Après un long sommeil, la formation de Caroline du Nord réapparait enfin avec ce « Go Let It In » d’une grande classe et bénéficiant d’une somptueuse production. Assez éloigné de la lourdeur du son de ses premières réalisations, CODESEVEN n’en a pourtant pas perdu de son identité. Moins post-HardCore, plus Rock et progressif, et jouant sur les ambiances avec habilité, technique et feeling, ce retour est exceptionnel.
CODESEVEN
« Go Let It In »
(Equal Vision Records)
Si vous aviez tendu l’oreille au milieu des années 90 jusqu’en 2004, vous avez probablement un souvenir de CODESEVEN, un quintet qui bousculât un peu les codes en s’attelant à l’élaboration d’un post-HardCore mélodique mâtiné d’Alternative Rock. Depuis « Dancing Echoes/Dead Sounds », les Américains s’étaient mis en veille, une longue pause de 19 ans. Et c’est avec le même line-up et sur le même label qu’ils sont de retour et « Go Let It In », qui mérite que l’on s’y penche de très près.
A chacun de ses albums, six avec celui-ci, le groupe s’est toujours évertué à proposer quelque chose de différent et c’est encore le cas près de deux décennies plus tard. Bien sûr, CODESEVEN n’est pas resté figé dans une époque aujourd’hui presque lointaine. Toujours aussi mélodique, il peut compter sur la voix de Jeff Jenkins, qui s’est même bonifiée avec le temps. Apportant beaucoup de douceur, tout en restant capable de se montrer plus féroce, le frontman est un vrai guide et il illumine « Go let It In ».
Très atmosphérique, ce sixième opus livre un aspect très cinématographique en combinant des sonorités électroniques mesurées avec des guitares omniprésentes, à la fois musclées et aériennes. Naviguant entre post-Rock et Space Rock avec un fond progressif, CODESEVEN fait l’équilibre entre légèreté et force sur des morceaux souvent très captivants et hypnotiques (« Fixated », « Hold Tight », « Starboard », « A Hush… Then A Riot », « Mazes And Monsters », « Suspect » et le morceau-titre). Brillant !
Loin des fadasses Tribute bands, « Original Seeds » est le nouvel EP de HEART LINE et il ne se présente pas dans une optique nostalgique, mais avec plutôt dans l’idée de reprendre avec respect, tout en se les appropriant clairement, des morceaux très représentatifs des glorieuses années de l’AOR. Exaltés et techniquement monstrueux, les solos retrouvent une seconde jeunesse, les claviers brillent comme jamais et le frontman montre toute l’étendue de son talent. Quelques covers en guise de récréation, finalement bien trop courte…
HEART LINE
« Original Seeds »
(Pride & Joy Music)
Non seulement en l’espace de seulement deux albums, « Back In The Game » et « Rock’n’Roll Queen », HEART LINE s’est imposé comme le représentant français du Hard FM/AOR/Melodic Rock qu’on attendait tant, mais au-delà de ça, il vient confirmer avec « Original Seeds » qu’il n’a plus rien à prouver aux piliers du genre. Un peu plus de deux ans après sa formation, le quintet incarne littéralement le renouveau d’un style propre aux années 80, certes, mais dont l’univers n’a pas fini d’être exploré.
Derrière la légendaire DeLorean de ‘Retour Vers Le Futur’, qui trône sur la pochette toujours réalisée par l’excellent Stan W. Decker, se cache une petite surprise que nous réservent les Bretons. Regroupant cinq morceaux qui ne sont pas issus de son répertoire, HEART LINE nous gratifie de reprises aussi piquantes que les originales et nous replongent forcément au cœur des 80’s. Et plutôt que de se contenter des hits, le groupe s’est penché sur des titres moins connus, ce qui vient ajouter une petite dose d’inconnu à l’ouvrage.
Du Royaume-Uni avec Tobruk, Aviator et Virginia Wolf, à la Suède avec Alien et aux Etats-Unis avec Dakota, HEART LINE a véritablement repris ces chansons à son compte. Sorties entre 1984 et 1988, le premier lifting tient bien sûr dans la dynamique et la production, mais pas uniquement. Au chant, Emmanuel Creis montre une superbe polyvalence, tandis qu’Yvan Guillevic et Jorris Guilbaud forment l’essentiel et explosif duo guitare/claviers tellement incontournable dans l’AOR. Une vraie gourmandise !
