interprète tous les instruments et le chant, semble pourtant sur « Void » désirer partager son univers, qui reste progressif et avant-gardiste, avec la chanteuse Maélise Vallez. Présente sur quatre morceaux, elle apporte une nuance, une lumière et une chaleur assez inattendues à ce cinquième album, toujours aussi minutieusement élaboré avec des arrangements bénéficiant d’une attention toute particulière.
Des styles et des ambiances différentes, XCIII en a parcouru depuis son tout premier EP « Majestic Grief » en 2010. Traversant tout à tour et au gré de son inspiration des registres comme le Black Metal, la Coldwave, le Trip-Hop, le Prog expérimental, l’Ambient avec parfois même des clins d’œil au Drone, le musicien livre « Void », un album peut-être plus personnel, presque conceptuel et en tout cas plus organique qu’à l’habitude. Une touche plus acoustique que l’on doit à l’évidence à l’intervention de deux pianistes et d’une violoncelliste (« Vs »).
Très bien produit et masterisé par Steve Kitch, gage de qualité s’il en est, « Void » donne aussi l’impression de moins jouer sur les boucles et se détourne des morceaux parfois répétitifs dans la forme, l’empreinte de l’univers dans lequel XCIII se meut depuis des années. Plus abordables aussi, des titres comme « Red Lights » ou « Hannah » conservent cet aspect expérimental et très Electro, mais ils font aussi émerger une facette estampillée ‘chanson’, rare jusqu’ici. Et « Rosemary » et « Tapeworm » viennent confirmer cette évolution permanente dans l’anticonformisme, qui reste la marque de fabrique de l’artiste.
Montrer autant d’audace et d’assurance dès son premier album est une chose plutôt rare. Avec « It Came From The Void », KING BASTARD s’embarque dans un vagabondage spacial et agité à travers un Doom puissant, moderne et psychédélique où le quatuor flirte avec le post-Metal. Presqu’entièrement instrumental, l’opus des New-Yorkais côtoie le surnaturel avec minutie.
KING BASTARD
« It Came From The Void »
(Independant)
Rarement un album aura aussi bien porté son titre. « It Came From The Void » résume à lui seul les intensions et l’aboutissement des compositions du quatuor new-yorkais. Et il s’agit d’un trip musical dans les ténèbres de l’espace auquel nous invite KING BASTARD et dans lequel il nous propulse sans prévenir. Et si ce premier opus autoproduit ressemble à s’y méprendre à une jam cosmique, il n’en est pourtant rien.
N’allez pas croire que « It Came From The Void » a quoique ce soit de cacophonique, il est plutôt chaotique dans sa conception, même si son aspect expérimental a été soigneusement pensé. KING BASTARD sait où il va et il y court sans aucune hésitation, ni retenue. Enregistré en conditions live le temps d’un week-end dans le Queens à New-York, ce premier effort est une déflagration Doom Psych unique.
Dans univers très cinématographique, KING BASTARD développe un style basé sur l’épaisseur et l’impact des riffs, la puissance de sa rythmique et l’exploration d’atmosphères souvent proches d’un post-Metal fracassant, fondu dans un psychédélisme de chacun instant (« From Hell To Horizon », « Bury the Survivors/Ashes To Ashes », « Blackhole Viscera »). Aussi imprévisible que libérateur, l’album est un lâcher prise total.
Du Stoner Heavy au Desert Rock, il n’y a qu’un pas que BIG SCENIC NOWHERE franchit allègrement depuis deux ans maintenant. Tout en gardant le cap et en multipliant les guests, le combo développe ce son si particulier teinté de Psych et aux saveurs 70’s. Avec « The Long Morrow », Les Américains donnent dans le grand art avec un alliage musical aussi étonnant que subtil.
BIG SCENIC NOWHERE
« The Long Morrow »
(Heavy Psych Sounds Records)
Apparu début 2020 sous la forme d’un collectif au line-up All-Stars issu du Stoner et du Desert Rock et avec un premier album, « Vision Beyond Horizon » suivi d’un EP, « Lavender Blues », BIG SCENIC NOWHERE continue de faire évoluer sa formation. Si le noyau dur n’a pas bougé, d’autres guests font leur apparition sur « The Long Morrow ». Et bien qu’un peu court, les Américains parviennent à faire ressortir le meilleur de l’underground californien.
Sur cette nouvelle réalisation, Tony Reed (Mos Generator) tient toujours le micro, la basse et les claviers, Bob Balch (Fu Manchu) et Gary Arce (Yawning Man) sont aux guitares et Bill Stinson (Yawning Man) œuvre derrière les fûts. Et sur la pièce maîtresse et morceau-titre long de 19 minutes, BIG SCENIC NOWHERE accueille Per Wiberg (Opeth) aux claviers et au piano, ainsi que Reeves Gabrels (The Cure) à la guitare. Du beau monde !
Et ce casting de rêve livre cinq titres éblouissants, qui sont d’ailleurs tous issus de la session d’enregistrement de « Lavender Blues » à Joshua Tree. D’ailleurs, vu la longueur de l’EP et celle de « The Long Morrow », un bel album d’une heure aurait sans doute été plus pertinent. Toujours dans une ambiance Desert Rock, BIG SCENIC NOWHERE évolue dans un registre très 70’s et Psych avec maestria (« Defector (Of Future Days) », « Murder Klipp », « LeDü »).
Classique et terriblement efficace, ce troisième album solo du frontman TONY MARTIN se meut dans un Heavy Metal teinté de Hard Rock sombre et massif et dont le songwriting est tout aussi précis que féroce. Le Britannique fait parler sa longue expérience sans pour autant sombrer dans la facilité. « Thorns » est enthousiasmant et percutant.
TONY MARTIN
« Thorns »
(Battlegod Productions)
TONY MARTIN est probablement le chanteur, et multi-instrumentiste, anglais le plus méconnu et sous-estimé de la scène Heavy Metal et Hard Rock. Pourtant, le musicien a un CV long comme le bras et surtout un fait d’arme qui reste impressionnant. En effet, le frontman compte la plus longue présence, après celle d’Ozzy, au sein de Black Sabbath avec qui il a sorti cinq albums et un live.
En marge, TONY MARTIN a également tenu le micro chez Aldo Giuntini, Dario Mollo, Empire et Bobby Rondinelli et s’est même fendu de deux opus en solo dont le dernier, « Scream », est sorti en 2005. Et c’est avec un casting de haute volée que le Britannique livre aujourd’hui son troisième effort, « Thorns », dans une veine Heavy Metal et Hard Rock puissante et mélodique.
Avec le batteur Danny Needham (Venom), le bassiste Magnus Rosen (Hammerfall), le guitariste Scott McClellan (Army Of Soul) qui a co-écrit l’album et le légendaire bassiste Greg Smith (Alice Cooper, Blue Öyster Cult, Rainbow, …) TONY MARTIN s’est constitué un groupe de choc pour sortir ce très bon « Thorns », bardé de morceaux imparables (« As The World », « Book Of Shadow », « Crying Wolf », « Passion Killer », « Run Like The Devil », « Thorns »). Un régal !
