Reprendre l’un des plus éminents membres du ‘Big Four’ californien avec la crème de la scène Stoner Doom, c’est l’ambition de Bob Balch de Fu Manchu accompagné de musiciens de Kylesa, Kyuss, Monolord et Lowrider. Sur des ambiances sombres et chargées, SLOWER présente sa vision d’un Slayer qui passe presqu’en mid-tempo et surtout qui se pare de voix féminines aériennes et vaporeuses, loin de la rage d’Araya et de sa bande. Le projet est ambitieux et le regard apporté sur ces cinq titres incontournables a de quoi dérouter par son approche, toute en décélération, mais non sans volume.
SLOWER
« Slower »
(Heavy Psych Sounds)
Si les fans de Slayer sont inconsolables depuis cette soirée du 30 novembre 2019, où le groupe donnait son dernier concert au Forum de Los Angeles, il se peut que l’EP de SLOWER leur apporte un peu de baume au cœur. A mi-chemin entre le Tribute et la cover, l’entreprise menée par Bob Balch a de quoi de surprendre, c’est vrai, mais aussi séduire à bien des égards. Le guitariste de Fu Manchu a décidé de réinterpréter cinq morceaux des rois du Thrash Metal dans des versions… très inédites. Loin des riffs acérés de Kerry King et de Jeff Hanneman, du chant rageur de Tom Araya et surtout des rythmiques de Dave Lombardo et de Paul Bostaph, « Slower » ne manque pourtant pas de sel.
Il est donc question ici de Stoner et de Doom, ce qui est à l’opposé du style racé et véloce du quatuor de la Bay Area, donc pas la moindre trace de Thrash à l’horizon. Pour faire court, l’idée avec SLOWER est d’avancer dans un concept ‘slow and low’, à savoir lent et bas. Et pour mener à bien l’ensemble, Balch s’est entouré d’un super-groupe avec Amy Barrysmith (Year Of The Cobra) et Laura Pleasants (Kylesa) au chant, les bassistes Peder Bergstrand (Lowrider) et Scott Reeder (Kyuss), ainsi que le batteur Esben Willems (Monolord). Leurs reprises prennent une tournure lourde, épaisse et lancinante, tellement les structures ont été repensées et refaçonnées dans un climat Doom pesant.
Et les Américains ont choisi cinq titres parmi les plus emblématiques de Slayer : « War Ensemble », « The Antichrist », « Blood Red », « Dead Skin Mask » et « South Of Heaven ». Difficile de faire plus fédérateur… sur le papier en tout cas. Car dans les faits, les tempos sont très ralentis, même si une double grosse caisse se fait parfois délicatement entendre, et surtout, le chant exclusivement féminin donne une tout autre perspective. SLOWER s’éloigne à un tel point des versions originales qu’on peine même à les reconnaître. L’exercice est cependant très réussi, malgré la distance avec le modèle. Les thrashers de la première heure risquent de s’y perdre rapidement, tandis que les fans de Stoner Doom se régaleront.
Entre compos et covers, c’est avec un « Introducing SteelFinger Slim » un peu spécial et inattendu dans son contenu que BJØRN BERGE fait courir ses doigts d’acier sur son instrument. Si la voix inimitable et la liberté absolue dont il a fait sa réputation sont bel et bien intactes, on aurait peut-être apprécié un peu plus de titres originaux, même si sa manière de défourailler les morceaux des autres conserve toujours quelque chose d’assez mystique et de jouissif.
BJØRN BERGE
« Introducing SteelFinger Slim »
(Blue Mood)
Fidèle à lui-même c’est seul que le Norvégien revient avec un nouvel album, son treizième, et le solitaire bluesman fait de nouveau des étincelles parant son jeu de ses plus beaux atouts. L’acier de son dobro vibre sous son toucher si singulier, passant du picking à la slide avec la dextérité qu’on lui connait et venant se joindre à cette voix profonde et unique avec laquelle BJØRN BERGE nous berce et nous envoûte depuis tant d’années. Et c’est toujours le cas avec « Introducing SteelFinger Man ».
