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Louis Mezzasoma : a decade in blue [Interview]

Depuis ses débuts, LOUIS MEZZASOMA accorde la même importance aux mots qu’aux cordes. En l’espace de cinq albums, il a rendu incontournable ce Blues du Chaudron, qui tire pourtant ses origines de l’autre côté de l’Atlantique. Assez épuré de prime abord, son jeu est d’une grande richesse avec une attention toute particulière portée sur les arrangements notamment. Cela dit, ces derniers lui permettent surtout d’élargir son spectre musical, en allant piocher du côté de la Country-Folk, d’effleurer des sonorités Soul aussi, tout en restant attaché à un Roots Rock assez peu conventionnel. Avec « Ten Years Later », le Stéphanois raconte ses histoires avec une sincérité de chaque instant, à la fois de manière intime ou alors comme une invitation à se balader au fil de refrains entraînants. Brut et assez rugueux, son Blues rayonne d’une énergie très immédiate et, plus organique que jamais, les sensations se multiplient à travers des chansons directes et authentiques. Une décennie vient de s’écouler et le bluesman et songwriter revient sur ce chemin bleuté et nous parle ce nouvel opus…

– Lors de notre première interview, tu me disais que la scène était ta raison de vivre et, justement, ce « Ten Years Later » a une saveur très live avec une proximité immédiate dans la production. Est-ce que l’idée était de s’approcher au plus près de l’auditeur, comme pour lui donner une idée de ce qu’il se passe sur scène lors de tes concerts ?

On a enregistré tous les trois dans la même pièce la batterie, la basse et la guitare principale. Il en ressort cette saveur ‘live’ d’un groupe qui joue ensemble. Les voix et les autres instruments, ont été enregistrés par la suite. C’est comme ça que je l’entends et oui, ça donne un résultat relativement proche de ce que l’on peut avoir sur scène, mais ce n’était pas une volonté particulière.

– De par son titre, on peut voir en « Ten Years Later » une sorte d’affirmation que l’on peut comprendre comme ‘Voilà où j’en suis aujourd’hui’. Pour autant, on ne le ressent pas comme un disque où tu ferais une sorte de bilan. Est-ce que plutôt un clin d’œil à ceux qui n’auraient pas cru en toi et que ce cinquième album vient rassurer… ou faire taire ?

Il y a quelque temps, j’ai pris une claque quand un ami m’a présenté en tant que ‘vieux de la vieille’ du Blues à Saint-Étienne. J’ai réalisé que je n’avais plus 20 ans… Et pourtant j’ai été présenté pendant des années comme le jeune bluesman de 25 ans. C’est ce qui se passe quand tu donnes ton âge à un moment précis dans la bio, que tu le partages aux salles concerts où tu joues… Sur cet album, je parle d’aujourd’hui et de mes histoires actuelles. Le bilan des dix dernières années, ou de ma vie, vous pouvez le découvrir au compte goutte sur mes albums précédents.

– D’ailleurs, puisque tu regardes ces dix dernières années, qu’en retiens-tu essentiellement ? Une maîtrise complète de l’instrumentation ? Une plus grande finesse dans les textes ? Ou plus largement, un songwriting global qui reflète parfaitement ta personnalité et ton style ?

La perfection n’existe pas, et même les grands maîtres diront qu’ils ont encore du chemin à faire, pour la musique comme pour le reste. Je dirai que j’ai arrêté de faire compliqué, que je vise à faire simple et bien, ce qui n’est pas si facile. J’ai calmé mes ardeurs de virtuosité pour finalement poser le cadre, le climat et les intentions.

– Puisqu’on parle de composition , il y a dans ton écriture un côté ‘songwriter’ qui prend souvent le dessus, je trouve, sur celui du ‘bluesman’. L’idée est-elle justement de faire le pont, de créer un lien entre des paroles qui se mettraient au service des atmosphères ?

C’est vrai que pendant longtemps j’ai composé d’abord la musique, les riffs de guitares, ou picking, pour ensuite coller un texte dessus. J’en suis revenu. Aujourd’hui, je me focalise en premier sur l’histoire, le sujet et c’est ensuite que je cherche le bon climat avec les instruments pour servir le texte. Pour moi, le bluesman raconte son histoire personnelle, c’est donc aussi un songwriter. Mais tous les songwriters ne sont pas forcément bluesmen. Ce qui est primordial pour moi, c’est d’aimer ma musique et que le public l’apprécie telle qu’ils l’entendent. Peu importe de catégoriser dans un style ou un autre.

– Du one-man-band de tes débuts, puis à la formule en duo avec plusieurs invités d’ailleurs, te voici sur « Ten Years Later » à nouveau en trio avec Arthur Parmentier (déjà présent sur « Good Or Bad Time ») et Maxence Melot. Est-ce que cette formule en trio te convient mieux, et te permet aussi de plus te concentrer sur le chant peut-être ou sur tes multiples instruments à cordes (guitares, dobro, cigarbox, banjo et mandoline) ?

J’ai adoré jouer en solo et en duo. Quand j’ai lâché le tambourin et la stompbox du one-man-band, c’était un peu plus simple. Je n’avais plus besoin de séparer mon cerveau en quatre. Le trio permet de valoriser mes musiques, de leur donner de l’assise, de la texture et de l’épaisseur. Je peux aussi développer des parties mélodiques sans tenir systématiquement la rythmique, même si l’enjeu et le charme de la guitare picking est de faire la basse, les accords et les contres chants en même temps sur un seul instrument, ce que je continue à faire sur plein de chansons. Sur scène comme en studio, ce sont de vrais moments de complicité avec Max et Arthur. Ce sont de très bons musiciens et humainement, c’est un réel plaisir de faire la route ensemble, même si y en a un qui conduit mieux que l’autre ! (Rires)

– On l’a dit, tu évolues encore en trio, ce qui permet aussi à ton style de s’épanouir et de multiplier les ambiances. Et on retrouve également Barefoot Iano à l’harmonica sur cinq titres. C’était important aussi pour toi que l’éventail sonore soit le plus ample possible, d’avoir un invité très présent, tout en distillant les sonorités qui te tiennent aussi à cœur ?

