En très, très grande forme, le six-cordiste et chanteur américain SEAN CHAMBERSa bâti un pont plus que solide entre les Etats-Unis et l’Angleterre avec comme ciment un Blues Rock vivifiant, communicatif, brut, parfois marécageux et sans concession. Accompagné par la sémillante et irrésistible Savoy Brown Rythm Section, le power trio est exaltant, tant chacun semble au sommet de son art. Cet instantané live est d’une force et d’une énergie qui ne peuvent laisser les amoureux de Blues Rock, comme les autres, de marbre. Monumental !
SEAN CHAMBERS
« Live From Daryl’s House Club »
(Quarto Valley Records)
Il a du feu dans les mains et une vision globale du Blues Rock, qui fait de lui l’un des meilleurs représentants actuels du genre. Adoubé par l’iconique Hubert Sumlin qui en fait son guitariste principal et son chef d’orchestre pendant cinq ans, SEAN CHAMBERS a ensuite commencé à tracer son chemin en solo et a sorti huit albums. D’ailleurs remarqué et couvert de louanges par le grand Paul Rodgers, il fait connaissance en 2019 avec la fameuse Savoy Brown Rythm Section lors d’un festival. Le lien musical est naturel et immédiat et la suite est tout aussi éclectique et tellement virtuose.
Avant la disparition de Kim Simmonds, guitariste-fondateur de Savoy Brown il y a deux ans, celui-ci a même donné sa bénédiction au trio dans lequel SEAN CHAMBERS croise le fer pour notre plus grand bonheur avec le bassiste Pat De Salvo et le batteur Garnet Grimm, épine dorsale du groupe londonien. Un trio magique anglo-américain qui fait aujourd’hui des étincelles et qui est venu renverser le public du Daryl’s House Club dans l’Etat de New-York, pourtant habitué aux joutes Blues et Rock. Le set enregistré en mai 2024 est tout simplement époustouflant.
Il y a du Hendrix et du SRV chez le Floridien, ce qui rend son jeu particulièrement complet et enveloppant. Porté par un public totalement subjugué, le groupe électrise la salle et distille un Blues Rock endiablé constitué de morceaux de SEAN CHAMBERS bien sûr, mais aussi de titres composés, et savamment choisis, du grand Simmonds. Une sorte d’hommage qui ne dit pas son nom, mais qui est réellement palpable et qui ne manque pas d’audace dans l’interprétation (« Cobra », « Red Hot Mama », « Bullfrog Blues », « You’re Gonna Miss Me », « Louisiana Blues »). Juste exceptionnel !
Très feutrée et avec une légèreté singulière, la musique de THE DELINES est une sorte de nectar reposant dans un écrin brillant de mille feux. Quand la technique se met au service du talent et de l’intelligence du songwriting, ce sont les mélodies qui jaillissent comme un ravissement. Porté par la voix incroyable d’Amy Boone, les Américains sont les artisans d’une Soul très variée, qui se nourrit de nombreux courants. Et dans le domaine, le quintet excelle avec un naturel déconcertant.
THE DELINES
« Mr. Luck & Ms. Doom »
(Decor Records)
Il y a des rencontres qui sont aussi évidentes que nécessaires. Et celle entre la chanteuse Amy Boone et l’auteur-compositeur et guitariste Willy Vlautin fait partie de ces unions musicales qui débouchent sur de très belles choses. Remarquablement complété par Sean Oldman (batterie), Freddy Trujillo (basse) et Cory Gray (claviers, trompette), THE DELINES évolue dans un registre assez unique, où l’Americana rejoint la Soul, la Folk avec un léger voile d’Alt-Country et le tout dans une finesse inouïe.
Deux ans après « The Sea Drift », la formation de Portland dans l’Oregon qui a fait émerger tant d’artistes de renom, livre son quatrième album complet et sa sixième réalisation au total. Littéralement happé par la voix envoûtante de sa frontwoman, THE DELINES dépeint une vision de l’Amérique plutôt douce amère. Tout en émotion et avec beaucoup de délicatesse, « Mr. Luck & Mrs. Doom » dresse autant de tableaux souvent désespérés, mais dans lesquels la douceur des cuivres se fait lumineuse.
Ecrivain reconnu avec sept romans à son actif, dont trois ont été portés à l’écran, et auteur de onze albums avec Richmond Fontaine, Willy Vlautin a trouvé en Amy Boone l’interprète parfaite pour ses chansons qui sont de véritables mini-scénarios. Et c’est vrai que l’aspect narratif à l’œuvre chez THE DELINES est franchement saisissant (« Her Ponyboy », « There’s Nothing Down The Highway », « Don’t Miss Your Bus Lorraine », « Left Hook Like Fraizer », « Maureen’s Gone Missing »). Un disque d’une beauté renversante.
A mi-chemin entre le cow-boy et le desperado, LE BARDA poursuit son chemin, fait des bornes et surtout soigne son style. Un an après « Dead Man’s Shadow », il se présente avec la seconde partie de sa trilogie « Punch And Badass », « Clash », et elle est aussi enthousiasmante que la première. Le multi-instrumentiste alterne les atmosphères sans jamais perdre le fil de son Blues. Evoluant aussi désormais en trio, il surprend encore et s’impose avec classe.
LE BARDA
« Punch And Badass Volume 2 – Clash »
(Inouïe Distribution)
Habituellement, il conçoit seul et chez lui ses albums. Sauf que cette fois, le baroudeur s’est enfermé en studio une petite semaine, jour et nuit, pour y concocter son septième opus et accessoirement le deuxième volume de « Punch And Badass », baptisé « Clash ». Et LE BARDA n’a pas fait les choses à moitié, s’occupant du moindre détail et offrant surtout à cette nouvelle réalisation un large éventail de couleurs. Il parcourt le Blues sous toutes ses coutures avec dextérité, une envie débordante et une joie communicative.
Sur ce nouveau volet, Olivier Barda, alias LE BARDA, a fait appel au batteur Sacha Cantie, au bassiste Eric Belot et à Remy Tranzeat pour quelques notes de trompette, ce qui apporte beaucoup de relief à l’ensemble. Son ‘Western Badass’ prend donc du volume et les possibilités musicales se multiplient aussi. A l’instar d’un Jeff Healey ou de Meghan Lovell de Larkin Poe et sa lap-steel dans un autre registre, le Français joue aussi de la guitare à plat et les sonorités de son jeu s’offrent une dynamique toute particulière.
Et si notre globe-trotter s’est sédentarisé, ses morceaux ne sont pas beaucoup plus calmes pour autant, car l’énergie insufflée dans « Clash » les rend exaltants. L’harmonica toujours à portée de main, LE BARDA s’autorise de beaux écarts, passant d’un claquement de doigt du Delta Blues à la Folk, du Blues Rock à l’Alt-Country débridée tout en faisant escale du côté du Mexique (ou de l’Espagne, c’est selon). Le dépaysement est donc total, mais malgré les changements d’ambiances, il impose sa patte avec élégance.
C’est dorénavant depuis la Belgique, où elle a pris son envol il y a quelques années, que MYLENE CHAMBLAIN déploie un Americana, teinté de Blues et de Folk, très personnel. Chanteuse, guitariste et compositrice, elle sort « Drive Me Mad », un album complet aux variations multiples et d’une fluidité envoûtante. Dans un univers fait avant tout de partage, elle s’affirme pleinement comme artiste et aussi en tant que femme libre et déterminée. La douceur de sa musique se mesure au caractère entier qu’elle distille sur ce nouvel opus très inspiré. Entretien (fleuve !) avec une artiste talentueuse qui met tout son cœur à l’ouvrage avec beaucoup d’émotion et de sensibilité.
– Avant de parler de ce nouvel album, j’aimerais qu’on dise un mot de ton parcours qui est assez atypique. Tu es originaire de Toulouse et pourtant tu vis depuis 20 ans en Belgique. C’est un choix de vie personnel ou artistique, car on sait le public belge très réceptif à ton style de musique justement ?
Mon arrivée en Belgique en 2005 n’émane pas du tout d’un choix de vie artistique, mais il l’est devenu aussi en prenant la décision de faire le grand saut en 2005, alors que je revenais justement d’un concert dans un grand festival Country en France. En cause, une autre histoire atypique et en plusieurs temps. C’est l’histoire d’une jeune fille française de 12 ans qui tombe amoureuse pendant ses vacances d’été 1992 d’un jeune garçon belge de la région liégeoise, venu passer ses vacances avec ses parents du côté de Fréjus, dans le sud de la France. A l’époque, il était âgé de 15 ans. Nous avons correspondu plus de 12 ans au total avant que cela devienne plus qu’un amoureux de vacances, puisqu’il est devenu le père de ma fille des années plus tard. Auparavant, nous nous étions retrouvés une nouvelle fois au moment de la sortie de mon premier album « Hold Fast », et après mon retour d’une date au ‘Festival Country’ de Craponne S/Arzon. A l’époque, j’envisageais de vivre aux pieds des Pyrénées, et je me voyais faire ma musique dans une maison en pierre, au calme, comme une vieille hippie. Puis, il est revenu dans ma vie. Je n’avais rien à perdre, lui tout (il était rangé avec job et maison) s’il venait vivre avec moi dans le Sud de la France. J’ai donc sacrifié ma vie en France, mais en sachant que les rencontres musicales en Belgique étaient tout aussi possibles, voire même pouvaient donner de belles opportunités. J’ai fait le grand saut en mars 2005 aux côtés de mon premier prince charmant et j’ai travaillé non-stop pour remettre mon projet sur pied en recrutant des musiciens belges. J’ai été bookée l’année suivante sur plus de dix dates en Belgique, et même en Lituanie pour l’énorme ‘Festival Visagino’, rassemblant plus de 10.000 personnes à l’époque. Je me souviens aussi de mon premier passage à la RTBF Classic 21 en 2006. Mon album « Hold Fast » avait été diffusé dans les découvertes Country pendant plusieurs semaines, un grand moment de reconnaissance pour moi. Depuis, bien des choses ont changé, ce prince charmant est donc devenu le père de ma fille, mais nous avons chacun refait notre vie. Je suis restée simplement pour être auprès de ma fille et ne pas la couper de son père.