Voix, guitare et stompbox, il n’en faut pas plus au ténébreux Scandinave pour livrer un Blues mâtiné de Rock dans une formule acoustique et métallique si particulière par sa froideur sonore. Pour autant, il se dégage beaucoup de chaleur de ce nouvel opus grâce à des morceaux simples en apparence, mais toujours très bien sentis et d’une personnalité qui fait de BJØRN BERGE l’un des rares artistes de Blues à savoir, et pouvoir, capter l’attention et captiver à chacun de ses disques.
Son timbre guttural nous embraque cette fois sur dix titres qu’il a tenu à enregistrer en une seule journée, une façon d’aller l’essentiel avec autant de spontanéité que de justesse possible. Et BJØRN BERGE sait y faire. Cependant, et même si c’est toujours aussi bien réalisé et arrangé, le fait de reprendre « Get It On » de T. Rex, « Like A King » de Ben Harper, « Spoonful » de Willie Dixon et « Black Night » de Deep Purple dans des versions certes revisitées parait un peu beaucoup sur une production studio.
Depuis bientôt deux décennies, les Alsaciens n’ont de cesse de faire évoluer leur style au fil des albums et des EP. Tout en gardant un pied dans un Stoner Prog souvent proche d’un post-Rock/Metal insaisissable, LOS DISIDENTES DEL SUCIO MOTEL multiplie les expériences, et celle-ci n’est peut-être pas la plus évidente. Légers, fins et presque mis à nu, ses propres morceaux s’exposent sur « Breath » dans une lumière nouvelle et flottante, où l’acoustique se revêt de cordes, comme pour mieux souffler et livrer ses mélodies dans une Dark Folk somptueuse.
LOS DISIDENTES DEL SUCIO MOTEL
« Breath »
(Klonosphere)
C’est devenu une bonne habitude et même la marque de fabrique de LOS DISIDENTES DEL SUCIO MOTEL que de sortir un format court entre deux albums. Deux ans après « Polaris », le groupe s’offre donc une petite respiration avec le bien nommé « Breath », qui présente d’ailleurs deux nouveautés dans la démarche du quintet. Tout d’abord, on a le droit ici à cinq reprises, quelque chose d’assez inhabituel, et surtout pour la première fois en version acoustique, laissant les gros amplis de côté.
Lorsqu’une chanson est bien écrite, elle se décline sans mal sous à peu près toutes les formes. Tous les musiciens vous le diront. On peut donc, sans exagérer, dire que les morceaux de LDDSM sont très bien composés car, en mode acoustique, ils ne souffrent d’aucune lacune, tant le passage de l’électrique à l’unplugged est évident et coule de source. Pour autant, il ne faut pas imaginer que les Strasbourgeois ont simplement épuré leur jeu et leurs compos, c’est même presque l’inverse.
LDDSM est donc allé puiser dans son dernier opus pour trois morceaux, avant de remonter le temps avec « Z » issu d’« Arcane » (2013) et le titre « From 66 To 51 », qui figure sur « Soundtrack from The Motion Picture » (2010). Réarrangées et livrées dans une interprétation aussi originale que délicate, ces cinq chansons mettent en avant les guitares sèches, le piano et le violoncelle, preuve qu’elles ont une intemporalité certaine. Peut-être un peu nostalgique, on retiendra plutôt la grande qualité artistique du répertoire.
C’est dorénavant depuis la péninsule ibérique que Mike Vernon exerce son art, celui du Blues. Aussi intemporel que voyageur, le style de l’Anglais traverse toutes les époques et tous les courants du genre, comme pour en extraire la substantifique moelle. Et avec CAT SQUIRREL, son nouveau groupe, c’est chose faite comme en témoigne « Blues What Am », un vrai disque de baroudeurs.
