Formé il y a seulement cinq ans, à l’aube d’une pandémie qui leur a peut-être donné des idées, KARKARA poursuit sa route, chemine dans les antres du psychédélisme et se frotte au shamanisme musical avec de plus en plus de grâce et d’habileté. Plus inspirée encore, « All Is Dust » est une réalisation pertinente, obsédante et surtout interprétée et composée sans bride, ce qui lui offre et libère un sentiment de totale liberté. Alors, on se laisse aller, on se laisse prendre dans ce flux fantasmagorique et enchanteur… et le voyage est beau, bien que mouvementé ! Il y a même une certaine magie.
KARKARA
« All Is Dust »
(Le Cèpe Records/Exag Records/Stolen Body Records)
« All Is Dust » est typiquement le genre d’album (le troisième du groupe), qui fait plaisir à écouter et à savourer, car il va si bien à l’encontre des préceptes actuels et de cette frénésie à vouloir découper systématiquement un disque en singles, comme pour mieux en supprimer la substantielle moelle. KARKARA m’a donc rendu le sourire. En effet, pour qui déciderait d’en écouter quelques bribes en le parcourant nonchalamment, il passerait complètement à côté, car la démarche entreprise ici relate une quête quasi-survivaliste entre poésie et rage (« Monoliths », « On Edge », « Moonshiner » et ses oiseaux).
Il fait aussi et d’abord préciser que le style du trio s’y prête également très bien. Dans un Psych Rock oscillant entre Stoner et Desert Rock, il nous raconte une histoire, nous guide dans les pas d’un personnage dont l’épopée se comprend, se ressent et se vit justement en écoutant l’ensemble des six morceaux… dans leur entier et dans l’ordre. Ses étapes, ses rencontres et ses combats sont saisissants. Et je ne vous raconterai évidemment pas la fin de cette aventure aux multiples rebondissements narrée par KARKARA, mais la chute est aussi hallucinatoire que radicale et magnifique.
Plutôt que vintage, c’est une saveur rétro-futuriste qui englobe « All Is Dust » à travers de longs morceaux, qui sont nécessaires au déploiement de cette ambiance épique et hypnotique, ainsi que galopante et nerveuse. Très organique dans le son, tout comme dans son jeu, KARKARA jour sur les effets de basse et de guitare, ponctue ses titres de notes de synthés d’un autre temps et avance sur un chant aérien et désespéré aussi. Il se permet même l’incursion d’un saxophone démoniaque (« The Chase ») et d’une trompette solaire qui vient presque sonner le glas (« All Is Dust »). Terriblement humain, bravo !
Entre mystère, sorcellerie et ésotérisme, « All Things Black » ouvre les voies à SATURDAY NIGHT SATAN dans une atmosphère, qui n’est pourtant pas aussi sinistre qu’il n’y paraît. Mené par une frontwoman qui joue sur les contrastes avec une belle assurance et beaucoup de talent, cette nouvelle formation hellène est à la fois un brin vintage dans l’esprit et très actuel dans l’écriture. Metal et Rock, aérien et lourd, le disque des deux architectes à l’œuvre propose une obsédante fusion mélodique, subtile et solide.
SATURDAY NIGHT SATAN
« All Things Black »
(Made of Stone Recordings)
Issu de l’underground athénien, SATURDAY NIGHT SATAN est la rencontre et le fruit du travail d’un duo, qui vient montrer avec « All Things Black » que le Dark Metal de son pays ne manque toujours pas d’imagination et qu’il est bel et bien vivace. Kate Soulthorn (chant) et Jim Kotsis (guitare, basse, chœurs) livrent un premier effort très abouti, bien produit et surtout d’une richesse assez étonnante. Outre les différentes époques passées en revue, les courants Metal, Rock et Hard Rock se fondent brillamment dans un même et seul élan créatif et homogène.
Le duo, qui est complété par un groupe en live, s’était au départ lancé dans ce qui devait rester un projet studio, mais il faut croire que l’avancée de la composition les a fait changer d’avis. Et c’est une très bonne chose ! Le multi-instrumentiste (également membre du groupe de Heavy Metal ‘Black Soul Horde’) et sa chanteuse s’inscrivent dans une mouvance Rock Occult en s’appropriant les codes du cinéma d’horreur et de sa sombre imagerie. Frissons de plaisir garantis avec SATURDAY NIGHT SATAN, dont le spectre musical s’étend aussi à travers le temps dans ses références.