– Tu as sorti ton premier album à 24 ans, fais une longue pause avant d’effectuer ensuite plusieurs collaborations, notamment avec Plain Jane. Et ce n’est qu’en 2021 qu’on te retrouve avec l’EP « Body & Soul ». Tu as ressenti le besoin d’écrire et de composer une musique qui te ressemblait peut-être plus à ce moment-là ?
Mon écriture a évolué en même temps que moi et lorsque j’écoute chaque titre, que ce soit les compositions Country-Blues de mon premier album, les titres Pop-Folk pour Plain Jane, ou les titres plus Americana de « Body & Soul » et « Drive Me Mad », tous les sons de chaque production correspondent parfaitement à une époque, un état d’esprit et des demandes particulières. C’était surtout le cas pour Plain Jane, où le process de création était assez différent, car il fallait que je me détache émotionnellement de mes créations pour qu’elles s’envolent avec le son de Plain Jane. Au gré des épreuves, du temps, de l’expérience, mon son révèle vraiment mon état d’esprit à chaque étape et celui plus ancré, plus roots, plus assumé d’aujourd’hui concorde parfaitement aussi avec la femme épanouie que je suis devenue. Et il révèle aussi la confiance acquise et le fait de savoir mettre des mots et des idées plus claires sur les arrangements de mes titres. Tout est venu en même temps. Mon retour à ma carrière en 2018, Plain Jane qui se créait et l’appel de Julie Compagnon pour collaborer sur ce projet.
Ensuite en 2019, j’avais déjà bien avancé pour moi, en parallèle à ce projet pour lequel je devais travailler sans trop travailler pour ne pas m’accaparer les morceaux. En tant qu’auteure-compositrice, c’était une opportunité pour moi de composer différemment pour un projet qui n’était pas le mien et ce n’était pas non plus inné et naturel pour moi, mais cela m’a tellement apporté aussi. Je vivais une période difficile et le projet Plain Jane m’a sans doute permis de trouver un autre échappatoire, un autre souffle avant de continuer. Il fallait néanmoins que je reprenne les rennes de ma vie et de mon projet de carrière musical personnel. J’ai dû choisir de me distancer du projet de Plain Jane, tout en suivant l’actualité du groupe et en étant présente sur scène avec eux. Ce sont mes amis et nous nous soutenons beaucoup.
Enfin, en 2020, le confinement m’a laissé du temps pour reprendre ce que j’avais entamé en 2018. Cette période m’a aidé à me focaliser sur mon projet et j’ai croisé la route de l’arrangeur, orchestrateur et producteur musical Cyril Orcel, qui a découvert mes compositions après la publication sur Facebook de mes nouvelles compos prévues pour « Body & Soul ». Il a voulu sublimer le style Americana que j’étais en train d’élaborer. Il a compris où je voulais aller et depuis nous n’arrêtons plus de produire ensemble.
– Plain Jane était assez différent de ce que tu fais actuellement et sur « Body & Soul », l’ensemble était déjà plus américain dans le style comme dans le son. Est-ce que ce sont toutes ces étapes, qui ont finalement forgé et affirmé ta direction musicale d’aujourd’hui ?
Les choses se sont déroulées naturellement. Je suis plutôt intuitive et je ne calcule rien. Je savais en collaborant sur le projet Plain Jane que la direction musicale allait être légèrement différente. La méthode de travail et le son n’allaient donc pas être les mêmes qu’en ayant un contrôle total sur ma musique. Les influences étaient suffisamment similaires pour permettre la collaboration. Je devais aussi vivre parallèlement le projet Plain Jane pour comprendre que j’étais déjà en train de prendre un autre envol dans ma vie et dans ma carrière. J’ai décidé aussi de sortir de la Folk et de la Country Music, tout en ne reniant absolument pas ce caractère musical que j’aime toujours énormément, mais qui ne prend plus le dessus sur un besoin de retrouver un son plus roots et organique.
J’ai mis ma sensibilité du moment dans les compositions de Plain Jane tout en prévoyant des titres pour ma propre carrière musicale en parallèle. Si on écoute « Don’t Swear », « Five », « Fire In The Shade » ou « Human Scale » composés en intégralité pour Plain Jane et arrangés par ses musiciens, on entend les influences Pop, Alt-Country et Americana, parce que les musiciens de Plain Jane sont aussi portés vers ces sonorités vintage et qu’ils ont à peine touché aux titres. Les mélodies sont restées intactes, mais elles ont été remaniées comme Julie Compagnon l’entendaient. Avec ce projet, j’ai compris que je devais juste effleurer du doigt la musique pour Plain Jane en dosant suffisamment pour ne pas trop y mettre la patte ‘Chamblain’.
Dans « Body & Soul », il y a toute ma vérité, ma façon de jouer, d’entendre mes morceaux, mon esprit et les mots qui illustrent mon vécu, une production personnelle et la liberté de créer mon son. Que ce soit « Last Long Road », « Losing Game » ou « Something Instead », je retrouve l’âme Americana et l’esprit de la Road Music, qui me collent à la peau depuis longtemps mais que je n’avais pas encore tout à fait exploré. Après ces 10 ans de pause, j’avais tracé ma route et forgé ma musique vers quelque chose de plus roots, plus ancré et plus abouti aussi. Tout est devenu plus précis, assumé et affirmé avec le nouvel album « Drive Me Mad ». J’aime proposer ma signature artistique, mais aussi une diversité portée par le Rock des années 70, le Blues, la Country, ainsi que le Pop-Rock. Et tout ça avec une bonne dose de guitares slide, dont le son m’emmène absolument là où je veux être. Je me sens à ma place et libre de m’envoler vers ce que je veux au gré de mes inspirations et de mes émotions sans chercher à plaire ou viser un public en particulier et tout en produisant quelque chose d’accessible et sans doute moins complexe musicalement.
– Depuis ton EP, tu travailles avec le directeur artistique Cyril Orcel. Comment est-ce que vous fonctionnez à deux et en quoi cela a-t-il pu changer ou faire évoluer ta vision artistique ?
Lorsqu’on écoute l’EP et le nouvel album, il y a une belle continuité musicale et de la maturité artistique. Lui, autant que moi, avons mutuellement appris de l’autre depuis cinq ans en nous écoutant notamment. On apporte nos compétences, mais aussi nos visions et notre ‘touche’ pour faire évoluer les morceaux. Ce travail a démarré à distance pendant le confinement et ce mode de fonctionnement a tellement bien fonctionné que nous avons continué à travailler ainsi, lui étant à Bruxelles, moi au sud de Liège. Il n’y a pas de pression, de contrainte de temps, mais un suivi et une façon de travailler très proactive. Nous nous adaptons bien aux journées de l’un et de l’autre.
Notre duo sur la composition, l’orchestration et les arrangements est la première étape et a prouvé son efficacité. Nous arrangeons ensemble le squelette de chaque titre, lui respectant la musicalité des compositions, de ce que je veux entendre mais en me proposant les arrangements qui vont pouvoir les faire s’envoler et prendre du relief. Ensuite, j’envoie les titres aboutis aux musiciens et on organise les enregistrements. Ils viennent chez Cyril pour les plus proches de Bruxelles, ou chez moi. On se partage les enregistrements de session et Cyril gère la plus grosse partie, ainsi que la phase finale du choix des pistes, du mixage et du mastering également. D’un point de vue stratégique et pratique, nous gagnons aussi beaucoup à créer ainsi. Et puis, le studio est prévu, mais ce sera pour travailler en live et retrouver ce côté humain et direct et accéder aussi à des sons qui libèrent encore plus les chansons.
– D’ailleurs, lorsqu’on écoute l’EP et le nouvel album, il y a une réelle continuité musicale avec aussi un côté plus roots et plus direct sur le nouvel opus. Tu as souhaité aller à l’essentiel en privilégiant les détails dans le songwriting à travers quelque chose de plus sobre et efficace ?