CAT SQUIRREL
« Blues What Am »
(Dixiefrog/Rock & Hall)
Si ce premier album de CAT SQUIRREL parait si familier, cela ne doit rein au hasard. En effet, la formation a vu le jour à l’initiative et sous l’impulsion du grand Mike Vernon, à qui l’atmosphère espagnole, pays où il réside depuis une vingtaine d’années, semble faire le plus grand bien. Et c’est tout naturellement qu’il s’est entouré de cinq bluesmen locaux, et non des moindres, pour créer cette nouvelle entité et sortir ce « Blues What Am », qui apparait comme un concentré délicat de la carrière du Britannique.
Pour rappel, Mike Vernon n’est autre que le fondateur du label Blue Horizon et a découvert, produit ou collaboré avec les plus grands, passant de John Mayall à Ten Years After et de Peter Green à David Bowie ou encore Elmore James. Garant de l’esprit du British Blues Boom, le chanteur et songwriter établit pourtant de belles passerelles entre le Blues du Delta, le Swamp, le Boogie, le Shuffle, le Rock ou le Swing. Et CAT SQUIRREL saute d’un rythme à l’autre, d’une ambiance à une autre avec une belle élégance.
Entouré des flamboyants Kid Carlos (guitare), Mingo Balaguer (harmonica), Oriol Fontanals (contrebasse) et Pascoual Monge (batterie), Mike Vernon démontre qu’il a toujours de la voix et surtout de l’inspiration. Sur plus d’une heure, le quintet présente 14 morceaux, dont quatre reprises, notamment celles de Big Bill Broonzy et Jimmy Reed. De Chicago au Royaume-Uni, CAT SQUIRREL nous balade avec une joie non-dissimulée dans un monde où le Blues est roi et où le Blues sourit constamment.
Avant de reprendre le chemin des concerts (d’ailleurs a-t-il seulement arrêté ?) pour des prestations qui s’annoncent hors normes, sur mer comme sur terre et y compris avec le fameux Black Country Communion, le guitariste et chanteur se fait plaisir avec un deuxième volume de son « Blues Deluxe », paru en 2003. JOE BONAMASSA nous gratifie de huit magnifiques reprises et de deux originaux inédits, le tout avec la virtuosité et le feeling devenus sa signature.
JOE BONAMASSA
« Blues Deluxe Vol.2 »
(J&R Adventures/Mascot)
Afin de se rappeler au bon souvenir de son album « Blues Deluxe » sorti il y a 20 ans et qui l’a célébré dans le monde entier, JOE BONAMASSA nous offre un second volet tout aussi brillant et inspiré par les artistes qui ont façonné son style. C’est aussi une façon pour l’Américain de jeter un regard sur une carrière exceptionnelle, où il s’est hissé parmi les bluesmen aussi incontournables que prolifiques. Il faut reconnaître que le chemin parcouru en deux décennies est défiant, tant il incarne aujourd’hui le renouveau du Blues.
Composé donc pour l’essentiel de reprises, « Blues Deluxe Vol.2 » donne toute la mesure de la progression (et oui !) de JOE BONAMASSA en tant que guitariste bien sûr, mais surtout comme chanteur, un rôle qu’il avoue avoir toujours du mal à pleinement assumer. Pourtant, la maturité de son chant est incontestable, tout comme la finesse et la précision de son approche des standards qu’il interprète ici. Et au-delà bien sûr de la qualité de la production, les arrangements sont comme toujours très soignés.
De Bobby ‘Blue’ Bland à Fleetwood Mac en passant par Guitar Slim et Albert King, JOE BONAMASSA revient à ses premières amours, celles qui ont forgé son identité de bluesman. Repris avec toute l’élégance qu’on lui connait et avec beaucoup d’humilité, ces huit morceaux cohabitent avec deux originaux. « Hope You Redize It (Goodbye Again) » a été composé avec Tom Hambridge, tandis que son complice et guitariste Josh Smith signe « Is It Safe To Go Home ». Une fois encore, c’est du grand luxe !
Authentique, direct et sincère, le songwriter a fait de la ‘Grande Pomme’ son terrain de jeu pour s’étendre aujourd’hui bien plus loin. Pourtant c’est chez lui que POPA CHUBBY et son BEAST BAND ont enregistré ce somptueux double-album live, le premier aussi sur le label du guitariste Mike Zito. Et même certains morceaux sont shuntés de manière assez maladroite, ce drôle de concert tient toutes ses promesses et tient aussi en haleine pendant 2h15.
