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Hard Rock International Rock

Danko Jones : 25 ans de Rock brut [Interview]

DANKO JONES est avant tout un groupe de scène, qui a pour habitude de composer et de répéter inlassablement en studio pour donner vie à des morceaux inscrits dans un Rock brut aux saveurs Hard Rock et à l’énergie presque Punk. Sauf que ces derniers mois, le trio de Toronto a du modifier ses plans et revoir sa façon de faire. « Power Trio » ne souffre pourtant pas d’un manque de spontanéité, ni d’énergie… bien au contraire ! John ‘JC’ Calabrese, bassiste de la formation canadienne, nous en dit plus sur la création de ce dixième album.

Photo : Dustin Rabin

– « Power Trio » est votre dixième album et il marque aussi vos 25 ans d’existence. Alors que tout était réuni pour que la fête soit totale, la pandémie est venue tout bouleverser. Comment est-ce que vous le vivez ?

Ce confinement vécu par tout le monde a été inédit et difficile. J’ai tout de suite pensé qu’il serait sage d’utiliser notre temps pour travailler à distance sur des chansons. C’est comme ça que le processus a commencé pour l’écriture de ce dixième album studio. Il est différent des précédents, mais nous avions neuf albums studio et une grosse expérience sur lesquels nous appuyer.

– D’ailleurs, vu la situation, comment avez-vous composé ce nouvel album, vous qui avez l’habitude de travailler de manière traditionnelle et assez classique ?

Les chansons ont toutes été arrangées sur Logic, puis partagées par e-mail. Chacun a enregistré ses propres parties lui-même. J’ai fini par faire l’arrangement des chansons et j’ai aidé à tout organiser de sorte que le moment venu, il soit prêt à passer en production.

Photo : Mike Highfield

– Ce qui est également remarquable avec « Power Trio », c’est que malgré les circonstances votre son reste puissant, compact et très vif. DANKO JONES conserve aussi un son très contemporain et moderne. Quelle est votre recette ?

Merci. C’est aussi le résultat de nombreuses tournées et d’années à apprendre à faire un disque. En fin de compte, nous sommes un groupe live, mais ce processus de création de « Power Trio » nous a aidés à apprendre à écrire d’une nouvelle manière. Et en fait, je nous vois même continuer comme ça à l’avenir.

– Vous vous êtes aussi inspirés du confinement pour l’écriture de vos textes, ainsi que du meurtre de George Floyd et du mouvement Black Lives Matter. Est-ce à dire que vous prenez une voie plus engagée, voire politisée ?

Les paroles sont toutes signées Danko (Jones, guitariste et chanteur – NDR). Il a été ému par les événements entourant la mort de George Floyd et le mouvement Black Lives Matter. Je ne pense pas que nous deviendrons un groupe politique, mais avoir une chanson avec ce sentiment est génial, et peut-être qu’elle en engendrera quelques autres à l’avenir.

– « Power Trio » est également un album sans concession, ni compromis. L’efficacité brute et direct des morceaux montre une fougue toujours aussi Rock’n’Roll, comme si les modes et les tendances actuelles n’avaient aucune prise sur vous. C’est le cas ?

Oui, nous n’allons pas emmener l’auditeur dans un voyage de découverte de soi, où je jouerai de la flûte en essayant d’atteindre une conscience alternative. (Rires) Nous sommes un groupe de Rock et nous savons ce qu’on attend de nous !

Photo : Dustin Rabin

– Ce nouvel album sort dans une période qui reste instable pour les groupes, les concerts et les festivals en Amérique du Nord comme en Europe. Vous auriez pu patienter quelques temps. Vous étiez impatients d’en découdre, de proposer ce nouveau disque ?

Nous espérions planifier une tournée autour de la sortie de l’album, mais bien sûr tous les plans sont tombés à l’eau. Espérons que nous nous remettrons tous sur la bonne voie pour chavirer tous ensemble en concert. Je suis cependant certain que beaucoup de gens apprécieront « Power Trio » !