S’appuyant sur les décennies allant des 70’s aux 90’s pour l’essentiel, les Grecques n’en sont pas moins modernes dans leur approche. Certes, la voix féminine n’est pas sans rappeler Lucifer, mais le groupe possède bien d’autres atouts. Nourri de quelques claviers, de sonorités psychédéliques, de thérémine (« Witch’s Dance ») et même de flûte sur l’excellent « Of Love And The Void » qui clôt l’album, SATURDAY NIGHT SATAN provoque la fièvre par des incantations dynamiques et accrocheuses (« 5AM », « Devil In Disguise », « Lurking In The Shadows » « Crown Of Arrogance » et le morceau-titre). Belle première !
C’est par-delà le temps et le monde que SUE FOLEY a décidé de célébrer de grandes guitaristes, plus ou moins connues, mais qui ont marqué par leur talent, leur inspiration et leur technique la place et la présence des femmes dans des registres, où elles se faisaient bien trop discrètes. La songwriter a donc décidé d’emprunter leur chemin, du Mexique à la France en passant par les Etats-Unis, pour leur témoigner son respect et les faire aussi briller de la plus belle des manières. Une reconnaissance saisissante de beauté.
SUE FOLEY
« One Guitar Woman »
(Stony Plain Records)
Blueswoman (très) reconnue et accomplie, SUE FOLEY mène depuis trois décennies une carrière ponctuée de brillantes réalisations en solo, ainsi que de très belles collaborations. Humble et créative, c’est en effectuant des recherches sur ses consœurs pionnières de la guitare que lui est venue l’idée de cet album en forme d’hommage. A travers les époques et les styles, la Canadienne basée à Austin, Texas, remet en lumière ces femmes qui ont marqué l’histoire de son instrument de prédilection et dans une configuration franchement exceptionnelle.
SUE FOLEY ne se contente pas d’un simple tribute. Avec « One Guitar Woman », elle relève plusieurs défis, et non des moindres. Le premier a été d’enregistrer les 12 morceaux en acoustique et avec la même guitare : une flamenco à cordes en nylon, histoire de pouvoir monter en puissance à l’envie. Elle s’est aussi littéralement fondue dans la personnalité unique de ces musiciennes, tout comme dans leur registre. Et elle navigue avec la même habileté et le même feeling dans la Country, la Folk, le Classique, le Flamenco et bien sûr le Blues.
Somptueusement produit, « One Guitar Woman » traverse les chansons de Maybelle Carter, Elisabeth Cotten, Sister Rosetta Tharpe, la Française Ida Presti, Tejano Lydia Mendoza, Geeshie Wiley, Elvie Thomas… SUE FOLEY passe par toutes les ambiances et toutes les sonorités avec une rare authenticité et beaucoup de sincérité. Et si l’on trouve deux instrumentaux, il est impensable de ne pas saluer sa prestation vocale. Là encore, l’adaptation est remarquable et la justesse irréprochable. Grandes parmi les grandes, elle fait jamais autant partie de cette belle sororité.
Retrouvez aussi la chronique de son dernier album solo, « Pinky’s Blues » :
Frais et enthousiaste, ce premier opus complet de BAD SITUATION est peut-être celui que les amateurs de Rock musclé, Heavy et grungy attendaient pour démarrer enfin le printemps de la plus belle des manières. Très groove et même joyeux, les deux musiciens avancent sur un rythme soutenu et de bons gros riffs, soigneusement mis en valeur par une production-maison, qui tient bien la route. « Bad Situation » se dresse dans un esprit live, vivifiant et terriblement addictif.
BAD SITUATION
« Bad Situation »
(Thrash Talkin Records/Klonosphere/Season Of Mist)
Direct et efficace, BAD SITUATION se présente donc avec un premier album éponyme, qui ne manque pas d’énergie. Pour un peu, on en oublierait presque qu’ils ne sont que deux. Aziz Bentot (guitare, chant) et Lucas Pelletier (batterie, chœurs) confirment les bonnes choses entendues sur leur EP « Electrify Me », sorti il y a deux ans. Forcément sans fioritures, ces nouvelles compos s’inscrivent dans un Alternative Rock synthétisant les 30 dernières années. Le panel des références est vaste, mais le rendu très cohérent et carrément pêchu.
On connait l’explosivité des duos dans d’autres registres, mais c’est vrai aussi qu’en termes de Heavy Rock, la basse tient un rôle essentiel et remplir l’espace sonore ne règle pas tout. Et il faut reconnaître que BAD SITUATION s’en sort très bien grâce, notamment, à des guitares très présentes et solides et une bonne balance dans le chant entre le lead et les chœurs. Positifs et dynamiques, les Français distillent avec beaucoup d’entrain des morceaux accrocheurs et se promènent entre Nickelback et QOTSA, le sourire aux lèvres.