Depuis mes 16 ans, je suis fan de Mountain Men, de la guitare picking et de la voix de crooner de Mr Mat, ainsi que de la finesse de Barefoot Iano à l’harmonica. J’ai eu l’opportunité de les voir en concerts, de les rencontrer et ils m’ont même accompagné sur scène en 2017 sur « Your Eyes », un titre de mon premier album. Le pied total ! Mais j’étais 10 000 lieues d’imaginer qu’un jour Iano viendrait enregistrer sur mon album. J’ai toujours aimé l’harmonica et il faut reconnaître que ça se marie plutôt bien sur ma musique. Arthur voulait un guest à l’accordéon, mais vu que c’est moi qui décide… (Sourires) Les gars étaient sceptiques sur certains passages comme sur le double solo guitare/harmonica du single « Be Smooth ». Quand Iano est arrivé, il n’y a plus eu de doutes, on a tous fermé nos gueules et on a savouré le moment et la remarquable musicalité de notre souffleur de hanches, qui est venu comme il est : pied nu ! (Sourires) Bref, pour répondre à ta question, je suis très content d’avoir élargi l’éventail sonore, mais c’est infime pour moi par rapport au fait d’avoir accueilli l’une de mes idoles pour m’accompagner sur mes chansons. C’est une reconnaissance qui me touche au plus profond.

– Ce cinquième album est toujours aussi roots et ton Blues se pare toujours de couleurs Rock, Country-Folk et même légèrement Soul cette fois, grâce notamment à des chœurs plus présents. Ton champ d’action s’élargit à chaque album. Est-ce une quête vers ton style le plus absolu, ou est-ce qu tu vois plutôt ça comme des expériences musicales ? Et d’ailleurs, quelles pourront être les prochaines ?

Franchement, je ne me pose pas autant de questions, je joue et je vois ce que ça donne. Personnellement, j’ai toujours l’impression d’avoir le même style. Un bonhomme avec sa gratte et ses textes. Avec du recul, chaque production a une couleur différente. Sur l’album précédent, « Good or Bad Time », tout le monde avait la volonté de m’emmener vers un univers Rock bien énervé. Ce n’était pas naturel chez moi et difficile à réaliser. Sur le nouvel opus, c’est moi qui conduis le propos artistique, et finalement la musique n’en ait que plus forte. Il faut un peu me canaliser pour avoir une couleur homogène, car je m’éparpille vite. Je suis vraiment content car avec les musiciens, Max et Arthur ainsi que Bruno au son, on a vraiment réussi à respecter mon univers musical sans le dénaturer. Tu me parles des chœurs, pour le coup, c’est le champ (ou le chant) que j’ai laissé libre à mes deux acolytes, qui affectionnent particulièrement ça. Pour le style, je crois que je n’ai jamais su vraiment quoi dire, mais sans doute quelque chose parmi Blues, Soul, Rock, Country, Folk… Avec Le Cri Du Charbon (son label – NDR), on a résumé ça en ‘Dirty Old Blues’.

– Enfin, c’est marrant parce que, lors de notre première interview, tu me disais que Robert Johnson tenait plus du collectage et de l’Histoire du Blues, car ses chansons étaient assez difficiles à écouter en raison du son surtout. Et te voilà à reprendre « Kindhearted Woman Blues ». C’est un revirement assez drôle. Est-ce que, finalement, c’est cette vision que tu as de lui depuis le début, et l’envie était-elle aussi de redonner peut-être du lustre à ce classique ?

C’est vrai que j’avais parlé de ‘collectage’. Il n’empêche que ses chansons sont très certainement les standards les plus joués du Blues. Pour dire vrai, c’est une demande de mon label de faire un standard. J’adore la version de « Kindhearted Woman Blues » par Keb Mo. Je me suis challengé à enregistrer ce titre en solo, juste ma guitare et moi devant les micros, pas de casque…

Le nouvel album de LOUIS MEZZASOMA, « Ten Years Later », est disponible chez Le Cri Du Charbon.

Photos : Melaine Nibel

Retrouvez son interview à l’occasion de la sortie de « Mercenary »…

Louis Mezzasoma : une inspiration très actuelle [Interview]

… ainsi que les chroniques de ce même album et celle de « Good Or Bad Time » :

Louis Mezzasoma : des émotions essentielles
Louis Mezzasoma : bumpy Blues
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Americana folk Rock

Bryan Adams : Canadian pride

En plus de quarante ans de carrière, BRYAN ADAMS a fait bien plus que d’imposer un style très personnel au panthéon du Rock, il est aussi l’un des plus ardents représentants du Canada sur la scène mondiale. S’il a un don pour rendre ses mélodies intemporelles, il sait aussi volontiers se poser en défenseur de valeurs universelles, surtout lorsqu’on vient titiller les libertés profondes et immuables des terres marquées de la feuille d’érable qu’il chérit. Avec « How’s It Goin’ », c’est toute son âme qu’il dépeint en parcourant des paysages sonores à la fois amples, mais aussi plus délicats dans des atmosphères Americana très authentiques.

BRYAN ADAMS

« How’s It Goin’ »

(Bad Records)

En ces lendemains d’élections américaines, ce seizième opus de BRYAN ADAMS a forcément une saveur très particulière et, avouons-le, franchement savoureuse ! Ouvertement moqueur à l’égard de son grand et bruyant voisin, le Canadien revient avec un plaisir communicatif à ses racines musicales à travers un disque où le Rock se mêle à l’Americana et à la Folk dans une ambiance douce et enjouée. Le chanteur aime son pays et le clame haut et fort avec beaucoup de tendresse et de sensibilité, tout en se montrant mordant et impliqué. Un engagement tout en finesse.