– Enfin, Danko Jones, votre chanteur et guitariste, a déclaré qu’il était facile d’écrire des chansons Rock. Tu partages aussi son avis ? C’est tellement si simple ?

Oui, mais c’est difficile d’en écrire des bonnes ! (Rires) Je pense que c’est vraiment une question d’éthique de travail. Il faut continuer à écrire et persévérer quoi qu’il arrive. Les chansons n’apparaissent pas comme par magie. Je pense que les gens entendront le travmate in germany,ail acharné et le plaisir que nous avons eu à faire cet album. En fin de compte, il faut que cela soit amusant pour tout le monde.

L’album « Power Trio » de DANKO JONES est disponible depuis le 27 août chez Mate in Germany/Tonpool.

Retrouvez la chronique de l’album :

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Blues Southern Rock

Robert Jon & The Wreck : une subtilité renversante

Des riffs accrocheurs, un pianiste de haut vol, des chœurs enchanteurs, une rythmique souple et groovy, des cuivres saisissants et un chanteur captivant : telle est la formule imparable de ROBERT JON & THE WRECK depuis dix ans maintenant. Avec « Shine A Light On Me Brother », les Californiens donnent dans un Southern Rock savoureux et addictif, tout en se renouvelant de très belle manière.

ROBERT JON & THE WRECK

« Shine A Light On Me Brother »

(Independant)

Depuis sa création en 2011, ROBERT JON & THE WRECK fait partie de cette nouvelle génération de Southern Rock américaine et commence très sérieusement à s’imposer avec classe, grâce à un talent qui se fait de plus en plus évident. Ayant tourné avec les plus grands dont il a obtenu la reconnaissance et même l’admiration, le groupe fait déjà son retour avec un brillant album.

Après « Last Night On The Highway » sorti l’an dernier et acclamé autant par la critique que par des fans de plus en plus nombreux, ROBERT JON & THE WRECK brille une fois encore avec ce « Shine A light On Me Brother », dont la créativité est plus éclatante que jamais. Très mélodique, original et accrocheur, ce nouvel album devrait définitivement asseoir la stature des Californiens.

Mariant le Blues, le Rock et le Rhythm’n Blues dans un univers Southern assumé et aussi libre que le style lui-même, le quintet ne se refuse rien en incluant notamment une session cuivres chaleureuse avec des chœurs féminins solaires et magnifiquement arrangés (« Everyday », « Chicago », « Desert Sun », « Anna Maria »). ROBERT JON & THE WRECK est définitivement entré dans la cour des grands.

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Psych Stoner/Desert

Little Jimi : invitation au voyage

Trippant est probablement l’adjectif qui caractérise le mieux « The Cantos », le très bon deuxième album de LITTLE JIMI. Le trio bordelais a élaboré un Stoner Heavy Psych envoûtant et très instrumental. Une vraie réussite appuyée par une production exemplaire et aérée. Sur six titres, le groupe nous emmène dans un voyage musical saisissant et original.

LITTLE JIMI

« The Cantos »

(Mrs Red Sound)

Il s’en passe des choses dans l’underground bordelais, comme viennent le confirmer le trio LITTLE JIMI et son Stoner Heavy Psych hypnotique et captivant. Après un premier EP éponyme (2017) suivi d’un premier album (« Ep.1 »), le combo s’affirme brillamment sur « The Cantos », où l’histoire de son personnage Jimi se mêle aux voyages décrits dans « L’odyssée » d’Homère. Vaste programme !

Relativement étendus dans l’ensemble, les morceaux proposés montrent une aisance évidente, sûrement acquise lors des nombreux concerts enchaînés par le groupe ces dernières années aux côtés de grands noms. Fougueux et massif, LITTLE JIMI sait aussi se faire plus planant et aérien en combinant des registres aussi variés que le Doom, le Space Rock et le Rock Progressif.

Avec des influences clairement ancrées dans les années 90, mais pas seulement, LITTLE JIMI n’est pas passéiste pour autant et laisse éclater une exaltation et une puissance très actuelles. Complices et complémentaires, les deux guitaristes parviennent même à faire oublier l’absence de basse. Quant au batteur, il martèle et guide l’ensemble avec une efficacité remarquable. Un très bel album !