POPA CHUBBY AND THE BEAST BAND
« Live At G. Bluey’s Juke Point NYC »
(Gulf Coast Records)
Personnage incontournable de la scène Blues mondiale, le New-Yorkais au toucher si particulier et unique s’est fait plaisir avec ce double-album live, qu’il a lui-même mixé et produit. Première réalisation aussi chez Gulf Coast Records pour POPA CHUBBY et son BEAST BAND et le résultat est assez phénoménal. Il faut aussi dire qu’il s’est mis dans les meilleures conditions, puisque « Live At G. Bluey’s Juke Point NYC » a été enregistré les 24 et 25 octobre dernier devant 25 heureux privilégiés chaque soir.
Entouré de ses fines gâchettes, le bluesman déroule son jeu, longuement, avec le même enthousiasme et la même énergie que s’il jouait devant 5.000 fans. Sont à ses côtés Michael Merritt (basse), Mike Dimeo (claviers) et Stefano Giudici (batterie). Tous à l’unisson, l’ensemble est d’une incroyable fluidité, même lorsque POPA CHUBBY décide d’improviser… ce qui lui arrive très souvent. Et que ce soit vocalement ou à la guitare, l’Américain se montre d’une diversité qui surprend encore et toujours.
Enregistré dans le complexe artistique de son ami Glenn Forrest à Long Island, Mr Horowitz parcourt son répertoire tout en réservant quelques surprises avec le feeling et la virtuosité qu’on lui connait (« Another Ten Years Gone », « Dirty Lie », « 69 Dollars », « It’s A Mighty Hard Road », « Embee’s Song », « Sweat »). Et malgré une bonne trentaine d’albums à son actif, POPA CHUBBY aime toujours autant revisiter quelques classique qu’il s’approprie avec sa verve légendaire (« Motorcycle Mama », « Hey Joe », « Over The Rainbow », « Hallelujah » et même le thème du « Parrain »).
Soufflant le chaud et le froid avec des titres Blues Rock fougueux et d’autres plus langoureux et feutrés, PETER STORM & THE BLUES SOCIETY est parvenu à s’inscrire une empreinte originale avec deux réalisations en trois ans, qui comportent étonnamment de nombreuses reprises. Avec « Second », les Portugais font preuve d’une grande diversité et de beaucoup de feeling.
PETER STORM & THE BLUES SOCIETY
« Second»
(Naked/Doner Productions)
Fleuron de la scène portugaise, le quatuor, en l’espace de trois ans, a braqué les projecteurs sur lui. Après quelques belles premières parties d’artistes internationaux et une prestation remarquée au fameux European Blues Challenge à Malmö en Suède, PETER STORM & THE BLUES SOCIETY semble avoir pris son allure de croisière et commence à se faire un nom au fil des concerts.
Simplement intitulé « Second », ce nouvel album fait suite à « First » (forcément !) où le groupe se présentait avec trois compositions originales et six reprises de Jimmy Burns, Carey Bell, James Harman et Sonny Boy Williamson. Des choix assez éclectiques qui en disent long sur PETER STORM & THE BLUES SOCIETY, ses influences et surtout le chemin qu’il a choisi d’emprunter.
Cette fois encore, les Lusitaniens se sont encore fendus de deux covers (« I Feel Like Breaking Up Somebody’s Home » d’Al Jackson et Timothy Matthews et « Beatrice » de Philip Walker). Le combo réalise une belle synthèse entre un Blues classique et un registre plus contemporain. PETER STORM & THE BLUES SOCIETY montre de beaux et solides arguments et devrait très vite s’imposer sur la scène européenne.
