La formation de Besançon n’élude pas la violence sur son premier album, mais elle le fait avec beaucoup de finesse à travers son post-Metal, et en fait même un terrain de jeu tourmenté et souvent aérien. Très organique dans le son, HØLLS avance sur un line-up costaud : basse, batterie, deux guitares et une frontwoman habitée par des textes forts et sensibles. Avec « Ill », le combo explore les consciences et dépeint une époque trouble et incertaine avec beaucoup de conviction et d’aplomb. Le début d’une belle aventure.
HØLLS
« Ill »
(Independant)
Avec tout juste deux ans d’existence, HØLLS se présente avec un premier opus plutôt audacieux. Sombre et jouant sur un clair-obscur bien maîtrisé, le quintet nous propulse dans un post-Metal aux multiples facettes, qui nous parcourt de sensibilité Screamo et même Sludge, dès lors que sa rythmique accélère la cadence. A la tête du combo, on retrouve la chanteuse Sandra Chatelain dont la palette vocale navigue entre chant clair et saturé, ce qui libère véritablement l’empreinte musicale des Francs-Comtois, dont l’originalité est palpable et souvent insaisissable.
Car, si ce Metal tout en nuances passe d’atmosphères très progressives à des coups de massue explosifs, c’est bel et bien la frontwoman qui donne le ton et sert de marqueur à un registre chaloupé, véloce et mélodique. Cela dit, HØLLS prend le soin de ne pas se perdre, et nous avec, dans ces méandres noirs et mélancoliques dans lesquels il se meut avec une fluidité autant musicale que vocale. Les thèmes abordés ici semblent coller à cette génération, qui raconte sans far de légitimes inquiétudes sur la santé mentale, qui se détériore à travers toute une société.
Entre colère et détresse, il émane beaucoup de force des six morceaux, qui s’enchaînent après une intro délicate. Et comme pour mieux porter son propos, HØLLS prend le soin d’éviter tout formatage. Sur « Ill », les titres sont d’une longueur qui prend justement le temps d’installer des ambiances travaillées, souvent progressives, qui ne manquent pas de nous emporter et où détresse et souffrance côtoient un espoir souvent caché, mais bien réel. Le groupe affirme une identité solide que l’on retrouve sur des compositions bien structurées et envoûtantes (« Fall Into Decay », « Thorns », « Upsetters », « EndlessNight »).
La douce mélancolie de BELLE MORTE traverse sur « Pearl Hunting » de nombreuses frontières musicales et culturelles. Le duo originaire de Minsk s’est considérablement étoffé et par la même fait grandir son Metal Symphonique déjà très inspiré. Entre éléments progressifs et gothiques, Dark Folk et mélodies captivantes, les voix sont sublimées grâce aussi à de beaux duos, tandis que les guitaristes brillent aux côtés d’instruments traditionnels du monde entier. Un modèle du genre.
BELLE MORTE
« Pearl Hunting »
(Wormholedeath Records)
Il y a un peu moins de trois ans, BELLE MORTE signait son premier album complet, « Crime Of Passion », après s’être déjà manifesté avec un EP, « Game On » en 2018. Cette fois, la chanteuse et compositrice qui donne son nom au groupe et Sergey Butovsky, multi-instrumentiste et producteur, passent de la formule en duo au sextet et son Metal Symphonique prend aussi beaucoup d’ampleur pour s’engouffrer avec talent dans une Dark Folk élégante et des sonorités venues des quatre coins du monde.
Et pour ce très bon « Pearl Hunting », BELLE MORTE s’est entouré d’une pléiade d’invités qui fait faire à cette réalisation un tour de la planète en traversant de nombreuses cultures aux résonnances diverses avec authenticité et surtout beaucoup de crédibilité. Un exercice peu évident et parfaitement accompli. En effet, le Metal des Biélorusses nous promène en Mongolie, au Japon, au Pérou et sur des ambiances orientales, celtiques et latines, le tout dans une belle fusion des genres.