Oui tout à fait, je crois que « Drive Me Mad » révèle une certaine maturité et le fait que j’arrive à aller à l’essentiel, sans devoir réfléchir au moyen d’y aller. C’est certainement dû à l’âge, car ça a du bon d’avoir 45 ans et de ne plus avoir envie de perdre du temps et de l’énergie inutilement. « Body & Soul » était surtout la trace d’une vie qu’il fallait que je grave à jamais pour m’en libérer. L’écriture de ce cinq-titres a été influencée par un coeur, un corps et une âme meurtrie, c’est la trace d’une relation toxique et de violences qui m’ont marquée à vie et c’était nécessaire pour pardonner et passer à la suite. Tout est lié à mes émotions, la vie plus simple que je mène aussi et un état d’esprit apaisé. Disons que cela caractérise la vie qui a repris. Sûrement parce que je grandis encore et que la vie est une infinie suite de mouvements et ma musique évolue en même temps que moi. Aujourd’hui, je sens mon mental plus apaisé, moins complexe, je vais en effet plus à l’essentiel au quotidien et ce chemin psychologique se révèle dans mes écrits et ma façon de composer. Et je sais aussi que cette évolution artistique a été aidée par Cyril qui m’a dirigé artistiquement, doucement mais sûrement, en me conseillant de puiser en moi pour trouver une manière plus simple de composer pour marquer les esprits. Il m’a appris à écrire avec autant d’âme et de force et il a essayé de me pousser dans mes retranchements. Je croyais devoir calculer mes émotions, puis au fil des mois et des années, ma façon de penser a évolué et tout est devenu plus simple. Je pense avoir réussi à aller à l’essentiel pour moi et pour ma musique, sans pour autant perdre mon identité… et c’est un beau cadeau.
– Ce qui peut surprendre sur « Drive Me Mad », c’est la variété des styles qui vont de l’Americana à la Soul avec une légère touche Pop/Rock, et l’ensemble est relié autour du Blues, qui apparaît comme le point d’ancrage. Tu le considères comme ton influence première, celle qui guide l’ensemble ?
Oui, je pense que tu as vu juste. Si je devais choisir un style qui me résume, il y aurait toujours le mot ‘Blues’, bien que cela me gêne un peu étant donné que je ne fais pas du pur Blues, comme on peut l’entendre dans la musique des pionniers du Blues noir américain. Disons que les sons utilisés dans le Blues, les lignes et les blue notes doivent toujours être présentes dans ma musique, parce que je me sens profondément reliée à cette musique qui me parle depuis l’enfance, mais aussi aux sons et à l’âme du Blues. Il a été le point de départ de mon éveil musical. Et lors de mon passage à Clarksdale aux Etats-Unis en 2002, j’ai été complètement remuée, lorsque je suis entrée dans le bar qui a accueilli pour la première fois le grand B.B King à ses débuts. Quand j’écris, je me sens comme une âme solitaire, évoquant les injustices de ce monde, les besoins de liberté, d’égalité, mes chansons sont toutes des vieux Blues mis en musique avec les sons que je veux y mettre. C’est une recette avec des ingrédients de base essentiels. Cependant, je ne choisis jamais des instruments simplement pour que cela sonne Blues ou Folk. Ils vont surtout faire vibrer mes mots.
– L’album est aussi très organique, très bien arrangé et produit et avec une sensation d’immédiateté qui rappelle la scène. Est-ce que, justement, tu as en tête le rendu live de tes chansons au moment de la composition dans l’éventualité d’un échange avec le public ?
C’est ce que je voulais retrouver. Je suis très satisfaite et heureuse des choix réalisés avec Cyril mais il est vrai, et nous en discutons déjà, que je veux absolument retrouver ce son live et pourquoi pas, oui, en réalisant un album directement depuis la scène d’un concert. Tout est envisageable. C’est d’ailleurs comme cela que j’ai enregistré l’album « Hold Fast » en 2004, pas en public mais en live avec tous les musiciens en studio. J’ai eu la chance à 24 ans d’être épaulée par deux membres du groupe de Blues Awek, qui ont très vite cru au potentiel de ma musique. Nous avons répété une seule journée avant de rentrer en studio et 11 titres ont été enregistrés en deux jours et en live. Certaines sessions ont été réalisées séparément, mais la méthode a été entièrement analogique et artisanale. Un enregistrement sur bande et un mixage en temps réels est une incroyable expérience à laquelle j’ai participé aussi. C’est l’ingénieur-son Roger Shepherd que l’on m’avait conseillé qui fait ses armes chez E.M.I Music à Glasgow, qui est venu installer son studio à Toulouse. Depuis cette expérience, j’aspire à la renouveler, mais les conditions financières sont problématiques et demande d’agir en conséquence. Une captation live vidéo est envisagée cette année et pourquoi pas un enregistrement sur vinyle ? Le top pour moi ! (Sourires)
– Une chose m’a intrigué sur « Drive Me Mad », c’est justement le titre « It Drives Me Mad » que tu as composé il y a 20 ans. Qu’est-ce qui a changé pour cette chanson au fil du temps ? Pourquoi ne pas l’avoir sorti plus tôt et a-t-elle beaucoup changé par rapport à la version originale ?
Je l’ai composé en 2003 et je la jouais seule à Toulouse avant d’enregistrer l’album. Je ne l’avais pas vraiment terminée et c’était plus un défouloir pour moi. Je ne me sentais pas encore assez proche de ce morceau qui parlait d’une histoire d’amour. Je n’aimais pas cette relation et cette époque. J’ai voulu écrire cette chanson sans qu’elle m’accompagne vraiment. Et puis, trois ans plus tard, je l’ai rejoué avec un détachement émotionnel total, en concert avec les musiciens belges que j’avais recruté à mon arrivée. En récupérant mon projet, je n’ai pas tout de suite pensé reprendre ce titre qui ne me correspondait pas vraiment au temps de « Hold Fast », ni de « Body & Soul », mais avec le temps, j’ai remis sur pied de nouveaux arrangements. Je l’ai ensuite joué plus de deux ans à la fin de mes concerts et j’ai réalisé que le public adorait ce morceau. Comme je voulais inclure un titre plus Rock à ma musique, « It Drives Me Mad » était une évidence. Sans toucher à mes arrangements, ma mélodie et mes riffs, Cyril a rendu ce morceau plus abouti et nous avons compris qu’il serait parfait pour débuter l’année 2025 et lancer l’album en tant que single.
– D’ailleurs, « It Drives Me Mad » est un moment fort de l’album et on imagine facilement l’impact en concert avec ce côté Classic Rock. Pourquoi l’avoir placé en toute fin du disque ? C’est un choix qui peut surprendre…
Je n’ai rien calculé, ni planifié. Je crois que tout coulait de source, « It Drives Me Mad » ayant été finalement choisi pour lancer l’album. Je le trouve néanmoins toujours très bien à sa place, en dernière position, comme en concert où il emporte le public et clôture sur une note dynamique, positive et un mouvement Rock qui permet à tout le monde de danser, de chanter et de se défouler. Retenir ce morceau en fin d’album était aussi évident que de présenter l’album avec lui.
– L’album dégage aussi beaucoup de féminité et de sensualité et cela correspond d’ailleurs parfaitement à notre époque où les femmes sont enfin mieux représentées dans le monde du Blues, de l’Americana et même de la Country. Est-ce que cela veut aussi dire que c’est plus facile de s’exprimer aujourd’hui dans le milieu de la musique ? Et est-ce que c’est quelque chose que tu ressens aussi en tournée ?
Naturellement, je n’ai jamais cessé de produire ma musique avec foi et conviction, tout en sachant que déjà que c’était difficile de s’imposer d’abord en tant qu’artiste dans cette société. Ce n’est qu’après que j’y ai vu encore d’autres difficultés, c’est vrai. M’exprimer n’a jamais été difficile, mais être acceptée dans ce milieu n’a pas toujours été chose aisée. Ma difficulté était plus portée vers le fait que nous sommes toujours entourées d’hommes, que ce soit le public, les organisateurs ou les musiciens. Les hommes sont là et, en tant que femme, il est très difficile de passer à travers cette masse, sans se faire toucher les fesses. C’est une image un peu facile, mais c’est toujours bel et bien une réalité. La musique d’une femme passera un peu après l’intérêt physique qu’elle suscitera. Avec les années, ce qui est bien, c’est que j’ai non seulement gagné en confiance en moi, mais aussi en féminité, en sensualité, je m’assume beaucoup plus à 45 ans en tant que femme et ma sensualité se dégage davantage dans ma musique. Maintenant, j’ai aussi forgé un caractère, des moyens de défendre mes intérêts et surtout les mots pour me faire respecter. Ainsi, mon corps ou ma sensualité m’appartiennent, rendent service à mes compositions, mais je tiens à surtout rester certaine que ce soit bien par ma musique qui suscite d’abord de l’intérêt.