S’il y a bien un groupe atypique dans le milieu underground hexagonal, et plus particulièrement dans le Doom, c’est MONOLITHE. Grâce à une discographie étonnante constituée d’albums-concepts singuliers par leur contenu mais aussi par leur durée, ou celle de leurs morceaux, le sextet s’est forgé une solide réputation basée sur une exigence constante et des productions très soignées. Entretien spatial avec le compositeur Sylvain Bégot (guitares, claviers, programmation) sur cet incroyable « Kosmodrom », qui vient de sortir.
– MONOLITHE a la particularité d’avoir toujours beaucoup de guests sur ses albums, et c’est encore le cas sur « Kosmodrom ». Est-ce c’est une chose à laquelle tu penses dès la phase d’écriture ?
Ça dépend. Parfois, ce sont les particularités d’un musicien qui influent la composition, car je sais qu’il, ou elle, sera capable de l’interpréter de la manière dont je l’ai imaginé. C’est le cas pour Jari, par exemple, ou de Raphaël Verguin sur notre album précédent, « Okta Khora », même si, au final, il a joué quelque chose de complètement différent de ce qui était prévu. Sur « Kassiopea », quand nous demandons aux chanteurs de participer, nous connaissons évidemment leurs capacités et leur tessiture, donc le but est d’obtenir un résultat qu’eux seuls seront capables de nous offrir. Dans d’autres cas, un musicien est invité pour jouer quelque chose que nous ne pouvons pas interpréter nous-mêmes, et pas nécessairement pour sa personnalité musicale intrinsèque.
– MONOLITHE évolue aussi sur des concepts très différents à chaque album. Avec « Kosmodrom », vous entamez un nouveau chapitre. Quel était l’état d’esprit en le commençant ?
Il y a quelque chose de très cinématographique dans notre musique. Il y avait donc aussi l’envie de proposer un voyage, une odyssée. Tu as entièrement raison en parlant de nouveau chapitre, car « Kosmodrom » est le début d’une autre ère après le bouclage de nos deux sagas précédentes, « The Great Clockmaker » constituée des quatre premiers albums et « The Tame Stars », constituée des quatre suivants.
– Pour « Kosmodrom », vous vous êtes plongés dans la conquête spatiale soviétique à la fin des années 50 (en 1957 précisément). Qu’est-ce qui a vous attiré dans ce choix ? Et j’imagine aussi que cela a dû demander de très bien se documenter également…
Nous nous étions déjà intéressés à la science-fiction un peu métaphysique, façon « 2001, l’odyssée de l’espace », sur nos premiers albums. Puis, nous avons raconté des histoires de SF inspirés de l’âge d’or de ce courant littéraire, des années 50 à 70, avec comme toile de fond l’existence (ou non) de vie extra-terrestre, de premiers contacts ou de civilisations aliènes ultra-agressives. Pour « Kosmodrom » l’idée était cette fois de se recentrer sur l’humain et tout particulièrement ses premiers pas dans l’espace. Donc, quoi de mieux que de prendre la course aux étoiles entre les deux grandes puissances spatiales de l’époque, à savoir les Etats-Unis et l’URSS, comme décor ?
Cette époque a déjà été célébrée de nombreuses manières dans la littérature et le cinéma du côté américain, mais plus rarement du côté soviétique alors qu’il est tout aussi passionnant. Et puis, il y a du côté russe une dimension supplémentaire, qui est le fait qu’il s’agissait d’un régime autoritaire qui a envoyé des êtres vivants au casse-pipe dans des caisses à savon, tout en parvenant à accomplir des choses extraordinaires avant tout le monde. Et c’est absolument fascinant. Je connais plutôt bien ce morceau d’Histoire de l’humanité, cela n’a donc pas demandé beaucoup de recherche, surtout que « Kosmodrom » n’est pas un album qui parle réellement d’Histoire avec un grand ‘H’, mais qui explore la thématique des pionniers, de l’exploration et de la découverte à travers la métaphore de la conquête spatiale et l’emploi de références réelles, comme la chienne Laika sur « Kudryavka » et des figures de cosmonautes légendaires, comme Vladimir Komarov sur « Soyuz » ou encore Alexeï Leonov sur « Voskhod ».