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Blues Doom International Metal Psych

Sun Crow : une musique et des sonorités existentielles [Interview]

Quelques mois après avoir sorti un très bon premier album, « Quest Of Oblivion », en autoproduction, le quatuor de Seattle a résonné jusqu’en Californie où sa musique est arrivée aux oreilles affûtées du staff de Ripple Music. Il faut dire que le Doom Blues très Psych, Stoner et Grunge de SUN CROW surprend par sa fluidité et sa créativité. Ben Nechanicky, guitariste du combo, revient sur le parcours du groupe et surtout sur sa vision de la musique et de l’état d’esprit des Américains.

– « Quest For Oblivion » possède déjà une belle histoire. Vous l’aviez déjà sorti sur Bandcamp à l’automne dernier avant qu’il ne suscite l’intérêt de Ripple Music, qui le sort aujourd’hui en physique. J’imagine que ce doit être gratifiant d’être repéré par un label comme celui-ci, non ?

Oh oui, carrément. Nous étions aussi confus que tout le monde quant à ce qu’il fallait faire quand la pandémie faisait rage. Alors, nous nous sommes dits : sortons simplement l’album et mettons-le là où les gens pourront le trouver. Lorsque nous avons parlé pour la première fois aux gens de Ripple Music, qui avaient vu l’album grimper dans les Doom Charts (ce qui était aussi une sacrée surprise), ça a tout de suite été génial. Nous l’avions publié en autoproduction de manière simple, honnête et assez modeste. Etre repéré par des gens aussi cool et expérimentés que Todd (Severin, le boss du label – NDR) et l’équipe de Ripple, qui sont profondément dans l’esprit des musiques dont nous sommes de grands fans, est incroyable.

– Avant d’aller plus loin, éludons le changement de chanteur avec le remplacement de Charles Wilson par Todd Lucas. Que s’est-il passé ? Son départ a eu lieu dans l’intervalle, avant la signature avec Ripple Music ?

SUN CROW était dans une étrange période musicale depuis un moment. Nous ne savons pas ce qu’il s’est réellement passé avec Charles, nous ne savons même pas s’il le sait lui-même. Il était là, nous nous sommes retournés et il était parti. Sans blague ! Il s’est présenté comme un fantôme une fois tôt le matin, a dit des choses étranges et a laissé un numéro qui ne fonctionnait pas. Nous avons attendu un certain temps, aucun des anciens numéros ou de comptes ne fonctionnaient. Nous avions tous convenu de faire ce que nous pouvions pour terminer le travail et sortir l’album. Nous pensons qu’il est préférable de s’assurer que sa voix soit entendue sur ces enregistrements, où qu’il se trouve. Aussi étrange que cela ait été (et soit toujours), le groupe a décidé de continuer en son absence à travailler avec notre ami Todd sur la suite.

– Charles Wilson avait produit une très forte prestation vocale sur l’album. Quelle va être votre démarche avec Todd Lucas ? Reproduire le même esprit au niveau du chant, ou partir sur tout autre chose plus en adéquation avec son style ?

Ouais, c’est vrai. Son art et son travail sont uniques, et il est important pour nous que les gens puissent l’entendre. Il est très clair que ce sont des personnes très différentes, mais ils ont aussi des choses en commun. C’est vraiment étonnant, mais ils ont un passé et des expériences similaires dans leur jeunesse. Ils viennent tous les deux de régions arides de l’est de Washington et ont tous deux des gammes vocales proches. Leur style et leurs influences sont un peu différents. Todd est un peu plus ancré dans les années 70, alors que Charles l’était solidement dans les années 90. Nous sommes enthousiastes quant à leurs points communs, mais aussi leurs différences.

– Musicalement, « Quest For Oblivion » est étonnant de maturité et de créativité pour un premier album. Vous avez fait très fort ! Ce sont des morceaux que vous travaillez et mûrissez depuis longtemps, car l’écriture est précise et les morceaux solides ?