Je ne crois pas que ce soit plus facile en tant que femme de faire de la musique aujourd’hui en comparaison au temps de Ma Rainey ou d’Elizabeth Cotten. Mais ce que je réalise, c’est que les choses ne changent pas réellement à ce niveau. Nous devons toujours faire des efforts. Je sais, vu mon expérience, que nous devons encore et toujours faire nos preuves, présenter et proposer plus que les hommes ne le font. Il faut être séduisante en plus de proposer quelque chose de technique et artistique. La difficulté est toujours présente et le côté naturel et le produit abouti ne suffissent parfois pas. Il faut être charismatique, jolie et envoyer du lourd. Une femme doit avoir ce petit truc qui excite l’intérêt des organisateurs et s’il faut être honnête avec ça, il est évident que pour percer, une femme devra être tellement originale que son physique n’aura alors plus d’importance.
Nous sommes encore dans cette ère où la femme doit dégager sa sensualité en plus de réaliser une belle musique. Nous devons naturellement plus nous battre pour nous immiscer dans le milieu et nous imposer. Regardons les affiches de festivals et on comprend aisément que l’homme est bien plus représenté. En Belgique, nous devons d’ailleurs nous sentir fières de participer à des festivals 100% Women ! Etre fière de recevoir des subventions, parce que nous veillons à la parité homme-femme en tant qu’organisateur et organisatrice.
Nous avons juste une épreuve de plus à franchir, je pense, avant d’arriver sur scène. A nous de voir si nous considérons plus facile de jouer le jeu, de miser sur un jeu de séduction malsain, ou juste aimer sa sensualité et être soi. S’il faut accepter certaines conditions ou plutôt nous battre et résister à ce principe tout en nous imposant. Du caractère, il en faut indiscutablement plus que les hommes en plus d’avoir des choses à dire.
– Il y a des moments très intimes sur l’album et une vraie réflexion sur notre société notamment, et un morceau comme le très touchant « Lion Son » peut résonner aussi de bien des manières. Tu abordes tout ça de façon très personnelle, ou c’est l’aspect assez universel de ces thématiques qui t’importe le plus ?
Pour te répondre sincèrement, je ne sais pas écrire ou composer sans y mettre toute mon âme. Si ce n’est pas personnel ou n’émane pas d’une histoire vécue, d’une émotion ressentie, d’une rencontre qui a du sens ou d’une réflexion personnelle sur le monde, il est difficile pour moi d’y mettre la force, la profondeur et la sincérité nécessaire à rendre mon titre en vraie résonance. C’est aussi parce que je ressens ma musique comme un tableau à peindre librement, un paysage à visualiser, une émotion à partager et aussi parce que j’aime que la musique permette une certaine liberté de projection. Je fais en sorte que chacun puisse se retrouver dans un texte, une musique et que la mienne appartienne à tout le monde, que chacun puisse trouver un peu de soi dedans et l’emporte avec lui, malgré les histoires très personnelles qui se trament autour. Je veille aussi à préserver une certaine intimité en n’utilisant que des images, car les choses dites trop directement, sans amplitude, ferment naturellement cette porte que je veux ouvrir au monde, à mon public. Si je parle de ma souffrance, on me laissera ma souffrance, on ne voudra sans doute pas écouter et partir avec moi en voyage. Ce sera bien trop personnel si, comme pour « Lion Son », j’explique clairement ce qui a inspiré cette chanson, la source réelle de l’émotion. Par discrétion aussi, je prends souvent le parti de ne résumer qu’une partie de l’histoire en me focalisant sur un détail et parfois, les choses dures peuvent éclairer le chemin et donner la possibilité de mettre en lumière la beauté plutôt que la douleur.
Pour « Lion Son » ou « Losing Game », je m’aperçois que la musique a clairement bien fait son travail car les émotions, dont on me fait part à leur écoute, révèlent que nous comprenons que la dureté du fond est captée émotionnellement et que la forme musicale choisie a permis d’alléger et faire que ces morceaux sont ressentis de manière intime, belle et sans être dérangeant. J’ai alors réussi ce que je voulais. Quant à « Lion Son », j’aurais l’occasion de la mettre davantage en lumière cette année, si le single sort en radio officiellement. Cette chanson compte beaucoup pour moi, mais aussi pour quelqu’un pour qui je l’aie écrite, suite à une bouteille à la mer lancée il y a deux ans sur la toile. Une vraie histoire, un vrai hommage.
– Un petit mot aussi du duo ‘Two Women Blues’ que tu as monté avec Geneviève Dartevelle. Vous tournez d’ailleurs ensemble en marge de vos projets. Peux-tu nous en dire un peu plus ? S’agit-il de compositions personnelles et est-ce qu’un projet discographique est dans un coin de vos têtes ?
Ce projet vient d’une idée naturelle de faire tourner mes chansons en version duo pour plus de facilité de programmation en Belgique pour les petits lieux, mais cela nous permettait aussi de nous rejoindre sur un fantasme de jouer du Blues simplement en duo. Elle comme moi, voulions depuis longtemps essayer cette formule, sans même nous connaître et alors qu’elle est à temps plein dans mon projet avec le band, cela coulait de source de devoir s’y pencher plus concrètement en parallèle. Je sais que je n’ai déjà plus beaucoup de temps à consacrer à un autre projet, puisque je donne déjà 200% de mon âme, de mon temps, de mon argent, de mon corps et de mon énergie à ma carrière et que Geneviève multiplie les répétitions et les concerts avec les nombreux groupes de Blues qui l’appellent.
Ce duo marche bien et reçoit des éloges en plus de remplir à bloc les salles de 100 à 150 personnes sans difficulté. Mais il faut parfois prendre du recul, avoir le temps de le travailler correctement et c’est là que les choses deviennent plus dures à installer en ce moment. Nous avons décidé de travailler sur un répertoire purement Blues arrangé à notre sauce, avec du Blues féminin aussi, mais pas uniquement, et tout en complétant les sets avec mes chansons, car il a fallu faire vite entre l’annonce du projet et la première proposition de concert. Tout est allé très vite et l’intérêt pour le duo a été fulgurant. C’est certainement le seul duo Blues féminin Harmonica/guitare-voix d’Europe et il suscite donc de l’intérêt, vu sa singularité.
Nous avons été bookées sur pas mal de concerts et de festivals Blues en 2024, tout en étant en tournée sur mon projet. Mais depuis la production et la sortie de mon album, je suis non-stop sur la promotion auprès des médias et en recherche de booking en France et à l’étranger et j’avoue ne pas savoir pour l’instant comment gérer les deux projets de front. Nous devions organiser des captions vidéos, un enregistrement aussi et puis, prises par nos projets parallèles, tout est assez compliqué à organiser mais tout viendra à point au moment opportun. Nous aimerions aussi participer au ‘Blues Challenge Festival’ et nous gardons bien nos projets en tête pour cette raison-là aussi.
– Enfin, depuis tes débuts, tu t’es toujours autoproduite. C’est une question de liberté artistique, devenue d’ailleurs plus compliquée aujourd’hui, qui te permet aussi de naviguer dans cette industrie musicale mangée par le numérique ? Ou, au contraire, il est devenu difficile de trouver un bon label ?
J’ai toujours été très indépendante et autonome dans l’âme et dans ma liberté de mouvement, ma capacité à avoir le contrôle sur ma vie ou mes projets depuis toujours. Et surtout, il m’a fallu une bonne dose de confiance dans ce système pour lâcher mes ‘bébés’ ou mettre mon projet entre les mains de labels ou de managers. J’ai fait quelques expériences, mais je ne sentais aucune vie, aucun mouvement et je fais confiance à mon rythme avant tout, à ma cadence. Même si c’est le rêve de tout artiste de déléguer les nombreux rôles que nous devons jouer en tant qu’indépendants, il n’est pas simple de tomber sur des gens honnêtes et bienveillants. Et surtout, si tu n’es pas un artiste bankable, je sais que l’intérêt premier d’aider à développer notre carrière sera ce que cela pourra récolter. Comme les choses changent tout le temps et que l’industrie musicale et les réseaux engendrent un marché concurrentiel presque impossible à défier, il faut soit accepter de se faire transformer pour devenir la poupée de l’industrie, soit resté libre, se battre, se surpasser et risquer alors de prendre plus de temps pour s’imposer.
Je pense que la musique que je fais actuellement est plus aboutie, mais le monde est plus exigeant encore et la musique Americana en Europe est une prise de risque, dont il faut assumer les conséquences. Mais comme je le dis, je ne compose pas pour plaire ou être dans le rang de ce qui se fait, je compose cette musique, parce que je l’ai en moi. Je ne suis peut-être pas née sur le bon continent ou à la bonne époque tout simplement. Alors quitte à ce que ce soit compliqué, je préfère mener ma barque et la contrôler.
J’essaie de voir comment faire en sorte d’amener le public à moi plutôt que de courir après lui outre-Atlantique. Une évasion nouvelle sur le continent américain n’est pas à exclure néanmoins. J’ai ma petite voix intérieure qui me dit que comme j’ai trouvé mon identité musicale, je vais pouvoir en parler bien mieux qu’avant et donc trouver les bonnes cibles. La musique doit voyager et pour moi le voyage a commencé.