Photo : Mat Nina Studio
Retrouvez les interviews accordées à Rock’n Force par HEART LINE et la chronique du dernier album :
Auteur très prolifique et grand connaisseur du monde du Rock dans ses grandes largeurs, Dominique Dupuis récidive avec un livre consacré au mythique quintet YES. Dans la foulée d’« Emerson Lake & Palmer », c’est à un autre monstre sacré du Rock Progressif, un style qu’il connait parfaitement, et aussi à une époque pionnière en la matière, qu’il s’attèle avec la même passion et la même ferveur. Ce beau pavé se dévore autant qu’il semble avoir inspiré son rédacteur.
YES
Dominique Dupuis
(Editions du Layeur)
Si vous pensiez tout connaître au sujet de YES, ce groupe phare qui a écrit parmi les plus belles pages du Rock Progressif depuis les années 70 jusqu’à « Mirror To The Sky » sorti en mai dernier chez InsideOut Music, c’était sans compter sur Dominique Dupuis et son érudition. Ayant vécu ‘en temps réel’, les débuts, l’ascension et l’apogée des Anglais et ayant déjà publié des ouvrages sur Frank Zappa, Pink Floyd, Deep Purple et plus récemment sur Emerson Lake & Palmer, « Yes » est une suite finalement très logique de son immersion dans cette époque si riche musicalement et dans l’univers progressif.
Sur 365 pages, l’auteur retrace avec minutie l’œuvre gigantesque de YES, à travers ses classiques, ses albums studios, ses live bien sûr et de nombreuses archives bien mises en valeur par un travail iconographique remarquable. Avec des hauts et des bas, des séparations et des reformations, on retient tout de même un line-up de légende marqué par l’empreinte artistique de Jon Anderson (chant), Chris Squire (basse, décédé en 2015), Steve Howe (guitare), Bill Bruford et Alan White (batterie), ainsi que Rick Wakeman (claviers). Et malgré les nombreux changements, l’identité est toujours aussi bien préservée.
Ainsi, l’héritage des Britanniques est bel et bien vivant et c’est aussi ce que vient rappeler le beau livre de Dominique Dupuis. Fourmillant de détails sur les multiples rencontres, collaborations, albums solos de ses membres et avec une précision absolue sur chaque disque, « Yes » revient également sur l’incroyable illustrateur Roger Dean qui a littéralement façonné l’image du groupe. Ses illustrations parlent à l’imaginaire collectif et c’est, là aussi, toute la force et le talent de YES depuis plus de cinq décennies. Pas seulement réservé aux fans, cette somme d’informations s’adresse à tous les amoureux de Rock, progressif ou non.
Editions du Layeur / 365 pages / 45€
Retrouvez la présentation du livre « Emerson Lake And Palmer » :
Fraîchement formé, le quintet de l’Indiana démarre sur les chapeaux de roue avec un premier album, « One In The Chamber », qui montre beaucoup de maturité dans le jeu et un enthousiasme et un dynamisme débordants. Très américain dans le style comme dans la démarche, et oscillant donc entre Hard Rock, Alternative et Hard Rock, DOWNSHIFT livre des morceaux très accrocheurs, porté par la voix d’un frontman qui en impose, une rythmique Heavy très solide et deux guitaristes qui donnent au groupe une assise assez monumentale. Encore indépendante, j’ai voulu en savoir un peu plus sur cette formation qui transpire totalement le Rock’n’Roll avec son chanteur et guitariste, Jordan Payne. Entretien.
– Je vous ai découvert il n’y a pas si longtemps avec votre premier album, « One In The Chamber », qui m’a vraiment bluffé. En dehors du fait que vous soyez originaires de l’Indiana, j’en sais finalement assez peu sur vous. Pourrais-tu nous faire une petite présentation de DOWNSHIFT ?
Le simple fait que nous soyons originaires de l’Indiana est peut-être la chose la plus intéressante chez nous ! (Rires) Nous sommes tous issus de la ‘middle-class’, et on aime la musique Rock et aussi se dépasser dans tout ce que nous faisons. Nous nous considérons comme des artistes, mais aussi comme des hommes d’affaires. Nous sommes toujours à la recherche de la prochaine chose que nous pourrions faire pour aller plus loin. Qu’il s’agisse d’un moyen de mieux promouvoir notre musique, ou simplement d’être plus professionnels dans la façon dont nous traitons avec les clubs et les salles, nous essayons toujours de progresser et de viser l’excellence.
– C’est assez rare de voir un groupe fondé par deux guitaristes, même quand l’un des deux est aussi chanteur. J’imagine qu’en ce qui concerne la composition, cela doit faciliter beaucoup de choses. Est-ce que vous effectuez un travail en commun, confrontez-vous vos idées ou est-ce que l’un d’entre-vous tient le lead ?