Ca fait très plaisir à entendre, merci ! Keith (Hastreiter, batterie – NDR) et moi avons joué ensemble pendant longtemps. Nous avons travaillé les morceaux de manière organique et les choses ont avancé très naturellement. Les chansons sont à l’origine conçues sous la forme d’un set live à interpréter dans l’ordre du disque. D’une certaine manière, « Quest for Oblivion » capture à la fois une performance et une idée prévue de longue date. Il reflète notre façon de vivre, autant qu’il projette une histoire.

– Contrairement au Doom Metal classique, votre jeu est très véloce sans être trop écrasant. Au contraire, SUN CROW propose un style très aéré et aérien. C’est important pour vous de vous démarquer des codes du genre en vigueur ?

Merci, c’est un vrai compliment. Je dirais que peut-être que certaines des parties disposent d’une sorte de fluide naturel. En jouant fort, il y a des oscillations et des tensions qui ont besoin de se libérer. Peut-être que les sons plus désorientés reflètent nos intérêts pour le mystérieux, et nos discussions sur la nature des choses que nous ne comprenons pas. Ensuite, c’est une réaction à ces sentiments. Nous ne nous efforçons pas vraiment d’être différents ou d’essayer de nous conformer, nous faisons juste notre truc et nous en tenons à ça.

– Justement, votre jeu est fait de plusieurs composantes comme le Grunge et le Blues pour l’essentiel. On a l’impression que dès qu’un groupe vient de Seattle, il y a forcément l’influence du Grunge. C’est vraiment si présent dans la ville et parmi les groupes ?

Je pense que oui. Le grunge est une sorte de terme inventé pour expliquer quelque chose de viscéral qui était dans la musique ici pendant longtemps avant que le reste du monde ne commence à le définir comme une catégorie. C’est quelque chose qui est très naturel dans le nord-ouest du Pacifique. Cela s’est même étendu de la Colombie-Britannique au Canada, jusqu’au nord de la Californie dans un vaste paysage culturel où certaines de ces façons d’être se sont tout simplement implantées. L’eau froide, les forêts sombres, les paysages isolés et les longs hivers sont des facteurs directs. Parfois, les mythologies se nourrissent d’elles-mêmes, mais c’est peut-être quelque chose de moins important que la météo et la culture palpable. Tout ça est évident dans le son, bien que chaque expérience soit toujours unique suivant les gens.

– On a parlé du Grunge, mais le Blues est aussi très présent dans votre musique et surtout dans son aspect sombre. D’où viennent vos références en termes de Blues ? Et comment l’intégrez-vous dans ce Doom Metal imposant ?

C’est un sentiment, un aspect plus sombre qui nous attire. Pour nous, tout le Metal lourd est fondamentalement du Doom Blues existentiel. Les premiers musiciens, qui utilisaient le volume et le gain de leurs amplis pour en extraire ce son, étaient les grands joueurs de Blues originaires du fleuve Mississippi. C’est devenu le Rock’n’Roll, et tout est rapidement devenu plus fort à mesure que les amplis devenaient plus puissants. Les groupes des années 60 et 70 l’ont rapidement porté à un niveau que nous pourrions reconnaître comme du Metal aujourd’hui, mais les mêmes motifs étaient suggérés dès les années 40. Même les tout premiers artistes comme Bukka White (qui était principalement un musicien acoustique) obtenaient ces sons en utilisant une diapositive qui ressemble beaucoup à ce que vous obtenez avec une distorsion amplifiée. Lorsque vous ajoutez cela aux technologies d’enregistrement limitées de l’époque, les sons étaient assez sauvages et bruts. C’est une réponse physique plus qu’autre chose. Tant de choses sont venues de ces gens-là et de leur art, nous nous inspirons beaucoup d’eux et essayons de l’honorer de la meilleure façon possible.

– Enfin, j’aimerais qu’on dise un mot sur la production et le mix de « Quest Of Oblivion ». De quelle manière avez-vous travaillé et dans quelles conditions l’album a-t-il été enregistré ?