Sur un Rock massif flirtant avec le Metal, et malgré quelques touches de Punk californien, BAD SITUATION trouve l’équilibre entre puissance, mélodies entêtantes et refrains fédérateurs (« On My Own », « Fallin’ Apart », « Nothing Lasts Forever », « Echoes », « Won’t Back Home »). La belle ballade « Drown » offre une belle respiration, pleine d’émotion et dotée d’un songwriting imparable. On peut affirmer avec conviction que « Bad Situation » va faire des ravages en concert et guider le public dans une belle communion. Bien joué !
Ce qu’il y a de rassurant avec SHERYL CROW, c’est qu’après une telle carrière, qui a fait d’elle une icone de la musique américaine, elle reste attachée à un style qui lui ressemble tellement et qui rassemble toujours. Country Rock, Pop Folk avec ce charmant zeste bluesy, elle reste authentique et ce même quand elle se retrouve produite par Mike Elizondo (Dr. Dre, Maroon 5), qui n’a pas saisi l’essence de l’artiste et qui l’enrobe de sonorités en plastique, façon centre commercial. Peu importe, on perçoit toujours cette spontanéité et cette personnalité attachante sur un « Evolution », qui mérite bien plus qu’une écoute.
SHERYL CROW
« Evolution »
(Big Machine Label Group)
Elle avait pourtant juré par ses grands dieux qu’on ne l’y reprendrait plus. Qu’enregistrer des disques était dorénavant de l’histoire ancienne pour elle, alors que le très bon « Threads » et sa voie lactée d’invités aussi nombreux que prestigieux venait tout juste de sortir. C’était en 2019. Seulement, se mettre sur pause alors qu’on est tout juste intronisé au légendaire ‘Rock And Roll Hall Of Fame’ l’an dernier a du paraître impossible et insurmontable pour une SHERYL CROW qui a encore des choses à dire, à chanter et à composer… et pas seulement à travers quelques singles distillés en streaming dans les méandres goulus du numérique.
Peut-être aussi que c’est un œil jeté à ses neuf Grammy Awards, qui l’a convaincu de reprendre sa guitare et de s’assoir au piano pour se mettre à l’écriture de ce onzième album ? Car, et c’est peu le dire, « Evolution » est un bon album, qui livre également son lot de surprises, plus ou moins bonnes, mais où l’on retrouve une compositrice toujours aussi sincère, authentique et dont les chansons demeurent aussi fluides et qu’accrocheuses. Pop avec toujours ce fond de Country Folk, le tout enveloppé d’un Soft Rock, SHERYL CROW fait ce qu’elle a toujours fait et en parfaite osmose avec son temps et son époque.
Ce qui peut surprendre à l’écoute d’« Evolution » dans son ensemble, c’est que, finalement, les singles sortis en amont n’en sont pas vraiment le reflet. Le très stonien « Alarm Clock » passe tout seul, le morceau-titre (avec Tom Morello !) est trop produit et froid et le distant « Digging In The Dirt » de et avec Peter Gabriel dénote du reste. Mais SHERYL CROW a suffisamment de métier pour livrer quelques pépites, dont elle a le secret (« Do It Again », « Love Life », « You Can’t Change The Weather », « Waiting In The Wings »). La chanteuse du Missouri garde le sens de la formule, avec des refrains entêtants, et se montre imparable.
Depuis quatre décennies, Peavy Wagner est l’indétrônable fondateur, bassiste et frontman de RAGE, véritable institution outre-Rhin et bien au-delà. Avec près de 25 albums au compteur, sa passion et sa vigueur le guident et donnent ce même élan dévastateur qui constitue son ADN. Fort d’un Power Metal traditionnel très varié, ils sont maintenant trois à nous mener dans cette nouvelle réalisation, « Afterlifelines », très ambitieuse, surprenante et où ils ont vu double !
RAGE
« Afterlifelines »
(Steamhammer/SPV)
Pour fêter dignement ses 40 ans d’existence, RAGE a fait les choses en grand et offre en cadeau à ses fans, « Afterlifelines », un double-album de plus de 90 minutes. Une belle somme de travail que l’on doit à l’inoxydable Peter ‘Peavy’ Wagner aux manettes depuis 1984, à Jean Bormann (guitare) et à Vassilios ‘Lucky’ Maniatopoulos (batterie). Le quatuor est donc désormais trio depuis le départ du guitariste Stefan Weber après la sortie de « Resurrection Day » il y a trois ans. En tout cas, l’envie et la férocité sont intactes.