Par ailleurs, il se trouve qu’un booking en France est en pourparler. J’ai des contacts qui s’intéressent à moi avec la sortie de l’album, ainsi que des labels et quelques festivals qui commencent aussi à me connaître. Ma patience, ma persévérance et le discours que je tiens maintenant semblent ouvrir de belles opportunités que je suis en train d’étudier. C’est un nouvel album, et surtout une nouvelle énergie. « Drive Me Mad » est une commande passée à l’univers. Si l’on me voit guitare brandie vers le ciel, ce n’est pas pour jouer au guitar-hero, mais bien pour illustrer ce vœu, cette volonté, cette fougue et cette passion qui me guide. Peut-être que la magie est en train d’opérer ? En tout cas, j’y aurais travaillé peu accompagnée, mais avec de belles rencontres-clefs, des manifestations en cours et je commence à récolter le fruit d’un long travail. J’observe, j’écoute, je prends, je garde ou je recommence… Rien ne doit être vu comme un obstacle ou une limite.
« Drive Me Mad », le nouvel de MYLENE CHAMBLAIN, est disponible sur le site de l’artiste :
Un pied dans un Blues très actuel et l’autre dans un Classic Rock intemporel, ELLIS MANO BAND continue sa belle aventure en se dévoilant un peu plus sur ce quatrième opus, où il semble avoir digéré les nombreuses références qui rassemblent les cinq musiciens. Et le style n’en est pas plus resserré pour autant. Au contraire, « Morph » montre un visage aux multiples facettes, tout en se faisant très rassembleur et sans perdre le sens très affiné et raffiné de son jeu. Les disques de ce calibre se font rares et lorsqu’ils montrent autant de facilité et d’évidence dans le jeu, cela devient une réelle gourmandise, dont on dévore chaque miette.
ELLIS MANO BAND
« Morph »
(SPV Recordings)
Après un somptueux album live en mars de l’année dernière (« Access All Areas »), ELLIS MANO BAND est cette fois retourné en studio pour y enregistrer son quatrième album. Et la formation internationale y a encore fait des merveilles. Très inspirés, les cinq musiciens font parler l’expérience et se présentent avec dix nouveaux titres, plus un morceau enregistré en public, « The Fight For Peace », petit chef d’œuvre de sept minutes. Et les surprises se succèdent, tant le groupe du chanteur Chris Ellis et du guitariste Edis Mano sort de son habituel Blues Rock. Une façon aussi de franchir certaines frontières musicales et de se faire plaisir sans rien se refuser. Et avec autant de talent, tout paraît si simple et spontané.
Car si ELLIS MANO BAND œuvre pour l’essentiel dans un Blues très contemporain sur « Morph », il n’hésite pas très longtemps à prendre le parti d’un Classic Rock solide et enlevé, histoire aussi d’appuyer son propos comme sur le génial « For All I Care » ou « Countdown To Nothing ». Les Suisses montrent une incroyable variété dans les ambiances, et ce n’est pas pour déplaire à leur frontman, qui livre une prestation entre émotion et pleine puissance (« Scars », « Virtually Love »). Le jeu d’Edis Mano est, quant à lui, toujours aussi virtuose. Le six-cordiste reste d’une dextérité et d’une fluidité absolue et se garde bien de ne pas tomber dans le démonstratif, malgré une technique souvent très impressionnante.
Toujours justes et jamais superflus, les claviers portent les mélodies, tandis que la rythmique élève un peu plus ces nouvelles compositions, comme sur « Madness And Tears » qui n’est pas sans rappeler un certain David Bowie, preuve s’il en est qu’ELLIS MANO BAND est à son aise dans des registres où on ne l’attend pas forcément. Il est question de délicatesse aussi, bien sûr, quand le quintet se fait plus Blues (« Count Me In », « 20 Years », « Stray »). Un mot aussi de la très belle production de « Morph » qui, parfaitement équilibrée, dévoile au fil des écoutes des arrangements d’une grande finesse et des variations sonores assez stupéfiantes. Les Helvètes placent la barre toujours plus haut avec beaucoup de naturel.
Photo : Tabea Hüberli
Retrouvez la chronique de leur précédent album live :
Toujours aussi brut et Rock, le Blues T.G. COPPERFIELD fait des étincelles et « All In Your Head » montre qu’il est encore loin d’avoir dévoilé l’entendue de son talent. Très européen dans le son et inspiré de références pourtant très américaines, le six-cordiste germanique fait encore parler la poudre et la qualité de son jeu et du songwriting offre à la nouvelle réalisation de sa décade un panache réjouissant et rassembleur. Inarrêtable, le musicien est à la tête d’une belle et conséquente discographie en assez peu de temps finalement.
T.G. COPPERFIELD
« All In Your Head »
(Timezone)
En huit ans seulement, T.G. COPPERFIELD a sorti deux EPs et présente aujourd’hui son dizième album. Autant dire que l’Allemand n’est pas du genre à rester se tourner les pouces. Cela dit, le Blues est un univers sans fin et lorsqu’il est agrémenté de Rock et de sonorités Southern, les possibilités sont infinies. Le songwriter l’a bien compris et semble intarissable comme le prouve « All In Your Head », un nouvel opus gorgé d’un Blues Rock incendaire toujours aussi roots, mené de main de maître par un groupe au diapason.
A ses côtés, Claus Bächer (claviers), Don Karlos (basse), Michael Hofmann (batterie) et Claudia Zormeier aux chœurs font vivre et respirer des compositions aussi explosives qu’elles peuvent aussi être réconfortantes. L’empreinte et l’identité sonore de T.G. COPPERFIELD est immédiatement identifiable et sa signature jaillit sur chaque riff et à chaque solo distillés par le guitariste-chanteur. Avec « All In Your Head », il affiche beaucoup de puissance, tout en restant terriblement mélodique et accrocheur.
Sur un groove épais, le Blues Rock de son ‘Electric Band’ fait des merveilles et présente aussi une belle diversité dans ces nouvelles compos (« Mule », « I’m On My Way », « Not Your Name »). Exigeant et pointilleux sur la production, T.G. COPPERFIELD aborde des thèmes sensibles et actuels en évitant de ne pas se faire trop sombre. S’il manie plus le chaud que le froid, il reste d’une créativité positive en mettant la même intensité sur toutes ses chansons (« Have Mercy On Me », « Redemption Blues », « World War III » et le morceau-titre).
Tout en jetant un regard assez acerbe sur son pays et sa politique, JIMMY VIVINO libère un Blues authentique avec un savoir-faire permanent et surtout des idées plein la tête. Aux guitares, derrière le micro, à l’orgue et au piano, il se fait chef d’orchestre de « Gonna Be 2 Of Those Days », d’où s’échappent d’autres guitares, acoustiques et électriques, de l’harmonica et même de l’accordéon. Parfaitement accompagné, le musicien est lumineux, virevoltant et plein d’humour. Le tout sur une production irréprochable et pleine de relief.
JIMMY VIVINO
« Gonna Be 2 Of Those Days »
(Gulf Coast Records)
Fort d’une carrière exceptionnelle, notamment en tant que directeur musical sur la télévision américaine, JIMMY VIVINO est un touche-à-tout de talent, compositeur, producteur, ainsi que chanteur, guitariste et claviériste. Mais il est surtout un grand bluesman et « Gonna Be 2 Of Those Days » vient confirmer son intarissable inspiration. Sur près d’une heure et onze morceaux, il présente un panel assez incroyable d’approches différentes du Blues. Car cet album a quelque chose d’insaisissable dans sa diversité et c’est sa force.
Pour l’anecdote, il est également membre du dernier line-up de Canned Heat et a donc joué sur le dernier très bon « Finyl Vinyl » sorti il y a quelques mois, qu’il a aussi co-produit. On comprend ainsi beaucoup mieux le retour si enthousiasmant du combo. Mais c’est avec des chansons originales, et aucune reprise, que JIMMY VIVINO signe cette nouvelle réalisation qui est également sa première chez Gulf Coast Records, le label de Mike Zito. Et ce n’est pas tout, car il nous gratifie de quelques autres surprises de taille.
La première est dévoilée dès le premier titre, « Blues In The 21st », avec Joe Bonamassa qui surgit avec une slide de grande classe. Une entrée en matière qui en dit déjà long sur les intentions en termes d’exigence de JIMMY VIVINO. Son Blues se fait ensuite plus narratif et traditionnel, mais aussi funky, Honky-Tonk et presque Americana. Puis, c’est à John Sebastian, songwriter américain de Folk Rock, de s’immiscer sur « Beware The Wolf », et « Back Up The Country » en clin d’œil à Joni Mitchell. Classe et très engagé !
Rarement un groupe aura laissé échapper autant de liberté et de joie sur un même album. Pour RED BEANS & PEPPER SAUCE, c’est un huitième opus haut en couleur qui vient marquer une nouvelle étape dans la carrière des Montpelliérains. Si l’esprit de corps dominait déjà dans le son et faisait la force du groupe, avec « Supernova », il prend une incroyable dimension. Autour de sa charismatique chanteuse, le quintet a fait un peu de place pour accueillir pas moins de neuf invités, français comme étrangers. Une très belle célébration de son Classic Rock teinté de Soul et de Blues, dont Laurent Galichon, le guitariste et principal compositeur, nous parle avec autant de fierté que d’émotion.