Notre ami, ingénieur et producteur Gary Mula, a mis tout son talent et sa vision dans le processus. Nous avons enregistré la plupart des morceaux dans un studio de notre quartier que notre bassiste (Brian Steel – NDR) a aidé à mettre en place. Enregistrer là-bas semblait être un choix évident, et c’est juste en haut de la rue où vivent quelques-uns d’entre nous. Maintenant que j’y pense, Brian vivait en fait juste à côté du studio. Nous avons produit un bon ensemble de sessions, qui ont finalement donné à Gary un puzzle surréaliste de bonne qualité pour commencer le mix. Nous sommes vraiment heureux qu’il ait partagé avec nous ses dons pour démêler des nœuds en quatre dimensions. Les amitiés que nous y avons tissées sont pour la vie.

Le premier album de SUN CROW, « Quest Of Oblivion », est disponible chez Ripple Music depuis le 2 juillet.

Retrouvez la chronique sur le site :

https://rocknforce.com/sun-crow-la-face-cachee-du-soleil/

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Blues Rock Hard Rock Southern Rock

Troy Redfern : wild slide

Alors que certains guitaristes ne jurent que par la wah-wah, d’autres se sont fait une spécialité de la slide, bien sûr apparentée au Blues et ses dérivés. Et c’est le cas de l’Anglais TROY REDFERN, véritable virtuose de la six-cordes de laquelle il sort des accords époustouflants avec un feeling et une liberté absolue. Sur « The Fire Cosmic ! », le Blues Rock très musclé du chanteur affiche une fougue moderne et sauvage. Un régal.

TROY REDFERN

« The Fire Cosmic ! »

(RED7 Records)

Ce sixième album du Britannique TROY REDFERN marque un réel tournant et surtout un aboutissement pour le guitariste et chanteur. Non seulement le groupe qui l’accompagne est phénoménal, ce à quoi il faut ajouter une production aux petits oignons, très organique, énergique et travers laquelle la puissance et la finesse du Blues Rock très Hard de « The Fire Cosmic ! » prend un relief incroyable. 

Armé de riffs efficaces et d’une slide versatile et fougueuse, TROY REDFERN est brillamment accompagné par Darby Todd à la batterie, Dave Marks à la basse et aux claviers et même du génial Ron ‘Bumblefoot’ Thal sur le morceau « On Fire ». Enregistré dans les mythiques studios Rockfield où tant de classiques ont vu le jour, « The Fire Cosmic ! » bénéficie également du mastering de Frank Artwright effectué à Abbey Road.

Bien que britannique, TROY REDFERN joue un Blues Rock aux forts accents Hard Rock dont les influences sont résolument américaines. Musclé et accrocheur, ce nouvel album exploite parfaitement la détermination du quatuor qui a enregistré ensemble et en prise live de la vraie dynamite (« Scorpio », « Sanctify », « One Way Ticket »). Pour autant, le guitariste sait aussi lever le pied et propose des titres aux saveurs Southern délicates (« Ghosts », « Saving Grace »). 

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Hard Rock Rock

Danko Jones : la preuve par trois

Toujours aussi Rock dans le fond comme dans la forme, le combo canadien reste sans concession et accrocheur sur ce « Power Trio », qui met en exergue la mature-même de sa composition et, au-delà, cette capacité électrique à frapper façon uppercut avec une efficacité redoutable. DANKO JONES monte au front et semble aiguisé comme jamais, l’année de ses 25 ans d’existence.

DANKO JONES

« Power Trio »

(Mate in Germany/Tonpool)

L’explosif groupe de Toronto signe un dixième album en forme d’hommage. Un hommage direct et sans concession aux formations qui ont marqué l’histoire du Rock et du Hard Rock et qui, comme DANKO JONES, évolue sous le mythique line-up de power trio. Une formule brute dont Motörhead, ZZ Top, Venom ou Jon Spencer Blues Explosion sont des références absolues. « Power Trio » sent la poudre et percute à tout-va. 