Sylvain Bégot (guitare, claviers, programmation)
– Ce qui surprend aussi sur « Kosmodrom », c’est cette dualité entre un aspect un peu rétro forcément, mais aussi un côté très futuriste. C’est l’inconnu que représentent l’espace et sa conquête qui offrent cette sensation de profondeur et aussi d’histoires qui restent à écrire finalement ?
Bien sûr, l’espace est fascinant parce qu’il reste à explorer et parce que beaucoup de connaissances à son sujet échappent encore à l’être humain à ce stade de son évolution technologique. Il y a une ligne de texte dans « Sputnik-1 », qui résume cela en disant : « regardant le ciel, en se demandant quoi et pourquoi ». L’humain possède, je pense, une soif de découverte de son environnement. Après avoir exploré sa planète sous tous ses angles, ou presque, au cours des siècles, il cherche ensuite à aller plus loin encore. Et ce côté rétro dont tu parles est lié au fait que les événements historiques référencés plus ou moins clairement dans l’album datent de plus d’un demi-siècle. Ce qui, à l’échelle de l’humanité, et pire encore, de l’Univers dans son ensemble, est une broutille. Mais le regard que nous posons sur l’exploration spatiale et la place de l’homme dans cet environnement cyclopéen et inamical est résolument porté sur l’avenir et ce que l’humain doit encore accomplir pour y parvenir.
– En matière de Doom, de très nombreux groupes reviennent à un style très éthéré et de plus en plus organique, alors que MONOLITHE continue son avancée en intégrant des éléments sonores plus synthétiques. A l’image du concept de « Kosmodrom », c’est l’infini de l’espace qui vous a guidé sur l’album ?
Je pense que notre savoir-faire vient de notre capacité à intégrer tout cela à une base Doom/Death de manière subtile, tout en gardant une cohérence plutôt qu’un mic-mac d’influences collées les unes aux autres. Et à ce titre oui, les possibilités sont infinies… bien qu’il soit désormais admis que l’espace, lui, ne l’est pas !
– Le morceau « Kosmonavt » referme l’album avec 26 minutes étonnantes. Ce sont les titres longs qui vous attirent le plus et à travers lesquels vous pouvez pleinement vous exprimer ?
Sur « Nebula Septem », nous avions des titres de sept minutes, ce qui est plutôt bref pour nous ! Il faut voir « Kosmonavt » comme une sorte de grand final de l’album, un titre épique qui résume et conclue l’album. C’est en quelque sorte la continuité de la tradition de ce qu’on pu faire des groupes de Rock Progressif dans les années 70 ou des groupes de Metal des années 80, qui concluaient leurs albums par un titre fleuve et homérique. Il s’agit aussi d’une autoréférence à nos débuts plus ‘Funeral Doom‘, car ce titre est, par son style, plus proche de nos premiers albums constitués d’une seule très longue piste, que de nos albums plus récents.
Vous proposez également un CD bonus, « Kassiopea », constitué de reprises très éclectiques. Quelle était l’intention première avec ces morceaux ? Les rendre à votre image en y apportant le son et la patte de MONOLITHE ?
« Kosmodrom » est notre album ‘Covid’. Il a été créé alors qu’on ne pouvait rien faire d’autre. Comme les restrictions ont duré encore et encore, nous avons aussi eu le temps de travailler sur quelque chose d’autre, et qui est devenu « Kassiopea ». C’est un petit bonus pour les fans hardcore qui ont précommandé l’album et ça a été l’occasion pour le groupe de rendre hommage à des titres que nous aimons beaucoup et que nous avons réarrangés à notre sauce.
– Enfin, vous démarrez les concerts au moment où sort l’album, alors que la plupart des groupes se concentrent sur la promo. C’est le côté underground de MONOLITHE qui prend encore et toujours le dessus ?
C’est un peu une coïncidence, en fait. Les restrictions liées au Covid, encore elles, ont provoqué un certain chaos dans le milieu de la musique. Nous avons donné des concerts dont certains étaient en réalité des reports de dates, qui auraient dû avoir lieu en 2020. De toute façon, ce n’est pas nécessairement un problème de tout faire en même temps. C’est juste fatigant ! Mais c’est de la bonne fatigue, tu sais, comme celle que tu ressens après une bonne séance de sport !