– Avant de parler de « Supernova », j’aimerais qu’on revienne un instant sur votre parcours. Huit albums studio et un live en 14 ans, le tout ponctué de tournées bien fournies, est un rythme vraiment effréné. Ca vous arrive quand même de prendre quelques pauses ?
Je trouve que c’est dur de se remettre au travail après une pause, j’ai pu le constater quand il a fallu s’y remettre après la pandémie de Covid. Alors je préfère éviter les pauses et battre le fer tant qu’il est chaud.
– Justement avec un tel rythme, toi qui signes l’ensemble des morceaux hormis « I Want To Take You Higher » de Sly & The Family Stone datant de 1969, quand prends-tu le temps de te poser pour composer ? Tu le fais aussi en tournée, ou tu t’imposes des moments dédiés ?
Dès que j’ai une idée, je l’enregistre sur mon smartphone, parfois même en voiture où je chante simplement la mélodie ou le riff pour archiver. Et quand vient le moment de travailler des morceaux, alors je pioche dans le tiroir à idée. Mais c’est vrai que quand on se retrouve à moins de six mois de la deadline pour envoyer le master au pressage, le travail s’intensifie et à chaque fois les derniers mois de production sont très intenses.
– « Supernova » est l’un de vos disques le plus direct et le plus clairement axé sur le Classic Rock, parfois Hard, avec toujours un côté Bluesy et Soul. Est-ce qu’il y a une envie cette fois-ci de prendre les morceaux plus à bras-le-corps et d’aller vers quelque chose de plus essentiel et de dense ?
Oui, tout à fait. Bien avant de commencer le travail, quand on parlait de ce nouvel album avec Niko Sarran (également batteur du groupe – NDR) qui les réalise, on avait en tête d’aller vers plus d’efficacité avec des titres plus courts et plus directs. Quand on attaque un nouvel album, on a souvent des discussions en amont, souvent dans le van en tournée, où on cherche des axes de travail, de nouvelles directions pour continuer d’évoluer et rester créatif.
– D’ailleurs, est-ce qu’au moment de commencer l’écriture d’un tel album, tu avais une sorte de ligne directrice ou une intention en tout cas de faire émerger une atmosphère et une énergie différente, plus massive ?
L’album précédent, « 7 », était très axé sur le Classic Rock et cette fois-ci, il y avait une envie de revenir à un équilibre entre Rock et Soul, mais toujours avec des riffs qui viennent du Blues. En fait, on essaie de faire des albums qui auraient pu sortir dans les 70’s et cette fois-ci, on a essayé de mettre du groove dans le Rock et inversement. Et puis, Niko a fourni un véritable travail d’orfèvre sur le son de l’album. Il y a passé quasiment deux fois plus de temps que sur les précédents.
– L’une des caractéristiques de « Supernova » est bien sûr le nombre d’invités, qui sont tout de même au nombre de neuf, ce qui fait beaucoup sur un même disque. Comment cela se décide-t-il, car c’est assez rare ? Tu as composé certaines chansons en fonction d’eux, ou les choses se sont faites plus naturellement en laissant une petite place à l’improvisation ?
Inviter des musiciens faisait partie de ces axes qu’on se donne avant de commencer la production. On a donc laissé sur certains titres des plages pour permettre à nos invités de s’exprimer, mais sans savoir à l’avance de qui il s’agirait. Et c’est quand on se rapprochait de l’arrangement définitif qu’on prenait le temps de réfléchir à qui le proposer. Parfois, on est resté dans le style de l’invité comme avec Rabie Houti qui à l’habitude de jouer son violon arabo-andalou sur des rythmiques Rock, ou avec Johnny Gallagher sur une ballade Blues Rock. D’autres fois, on s’en est un peu éloigné comme avec Fred Chapellier qui nous rejoint sur un titre très Classic Rock avec un riff de guitare très ‘fat’, ou avec Sax Gordon qui vient jouer sur un titre vraiment très funky et plus éloigné de son Rocking Blues.
– Il est beaucoup question de ‘fusion’ sur cet album, et dans tous les sens du terme. En y prêtant bien l’oreille, on note le soin apporté aux arrangements notamment, tout comme à la production plus largement. « Supernova » a nécessité six mois de travail en studio. Vous êtes-vous laissés quelques respirations, histoire peut-être de prendre parfois un peu de recul, ou au contraire, les choses étaient déjà clairement définies dans ce que vous souhaitiez obtenir ?
C’est un travail de longue haleine, plus un marathon qu’un 100 mètres. Certains titres fonctionnent immédiatement, mais d’autres doivent passer par plusieurs étapes avant que nous soyons satisfaits du résultat. Et le travail continue même après la sortie de l’album, car certains morceaux doivent être repensés pour la scène. C’est un peu comme bâtir une maison : on passe des fondations à un bâtiment couvert très rapidement, mais les finitions, elles, prennent beaucoup plus de temps, car on entre dans les détails.
– Un mot sur les guests en commençant par les artistes français où l’on retrouve Manu Lanvin, Fred Chapellier, Yarol Poupaud ou encore le violoniste Rabie Houti. Ce sont tous des musiciens avec lesquels vous avez déjà joué sur scène. Ces rencontres se sont-elles transformées en collaborations que vous teniez vraiment à réaliser depuis un moment déjà ?
Ce sont surtout des rencontres marquantes qui ont lieu parfois en tournée avec tout le groupe, ou alors par un seul d’entre nous en dehors. Mais dans tous les cas, elles sont si importantes qu’elles donnent l’envie de faire de la musique ensemble. Et on a été ravi que tout le monde nous réponde ‘Oui’ ! Certains enregistrements ont dû être faits à distance à cause de l’éloignement et des emplois du temps, et d’autres ont donné lieu à des séances en studios qui nous ont marqué. J’ai kiffé de passer du temps avec Boney Fields dans le studio de Niko à Montpellier, ou avec Manu Lanvin dans son studio à Paris. Des belles sessions, où tu sens qu’il se passe quelque chose.
– Et puis, il y a l’aspect ‘international’ de l’album avec les présences du Camerounais Emmanuel Pi Djob, des Américains Boney Fields, Fred Wesley et Sax Gordon, sans oublier l’Irlandais Johnny Gallagher. Là encore, le casting est époustouflant. Est-ce que chacun d’entre-eux avait une partition à respecter, ou est-ce qu’on laisse plus facilement des talents comme les leurs s’exprimer librement avec une sorte de carte blanche ?
Pour chacun d’entre eux, c’était carte blanche. Mais forcément, il y avait des échanges. Parfois, notre invité avait une idée très précise, parfois, il hésitait entre plusieurs. Alors, on discute, on échange, on essaye des choses. Par exemple, c’était vraiment génial de passer du temps avec Manu et de le voir proposer tellement de choses avec la générosité qu’on lui connaît. Mais surtout, ils nous ont tous offert ce qu’on attendait, c’est-à-dire le meilleur d’eux-mêmes. On peut entendre la voix incroyable et le groove d’Emmanuel Pi Djob, l’explosivité et le ‘fonk’ de Yarol, le toucher tout en finesse de Fred Chapellier, la générosité et la puissance de Manu Lanvin, le groove qui claque de Boney Fields, l’énergie de dingue de Sax Gordon, la maîtrise et le son envoûtant de Rabie Houti et le feeling de Johnny Gallagher. Et puis, il y a eu la session avec Fred Wesley. J’étais là quand il a commencé à jouer dans le studio : c’était un voyage dans le temps. J’entendais le « Doing It To Death » de James Brown que j’écoutais en boucle plus jeune. C’est un moment précieux que je garderai en moi toute ma vie. Il fait partie des gens qui ont inventé cette musique. En deux notes, tu sais qui est dans la pièce. Tous ces musiciens exceptionnels ont été d’une grande générosité avec nous. Ils ont élevé chacun des titres auxquels ils ont participé à un niveau supérieur, et nous leur en sommes éternellement reconnaissants.
– J’aimerais qu’on dise un mot sur cette reprise de Sly & The Family Stone sur laquelle il y a du beau monde et où le line-up de RED BEANS & PEPPER SAUCE est le plus élargi de l’album. Comment est-ce qu’on tient tout le monde dans ce cas-là, car il règne un esprit jam manifeste ? Et par ailleurs, pourquoi avoir choisi ce morceau-là en particulier ?
J’ai plutôt l’impression que c’est ce morceau qui m’a choisi, car j’ai une histoire particulière avec lui. Je l’ai découvert au début des années 90 à la télévision, en voyant des musiciens que je ne connaissais pas le jouer sur une énorme scène, devant des milliers de spectateurs aux États-Unis. Il s’agissait en fait de George Clinton et de Funkadelic/Parliament, avec Larry Graham et d’autres invités. Ce titre m’a transpercé et j’ai adoré le fait qu’il soit interprété par autant de musiciens sur scène : tout le monde dansait, tout le monde chantait, c’était la grosse teuf. J’ai ensuite découvert qu’il s’agissait d’un morceau de Sly & the Family Stone, et l’album « Stand » fut une nouvelle claque. A la même époque, d’autres artistes que je ne connaissais pas se sont produits à Béziers : FFF, puis les JB’s avec Maceo Parker, Fred Wesley et Pee Wee Ellis. Ces trois découvertes, en quelques mois, ont été ma porte d’entrée vers la Soul Music : James Brown, la Stax (avec les disques d’Otis Redding de mon père), la Motown, etc… Alors qu’à l’époque, j’écoutais plutôt du Rock des années 60/70 comme Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Deep Purple… Cette période a complètement bouleversé mon orientation musicale. Alors aujourd’hui, enregistrer ce morceau avec Yarol de FFF et Fred Wesley des JB’s qui ont également participé à ce changement, dans une version avec un groupe élargi en mode ‘jam’ comme dans la version de George Clinton, c’est une histoire complètement folle.