Un an tout juste après « Roll With The Punches », on aurait pu penser que l’auteur-compositeur prendrait son temps, mais c’était sans compter sur une inspiration que l’on sent décuplée par l’actualité. Réactif et passionné, BRYAN ADAMS livre peut-être même son disque le plus intime à ce jour. « How’s It Goin’ » s’écoute d’une traite et son ambiance nous invite à le réécouter aussitôt. Typiquement ancré dans la culture nord-américaine, son style comme sa voix paraissent traverser le temps en se bonifiant, avec toute l’élégance qui le caractérise depuis 46 ans maintenant.

Ne plus y trompons pas, en dehors des protest songs « 51st State » et « Lake Ontario », « How’s It Goin’ » n’est pas un album politique, mais plutôt une balade à travers les vastes étendues du Canada. L’approche reste essentiellement acoustique, ce qui n’empêche d’ailleurs pas une belle dynamique de s’installer tout au long des 13 chansons. En tant que chevronné songwriter qu’il est, BRYAN ADAMS nous embarque aussi au Québec (« Heave Away »), dresse de beaux portraits (« The Ballad Of Terry Fox ») et observe (« Diesel And Dirt », « Iron Ribbon »). Une sincérité intacte.

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Rock Progressif

Asia : le phœnix

Après avoir écrit de magnifiques pages de l’Histoire du Rock Progressif ces dernières décennies, la légende ressurgit avec une formation remaniée, toujours guidée par Geoff Downes, rescapé de la formation originelle. Avec l’appui de nouveaux musiciens, et non des moindres, ASIA affiche la classe dont il a toujours fait preuve à travers un registre d’une grande richesse musicale et toujours aussi soigné. « Indigo » vient ouvrir un nouveau chapitre de sa belle carrière, sans jamais perdre de vue son identité profonde.

ASIA

« Indigo »

(Frontiers Music)

Formé, rappelons-le, par d’anciens musiciens de Yes, Emerson, Lake And Palmer, King Crimson et The Buggles il y a 45 ans aujourd’hui, ASIA avait fait très forte impression à l’époque au point de s’imposer immédiatement sur la scène progressive grâce à une approche novatrice du genre. Son statut de supergoupe lui a permis de traverser le temps en livrant quelques albums marquants. Après d’innombrables péripéties, dont la tragique disparition de son bassiste et fondateur John Wetton en 2017, le groupe est revenu en mars dernier avec un très bon « Live In England ».

Autour de l’inamovible compositeur Geoff Downes aux claviers et aux chœurs, on retrouve un line-up très expérimenté et qui, surtout, partage la même passion pour ASIA et plus largement à un Rock Progressif pointilleux. A la guitare, le très inspiré irlandais John Mitchell (Arena, Frost*, Icon, Lonely Robot) redonne du lustre et de la brillance au son du groupe, tout en respectant son ADN. A la basse et au chant, Harry Whitley s’inscrit parfaitement dans la ligne musicale du groupe, tandis que Virgil Donati et son jeu très aérien derrière les fûts contribuent à cette nouvelle dynamique.

Douze longues années après « Gravitas », ASIA se remet donc à l’ouvrage, d’autant que cela avait d’ailleurs commencé avec le regretté John Wetton, juste avant son décès. De retour en studio l’an dernier, le quatuor s’est concentré sur l’enregistrement d’« Indigo », produit par lui-même, puis mixé et masterisé par John Mitchell. En invitant aussi Steve Howe à la guitare sur « Chesapeake Bay » et le batteur Mike Portnoy sur la troisième partie du monumental « Tattoo Indigo », les Britanniques renouent avec l’inspiration et ce généreux nouvel album en est une preuve éclatante.

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Alternative Rock Rock/Hard

Junkyard Drive : teenage revolution

Celui qui a longtemps, plus d’une décennie, été l’un des fleurons du Hard Rock de son pays tourne le dos au style qui lui a permis d’en être là où il est aujourd’hui. Une stratégie audacieuse, c’est vrai, mais reste à savoir maintenant si son public le suivra dans cette nouvelle aventure. Les Scandinaves ont délaissé les grosses guitares et une rythmique massive pour un jeu plus léger, toujours dynamique, mais aux refrains faciles. Et si JUNKYARD DRIVE nous faisait sa crise d’adolescence avec un gros différé, tout en cassant le moule ? Chacun se fera son idée…

JUNKYARD DRIVE

« Squeeze »

(Drive Music)

Si vous avez encore en tête « Look At Me Now » sorti il y a deux ans, ce cinquième album des Danois va vous surprendre. Ce changement de ton s’explique aussi en partie par leur prise totale d’indépendance. Après avoir quitté Mighty Music, ils ont créé leur propre label, mis en place une campagne de financement participatif à laquelle leur fans sont répondu présents et se sont ensuite enfermés avec les producteurs Mads Mølgaard et Christian Afel à Copenhague pour mettre au point « Squeeze ». JUNKYARD DRIVE fait donc peau neuve et affirme une nouvelle identité.

Certes, on reconnaît le quintet et son chanteur n’y est pas pour rien, mais l’ambiance a bien changé. Fini les gros riffs bien Heavy et les solos endiablés qui faisaient le charme de son Hard Rock légèrement bluesy, l’heure est plutôt à un Rock Indie tirant sur l’Alternative, voire sur le Punk Rock californien des années 90. JUNKYARD DRIVE ne régresse pas, non, mais il opère une mutation de style assez surprenante et qui risque sans doute d’en dérouter plus d’un. Finalement, assez téméraire, il affirme ainsi une force de caractère en sortant de son cadre habituel.