Eh bien, c’est définitivement les deux. Il y a certaines chansons sur lesquelles j’ai écrit la plupart des parties de guitare, et d’autres qui sont presqu’entièrement composées par Aaron (Parrett – NDR). Les autres sont en grande partie le fruit d’un effort commun. Il peut écrire le couplet et moi le refrain, ou alors il propose une idée générale et nous essayions, travaillions et peaufinons chaque petite note jusqu’à ce que nous soyons complètement satisfaits. Je dirais que cela a rendu les choses plus faciles, parce que nous nous entendons très bien et nous avons eu une vision très similaire du travail des guitares sur l’album. Cependant, être plusieurs à être compétents sur le même instrument peut souvent être un véritable obstacle, lorsque l’association ne se fait pas de manière créative. Heureusement, nous avons toujours su nous en tenir au plan et mettre de côté tout ego lors du processus d’écriture. Nous voulons vraiment le meilleur résultat pour une chanson. Peu importe de qui vient l’idée finalement.
– Vous avez sorti deux singles, « Lose It » et « Give It To You » avant l’album. Aujourd’hui, la plupart des groupes présente d’abord quelques morceaux, histoire de se faire connaître. Que pensez-vous du mode actuel de communication dicté par les réseaux sociaux, et est-ce qu’extraire ces chansons vous semblait une bonne idée ? Est-ce que cela aurait pu avoir d’autres conséquences sur la sortie du disque en cas de mauvais accueil, par exemple ?
Je ne pense pas que nous aurions beaucoup changé dans la façon dont nous avons publié quoi que ce soit, sauf peut-être une meilleure planification de la promotion. Nous faisons tout ça nous-mêmes et tout cela est encore une expérience d’apprentissage. Les réseaux sociaux et les plateformes de streaming ont créé un espace unique pour les artistes non-signés. C’est vrai que nous avons désormais la possibilité d’être entendus sur les mêmes supports que les plus grands artistes du monde. Cependant, cela signifie que tous les groupes et les musiciens du monde bénéficient de la même attention dans ce même espace. Les eaux sont très troubles. Pourtant, là où quand les musiciens non-signés rêvaient de passer à la radio, ils peuvent désormais figurer sur des playlists Spotify populaires.
– Vous évoluez, et c’est bien naturel, dans un style très américain entre un Hard Rock assez classique façon Testa notamment, et un Alternative Rock plus inspiré par Nickelback entre autres. Les riffs sont massifs et les mélodies accrocheuses et DOWNSHIFT dégage une énorme énergie. C’était l’objectif premier en créant le groupe ?
Tout d’abord, merci pour ces mots très agréables ! Aimant à la fois le Classic Rock et le nouvel Alternative Rock du style Nickelback, c’est plus un honneur qu’une surprise d’être comparé à ces artistes. Notre objectif avec cet album était de vraiment prêter attention à ce qu’il nous faisait ressentir, d’appuyer sur la pédale et de ne pas la relâcher tout au long du processus. Je m’attends à ce que le prochain album soit plus diversifié en termes de dynamique… à la fois émotionnellement et dans le son aussi.
– De plus, et sans remettre en cause la qualité des chansons, elles sont très formatées pour les radios américaines notamment avec aussi un petit côté ‘stadium‘. Est-ce par souci d’efficacité et de percussion, ou plus simplement est-ce votre façon de composer, votre idée de la musique de DOWNSHIFT ou une manière d’écrire avec une notion d’urgence dans les structures ?
Je dirais que c’est un peu des deux. Je suis fan de musique commerciale, c’est vrai. J’ai grandi dans un environnement où la radio représentait 90% de la musique que j’écoutais. Pas seulement du Rock d’ailleurs, mais aussi de la Pop, de la Country et tout ce qui est suffisamment accessible pour passer à la radio. Donc, même si je ne nierai pas notre ambition d’être le plus abordable possible au sens commercial du terme, c’est aussi une façon très importante de percevoir la musique.
– D’ailleurs, « One In The Chamber » est un album très mature pour un jeune groupe. Est-ce parce vous y travaillez depuis longtemps, ou parce que vous avez une expérience individuelle déjà conséquente avec de précédentes formations ?