DANKO JONES (guitare, chant), toujours accompagné de John, ‘JC’ Calabrese (basse) et de Rick Knox (batterie), distillent toujours ce style Hard Rock très frontal à l’énergie Punk. Et c’est indéniable que les trois Canadiens savent y faire. Grosse rythmique et riffs assassins, tous les éléments sont là et très bien mis en valeur par la production d’Eric Ratz, déjà présent sur les albums « Wild Cat » et « Fire Music ».

Groupe de scène s’il en est et adepte des studios d’enregistrement à l’ancienne, DANKO JONES a presque du se faire violence et se plier aux exigences de la pandémie en composant chacun de son côté. Si la spontanéité du jeu en pâtit forcément, les morceaux, quant à eux, sont d’une vitalité et d’une dynamique irréprochables (« I Want Out », « Let’s Rock Together », « Start The Show », « Raise Some Hell »). Une belle claque !

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Psych Sludge Stoner/Desert

Tremor Ama : une magnitude stratosphérique

Réduire TREMOR AMA à un simple groupe de Stoner Sludge serait trop simpliste, car le quintet français propose avec « Beneath » un album aussi Psych que Progressif avec même des sonorités Doom bien senties. Très bien (auto)produit, ce premier opus est aussi aérien que percutant, et aussi inspiré qu’inspirant.

TREMOR AMA

« Beneath »

(Salade Tomate Orion)

Les premières secousses sismiques provoquées par TREMOR AMA se sont fait ressentir en 2017 avec un premier EP éponyme qui a lancé le quintet. Quatre ans plus tard, les Français sortent « Beneath », un opus aussi captivant que prometteur. Très varié, le Stoner très Sludge et Progressif du combo est d’une fluidité étonnante et saisissante, signe d’une grande maturité.

Bien qu’autoproduit, « Beneath » bénéficie d’un son largement à la hauteur des réalisations actuelles, et qui met en lumière toutes les variations musicales du groupe dont certaines fulgurances post-Rock et Psych qui offrent un aspect aérien aux compos de TREMOR AMA. Et passé l’intro planante qui ouvre l’album, on plonge littéralement dans un univers stratosphérique.

Malgré de gros riffs tendus et des structures singulières, le quintet propose des morceaux assez épurés, qui vont à l’essentiel. « Beneath » gagne en épaisseur au fil des titres pour frapper au moment opportun (« Grey », « Eclipse »). Multipliant les atmosphères, TREMOR AMA conserve pourtant une belle homogénéité tout au long de l’album en ne laissant rien au hasard (« Mirrors »). Une vraie réussite. 

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Hard Rock Rock

Heavy Water : alchimie familiale

Enregistré à York en Angleterre durant le confinement de l’an dernier, ce premier album de HEAVY WATER, « Red Brick City », montre toute la complicité artistique entre le frontman de Saxon et son fils Seb qui s’avère être un redoutable chanteur et guitariste. Les Byford affichent une belle unité partageant leur amour du Rock de façon débridée et créative.

HEAVY WATER

« Red Brick City »

(Silver Lining Music)

Plutôt que de se morfondre devant des écrans ou de pleurer en écoutant l’album de Saxon, « Inspirations » sorti il y a quelques mois, Seb Byford a préféré entraîner son père dans l’écriture et la réalisation d’un album personnel et familial. HEAVY WATER a vu le jour l’an dernier durant le confinement et il faut bien avouer que le fils et le père ont été bien inspirés cette fois.

Composé à deux, « Red Brick City » est surprenant à plus d’un titre. Tout d’abord, il ressemble bien plus au fils qu’à Biff qui tient la basse et assure les chœurs avec sobriété et loin de son registre habituel. HEAVY WATER ne s’inscrit pas du tout dans la NWOBHM, mais dans un Rock Hard pur et dur aux multiples influences et aux passages musicaux très variés. Et Seb Byford ne manque pas de talent, loin de là.