Cela dit, la machine est toujours aussi bien huilée. La formation donne l’impression de se donner une seconde jeunesse dans un élan peut-être moins mature musicalement, mais tout aussi fougueux. L’impression de s’adresser à une nouvelle génération est vraiment prenante. On s’y perd un peu même si JUNKYARD DRIVE semble à l’aise dans ce nouveau registre et même s’il paraît aussi fédérateur qu’auparavant. Par ailleurs, de ce Rock ‘light’ émergent quelques bons morceaux comme « Learning To Lose », « Powerless », « Nobody Wants Me Around ». Etonnant.

Retrouvez la chronique de « Look At Me Now » :

Junkyard Drive : pumped !
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Hard Rock Old School Pub Rock

Hot Machine : highway to rock

En moins de trois ans, le quintet australien s’est forgé une belle réputation sur son île-continent en enchaînant les tournées aux côtés de pointues du genre. Aguerrie et déterminée, la formation féminine ne s’en laisse pas compter et renoue avec un Rock vintage qui empiète généreusement sur le Hard Rock avec une explosivité très actuelle. Avec « Comin’ In Hot », HOT MACHINE conjugue puissance et mélodie et livrent un premier opus convaincant, qui devrait leur ouvrir bien des portes à l’international.

HOT MACHINE

« Comin’ In Hot »

(Independant)

HOT MACHINE avaient déjà sonné la charge il y a deux ans avec un premier EP, « Leather And Steel », certes un peu poussif et basique, mais qui laissait présager de bien bonnes intentions animées d’une fougue décomplexée. Quelques singles plus tard, lesquels figurent d’ailleurs sur ce premier album, les cinq musiciennes de Melbourne font un bond considérable en avant avec ce « Comin’ In Hot » explosif et chaud comme la braise. Les compositions sont plus affinées, le jeu aussi et surtout la production est méconnaissable, ce qui était sûrement le plus grand service à leur rendre. Preuve que l’écrin compte tout autant.

Car il y avait déjà chez elles, et dès « She’s On Money », premier single sorti en 2023, une volonté farouche de mettre un sérieux coup de pied dans la fourmilière Hard Rock. Et puis, quand on parle Australie, on pense bien sûr Pub Rock et HOT MACHINE en est fortement imbibé. On sent que les jeunes femmes ont été bercées au son des guitares bien saturées et grasses, des rythmiques effrénées et aussi des chanteuses Rock des années 80’s. De quoi se constituer une solide base pour avancer leurs beaux arguments. Aujourd’hui, le moteur est chaud bouillant et elles ne demandent qu’à brûler l’asphalte.

Bien qu’autoproduit, « Comin’ In Hot » n’a pas à rougir face aux réalisations du même genre, bien au contraire, on avait d’ailleurs pu s’en rendre compte lors des sorties de « Night Rider » et « Burnt ». Enregistré au Hothouse Audio, à St Kilda, puis mixé par Tim Maxwell et masterisé par Joseph Carra, on perçoit enfin toute la pertinence du style de HOT MACHINE. Riffs aiguisés et tranchants, rythmique en béton et un chant nettement plus fluide et maîtrisé, ces nouveaux morceaux les font entrer dans une autre sphère avec beaucoup d ’enthousiasme (« Gone In A Flash », « Sweet Lick », « 8 Ball Blues », « Speed Machine »). Volcanique !    

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International Power Rock

The Last Internationale : fighting for freedom [Interview]

Dans un Rock brut, autant nourri de Hard Rock que de sonorités bluesy et paré d’un léger voile vintage, les New-yorkais font un peu figure d’épouvantail dans un paysage musical, où la fraîcheur manque souvent et où les cases se remplissent de bons élèves bien tranquilles. THE LAST INTERNATIONALE est là pour sonner la révolte et la liberté, n’en déplaisent aux rockeurs de salon. Avec la musique comme instrument de lutte, il porte haut et fort une parole qui alerte sur l’état de notre société et les inquiétudes qu’elle suscite. Pour autant, le duo chante l’espoir et ce nouvel album est exaltant à plus d’un titre. Sensible et percutant, il continue aussi d’avancer en totale indépendance en ne suivant que les contraintes qu’il se fixe lui-même. Forcément, en plus d’être musicalement appliquée, fougueuse et inspirée, la démarche du groupe est également très engagée. Une chose qui tend aussi à disparaître dans une industrie musicale apathique. Avec « Road To Freedom », la chanteuse Delila Paz et le guitariste Edgey Pires donnent des indication sur la voie à suivre dans un style authentique aux riffs appuyés, qui ne ressemble qu’à eux et qui conjugue la force des émotions d’une voix libre dans un combat artistique captivant et saisissant de vérité. Un entretien évidemment un peu politique…

– Avant de parler de ce nouvel album, j’aimerais que l’on revienne sur ce « Live In Europe » que vous avez sorti en janvier dernier. On sait, et on y reviendra, que vous tournez beaucoup. Est-ce que c’est important aussi pour vous d’en garder une trace sur disque ?

Delila : Cela fait déjà un moment qu’on voulait le faire, alors nous avons décidé d’enregistrer nos concerts, spécialement quand nous venons en Europe. Il se passe aussi quelque chose au niveau du son. Je trouve qu’il s’améliore au fil des dates. C’est aussi pour ça qu’on avait envie de montrer à quoi ressemblent nos concerts. Ce sont toujours des moments particuliers et nous avions choisi les meilleurs.

– A propos de concert justement, vous allez entamer une grande tournée européenne ce mois-ci avant de revenir en France pour une douzaine de dates en février prochain. J’ai l’impression que vous entretenez une relation particulière avec le public européen et notamment français. Qu’est-ce qui change par rapport aux Etats-Unis notamment ?