Le volume du Metal Symphonique de BELLE MORTE est donc conséquent, puisque l’on compte 23 instruments différents joués par 17 musiciens venus de 12 pays. Une véritable prouesse artistique qui ne rend pas pour autant les morceaux de « Pearl Hunting » pompeux ou trop chargés. Au contraire, la production respire et la voix cristalline de la frontwoman y est pour beaucoup (« Fallen Idol », « Exorcism », « Krew », « Blame Me », « September »). Avec ce nouvel opus, la formation signe un disque fascinant et envoûtant.
Originaire de Portland dans l’Oregon, TIME RIFT signe sa deuxième réalisation. Cependant, celle-ci a des allures de première, tant les changements de musiciens se sont multipliés en une décennie et surtout il dégage aujourd’hui une réelle unité musicale, qui manquait peut-être un peu sur son prédécesseur. « In Flight » marque donc un nouveau départ pour les Américains et le moins que l’on puisse dire est qu’ils sont dans les starting-blocks. Dans un proto-Metal aux contours occultes, ils nous emportent sur un rythme effréné dans un univers d’une nostalgie assumée.
TIME RIFT
« In Flight »
(Dying Victims Productions)
Fondé par le guitariste et bassiste Justin Kaye sur les cendres de Doomsower en 2014, TIME RIFT a mis du temps a stabilisé son line-up, s’essayant à de multiples moutures. Avec l’arrivée de Terrica Catwood derrière les fûts en 2017, puis celle de Domino Monet (Hadean, Nyx Division) au chant en 2023, le power trio semble désormais fixe et surtout en parfaite adéquation. Après « Eternal Rock » sorti en 2020 dans le marasme qu’on connait, le groupe a écumé les scènes dès ce fut possible et s’est aguerri pour livrer ce « In Flight », qui porte particulièrement bien son nom.
Car, forcément, avec ce deuxième album, on peut aisément dire que TIME RIFT prend enfin véritablement son envol et les compositions témoignent d’une volonté à toute épreuve. Resserré sur une grosse demi-heure, les neuf titres nous font faire un bond dans le temps, dans cette époque bénie des 70’s et du début des 80’s. Ce mix entre proto-Metal et Hard Rock 70’s aux saveurs Doom et Occult Rock débouche sur un disque au revival très réussi et porté par une production brute, organique, qui manque pas de vélocité et de dynamisme. Il bouscule autant qu’il séduit.
Savoureusement rétro, on pense évidemment à Led Zeppelin ou aux premiers Scorpions d’un côté et à Doro et aux Runaways de l’autre, mais TIME RIFT y pose une patte originale et personnelle et nous entraîne dans un tourbillon de décibels finalement très frais. Grâce à une frontwoman aussi polyvalente qu’efficace, le combo livre un opus convaincant où chaque instrument dispose de l’espace nécessaire pour s’exprimer avec force (« The Spear », « Coyote Queen », « Thunder Calling », « Dancing With The Sun », « Hellbound » et le morceau-titre). Costaud et accrocheur !
Huit ans après cette prestation, la cantatrice scandinave décide sortir des cartons son concert donné au Hellfest. Accompagné d’un groupe classique, plus un violoncelle, TARJA n’avait pas manqué de faire le show devant sa fan-base française, qui avait pu apprécier et mesurer l’étendue de son talent et la solide clarté de sa voix. Unique en son genre dans le monde du Metal, la Finlandaise incarne littéralement l’aspect symphonique du style dans toute sa splendeur sur ce bon « Rocking Hells : Live At Hellfest ».
TARJA
« Rocking Heels : Live at Hellfest »
(earMUSIC)
Si vous y étiez, vous vous souvenez certainement de la performance de TARJA le 19 juin 2016 sur la main stage du Hellfest. Ses fans en tout cas étaient aux anges, puisque la chanteuse venait juste de sortir « The Brightest Void » et s’apprêtait à dévoiler « The Shadow Self », quelques semaines après ce passage. Deux albums dans la même année est une chose suffisamment rare pour être souligné, même avec trois reprises parmi lesquelles on retrouve d’ailleurs ici la non-essentiel « Supremacy » de Muse. Un faute de goût pardonnée.