A la guitare et au chant, il montre une belle palette enchainant les riffs costauds et les parties vocales pleines d’énergie et de mélodies avec une assurance et un savoir-faire bluffant (« Red Brick City », « Follow the Moment », « Solution »). HEAVY WATER se balade entre Rock 70’s, Doom allégé, Blues et un Hard Rock réjouissant et frais. Il règne une douce et Rock’n’Roll folie dans cette famille !

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Doom Extrême post-Rock

Queen (Ares) : déferlante sonore

Issu des hauts-de-France, QUEEN (ARES) est le projet très abouti d’un quintet formé autour de musiciens chevronnés de la scène extrême locale. Et ce premier album, « From This Ground, From This Sea » est une immersion totale et captivante dans un post-Metal protéiforme et envoûtant. : sept titres dans lesquels le combo passe par toutes les émotions se jouant avec délectation des tessitures sonores.

QUEEN (ARES)

« From This Ground, From This Sea »

(Independent/Atypeek Music)

Cela fait maintenant deux ans que QUEEN (ARES) mûrit et peaufine son premier album. Et il faut reconnaître que ces cinq musiciens aguerris ont bien fait les choses, car « From This Ground, From This Sea » est un petit bijou de post-Metal. Composé de membres de Junon, The Lumberjack Feedback, Unswabbed, Sylvaine, Holispark et Big Bernie, le combo avance avec force et ambition.

Entièrement autoproduit, ce premier album s’étale sur sept morceaux pleins de relief à travers des sonorités post-Rock, Doom et post-HardCore sombres et captivantes et à la fois. Grâce à un son massif et limpide, QUEEN (ARES) s’échappe aussi sur des passages aériens très atmosphériques, où la puissance et le contraste du chant livrent une profondeur incroyable.

Les déchirures et les tempêtes se succèdent au fil des titres sur des riffs écrasants et une rythmique millimétrée dans un ensemble parfaitement maîtrisé par le quintet à la fois serein et brutal (« Swarm », « Burn », « Dive »). Loin de nous balader dans des montagnes russes, QUEEN (ARES) joue sur les ambiances avec beaucoup de cohérence et d’homogénéité (« The Fragile Shells », « Silent Changes »). Brillant ! 

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Blues Psych Rock

Three Moons Ago : un lâcher prise envoûtant

Totalement imprégné par la musique des 70’s qu’elle soit Rock, Blues ou Psychédélique, THREE MOONS AGO offre une belle respiration à cette époque bénie en faisant un mix à la fois savoureux, aérien et pêchu. Ce premier album, sur lequel l’expérience du trio se devine dès les premières notes, est une ode au groove et aux belles harmonies.

THREE MOONS AGO

« Write Your Story »

(M&O Music)

Sans fioriture mais sur un groove imparable, THREE MOONS AGO livre son premier album certes, mais qui est loin d’être joué par de jeunes premiers. Le trio, qui a sorti « Write Your Story » il y a quelques temps déjà, propose un style vintage sans être dépassé et suffisamment actuel pour être indémodable. Le Rock Psych très bluesy des Français rend hommage de belle manière à une époque intemporelle.

Clairement inspirés par les 70’s, Pat Martin (guitare, basse, batterie), Jose Dos Santos (claviers, chant) et Math Boudou (chant), sous un étonnant line-up, distillent onze compos qui ne tapent pas dans la nostalgique, mais la rafraîchissent. De riffs accrocheurs et langoureux en rythmiques hypnotiques déployées sur tout l’album, THREE MOONS AGO apporte autant de couleurs que d’ambiances diverses à ses morceaux.

Très Rock et psychédélique sur « Drown My Brain » et « Feel Like Shit », funky/Soul sur « Sting Me » ou plus envoûtant sur « Write Your Story », « Deeper And Deeper » ou « How Do You Feel », le trio maîtrise son sujet en ne s’enfermant dans aucune case et tout en restant très fédérateur (« To Be Free », « Cut Me Some Slack »). THREE MOONS AGO captive avec ce « Write Your Story » que l’on espère savourer sur scène prochainement.