Edgey : Oui, c’est vrai que nous entretenons une relation particulière avec le public français, c’est sûr, beaucoup plus qu’avec Los Angeles ! (Rires) Et c’est pour ça qu’on revient toujours ! (Sourires) Et puis, nous ne tournons pas beaucoup aux Etats-Unis, non plus ! (Sourires) La France est spéciale pour nous…

Delila : Même si nous chantons en anglais, les Français sont attentifs et très concentrés sur les paroles. Ils viennent toujours nous en parler avec beaucoup de profondeur et de sens, c’est très intéressant.

– D’ailleurs, quand on parle de THE LAST INTERNATIONALE, on parle essentiellement de votre duo et à juste titre. Pourtant, vous êtes accompagnés en concert. Est-ce que vous avez aujourd’hui un groupe stable pour la scène ?

Edgey : Oh non, je ne pense pas ! Nous n’en avons jamais vraiment eu ! (Rires) Mais ce sera le cas sur notre prochaine tournée. On a joué avec le batteur anglais Joe Lazarus, qui est phénoménal et à la basse, on avait Chris #2 d’Anti-Flag. Mais c’était surtout un line-up spécial pour des festivals qui étaient des évènements un peu spéciaux. Pour la prochaine tournée, notre ami et bassiste Anthony Meier, qui a joué avec Radio Moscow, va nous rejoindre. Nous travaillons avec lui depuis longtemps et il est vraiment incroyable. C’est vrai que nous avons une rythmique fantastique pour cette prochaine tournée. Donc, cette année, c’est stable, mais on verra bien ce qu’il se passe ! (Rires) Après, tu sais, c’est toujours compliqué lorsque tu veux avoir les meilleurs musiciens. Ils ont toujours d’autres groupes ou d’autres engagements et c’est parfois difficile de concilier les plannings, car on veut toujours jouer avec les meilleurs. Et puis, on annonce souvent nos tournées à la dernière minute aussi, ce qui n’aide pas beaucoup ! (Sourires) Pour l’instant, nous sommes très chanceux pour l’année prochaine, car tout le monde est à bord.

– Parlons de ce sixième album, qui est tout en contraste. De prime abord, c’est peut-être le plus sombre et d’un autre côté, il est réellement porteur d’espoir. Est-ce une manière de dire que, même si l’époque est difficile et incertaine, il faut rester optimiste quoiqu’il arrive et relever le défi de l’actuelle dérive mondiale ?

Delila : C’était vrai qu’il est difficile de trouver de l’espoir sur l’album. Mais c’est pourtant ce que nous avons tenté de faire avec « Road To Freedom », et on peut aussi en retrouver jusque sur la pochette de l’album d’ailleurs. L’idée n’est pas tellement de rester optimiste, car le monde est tellement sombre. Il s’agit plutôt de se concentrer que ce qui est en train de se passer et d’essayer de trouver quelques fragments d’espoir. C’est ça qui peut atteindre les gens.

Edgey : Oui, et cela a beaucoup de sens pour moi. La musique sert à ce dessein. Elle apporte l’espoir dans les vies, mais c’est une chose difficile à diffuser. Lorsque j’ai lu les ‘Situationnistes’ (organisation de théoriciens, stratèges et activistes révolutionnaires opérant dans les domaines culturels, artistiques, politiques, sociaux et désireux d’en finir avec la société de classes et la « dictature de la marchandise » – NDR), il y a une phrase qui m’a frappé. Elle disait que l’espoir est la main de la soumission. Donc, l’espoir peut être une mauvaise chose, si vous ne la transformez pas en une action concrète. Et c’est précisément ce que nous essayons de faire, c’est le but de notre musique. Ne pas juste espérer un meilleur avenir, mais faire en sorte qu’il arrive à travers l’action justement.

– THE LAST INTERNATIONALE a toujours été un groupe engagé sur un terrain social et humain d’abord. Avec « Road To Freedom », on sent des positions clairement politiques, même si elles sont passées sous un prisme personnel. Selon vous, est-ce que, plus que jamais, le premier des combats à mener actuellement est-il celui de la liberté ?

Delila & Edgey : Plus que jamais ! (Rires)

Edgey : Oui, plus que jamais, bien sûr. Cette lutte pour la liberté a toujours existé, cela fait des générations. C’est la même que menait Martin Luther King. S’il était encore vivant, il serait dans la rue et aussi radicalisé que Malcolm X ou Che Guevera. En tout cas, c’est mon opinion, car les risques sont très élevés. Il y a les armes nucléaires, le réchauffement climatique, etc… Je pourrais te donner une liste complète de tous ces risques, mais tout le monde les connaît. Le monde entier connaît ces problèmes et sait qui en est responsable. Ce dont nous avons besoin aujourd’hui, c’est de nous organiser et de trouver une manière de nous défendre.

– Pour rester sur cette thématique de la liberté, j’ai aussi remarqué que c’était un mot qui revenait souvent dans vos chansons, et pas seulement sur ce nouvel album. Est-ce quelque chose qui reste au cœur de la musique et de la démarche de THE LAST INTERNATIONALE ?