Car il n’y a rien à redire de « Rocking Hells : Live At Hellfest », on pardonnera aussi que le set livré à Clisson ne soit pas dans son intégralité, trop long certainement. Comme souvent dans les festivals, la tracklist contient des morceaux parmi les plus percutants de la frontwoman à commencer par « No Bitter End », extrait du dernier opus en date de TARJA à l’époque. Non seulement, il affiche une pleine puissance, mais il lui permet aussi de mettre tout de suite les choses au clair concernant ses légendaires capacités vocales.
Si TARJA mène une belle carrière solo depuis son départ de Nightwish, il faut reconnaître qu’à ce moment-là ses albums n’étaient encore du même calibre, mais elle s’est bien rattrapée par la suite. Cela dit, les versions de « Ciaran’s Well », « Calling From The Wind » et « Victim Of Ritual » sont imparables et irréprochables, tout comme l’excellent medley de titres de son ancienne formation « Tutankhannen/Ever Dream/The Riddler/Slaying The Dreamer », qui a enflammé les adeptes de Metal Symphonique présents. Un beau souvenir.
Si l’hexagone n’a pas été timoré en termes de productions cette année, le reste de la planète n’est pas en reste… très loin de là ! C’est même un peu la saturation pour tout dire. Car, si la plupart des gens ne voit que la partie émergée, l’iceberg musical mondial est assez colossal !
En 2024, certaines valeurs sûres ont sorti de très bons albums et confirmé leur statut, tandis que d’autres s’installent doucement ou créent la surprise, voire la sensation. Ce Top 24 du reste du monde revient sur quelques beaux moments qui ont émaillé ces derniers mois.
Encore une belle et fructueuse année vient de s’écouler et ce Top 24 vient rappeler quelques souvenirs et servira peut-être de pense-bête pour plus tard. Parmi un peu plus de 400 chroniques et interviews réalisées sur le site, quelques albums sortent facilement du lot dans les différents styles que traite Rock’n Force.
Le Top 24 est bien sûr un clin d’œil aux douze derniers mois, et il n’y a rien de trop si l’on considère le nombre surréaliste, et franchement aberrant, de disques sortis. Avant de regarder le reste du monde, commençons par la France et j’en profite aussi pour saluer tous ces artistes, dont les réalisations m’ont ravi et convaincu.
Très bien accueilli par le public et les critiques lors de sa sortie, WEDINGOTH a décidé de surfer sur l’engouement suscité autour de « Five Stars Above » pour enregistrer et filmer un concert donné dans sa ville en vue de la parution d’un CD et d’un DVD. « Five Stars (A)Live » reprend donc l’ensemble des morceaux, et dans l’ordre, de leur précédente production et sur une petite heure, le Rock/Metal Progressif des Français se montre tout aussi immersif qu’en studio et l’attention des fans présents renforce encore ce sentiment d’immédiateté.
WEDINGOTH
« Five Stars (A)Live »
(Independant)
Avec la sortie de son quatrième opus l’an dernier, WEDINGOTH avait un peu créé la surprise, tant « Five Stars Above » montrait un niveau de jeu remarquable. Suite à quelques changements de line-up, le groupe a désormais trouvé la stabilité depuis « A Love In The Crowd » (2016) et n’a depuis de cesse de peaufiner son style dans une veine progressive où se côtoie Rock et Metal. Guidé par une frontwoman dont le chant tout en nuances révèle une identité profonde, la formation confirme ici son savoir-faire sur scène.
Enregistré le 27 mai 2023 à ‘La Rotonde’ à Lyon, WEDINGOTH a donc joué à domicile l’intégralité de son album studio devant un public conquis et tout acquis à sa cause. Très bien capté, le résultat est à la hauteur des attentes, autant au niveau du son que de la prestation exemplaire des Rhodaniens. La musique du quatuor prend tout son sens en live, ce qui offre aussi un aspect plus brut et direct. Plus musclés et moins arrangés que sur disque, les titres gagnent en proximité et la différence est nette.