Aaron et moi avons déjà joué ensemble dans des groupes et même s’ils n’étaient pas terribles, ils n’étaient pas à la hauteur de ce que j’ai l’impression que nous avons fait jusqu’à présent avec DOWNSHIFT. Nous avons beaucoup progressé au fil des années, et nous avons vraiment pris cet album au sérieux. Toutes les chansons que nous avons écrites ne figurent pas sur la tracklist du disque, mais nous avons travaillé très dur pour que celles-ci sonnent le mieux possible. Je mentirai aussi si je n’accordais pas également du crédit au producteur avec lequel nous avons travaillé. Il nous a vraiment aidés à tirer le meilleur parti de nos chansons et de nous-mêmes durant tout le processus d’enregistrement.
– Malgré un titre et quelques morceaux assez sombres, « One In The Chamber » est un album plutôt positif et moteur. On a l’impression que certains textes sont là pour réveiller l’auditeur et même le motiver. Et votre musique avec sa dynamique va aussi dans ce sens. C’est ce que vous avez voulu faire sur ce premier album : motiver les gens ?
Je ne dirais pas que l’album entier est destiné à ‘motiver’ tout le monde, mais nous voulions absolument que les gens prennent du plaisir à l’écouter. Nous ne voulions pas que ce soit émotionnellement éprouvant d’écouter notre musique. Honnêtement, nous espérions suivre l’expression ‘sexe, drogue et Rock’n’Roll’ et donner à notre musique ce même sentiment de légèreté et de liberté. Si quelques chansons sont marquées d’une empreinte plus sombre, c’est parce que c’est exactement ce que nous ressentions à l’époque. Nous n’avons pas voulu non plus diminuer l’honnêteté de la musique que nous écrivions. Cela dit, nous avons essayé de ne pas faire trop de morceaux dark ou trop chargés négativement.
– J’aimerais que l’on revienne un instant sur les guitares, sans oublier bien sûr la solide et irréprochable rythmique basse/batterie. Il y a beaucoup de densité dans les riffs avec un espace sonore bien remplis. Quant aux solos, ils sont très directs, percutants et explosifs sans jamais traîner en longueur. J’imagine que c’est une chose à laquelle vous portez une attention toute particulière ?
Oui, bien sur ! Nous sommes deux guitaristes ! (Rires) Nous avons, en effet, porté une attention toute particulière au travail des guitares et nous avons vraiment essayé de faire en sorte que le travail solo/lead trouve son équilibre. Bien qu’il s’agisse d’un effort commun, la plus grande partie du mérite revient à Aaron sur l’album. Il est assez bon guitariste pour pouvoir facilement jouer tous les solos. Mais nous avons surtout essayé de nous assurer que chaque note jouée était nécessaire à la chanson, plutôt que d’être trop démonstratif. Ce n’était pas si difficile, car il a une grande capacité à jouer ‘sur’ la chanson et aller vers plus de simplicité. Je suis heureux de voir que tu n’as pas eu l’impression qu’on s’éternise en en faisant trop. C’était le but !
– Enfin, que dirais-tu au public français qui souhaite découvrir DOWNSHIFT, car la culture européenne est assez éloignée de ce genre de Hard Rock et de l’Alternative Rock en général, qui peuvent chez nous passer pour assez, voire très commercial ?
Je décrirais DOWNSHIFT comme du Heavy Rock moderne avec des notes de Classic Rock et une voix mélodique. Nous avons essayé de trouver le bon mélange tout en restant suffisamment commercial pour être considéré comme ‘mainstream’. Je pense que nous pourrions plaire à des personnes d’âges et de styles différents. Il y a un petit quelque chose pour tout le monde sur cet album.
Toutes les infos sur le groupe sont disponibles sur son site, et l’album est présent sur toutes les plateformes :
Souvent expérimental et donnant l’impression de se laisser flotter, le style d’AUTÓMATA se précise pourtant sur ce deuxième opus très progressif et dont on suit le cours, baladé par la douceur des notes entrecoupées d’instants qui brisent des rythmes qu’on imagine évidents. C’est justement là que « Heart Murmur » s’inscrit parfaitement dans l’idée qu’on se fait du post-Rock… inaccessible, délicat et captivant.
AUTÓMATA
« Heart Murmur »
(Atypeek Music/Araki Records)
Après un premier effort éponyme il y a deux ans, AUTÓMATA fait son retour avec un deuxième album plus mature, très bien produit et surtout le quatuor expérimente beaucoup plus. Mieux défini et très impliqué, le groupe nous en dit plus sur son univers post-Rock où chacun de nos quatre protagonistes a apporté une forte contribution. Plus totalement instrumental, et même si aucun d’entre eux n’a pris le micro, « Heart Murmur » voit surgit des samples utilisés judicieusement, qui livrent un fil narratif permettant de colorer des morceaux plein de relief à l’instar « Killing Spiders » avec ses scratchs.