Edgey : Delila aime chanter la liberté, c’est sûr ! (Sourires)

Delila : Oui, il y en a, mais il n’y en a pas encore assez ! (Sourires) C’est vrai que c’est un mot qui revient souvent dans notre musique. C’est une question de liberté personnelle, car on peut vite se sentir emprisonnés en tant qu’être humain. D’ailleurs, je porte un t-shirt avec le mot ‘Liberté’ écrit dessus ! C’est inconscient ! (Rires)

Edgey : Oui, je n’avais même fait fait attention ! (Rires) Et puis, tu sais, si vous avions cette liberté, nous ne la chanterions pas…

– En 2014, vous chantiez « 1968 », qui faisait écho aux mouvements sociaux en France, en 2023 c’était « 1984 » en référence au livre d’Orwell et aujourd’hui « Animals » décrit parfaitement ce que l’on retrouve un peu partout dans le monde, y compris dans nos démocraties. THE LAST INTERNATIONALE est-il plus que jamais un groupe engagé et revendicatif ? On a vraiment le sentiment que votre démarche va bien au-delà de la musique…

Edgey : Oui, je pense que c’est l’essentiel. Que disait déjà le grand Pete Seeger que j’adore ? ‘La musique peut changer le monde, mais pas un seul musicien dans son coin’, ou quelque chose comme ça. Cela signifie que la musique est une chose puissante, mais qui a aussi ses limites. Pour nous, en tant que groupe, nous utilisons notre musique comme un outil. Mais en dehors du groupe, chaque artiste dans le monde est un individu et un citoyen. C’est une responsabilité que nous n’oublions pas, que ce soit en tant qu’artistes ou comme citoyens. Tout cela va bien au-delà de la musique. Donc, si nous n’avions pas été musiciens, tu nous aurais de toutes façons aussi vu dans les rues !

Delila : Tout a commencé pour moi lorsque j’avais huit ou dix ans. Je suis allée protester devant un cirque. Je pense que c’est là que tout a commencé. On écrivait déjà des pamphlets sur la cruauté animale envers les éléphants. De New-York à Paris, les gens protestent d’une manière ou d’une autre. D’ailleurs actuellement en France, les lycéens et les étudiants manifestent en nombre. C’est la même chose ici.

– D’ailleurs et pour clore le sujet, comment vivez-vous l’actuelle situation chez vous à New-York ? Même si votre maire est un homme ouvert et attentif à l’aspect social de sa politique, quel est l’état d’esprit et l’ambiance globale aux Etats-Unis, en tout cas de votre point de vue ? L’atmosphère a-t-elle beaucoup changé ces dernières années ?

Edgey : Oui et c’est totalement l’inverse de ce que portent les médias. Le peuple américain et sa population sont toujours déconstruits par les médias. C’est pour cette raison que les organisations sociales ont du mal à se mettre en place. Les médias, le gouvernement et la classe aisée travaillent ensemble pour s’assurer que le peuple soit divisé. Et tu peux le constater dans la mouvance MAGA. Tu poses là une question complexe, qui demanderait des heures de discussion. Si je peux la résumer rapidement, je dirai que les Etats-Unis ont également une classe ouvrière, mais elle n’est pas aussi consciente comme elle peut l’être en France, par exemple. C’est donc plus facile de nous diviser. Les aspirations des classes ouvrières et moyennes sont légitimes, tout comme leurs préoccupations. C’est là-dessus que le mouvement fasciste porté par quelqu’un comme Donald Trump a capitalisé sur les deux dernières élections présidentielles. Dieu merci, il n’a rien de d’impressionnant. C’est un idiot, un abruti et ça, tout le monde le sait. Il nous faut donc une personne charismatique et intelligente pour galvaniser les gens, comme Trump l’a fait. La réponse est très simple. Nous devons non seulement tous nous unir sur des lignes idéologiques claires, mais aussi sur le fait qu’il faille bâtir des digues pour que des gens comme Trump ne soient plus élus. C’est un coup de pression qu’il faut mettre. C’est une lutte très sérieuse, car nous sommes tous de la classe ouvrière et il faut éviter que l’on puisse nous diviser. Nous devons débattre intelligemment de tout ça.

– Revenons à votre album et j’aimerais qu’on dise un mot de la production de « Road To Freedom » que vous avez assuré avec trois autres producteurs. Elle est nettement plus ample et bénéficie d’un gros travail sur les arrangements. Aviez-vous besoin de passer un cap au niveau du son ? D’être peut-être un peu moins ‘roots’ et brut qu’auparavant ?

Edgey : Oui, peut-être, mais ce n’est pas si évident. Je me suis beaucoup impliqué dans le mixage, c’est vrai. Et j’ai appris tellement de choses. J’ai commencé à m’en occuper et j’ai donc beaucoup appris la prise de son et le mix pour que l’album sonne mieux. Et crois-moi, cela s’est traduit par des nuits blanches et pas mal de frustration… De quoi s’arracher les cheveux ! (Rires) Ce n’est pas un processus si amusant que ça. De manière générale, il y a eu quelques changements dans l’écriture et aussi peut-être un peu dans la façon de chanter de Delila…

Delila : Je pense qu’on a travaillé différemment et on a aussi beaucoup appris, c’est vrai. On n’a jamais abordé un album en se disant qu’on allait le faire sans en retirer quelque chose et en se disant que ce serait bon de toutes façons. Nous sommes allés plus loin, on a vraiment poussé tous les paramètres au maximum.

Edgey : Cela dit, il n’y a jamais eu le moindre compromis au niveau du son. L’album nous a coûté très cher, car nous avons voulu enregistrer certaines chansons deux ou trois fois. Et on a aussi joué certains titres avec plusieurs batteurs que l’on n’a pas retenu…

– Enfin, vous avez enregistré « Road To Freedom » loin de New-York, puisque vous êtes allés au Portugal. Aviez-vous besoin de vous couper de votre milieu urbain au point de mettre un océan entre vous ?