L’album de MONOLITHE, « Kosmodrom », est disponible chez Time Tombs Production et sur le Bandcamp du groupe : https://monolithe.bandcamp.com
Sur une thématique pas forcément réjouissante, « Medication Time » se pose comme un exutoire à des passages compliqués et douloureux traversés par TODD SHARPVILLE il y a des années. Pourtant, le musicien anglais offre un album lumineux et positif, et musicalement étincelant et virtuose.
TODD SHARPVILLE
« Medication Time »
(Dixiefrog/ Pias)
En l’espace de trois décennies, le guitariste, chanteur et songwriter britannique TODD SHARPVILLE s’est taillé une solide réputation dans son pays, mais aussi à l’international en partageant la scène avec les plus grands et surtout en sortant des albums de plus en plus convaincants et brillants depuis son tout premier, « Touch Of Your Love », en 1992.
Cette fois pour ce nouvel opus, le musicien effectue une sorte d’introspection avec un retour sur les années les plus difficiles de sa vie jusqu’à sa guérison. Etonnamment, TODD SHARPVILLE ouvre cet opus thématique avec une reprise très personnelle de « Walk Out In The Rain » de Bob Dylan, revisitée à travers un Blues Rock très british et attachant.
Accompagné d’une exceptionnelle section cuivre sur la base d’un quatuor classique, l’Anglais livre des morceaux optimistes avec une saveur très enveloppante (« Get Outta My Way », « House Rules », « God Loves A Loser »). TODD SHARPVILLE accueille également le guitariste Larry McCray et l’harmoniciste Sugar Ray Norcia sur l’étonnant « Money For Nothing » de Dire Straits. « Medication Time » surprend et épate.
En d’autres temps, on aurait qualifié ce genre d’album de coup marketing. Mais force est de constater que la rencontre entre le grand JEFF BECK, guitariste incomparable et modèle pour tant d’autres, et la star du grand écran JOHNNY DEPP, dont la filmographie traverse les générations avec la même classe, relève de l’évidence. C’est pourtant avec un album de reprises avec deux inédits, « 18 », que le duo anglo-américain livre sa première copie… et elle est très belle.
JEFF BECK, JOHNNY DEPP
« 18 »
(Rhino Entertainment)
Depuis un moment déjà, JOHNNY DEPP se concentre plus sur les planches des salles de concert et des festivals au détriment des plateaux de cinéma. Après The Hollywood Vampires aux côtés de Joe Perry d’Aerosmith et du grand Alice Cooper, c’est avec une autre star, et non des moindres, qu’il associe pour un (premier) album de reprises… ou presque. JEFF BECK brise ainsi un silence discographique de six ans pour livrer un disque assez surprenant d’ailleurs, et sur lequel règne une ambiance personnelle et un son particulier.
En dehors de deux morceaux inédits signés par l’acteur américain (« Sad Mother Fuckin parade » et « This is A Song For Miss Hedy Lamarr »), « 18 » rassemble donc 13 titres assez éclectiques allant du fougueux « Death And Resurrection Show » de Killing Joke au « What’s Going On » de Marvin Gaye, en passant par « Venus In Furs » du Velvet Underground, « Isolation » de John Lennon ou encore « Time » du Beach Boy Dennis Wilson. Et bien entendu, JEFF BECK et JOHNNY DEPP y ont apposé leur patte.
A travers « 18 », on retrouve deux hommes de goût et deux musiciens d’une finesse toute délicate. Si JEFF BECK n’a plus rien à prouver et conserve ce toucher inimitable qui le rend si unique, on découvre un peu plus, et différemment, JOHNNY DEPP, guitare en bandoulière et rivé à un micro avec lequel il semble prendre un plaisir évident. Et sans être le chanteur du siècle, ni poser des mains d’argent sur sa six-cordes, il fait bien le job et le duo se trouve très naturellement. Un premier album qui en appelle d’autres…