Comme sur le premier album, on se laisse guider par une musique qui veut finalement assez contemplative, toujours très aérienne et dont l’atmosphère est souvent cinématographique. On est d’ailleurs totalement immergé et les images se bousculent dès « On A Wire », un morceau très attirant où la voix de James Cairns de Therapy? nous invite à prendre soin de nous dans le souffle un sample parlé. Et c’est sur « Mad Motor » qu’AUTÓMATA nous fait réellement participer à une projection privée assez glaçante avec le son de la voix d’Edith Scob, extrait du film très noir « Les Yeux Sans Visage », sorti en 1960.
Organique et riche des nombreux instruments à l’œuvre sur les sept plages, « Heart Murmur » est aussi marqué par ses changements d’ambiances, qui sont autant de portes ouvertes sur des climats surprenants (« Sad Guru », « Dead Fields »). Une certaine légèreté plane sur l’ensemble et les musiciens ont soigneusement évité de bouffer l’espace sonore, offrant une véritable respiration musicale jusqu’au dernier titre « Processions », qu’il convient d’écouter en entier… La confiance et la sérénité qui animent les Parisiens débouchent sur une créativité démultipliée, d’où l’empreinte d’AUTÓMATA se détache enfin.
L’album est disponible sur le Bandcamp du groupe :
C’est du côté de l’Espagne que la guitariste, compositrice et productrice, Sonia Anubis est allée reconstruire le line-up de son groupe COBRA SPELL. Après avoir œuvré dans le Heavy Metal de Burning Witches et le Death Metal de Crypta, c’est dans un registre très 80’s que l’autodidacte hollandaise s’épanouit aujourd’hui. Après deux EP, c’est sous la bannière de Napalm Records que le quintet livre « 666 », un premier album très varié, Heavy et solide, où les femmes dictent leurs règles. Entretien avec une musicienne très enthousiaste.
Photo : Raquel Garcia
– Avant de parler de votre premier album, j’aimerais que l’on parle du line-up de COBRA SPELL, qui a changé depuis « Anthems Of The Night ». En dehors de toi bien sûr, Sonia, la formation est entièrement espagnole. Comment vous êtes réunies et est-ce que tout le groupe est dorénavant installé en Espagne… ou ailleurs ?
J’ai fondé le groupe avec le rêve de créer un groupe de Heavy Rock inspiré des années 80. COBRA SPELL a démarré comme un projet parallèle avec des musiciennes vivant à l’international. Les deux EP, « Love Venom » et « Anthems of the Night », ont été extrêmement bien reçus, au-delà même de nos attentes. Depuis, le groupe a grandi et a eu de belles et multiples opportunités, ce qui a conduit à des changements. Il faut être prêt à tout. Maintenant que nous avons signé avec Napalm Records et que nous sortons un premier album, le groupe avait besoin d’un line-up solide comme le roc et le moyen le plus simple d’y parvenir était de ne pas vivre trop loin les unes des autres. Nous sommes donc majoritairement installées en Espagne.
– Tu as fondé le groupe il y a quatre ans maintenant après tes expériences au sein de Crypta et Burning Witches, qui étaient également des groupes entièrement féminins. Que tu sois entourée de femmes était aussi ta priorité pour COBRA SPELL ?
En fait, COBRA SPELL a été fondé avant Crypta et non pas suite mon départ de ces groupes. Et faire partie d’une formation entièrement féminine est quelque chose de très valorisant. Lorsque je faisais partie de Crypta, j’ai vu beaucoup de jeunes femmes venir me voir et me dire que ce que je fais en tant que musicienne les inspirait. Le sentiment d’avoir cet effet sur d’autres femmes est incroyable. A l’époque où nous vivons, il existe toujours un déséquilibre entre les sexes et il est donc important d’avoir des modèles féminins et également de se serrer les coudes en tant que femmes et se soutenir mutuellement. J’ai donc décidé de faire de COBRA SPELL une formation entièrement féminine pour diffuser cette énergie dans le monde de la musique.
Sonia Anubis
– D’ailleurs, tes deux anciens groupes évoluent dans des styles très différents de COBRA SPELL. Est-ce que, maintenant, tu fais enfin ce que tu as toujours voulu musicalement et est-ce que c’est aussi ce qui t’avait déjà justement poussé à monter ton propre projet ?