Delila : Oui, nous avons même conçu un studio nous-mêmes là-bas. Par ailleurs, Edgey a des racines familiales au Portugal, et c’est vrai que c’est un endroit vraiment super pour réfléchir tranquillement et se concentrer sur la musique. Cela nous a permis de nous poser. Nous avons même travaillé le bois pour construire le studio. Mais New-York est en nous et on ne peut pas y échapper ! (Rires)

Edgey : En fait, une bonne partie de l’album a été composée à New-York. Une fois que le travail d’écriture était fait, nous sommes ensuite partis au Portugal nous isoler et enregistrer les morceaux. Là, nous nous sommes vraiment déconnectés de tout. Nous n’avons parlé à personne et notre seule interaction avec le monde extérieur était avec la caissière du supermarché, notamment. C’est quelque chose que nous faisons en général quand nous enregistrons, mais cette fois, nous étions encore plus isolés de tout. Bien sûr, nos avons beaucoup interagis avec les autres musiciens et nous savions aussi ce qui se passait dans le monde, mais nous n’avons vraiment réellement rencontré personne. Et pour conclure, je voulais dire quelque chose qui m’a un peu déçu concernant ce nouvel album. Nous avons enregistré une chanson avec Tom Morello, mais comme nous étions hors délai, elle ne figure pas sur l’album. Cependant, vous allez bientôt la découvrir. Nous ne savons pas encore sous quel format, ni quand, mais elle arrive ! Peut-être sur une version Deluxe de l’album ! (Rires)

Le nouvel album de THE LAST INTERNATIONALE, « Road To Freedom », est disponible chez Vivienne Music Label.

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Metal Progressif Rock Progressif

PreHistoric Animals : human moods

D’une grande précision et nourri par un collectif qui s’attelle autant sur la production que sur les chœurs ou des claviers créateurs d’ambiances, PREHISTORIC ANIMALS se présente comme une entité polymorphe et pourtant très soudée sur ce cinquième opus particulièrement soigné. Chevronnés, les membres du combo nordique englobent avec beaucoup de fluidité les univers Rock et Metal avec un élan très fédérateur. « Magic Love Destruction » sonne de manière très contemporaine sur une ligne éprouvée, certes, mais toujours aussi inventive et dont on n’est loin d’avoir fait le tour.

PREHISTORIC ANIMALS

« Magic Love Destruction »

(Independant)

La Scandinavie est une terre de musiques progressives et la Suède n’est évidemment pas en reste. Depuis 2018, PREHISTORIC ANIMALS apporte sa pierre à l’édifice et s’est rapidement fait un nom au sein de cette communauté artistique et même au-delà. Car le quintet explore toute la sphère, passant du Rock au Metal avec un côté alternatif affirmé et surtout un travail exemplaire sur les mélodies. Adepte des albums concepts, il s’était fait remarqué avec les deux volumes de « The Magistral Mystery Machine » en 2020 et 2022, qui avaient été suivis de prestations live explosives et captivantes.

L’atout majeur de PREHISTORIC ANIMALS est probablement la polyvalence de son line-up. Pas étonnant donc de voir à quel point les arrangements sont délicats. Fondé par le solide binôme de producteurs Samuel Granath (batterie) et Stefan Altzar (chant, guitare), également claviéristes, Noah Magnusson (basse), l’ancien guitariste de Pain Of Salvation Daniel Magdic et Mats Nilsson (claviers) complètent cette formation très aguerrie. Avec « Magic Love Destruction », c’est même un nouveau palier qui est franchi. Peut-être moins atmosphérique, il a en revanche gagné en vélocité et en percussion.

D’entrée, « Do I Really Know You » donne le ton avec un mix de riffs Heavy Prog, une structure très Rock et des tessitures très dynamiques, qui n’empêchent cependant pas à PREHISTORIC ANIMALS de dérouler un fil narratif bien construit. C’est justement cet alliage de Rock et de Metal, de modernité et d’un grand respect de la tradition progressive, qui font de lui un groupe solidement ancré dans son temps avec un regard toujours tourné vers l’avenir (« Sleeping In The Fire », « The Order Of The Universe », « Stupidity For Beginners » et le superbe triptyque « Finding Love In Dark Place »). Puissant et accrocheur.

Photo : Emelie Fladvad

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Alternative Rock

Nickelback : tout un univers

Loin de se reposer sur ses lauriers, la formation d’Alberta est plus solide que jamais et, au regard de ce onzième effort, on pourrait parler d’une grande maturité dans l’approche de son jeu et surtout au niveau de la composition. « Everything Under The Sun » marque même un cap dans le travail accompli jusqu’ici. NICKELBACK percute autant qu’il joue sur les émotions avec talent. Son Alternative Rock est unique en son genre et peu savent aujourd’hui se faire aussi rassembleur. Une démonstration qui ne dit pas son nom.

NICKELBACK

« Everything Under The Sun »

(Virgin Music Group)

En 30 ans d’une carrière menée à bâtons rompus, les Canadiens ont imposé leur style et, mieux encore, parviennent à se renouveler. Encensés depuis leurs débuts, chaque album est scruté de près, mais NICKELBACK semble se nourrir de cette pression avec appétit, tant « Everything Under The Sun » atteint des sommets. Surfant sur une créativité en pleine ébullition depuis « Get Rollin’ » il y a quatre ans, il s’est ouvert de nouveaux horizons sonores. L’influence du son de Nashville plane à nouveau sur ce nouvel opus et il conserve cette imperturbable authenticité.

S’il collabore avec d’autres, NICKELBACK garde aussi la main sur la production et celle-ci est une fois encore imparable. De même, l’essentiel de ce onzième album est composé par son leader, chanteur et guitariste Chad Kroeger. Affûté et terriblement efficace, son songwriting fait encore des étincelles grâce à un relief très maîtrisé et un sens de la mélodie hors-norme. Conjugué à une puissance phénoménale et une précision absolue, « Everything Under The Sun » fait partie de ces disques irréprochables, addictifs et taillés pour la scène.