– Enfin, « Supernova » est probablement aussi votre album le plus varié avec des aspects Southern, Heavy Rock, Blues, Funky et plus largement très Rock’n’Roll. RED BEANS & PEPPER SAUCE devient de plus en plus inclassable et c’est une très bonne chose. Est-ce une façon aussi de vous débarrasser peut-être de certaines cases dans lesquelles on a pu vous mettre auparavant, ou plus simplement un signe de maturité qui se traduit par beaucoup plus de liberté affichée ?
Ce n’est pas vraiment calculé. Tout le monde dans le groupe a des influences diverses et variées et c’est l’association de nos personnalités musicales qui fait ce qu’est RED BEANS & PEPPER SAUCE. Je ne suis même pas sûr qu’on puisse y changer quoi que ce soit. On peut seulement l’encadrer en se donnant quelques directions, mais au final on sonne comme on sonne et il me semble qu’on reste cohérent d’un album à un autre.
Le nouvel album de RED BEANS & PEPPER SAUCE, « Supernova », est disponible chez Crossroads/Socadisc.
Photos : Cristina Gomes Morgadinho (1), Thierry Wakx (2, 3, 5) et Monsieur Mind (4).
Retrouvez aussi l’interview du groupe à l’occasion de la sortie de l’album « 7 » :
Le titre de cette nouvelle production de TOMMY CASTRO & THE PAINKILLERS résume à lui seul l’intention du maestro : revenir à l’essence-même du Blues, en parcourant ses différents courants et en s’y collant au plus près. Pari amplement remporté, ce qui n’est pas vraiment une surprise lorsque l’on connaît le sens de la musique qui l’habite. En ne proposant que trois petits inédits, c’est surtout vers des morceaux qui le font vibrer que le musicien s’est penché et « Closer To The Bone » côtoie les sommets.
TOMMY CASTRO & THE PAINKILLERS
« Closer To The Bone »
(Alligator Records)
En un peu plus de trois décennies, TOMMY CASTRO avoisine la vingtaine d’albums, une dizaine de Blues Music Awards et surtout un feeling qui va grandissant. Avec ses PAINKILLERS, c’est un disque un peu spécial que le natif de San José en Californie propose, puisque celui-ci ne comprend que trois chansons originales (« Can’t Catch A Break », « Crazy Woman Blues » et « Ain’t Worth The Heartache »), auxquelles il faut ajouter tout de même onze reprises, et pas n’importe lesquelles. Lui qui a exploré à peu près tous les registres, passant du R’n B à la Soul ou au Rock, s’offre le loisir de se faire plaisir… et nous avec !
TOMMY CASTRO & THE PAINKILLERS n’élude ici aucun d’entre-eux, sachant se faire tendre, délicat ou explosif et pétillant le morceau suivant. « Closer To The Bone » fait un peu le tour des goûts et des préférences du guitariste-chanteur et il faut bien avouer qu’on ne voit pas le temps passer. L’idée est donc de le réécouter dans la foulée avec la même délectation. Avec comme noyau dur Mike Emerson aux claviers, Randy McDonald à la basse et au chant et Bowen Brown à la batterie, l’ensemble sonne comme une ode au Blues sous toutes ses belles coutures et le talent de chacun fait naître une osmose savoureuse.
Car ce qui surprend aussi sur « Closer To The Bone », c’est l’harmonie qui règne au sein de THE PAINKILLERS, qui n’a jamais aussi bien porté son nom, avec aussi un humour omniprésent. Petite cerise sur le gâteau, TOMMY CASTRO a invité quelques amis et non des moindres. On y croise au fil des titres Chris Cain, Rick Estrin, Christoffer ‘Kid’ Andersen et l’incroyable saxophoniste et chanteuse Deana Bogart sur « Some Moves Me » et « Bloodshot Eyes » pour un duo. Electrique et jouant sur une proximité naturelle, l’Américain livre un opus radieux, optimiste et tout simplement irrésistible. Une vraie gourmandise !
Profondément ancré dans un Blues authentique et viscéral, NO MONEY KIDS transforme ce genre auquel peu de monde ose toucher pour en donner une vision très moderne et protéiforme. En se réinventant à chaque album, le duo composé de Felix Matschulat (guitare, chant) et de JM Pelatan (basse, machines, synthés) accueille désormais Alex Berger à la batterie, comme pour mieux imprégné d’acoustique un registre élégant et toujours aussi novateur. Ce nouvel album, « Fireworks », tire aussi son titre d’un sentiment partagé par les trois musiciens et dont son chanteur et guitariste nous parle…
– Près de quatre ans après « Factory », on vous retrouve enfin avec « Fireworks », un cinquième album qui porte bien son nom. A l’époque, comment avez-vous vécu cette pandémie ? J’imagine que passer à la suite n’a pas dû être évident…
En fait, pendant la pandémie, on était en pleine création de « Factory » et c’est au sortir du Covid qu’on a commencé la tournée. Cette période nous a profondément marqué, et encore sur cet album, car elle nous a montré qu’il était toujours important de créer et d’être en perpétuelle recherche. On ne sait pas de quoi demain sera fait et si on aura de nouveau un confinement. Au final, ça nous a donné l’élan de produire « Factory », puis dans la foulée « Fireworks ».
– Justement, est-ce que l’intention première avec « Fireworks » a d’abord été de renouer avec la joie, celle de composer de nouveaux morceaux, puis de retrouver votre public bien sûr ?
C’est clairement ça ! « Factory » était un album assez introspectif et assez lourd dans lequel on traitait de la condition ouvrière. Pour composer un album, j’ai aussi besoin d’un thème principal pour créer une architecture avec des personnages qui se retrouvent. Pour « Factory », c’était donc l’usine, alors que sur « Fireworks », on est beaucoup plus dans le lâcher-prise. Et justement après le Covid, on avait envie de faire du Rock’n’Roll sur scène et c’est ce qu’on a fait en studio. J’ai imaginé tous les personnages qui se retrouvent dans un motel un peu fantasmé des Etats-Unis. Une espèce d’Amérique très visuelle aussi et qui t’amène dans des road-trips.
– Il y a un vent de liberté palpable sur ce nouvel album, qui se veut peut-être plus direct et aussi plus joyeux que les précédents. Y avait-il une sorte d’urgence pour vous de retrouver et de provoquer les sourires ?
Ce sont des trucs qu’on ne maîtrise finalement pas trop. Tu sais, quand on va en studio, on ne se met pas de cahier des charges trop précis car, généralement, on finit toujours par être un peu déçu. On ne se pose pas de questions, on fait en fonction de nos envies et des sensations en nous disant que tout est possible. Et il se trouve que sur cet album-là, ce qui nous a vraiment animés, c’est ce désir de tout envoyer valdinguer, de prendre ta voiture et de voyager. C’était un peu l’idée.
– Musicalement, on retrouve le son de NO MONEY KIDS et ce mélange de Blues Rock et de sonorités Electro. Cependant, « Fireworks » a un côté très roots et immédiat. L’idée était-elle d’être explosif avec aussi à l’esprit vos futures prestations live ?
Je crois que ce qui a beaucoup impacté notre manière de produire est l’arrivée d’Alex (Berger du groupe Jokvs – NDR) à la batterie. On a toujours été un duo depuis nos débuts et là, ça fait deux ans que nous sommes un trio sur scène. On a mis longtemps pour changer de formule, parce qu’on marche à la rencontre et à l’émotionnel dans le groupe. On voulait rester à deux, car notre relation est tellement forte sur scène et ailleurs. Et là, on a commencé à travailler plus à trois. Même si JM et moi produisons toujours l’ensemble, l’arrivée d’Alex à influer sur notre manière de faire. En fait, on avait déjà anticipé les parties de batterie et avec lui, cela sonne clairement plus live. Ensuite, il y a aussi eu des réenregistrements de batterie et ça nous a lancé sur des sonorités plus authentiques et plus roots sûrement.
– Ce nouvel album a été en partie enregistré à New-York, qui n’est pas forcément une terre de Blues, par ailleurs. Vous aviez besoin de changer un peu d’air ? Peut-être aussi de vous livrer à de nouvelles expériences sonores ? Quel était l’objectif de cette ‘délocalisation’ ?