Oui, c’est vrai ! COBRA SPELL est le groupe où je peux exprimer ma créativité et ma vision musicale sans contraintes. Après avoir été musicienne ‘live’ pendant dix ans auparavant, il était temps de me lancer dans quelque chose de plus personnel ! Et c’est la meilleure décision que je n’ai jamais prise de m’engager pleinement dans COBRA SPELL.
– Après « Venom Love » (2020) et « Anthems Of The Night » (2022), le premier album sort enfin. C’était important pour toi de passer avant par deux formats courts, ou c’est juste une question de circonstances ?
Il était important pour COBRA SPELL de sortir d’abord ces deux EP pour trouver la bonne identité au niveau du son, mais aussi au niveau du line-up. Je voulais aussi sortir un album uniquement avec le soutien d’un label. La signature avec Napalm Records et la solidification du line-up font que nous sommes prêtes à 100% pour ce premier album ! Hell yeah !
– Avec COBRA SPELL, vous explorez un Heavy Metal très Sleaze, aux multiples influences et surtout très marqué par les années 80. Est-ce que, comme beaucoup de fans, tu considères cette époque, qu’aucune d’entre-vous n’a d’ailleurs connu, comme l’âge d’or du Metal ?
Absolument ! Je ne l’ai pas vécu, mais la meilleure musique, les meilleurs films, les voitures, le design, tout ce que vous voulez… viennent des années 80 !
– « 666 » présente donc un Heavy très Sleaze et 80’s comme on l’a dit, où beaucoup de courants du Metal se croisent. C’était important pour toi qu’il soit le plus varié possible, d’autant que Kristina Vega, la frontwoman du groupe, possède une large palette vocale ?
Damn ! C’est un réel plaisir de travailler avec une telle professionnelle ! Kristina est une chanteuse incroyablement talentueuse avec de très grandes possibilités vocales. Quant à la composition et à l’écriture de la musique de COBRA SPELL, je ne me limite pas à un seul sous-genre des années 80. J’aime explorer de nombreux sons et des ambiances issues de courants comme l’AOR, le Speed Metal, le Power Metal, le Glam, le Rock’n’Roll et plus encore. Le mélange de toutes ces influences est ce qui devient finalement l’identité du son de COBRA SPELL.
– Au-delà du line-up, « 666 » est également très féminin dans le propos à travers des chansons et des textes souvent explicites. C’est aussi pour vous une façon de livrer un message à l’intention des femmes dans une période où leur parole se fait justement beaucoup mieux entendre ?
Les paroles ont été écrites sans filtre et avec le cœur ! Je n’aime pas faire de compromis sur les attentes du public, ou sur ce que les gens aimeraient entendre. Je suis assez intrépide à cet égard. C’est quelque chose de spontané et de naturel, car les paroles ont été écrites par une femme et les thèmes, s’ils proviennent souvent d’expériences personnelles, le sont toujours à travers le regard d’une femme.
– Entre Glam Rock, Heavy Metal, Sleaze et même Rock’n’Roll, COBRA SPELL montre beaucoup de diversité et il y a aussi ce langoureux solo de saxo sur « Love = Love ». Il fallait un instant plus ‘glamour’ aussi sur cet explosif « 666 » ?
« Love = Love » est l’exemple parfait d’une chanson typiquement inspirée de l’AOR dans le style. Je compose d’ailleurs les morceaux les plus mélodiques sur un synthé, plutôt qu’à la guitare. Le solo de saxophone est une décision de dernière minute que j’ai proposée quand nous étions au studio d’enregistrement et le producteur a vraiment aimé l’idée ! Il devait y avoir un solo de guitare, mais non, c’est ça que je voulais… Il fallait qu’il y ait un solo de sax ! Alejandro, notre producteur, a donc cherché un saxophoniste parmi ses contacts et a contacté la bonne personne. La saxophoniste, Nata Estevez, a interprété un solo entièrement improvisé et qui figure désormais à jamais sur le disque. La chanson ressemble maintenant beaucoup plus à la bande originale d’un film des années 80 et j’adore ça !
– Enfin, j’aimerais qu’on dise un mot des parties de guitares. On sent beaucoup de complicité entre toi et Noelle. Comment vous êtes-vous réparties les rôles et est-ce que vous avez composé ensemble les rythmiques et les solos ? A moins que tu aies conservé le lead sur tout l’album ?
J’ai composé toutes les chansons et les mélodies de « 666 », mais il y en a une sur laquelle Noelle m’a aidé, c’est « Love Crime ». Concernant les solos, c’est quelque chose que nous nous sommes partagées toutes les deux sur l’ensemble de l’album.