En jouant pleinement la carte de la parité, WEDINGOTH libère également une sensibilité assez rare, et l’entente vocale entre Céline Nephthys et la bassiste Manon Fortin sur les chœurs est parfaite. De leur côté, Stéphane Rochas (batterie) maintient le cap, tandis que Steven Segarra, fondateur et guitariste, livre une performance sans faute et irrésistible. Et si « Five Stars (A)Live » s’écoute dans son entier, on retiendra les versions de « Masterpiece Of Life », « Time », « Cross The Mirror » et l’incontournable « My Own Sacrifice ». Classe !
Peut-être un peu malgré eux, les musiciens de TRANK sont un peu des OMNI, sorte d’Objets Musicaux No Identifiés, sur la scène hexagonale. Entre un Heavy Rock flirtant avec un Alternative Rock/Metal solide et direct et des sonorités typiquement Cold, la formation franco-suisse a tout de même largement imposé son style et balisé son registre depuis « The Rope », un premier album qui avait impressionné par sa maîtrise et sa production. Avec « The Maze », le désormais quintet conserve cette identité très personnelle qu’est venu enrichir un léger remaniement de line-up. Michel André Jouveaux, chanteur, claviériste et programmateur, revient sur ce deuxième album tout aussi abouti, la façon de travailler du groupe, ses envies et ne cache une envie viscérale de remonter sur scène au plus vite. Entretien.
– Votre premier album, « The Ropes », était sorti en 2020 juste avant la pandémie et avait rencontré un franc succès. Un an plus tard, vous aviez proposé une version Deluxe avec un second CD composé de remixes très Electro de vos morceaux. Finalement, cette période compliquée ne vous semble pas vous avoir freiné tant que ça, si ?
Pas sur le plan créatif, car on a continué à composer, à travailler notre son et à faire évoluer notre manière d’approcher les choses. Ce second disque de remixes de « The Ropes » nous a aussi permis d’avancer. Nous avons pu échanger avec les artistes qui en ont créé la moitié, à savoir des gens incroyablement talentueux comme Mokroïé, peut-être le plus beau projet Techno français depuis des lustres, ou Greco Rossetti aux US, mais aussi parce que l’autre moitié a été réalisée par nous-mêmes, ce qui nous a permis de réfléchir à la meilleure manière de combiner les aspects ‘Rock’ et plus électroniques de notre son.
En revanche, le coup de frein a été très net niveau live. On n’a pas pu défendre « The Ropes » sur scène comme on le voulait, et malgré toutes les critiques incroyablement positives qu’on a pu recevoir, l’album n’a pas été aussi exposé qu’on l’aurait voulu. Sans compter le manque du plaisir de jouer en concert. Toute la frustration accumulée a alimenté les chansons de « The Maze », donc c’est un mal pour un bien.
– Aujourd’hui sort « The Maze », qui reste dans la lignée de « The Ropes » et confirme l’identité musicale de TRANK. Toujours axé sur un Heavy Rock Alternatif vif et musclé, il intègre également plus d’éléments électroniques qu’auparavant. C’est un désir de moderniser un registre peut-être trop intemporel ?
Dès qu’on s’est retrouvé ensemble, le mélange entre une influence Hard 90’s et un son plus électronique venu du Post-Punk des origines s’est imposé comme le son qui nous venait naturellement. Il était déjà là sur le premier album, mais il s’entend plus sur « The Maze », parce qu’on a approché les arrangements différemment, en alternant froideur et chaleur, électronique et guitares, plutôt qu’en les superposant tout au long de chaque chanson. Ca donne plus de dynamique et de contraste à chaque morceau et à l’album dans son entier. Après ‘moderniser’, tu sais, on reste finalement très vieille école, y compris dans l’aspect électronique des choses : la plupart des synthés utilisés datent d’avant 1984 ! (Sourires) Les batteries sont acoustiques et pas virtuelles, les guitares et basses ont été enregistrées à l’ancienne avec amplis et micros soigneusement choisis, pareil pour les voix… Notre intention n’est pas d’être modernes, mais de créer le son qu’on a en tête, ce mélange de puissance et de texture, d’efficacité et d’atmosphère. ‘Gros son, grosses émotions’, comme le disait une chronique de « The Ropes », mais en plus accompli.