D’entrée de jeu, NICKELBACK frappe fort avec le terrassant « Rattle The Cage », où s’illustre d’ailleurs John 5. L’explosivité du quatuor se répercute sur « Bones For The Crows » et « Chasin’ Famous ». Ryan Peake (guitare), Daniel Adair (batterie) et la fratrie Kroeger avec Mike à la basse semblent détenir la recette pour capter l’attention et fédérer. Bien sûr, l’aspect plus délicat de leur registre est toujours en bonne place et n’a pas son pareil pour libérer un optimisme sans faille (« If I Don’t Go », « Technicolor Steamboat », « Lift Somebody Up »). Magistral !

Retrouvez aussi la chronique de « Get Rollin’ » :

Nickelback : keep rockin’
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Classic Rock Hard 70's Progressif

Plastic Woods : une forêt de reflets

Le quatuor ibérique s’est lancé dans son disque probablement le plus audacieux depuis ses débuts en 2019 avec « Icarus ». Egalement prometteur, son deuxième effort, « Dragonfruit » (2021), avait confirmé sa bonne réputation. Que ce soit au niveau des paroles, qui vont puiser autant dans une grande réflexion, jusqu’à une démarche artistique vraiment peaufinée et aussi une qualité de production irréprochable, « Mirrors » porte PLASTIC WOODS à un sommet gravi par les Espagnols avec panache.

PLASTIC WOODS

« Mirrors »

(Discos Macarras/Spinda Records)

Affirmer un style passe très souvent aujourd’hui par la fusion de différents registres. Depuis trois albums, celui-ci compris, PLASTIC WOODS affirme le sien et ses composantes, sans être opposées, sont très nombreuses. Autour d’un Classic Rock plutôt musclé, des sonorités progressives, bluesy, Folk et même psychédélique se greffent pour obtenir un genre fédérateur et original, le tout avec une saveur légèrement vintage. Autant dire que le combo présente de solides atouts. Imparable techniquement, sa créativité s’exprime avec beaucoup de liberté.

Javier Rubio Arrabal (batterie), Rafael Marin Becerra (claviers, lap-steel), Antonio Pérez Muriel (basse) et Jésus de la Torre Sánchez (guitare, chant) ont du répondant et de l’inspiration au point d’arriver à construire des paysages musicaux captivants. Et l’autre pôle d’attraction se situe au niveau du contenu des textes de « Mirrors ». Conceptuel, ce nouvel opus s’inspire des œuvres de Nietzsche, Carl Gustav Jung, Lewis Carroll et même du symbolisme du tarot. PLASTIC WOODS s’avance dans une exploration de nos sentiments en les confrontant et en les analysant.

Malgré une réalisation qui peut paraître complexe de prime abord, la musique de la formation d’Antequera se montre d’une grande fluidité avec des morceaux très accrocheurs, aux reliefs changeants, mais au cœur d’une unité forte. La maîtrise narrative et mélodique est irréprochable sans jamais tomber dans l’excès et tout en ne se refusant rien. Embardées proto-Metal, solos de flûte incroyables ou envolées Hard 70’s, PLASTIC WOODS livre une réalisation très bien ciselée (« Living The Lights », « All I Know », « Mirrors », « Sandflower », « Jabberwocky »). Magistral !

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Doom Metal Doom Rock Neo-Folk Occult Rock

Maison Dieu : le sens du rite

Le Doom est un vaste terrain de jeu et MAISON DIEU l’a bien compris. Explorant habillement toutes ses possibilités à travers une vision sans œillères du genre, les Transalpins franchissent des limites que beaucoup ne s’autorisent pas. Terriblement organique, ce premier album complet laisse déjà apparaître une créativité qui se défait des codes établis pour s’aventurer dans des univers musicaux très différents. Leur point commun : une mise en scène presque cérémoniale, souvent immersive et d’où peut aussi jaillir une explosivité née de l’urgence. « Città Nascosta » s’impose avec élégance.

MAISON DIEU

« Città Nascosta »

(Octopus Rising/Argonauta Records)

Il y a un peu plus d’un an, le trio signait un premier EP, « Herbacea », déjà très abouti. Fort d’une décennie d’existence, MAISON DIEU a pris son temps et sorti deux singles (« Sei 6 » et « Ellys ») seulement à partir de 2023. Derrière le caractère spirituel de son nom, le groupe prend des chemins sinueux à travers un Doom aussi Rock que Metal et aux accents Stoner et tribaux. En effet, les références des Italiens s’étendent de Messa à Nytt Land avec un côté Heavy et solide. « Città Nascosta » a tout du rituel, entre une noirceur omniprésente et une lumière bien réelle.

Malgré une atmosphère qui peut paraître ténébreuse sur le papier, la musique de MAISON DIEU est finalement assez solaire. Le mélange des langues y est pour beaucoup, puisqu’Ester (chant, guitare) chante dans sa langue maternelle, en anglais et dans une autre qu’elle a elle-même créé. Et cette diversité apporte une multitude de nuances à « Città Nascosta » dans l’approche des registres abordés. « Resta » et son climat néo-Folk ancestral est le parfait exemple des surprises que révèle ce premier opus. Ici, le Doom est aussi psychédélique que ravageur.

Aguerri par une belle expérience scénique acquise ces dernières années, le combo donne le ton avec force dès « Caligramma », où la rythmique s’impose. Le tandem très polyvalent formé de Mauro (basse, chant) et Ivan (batterie) met en évidence une belle maîtrise, loin des conventions. Quant à Ester, son travail sur les riffs est aussi exemplaire que sa prestation vocale, tout en variations. MAISON DIEU possède de belles fondations et son architecture musicale est très fertile (« Dio Ci Vuole Nudi », « Uroboro », « Loba » et le morceau-titre). Captivant !

Retrouvez la chronique de leur premier EP, « Herbacea » :

Maison Dieu : divine nature