L’album de COBRA SPELL, « 666 », est disponible chez Napalm Records
LARSEN & LIES déboule sur la scène Hard’n Heavy hexagonale avec « Live A Good Lie », qui a plutôt fière allure. Musclé et mélodique, ce premier format court approche la demi-heure et ne manque pas de fraîcheur. Sur des morceaux accrocheurs, le combo parvient à capter l’attention grâce à des sonorités 90’s, c’est vrai, mais qui ont tout d’une savoureuse madeleine de Proust. Avec un premier six-titres de ce calibre, le groupe avance déjà de solides arguments.
LARSEN & LIES
« Live A Good Lie »
(Independant)
Après quelques années à se faire les dents avec des reprises sous le nom de Six Floors Under, les choses ont commencé à prendre une tournure plus personnelle et sérieuse, lorsque les Franciliens se sont mis à composer leurs propres chansons. Fortement imprégné de la scène Hard Rock américaine, et même californienne, des années 80 et 90, LARSEN & LIES reprend le flambeau pour entretenir la flamme de belle manière.
Surfant sur une vague revival à l’œuvre depuis un petit moment, le quintet se montre vivifiant et le niveau technique affiché y est pour beaucoup. Mené par un chanteur costaud et une très bonne rythmique, LARSEN & LIES possède aussi deux très bons guitaristes qui, entre riffs acérés et solos très techniques, se font vraiment plaisir et offrent beaucoup de respiration à ce « Live A God Lie » très équilibré.
Bien produit, l’EP est un brin old school dans son approche, mais le Heavy Rock proposé reste pourtant très actuel (« Too Many Guitars », « Damaged Goods », « Liar »). Même si LARSEN & LIES s’est forgé une identité, quelques gimmicks ont la dent dure et les noms de Skid Row (première époque, le vraie), Dokken, Extreme ou encore Mr Big sur la power-ballad « Now It Begins » ressortent… et c’est un vrai plaisir. Un premier essai très concluant.
Transgressive, addictive et terriblement intense, la musique de SAINT AGNES est un alliage magnétique, supersonique et ténébreux qui pioche autant dans l’Electro, le Metal que le Rock brut et l’Indus. Sur des textes crus d’une rare authenticité et d’une force chaotique, « Bloodsuckers » se joue des styles, se moque des courants musicaux et se livre avec minutie à un consciencieux travail de démolition, d’où surgit une identité très personnelle et vivante.
SAINT AGNES
« Bloodsuckers »
(Spinefarm Records)
Sorti en plein cœur de la fraîcheur estivale bretonne, le deuxième album des Anglais était passé sous mes radars, entre les mailles de mes filets. La sortie de l’édition Deluxe de « Bloodsuckers » est donc une agréable piqûre de rappel et l’occasion de se plonger dans une réalisation hors-norme portée par un trio qui l’est tout autant. Kitty Arabella Austen (chant, basse, guitare, claviers), Andy Head (batterie) et Jon Tufnell (guitare, basse) ont fait de SAINT AGNES un monstre de créativité.
Très loin du Blues Punk Rock débridé de « Welcome To Silvertown » (2019), les Britanniques ont fait leur mue et opté pour une esthétique musicale très Electro, mais aussi très Metal. Imaginez un instant la rencontre entre Prodigy au meilleur de sa forme, Junkie XL à ses débuts avec un Zack de la Rocha au féminin ou une Pink sous acide, et vous obtenez SAINT AGNES, un furieux et décomplexé combo, qui serait même très largement adoubé par Trent Reznor. Mais « Bloodsuckers » ne se limite pas à ça, loin de là.
Si ce nouvel opus des Londoniens bouscule, c’est en partie dû à la performance d’une frontwoman écorchée vive qui transmet ses émotions et sa colère avec une sincérité totale. Très organique malgré les machines, « Bloodsuckers » transgresse les codes, intègre des notes de Grunge, de Nu Metal sur des phrasés et avec un flow parfois parlés entre rage et férocité (« Animal », « At War With Myself », « Follow You », « Outsider » et bien sûr « Bloodsuckers »). Percutant, puissant et massif, SAINT AGNES lance tout juste les hostilités.
Pierre angulaire de la scène Rock dont il a marqué les années 90 au fer rouge, FFF fait un furieux et gourmand come-back. Aussi inattendu qu’inespéré, « I Scream » renoue avec l’essence-même de cette Fédération Française de Fonck survitaminée et finalement inoxydable. Ce nouvel opus promet de prochaines prestations scéniques enflammées, et pour en avoir vécu quelques unes dans une autre vie, surveillez bien les dates qui arrivent dès le printemps … Ça va être chaud et explosif !