– D’ailleurs, ce qui est assez étonnant, c’est que TRANK présente un style avec beaucoup de sonorités électroniques, tout en évoluant avec deux guitaristes. Ça peut surprendre. Est-ce qu’il a aussi finalement fallu retrouver un certain équilibre ?
Mais on espère bien que ça puisse surprendre ! (Sourires) La musique a atteint un tel niveau de formatage ces temps-ci que ça devient cauchemardesque. La seule manière de ne pas tomber dans ce panneau-là, c’est de faire la musique que tu veux entendre, avec le son que tu veux entendre. Qui plus est, même si on a tous des goûts très éclectiques, le centre de gravité des goûts de chacun est différent et ce mélange d’instruments entre Rock et machines en est le reflet. Ça s’applique d’ailleurs aussi aux nouveaux membres du groupe, même s’ils ne nous ont rejoints qu’une fois l’album terminé.
-Et qui sont les nouveaux membres du groupe ?
Arnaud et Nico sont respectivement bassiste et guitariste et ils jouent sur scène avec nous depuis quelques mois maintenant. Julien, avec qui j’avais fondé TRANK et qui assurait les guitares, nous a quittés il y a un peu plus d’un an et demi. C’était une séparation amicale et d’un accord mutuel. On est toujours très proche et il était d’ailleurs présent au concert de la ‘Release Party’ de l’album. Mais cela couvait depuis un moment et David, notre bassiste, avait déjà repris une bonne partie du travail des guitares, qu’il s’agisse d’arrangement, de son ou de performance. Il s’est donc naturellement glissé dans le rôle de guitariste sur neuf des onze chansons de « The Maze ».
On est, du coup, parti à la recherche d’un bassiste et un ami musicien, qui nous connaît bien, nous a recommandé Arnaud qui est parfait pour nous. Non seulement, c’est un excellent bassiste, très technique, qui comprend parfaitement le son très cinématique de nos chansons, mais il est aussi bourré d’idées et avec lui, les chansons prennent sur scène une couleur légèrement Funk/Metal, qui sera très intéressante à explorer en studio sur un futur troisième album.
Et puis, assez vite pendant la création de « The Maze », on a réalisé qu’on écrivait des chansons qui ne pourraient être jouées live qu’avec deux guitares. On a donc aussi recruté un guitariste, en plus de David. Nico est un ami de longue date, avec qui j’ai joué pendant plusieurs années dans un groupe de reprises qui cartonnait localement. En plus d’être une crème, c’est un excellent guitariste, qui amène lui aussi un élément très rythmique à nos guitares. C’est également un soliste brillant et avec David, ils se relaient sur le lead et la rythmique suivant les chansons. Et il a un sens du groove quelque part entre la connexion Foo Fighters/QOTSA et le Funk/Metal de RATM.
Pour finir, on a même une sixième personne avec nous sur scène. Emma, notre manageuse, est une excellente claviériste et elle assure les synthés humainement jouables, car le reste est séquencé, ainsi qu’une partie des chœurs, ce qui ouvre beaucoup plus de possibilités.
– « The Maze » qui est toujours aussi Rock et pêchu. Avez-vous conservé vos habitudes de travail, ou est-ce que le changement de line-up a aussi changé certaines choses dans votre manière de composer et d’écrire vos chansons ?