On est revenu quand même, on ne s’est pas totalement délocalisé ! (Rires) En fait, à la fin du processus de création, il nous restait un titre à faire. C’était « Get Free » qui est sorti en single juste avant le disque. Et on a eu besoin d’expérimenter tout ce dont on se servait sur l’album, c’est-à-dire cette Amérique un peu fantasmée, ces grands espaces et cette imagerie un peu ‘tarantinesque’. C’est aussi un peu un concours de circonstances, car on a signé avec un tourneur aux Etats-Unis, qui nous a proposé immédiatement une date à New-York. On s’est donc dit qu’il fallait faire les prises là-bas. On a enregistré « Get Free » à New-York et on en a profité pour faire un partenariat avec un label sur place. Du coup, on a fait des sessions live en pressant les vinyles à chaque fermeture. Il y a 18 sessions qui vont bientôt sortir en autant de 45tr.
– A l’écoute de « Fireworks », on remarque quelques similitudes avec le travail de Sturgill Simpson et aussi de Dan Auerbach, et pas seulement avec les Black Keys, mais aussi dans sa manière de produire. Est-ce que, d’une certaine manière, NO MONEY KIDS s’inscrit dans cette veine artistique pour toi ?
Je pense que ce virement, axé sur des typologies de sons peut-être un peu plus authentique et mêlées aussi à des textures assez modernes, s’inscrit dans le travail que peut faire Dan Auerbach avec Easy Eyes Sound (son label – NDR) et ce genre d’artistes. Et pour ce nouvel album, on avait besoin de ça. Je suis un grand fan de Rythm’n Blues et de Dan Auerbach, car il va chercher des références qui me parlent. Je pense qu’on a plus assumé ce côté-là, cet aspect américain par rapport à nos albums précédents.
– On le disait, vous êtes allés à New-York pour enregistrer « Get Free ». Vous qui avez prôné le DIY (Do It Yourself), est-ce que l’heure du changement est venue ?
(Rires) Non, parce qu’on finit par tout faire nous-mêmes. On a fait les prises là-bas, mais après, c’est nous qui faisons le mix, le mastering et qui produisons. On arrange tout ensemble, on est encore producteur de nos albums d’ailleurs. On tient vraiment à le rester, car c’est une liberté de dingue. C’est ce qui nous permet aussi de voir les tenants et les aboutissants de la création et de pouvoir maîtriser tout ça. On est toujours surpris et content de vivre de notre musique et de la produire. Il n’y a personne pour nous donner telle ou telle direction artistique, et c’est quelque chose qu’on veut absolument garder. On ne sait pas de quoi demain sera fait et, si cela se trouve, on fera un album beaucoup plus Electro ou plus Blues et on veut avoir cette possibilité.
– Votre Blues Rock a toujours été très moderne dans son approche et surtout dans le son. Sans vous éloigner de ses racines, comment intégrez-vous les samples et les éléments électroniques, tout en restant fidèles au style en lui-même ? Y a-t-il des limites que vous vous imposez, ou au contraire, ça n’a aucune importance ?
Il n’y a vraiment aucune limite. On fait ce qu’on a envie à l’instant T. C’est vraiment une photographie du moment présent et la seule limite qu’on se fixe celle de notre volonté et de ce que l’on trouve esthétiquement beau. Et si ça nous plait, on ne le change pas.
– Comme d’habitude, vous avez apporté beaucoup de soins aux arrangements pour trouver un bel équilibre. Est-ce qu’une grosse partie de votre travail se fait aussi en post-production ?
Oui, même si cela a un peu changé sur cet album. J’ai plus pris part à la production cette fois. D’habitude, on travaille à deux avec JM. Je compose et j’écris les chansons en guitare/voix, et ensuite on produit à deux dans le sens où on va chercher les instruments pour construire la chanson. Pour « Fireworks », ce que j’envoyais à JM était déjà plus produit, avec les batteries, les synthés, etc… Après, JM mixait, masterisait et rajoutait le petit liant qui faisait que tout marchait bien ensemble. On retravaillait un peu tout ça en studio, mais la plus grosse partie a été faite chez moi, dans mon studio. C’est ce qui change aussi des autres albums, parce que j’ai pu pousser la composition en lien avec la production et de manière plus introspective qu’auparavant. J’ai pu amener au bout mon idée de la composition, de ma vision. Ensuite, on travaille à deux et il y a toujours des compromis évidemment.
– D’ailleurs, penses-tu que la musique de NO MONEY KIDS aurait cette même fraîcheur et cet impact sans les éléments électroniques qui l’enveloppent, même si certains titres sont très bruts ?
Non, parce que c’est ce qui fait notre particularité et c’est aussi pour ça qu’on tient en tant que groupe. Au-delà de notre métier aujourd’hui, on est de grands passionnés et surtout des grands amoureux. C’est comme un couple, on a encore des histoires à écrire. Donc l’alliance de l’électronique et du son brut, c’est vraiment notre alliance. En tant que musicien, on n’est pas dans la copie. D’ailleurs, on n’est pas très fort là-dedans. En fait, quand on aime un style, ça ne nous intéresse pas d’en copier les éléments. Nous ne sommes pas dans une reproduction mécanique d’un genre. Sans aller chercher tel ou tel instrument, on va en faire un mélange. C’est ce mélange qui fait l’ADN de NO MONEY KIDS.
– Donc, ce serait difficilement envisageable d’imaginer NO MONEY KIDS en acoustique, par exemple ?
C’est possible, mais si tu nous demandes de choisir entre la version acoustique et la version produite, on choisira toujours la produite. Même si on adore l’acoustique !
– Il y a depuis quelques années maintenant beaucoup de duos qui œuvrent dans le domaine du Blues et ses dérivés comme The Inspector Cluzo, Knuckle Heads, One Rusty Band, Dirty Deep à l’occasion, The Blue Butter Pot et même Ko Ko Mo dans un registre Pop grand public. C’est presque devenu une spécialité française. Quel regard portes-tu sur ce type de formations à deux, même si vous êtes maintenant trois, et entretenez-vous des relations avec certaines d’entre-elles ? Il pourrait y avoir le clan des duos…
Je suis un réel partisan de ce genre de formule, parce que ça casse les codes et les habitudes de chacun. Ca pousse à faire des choses qui ne sont pas conventionnelles quand on apprend un instrument. Ca nous pousse dans nos retranchements et, généralement, cela donne des groupes avec des particularismes plus forts. Le fait de ne pas avoir l’apport d’une basse ou d’une batterie casse ce power trio qu’on a tous dans l’oreille. Il y a donc des choses qu’il faut combler et là, les artistes prennent de l’importance car ils doivent palier ce manque. Et ça laisse aussi beaucoup plus de place à la création. C’est vrai que ce que proposent tous ceux que tu as cités sont vachement bien. Après, on en a croisé pas mal sur la route, dont Ko Ko Mo au début et Catfish aussi. Il y a MoonShaker aussi avec qui on a beaucoup tourné et avec qui on a une vraie relation fraternelle. On garde de bons contacts avec tout le monde, mais c’est vrai qu’il n’y a pas de collectif du duo. Ce serait d’ailleurs peut-être quelque chose à créer.
– Enfin, on découvre sur certaines photos récentes du groupe un troisième membre, on en a déjà un peu parlé. Est-ce que NO MONEY KIDS est en train de grossir ses rangs et peux-tu nous le présenter ?
On a rencontré Alex un peu par hasard, il nous avait été conseillé par un ami pour le remplacement de Greg (Damson, batteur au sein de la formation Steve Amber – NDR). On a eu exactement le même coup de foudre que celui entre JM et moi à l’époque quand on s’est rencontré en studio. Cela a été très simple. Ce qui est marrant chez NO MONEY KIDS, c’est qu’on est tous de génération différente. Et c’est une richesse. Alex est beaucoup plus jeune que nous, mais, musicalement, on est exactement su la même longueur d’onde. C’est la première fois qu’il a une telle fusion, car peu importe ce qu’on lui propose, il le comprend tout de suite. C’est un vrai métronome et en même temps, il a un groove de dingue. On a beaucoup joué avec des boîtes à rythmes et ça a été une dominante sur nos concerts, quelque chose sur laquelle on était très à cheval, car avoir un rythme clair nous permet de nous exprimer très librement. Il est capable de faire ça et toutes les références qu’il a apportées étaient aussi les nôtres. Je pense que cela amène NO MONEY KIDS un niveau au-dessus.
– Et donc, vous devenez un power trio…
Oui… (Rires) Cela dit, on casse un peu ce power trio, car on triche un peu. On est des bidouilleurs, des tricheurs. L’idée de NO MONEY KIDS à la base était d’apporter les éléments de studio sur scène, afin que les gens prennent conscience de l’importance de la production et de ses effets. Et on voulait partager ça avec le plus de monde possible. Et avec Alex, ce qui est marrant, c’est qu’en étant trois, on lance tellement de choses, il y a tellement d’artifices, de synthés partout… Et avec toujours cette idée de faire du Blues, bien sûr ! C’est un power trio qui n’en est pas un… en vrai ! (Rires) On fait tous beaucoup de choses et on a plusieurs postes chacun, en fait.
L’album de NO MONEY KIDS, « Fireworks », est disponible chez Roy Music.