FFF
« I Scream »
(Verycords)
Est-ce qu’après deux décennies d’absence, un groupe qui a laissé une telle empreinte à travers un style, dont il a été le principal artisan en France, peut encore renouer avec un enthousiasme qui l’a tellement caractérisé ? 23 ans après un album, « Vierge », qui n’a pas franchement marqué les esprits, Marco Prince, Yarol Poupaud, Nicolas Baby et Krishoo Monthieux ont-ils retrouvé la fougue de leurs premiers émois discographiques ? Comme l’ont laissé entrevoir les premiers singles, le doute n’est plus de mise : FFF a retrouvé la foi et déborde d’énergie.
S’ils ont juré par tous leurs dieux ne s’être jamais séparés, les Parisiens font un retour qui ressemble presque à une résurrection. A priori, ils attendaient le bon moment pour se mettre à l’ouvrage d’un cinquième album, dont ils savaient mieux que personne qu’il serait très attendu par une communauté de fans impatiente et pas encore rassasiée, mais également scruté et décortiqué par la presse, ce qui est importe finalement assez peu. Ce qui compte, et qui entretient aussi un peu le mystère, c’est ce qu’il a bien pu se passer dans cette campagne niortaise, où FFF a refait parler la poudre.
« I Scream » contient tout l’ADN du fulgurant quatuor. L’instinct, la fraîcheur et le groove sont intacts. Le flow de Marco fait des merveilles (« Les Magazines »), tout comme son trombone, les riffs de Yarol sont incandescents (« Won’t You ») et la bouillonnante rythmique gouvernée par Nicolas et Krishoo oxygène l’ensemble (« On Devient FFFou », « Death On The Dance FFFloor », « Smile »). Moderne dans le son comme dans le propos, FFF livre avec classe l’album qu’on attendait et avec cette luminosité qui a fait sa réputation. « I Scream » est positif et concentre décidemment tous les parfums. Bravo, FFFallait le FFFaire !
Déjà cinq décennies pour LITTLE BOB au service du Rock Blues, et du Blues Rock c’est selon, et une grosse vingtaine de réalisations à son actif. Depuis la ‘Story’ jusqu’au ‘Blues Bastards’, le Normand d’origine italienne traverse les époques et les modes avec classe et surtout avec une ténacité exemplaire… à l’image de son talent. Presqu’introuvable aujourd’hui, « Time To Blast » ressort en version dépoussiérée, avec un livret de 16 pages digne de ce nom et un son qui fait honneur à ce bel opus.
LITTLE BOB
« Time To Blast »
(GM Records)
Ben alors ? Je croyais qu’on avait dit pas de rééditions, ni de compilations et de singles (et même d’EP !). C’est vrai sauf qu’il s’agit de LITTLE BOB, l’une des trop rares icônes Rock de ce pays et que « Time To Blast » est sans doute l’un des meilleurs disques du Havrais. Et pour être complet, il n’est plus disponible depuis 15 ans et il a été entièrement remasterisé et bénéfice d’une nouvelle et inédite pochette. Et pour les collectionneurs, en plus de sa sortie en CD, il paraît aussi pour la première fois en vinyle.
« Time To Blast » a vu le jour en mai 2009 sur l’excellent label Dixiefrog et le taureau présent sur la cover originelle en disait déjà long sur son fougueux contenu. Huitième album sous le nom de LITTLE BOB, après la ‘Story’ et avant les ‘Blues Bastards’, il est certainement l’un des plus inspirés tant le Rock rugit à travers un Blues explosif, d’où émanent une sincérité et une authenticité qui sont d’ailleurs la marque de fabrique de notre inépuisable rockeur national depuis ses débuts.
Avec toujours cette empreinte 70’s, LITTLE BOB livre de très bons morceaux sur des rythmes saccadés, des changements de tempo bien sentis, de belles guitares et une basse ensorceleuse. « The Phone Call », « The Scream Inside », « I’m Alive », « Take It As It Comes » et « Ringolevio Is Far Away » prennent aux tripes et à l’âme, tout comme la reprise de « Guilt » de Barry Reynolds que chantait aussi Marianne Faithfull, ainsi que « Devil Got My Woman (I’d Rather Be The Devil) » de Skip James. Pas l’ombre d’une ride !
La pochette originelle de « Time To Blast » sorti en 2009