Nos habitudes ont forcément évolué, dans le sens où la majorité de l’album s’est faite à trois. Mais c’est une évolution graduelle, pas une révolution. On a composé les morceaux avec la même méthode, c’est-à-dire avec David, ou Julien, qui m’envoie deux ou trois minutes de musique plus ou moins structurées, sur lesquelles Johann pose une idée d’arrangement rythmique. Je structure le truc et j’enlève ou ajoute ce qui manque pour que la chanson trouve cet équilibre qu’on cherche entre puissance, mélodie et atmosphère. On travaille d’arrache-pied à un arrangement instrumental qui fonctionne, d’abord par échange de pistes qu’on travaille en home-studio, puis en répétition. Et une fois qu’on a l’instru, je le laisse reposer plus ou moins longtemps, puis je le réécoute et je demande à la chanson de quoi elle veut que je parle. (Sourires) Après quoi, la première ligne de texte finit par s’écrire et inspire le reste et la mélodie vocale.
– D’ailleurs, au niveau du songwriting, les nouveaux morceaux sont hyper-efficaces avec des refrains taillés pour la scène. C’est ce contact immédiat avec le public que vous recherchez en premier lieu en composant ? Comment faciliter l’échange direct finalement ?
Oui, les chansons ont un aspect plus direct et ‘efficace’ que celles du premier. C’est sans doute le résultat de ce qu’on a appris sur scène quand on a pu jouer et aussi de la frustration de ne pas avoir pu le faire pendant deux ans.
– Pour « The Maze », vous avez de nouveau fait appel à Brian Robbins (Asking Alexandria) pour le mix et Andy Von Dette (Porcupine Tree, David Bowie) pour le mastering. En revanche, vous vous êtes chargés de l’enregistrement avec Yvan Barone. C’est important pour vous d’avoir la main sur ce qui fait véritablement le son de base de TRANK ?
C’est essentiel, oui. Pour nous, le son est partie intégrante de l’identité du groupe. Nos démos sont toujours très abouties, on a une idée très précise de la manière dont on veut que les choses sonnent. En gros, concilier un côté puissant, un gros son taillé pour les grandes scènes, avec une vraie richesse de texture et une atmosphère ‘grand écran’, grands espaces, pleine de petits trucs qui amplifient l’impact de la chanson. On aime aussi l’idée que même si le cœur de chaque morceau est évident dès la première fois, chaque nouvelle écoute révèle son lot de petits détails qui font la différence, un peu comme dans les productions de Trent Reznor (Nine Inch Nails), Alan Wilder (Depeche Mode, Recoil), du Paradise Lost période « Icon/One Second/Host », voire Trevor Horn aussi. Yvan est, entre autres, très doué pour capturer toute la richesse harmonique des arrangements et pour nous aider à les épurer autant que nécessaire. Brian, lui, prend toute cette richesse et mixe, avec nous, pour lui donner l’impact et l’efficacité sans lesquelles on se perdrait dans les couches de son. Et Andy n’a pas son pareil pour masteriser tout ça d’une manière qui met en valeur cet équilibre entre épaisseur et puissance. On avait adoré leur travail sur « The Ropes », d’où leur retour sur « The Maze ». Et au-delà de ça, on a adoré travailler avec eux sur le plan humain. Alors, pourquoi s’en priver ?
– Votre Alternative Rock se distingue aussi par la présence de sonorités Cold Wave. C’est un mix assez étonnant compte tenu des riffs plutôt Hard Rock à l’œuvre. Cette noirceur mélodique vient aussi appuyer l’aspect introspectif de TRANK. L’idée est-elle de faire un contrepoids à un côté peut-être plus ‘mainstream’ pour pouvoir s’ouvrir à d’autres horizons artistiques ?
C’est surtout ce qui se passe de manière assez naturelle quand on travaille ensemble. Si tu regardes la manière dont nos goûts se sont formés depuis l’adolescence : David vient du Metal, je viens de la Cold Wave et Johann du Classic Rock, ce qui explique ce mélange. Cela dit, on n’est pas les premiers. Si tu écoutes Killing Joke, Sisters of Mercy, certains trucs des pionniers du Metal Indus comme Ministry, Godflesh ou bien sûr Nine Inch Nails, ce mix entre puissance Rock, Metal et atmosphères électroniques est déjà là. Après, la plupart de ces groupes font ça dans une approche assez extrême, pas forcément hyper-mélodique. Chez nous, c’est la mélodie d’abord. Tout le reste, le rythme, les guitares, les machines et les voix, est à son service.
– J’aimerais aussi qu’on dise un mot de cette reprise de Pink Floyd, « Hey You ». C’est vrai qu’on n’assimile pas forcément TRANK au Rock Progressif des Anglais. C’était, une fois encore, l’idée d’arriver là où on ne vous attend pas forcément, ou est-ce plus simplement une chanson qui vous suit peut-être depuis longtemps déjà ?
Ah, elle nous tenait à cœur, celle-là. (Sourires) On avait enregistré une première version pendant le confinement, alors qu’on était très frustré de ne pas pouvoir jouer ensemble. David et moi étant hyper fans de Pink Floyd, l’idée de reprendre l’une des plus belles chansons jamais écrites sur le thème de l’impossibilité de communiquer s’est imposée assez vite. On était très fier de la première version. Alors quand on s’est posé pour sélectionner les chansons à finaliser pour « The Maze », on s’est tout de suite dit qu’il fallait réenregistrer « Hey you » avec le même niveau de qualité que le reste de l’album. La première version avait été bricolée dans nos home-studios respectifs, avec batterie électronique et enregistrement maison. On a juste gardé l’arrangement presque à l’identique, mais on a rejoué et réenregistré le reste de fond en comble. Je te disais qu’on avait des goûts éclectiques ! (Sourires)
– Enfin, la scène française actuelle penche beaucoup vers le Metal extrême. Est-ce qu’il manque actuellement, selon toi, une frange plus Rock et Hard Rock, car vous êtes finalement peu nombreux à l’alimenter ? A moins que l’herbe ne soit plus verte ailleurs ?
Je ne suis pas certains qu’on y pense dans ces termes-là, d’autant qu’avec la manière dont fonctionnent les algorithmes, les plateformes et les réseaux, la meilleure manière de percer, ce serait de se coller à un genre dominant, facile à étiqueter et à résumer. Non, c’est juste qu’on fait la musique qu’on a envie d’entendre. Certains d’entre nous aiment le Metal extrême et les voix growlées d’outre-tombe (pas moi, enfin à petites doses). Mais franchement, il y a déjà beaucoup (trop ?) de gens qui font ça très bien. Donc, on joue ce qui nous manque un peu. Et puis, on se concentre sur nos forces. Le son de TRANK, même si le but est que le tout soit plus grand que la somme des parties, est aussi basé sur le style naturel qui va le mieux, ou qui vient naturellement à chacun d’entre nous. On a beau être ultra-perfectionnistes, on ne ‘force’ rien. D’autres gens font du Slipknot ou du Gojira mieux que nous. On espère bien être le meilleur TRANK possible ! (Sourires)
Le nouvel album de TRANK, « The Maze », est dans les bacs et vous pouvez également vous le procurer sur le site du groupe :
De crescendos en accélérations haletantes, cette quatrième réalisation de VIRTUAL SYMMETRY atteint des sommets en termes de Metal Progressif. Grâce à un chanteur hors-norme et des partenaires qui avancent à l’unisson, on en oublierait presque la grande technicité à l’œuvre sur « Veils Of Illumination ». Les huit morceaux sont si fluides qu’il est impossible de s’y perdre, même s’ils affichent une bonne longueur. On reste plutôt captivé par tant d’émotion véhiculé de main de maître par une maîtrise de chaque instant. Une prouesse musicale qui célèbre un savoir-faire et un talent d’écriture rare.
VIRTUAL SYMMETRY
« Veils Of Illumination »
(Independant)
Fondé en 2009 par Valerio Æsir Villa, multi-instrumentiste qui tient ici la guitare, VIRTAL SYMMETRY a patienté jusqu’en 2016 et « Message From Eternity » pour faire son entrée sur la scène progressive européenne. Depuis ses débuts, le registre du combo italo-suisse ne cesse de repousser ses propres limites en termes de compositions. Il faut dire que son Metal se pare de très nombreuses influences, qui viennent autant du classique que du Heavy Metal, et avec une touche cinématographique très présente. Et c’est cela qui le rend inimitable dans les atmosphères déployées et la richesse des harmonies. Un véritable travail d’orfèvre.
Deux ans tout juste après son dernier album éponyme, le quintet présente « Veils Of Illumination », où il vient lever tous les doutes quant à une éventuelle panne d’inspiration. Bien au contraire, VIRTUAL SYMMETRY est au sommet de son art et s’il reste techniquement impressionnant, il n’a pas son pareil pour développer des mélodies accrocheuses. Accueillant Andrea Gianangeli à la batterie et Ruben Paganelli aux claviers, il semble plus affûté que jamais et l’entente entre les musiciens est, elle aussi, très palpable. Et mixé et masterisé par Simone Mularoni de DGM, la production est éclatante.
Malgré la complexité des morceaux et un travail sur les arrangements aussi conséquent que soigné, les nouveaux titres n’ont rien d’étouffants, là où tellement d’autres sont souvent pompeux. VIRTUAL SYMMETRY possède une vélocité et une dynamique, qui le propulsent dans un univers profond et lourd, mais aussi une énergie qui le rend vraiment imprévisible. Les riffs sont efficaces, la rythmique virevoltante, les claviers virtuoses et Marco Pastorino au chant passe d’une tonalité à l’autre presque naturellement. Imparable, on retiendra notamment « Eightfold Path » et ses enivrantes 20 minutes. Monumental !
Si ALTA ROSSA a choisi un autre angle d’attaque pour ce ténébreux « A defiant Cure », il reste musicalement aussi radical et sauvage, ce qui n’empêche d’ailleurs pas les nuances… et elles sont nombreuses. Très loin du défouloir qu’il peut inspirer de prime abord, ce deuxième opus des Français est constitué de frappes chirurgicales, assénées avec fermeté, et il nous propulse dans des passages très changeants, assommants et littéralement perforants. Une expérience qui devient de plus en plus unique, tant elle est menée avec brio.
ALTA ROSSA
« A Defiant Cure »
(Source Atone Records)
Il y a deux ans, ALTA ROSSA avait signé ses débuts avec le dévastateur « Void Of An Era », un premier opus fracassant taillé dans un post-Metal tentaculaire. La barre était haute et pourtant elle est largement franchie. « A Defiant Cure » vient confirmer les intentions et surtout l’identité musicale du groupe qui, elle aussi, va puiser dans les tréfonds du Sludge, du Black Metal et du Hard-Core. Pour ce qui est de la rage et de la colère qui animent le combo depuis sa création, elles sont intactes et probablement même renforcées, grâce à un objectif musical mieux ciblé.
Si habituellement, les formations de post-Metal jouent beaucoup sur l’aspect aérien du genre, chez ALTA ROSSA, le côté atmosphérique est plutôt lourd et pesant. Froid et noir, « A Defiant Cure » se veut pourtant plus positif que son prédécesseur. Là où « Void Of An Era » était un constat brutal sur notre époque, il est question ici d’un appel à la rébellion afin de vaincre cet obscurantisme ambiant. Et la vision du quintet de Besançon n’appelle pas vraiment à un changement en douceur, car dès « Exalted Funeral », la tempête bat son plein et ce n’est que le commencement.
Massive et cinglante, la doublette de guitariste offre vélocité et puissance, tandis que la rythmique basse/batterie se montre impériale et martèle avec force et assiduité. Avec un frontman qui se montre imposant, les titres prennent des allures monumentales. ALTA ROSSA offre tout de même deux courtes respirations avec « Minotaur » et « Where We Drown Our Nightmares » », qui encadre le génial « The Art Of Tyrant #slash #The Minotaur » et frayent un passage pour la seconde partie du disque. « A Defiant Cure » devient vite très obsédant (« The Emperors », « Stratisfaction », « Fields Of Solar Flames »). Vertigineux !