Produit par ses soins et enregistré dans son propre studio de Leverkusen, « Afterlifelines » combine de multiples courants, sans autant que RAGE ne perde le fil malgré une petite vingtaine de nouveaux morceaux. Les Allemands promettent l’apocalypse et ils s’y tiennent. Sur le premier CD intitulé « Afterlife », on retrouve le combo dans sa formule ‘classique’, basée sur un Power Metal à l’ancienne entre Speed et Thrash. Toujours garant de cette touche très teutonne, Peavy et ses hommes martèlent leur Metal avec conviction.
Le second CD, « Lifelines », est quant à lui très différent musicalement, même si l’identité du groupe est toujours aussi identifiable. La raison principale est la présence du claviériste Marco Grasshoff (AngelInc, PowerWorld), qui est venu orchestrer cette deuxième partie. Sans véritablement tomber dans le Symphonique pur jus, RAGE se déploie sur des arrangements de cordes, de piano et de synthés propres à un Heavy plus souple et mélodique. « Afterlifelines » montre un visage nouveau et très moderne, sans oublier de bien cogner !
Il y a beaucoup de grâce et de malice dans ce « The Muscle Shoals Sessions » que se sont offerts Sharleen Spiteri et le maître de la Soul qu’est le grand Spooner Oldham. Car il s’agit bel et bien d’un cadeau mutuel que partagent les deux artistes. D’ordinaire basé sur une Pop/Rock entraînante, voire Hip-Hop avec le Wu Tang Clan, c’est dans un style très gospélien que les classiques de TEXAS prennent ce magnifique reflet, pas si étonnant quand on y pense, d’une beauté renversante. La rencontre des deux mythes était inéluctable et elle est prodigieuse.
TEXAS & Spooner Oldham
« The Muscle Shoals Sessions »
(PIAS)
Lorsque l’on connait la discographie de TEXAS et surtout la sublime voix de sa chanteuse, il n’y a finalement pas de réelle surprise à voir sortir un album tel que ce brillant « The Muscle Shoals Sessions ». La surprise viendrait même plutôt du nombre d’années à avoir du patienter pour qu’une telle réalisation voit enfin le jour. Car en 35 ans de carrière et du haut de ses 40 millions d’albums vendus avec son groupe, Sharleen Spiteri n’a vraiment plus rien à prouver, alors elle cherche évidemment à se faire plaisir. Et c’est le cas ici avec ce grand Monsieur qu’est Spooner Oldham, pianiste et surtout organiste de génie.
Dès les premières notes de « Halo », la complicité est flagrante et ce n’est qu’un début. Né en Alabama il y a 81 ans, non loin des fameux studios où a eu lieu la rencontre, le musicien américain a joué avec les plus grands de JJ Cale à Neil Young, de Bob Dylan à Linda Ronstadt ou les Everly Brothers. Songwriter reconnu et intronisé au légendaire ‘Rock And Roll Hall Of Fame’, Spooner Oldham incarne le groove avec son jeu à la fois Soul, Bluesy et Gospel. Sur ce fond de Northern Soul, et même si nous sommes dans le Sud, cette collaboration est un petit miracle et le résultat tient de la magie, tant les hits de TEXAS rayonnent.
Photo : Clide Gates
Enregistré à l’été 2022, ce nouvel album, car c’est beaucoup plus qu’une compilation, résonne de ce son si particulier propre aux Studios de Muscle Shoals et notamment le fameux ‘Fame’, que Spooner Oldham connait bien et dont la réputation remonte aux années 60/70, puisqu’il était la source de la Southern Soul américaine. Autour de douze titres emblématiques et deux reprises, Sharleen Spiteri semble guidée par l’orgue, soutenue à l’occasion par des chœurs aussi discrets qu’envoûtants, une basse légère et quelques cordes. Il est étonnant de voir la métamorphose des morceaux de TEXAS dans un style si épuré.
De « Summer Son » à « Say What You Want », « The Conversation », « Black Eyed Boy », « Everyday Now » et l’incontournable « I Don’t Want A Lover », on redécouvre ces chansons si populaires presque mises à nu sous le prisme d’arrangements d’une subtilité inouïe, dans une atmosphère intimiste comme suspendue à la voix enchanteresse, délicate et puissante de la Britannique. Si vocalement, elle sait absolument tout faire, que dire de la prestation pleine de classe de Spooner Oldham que le clavier fait chavirer ? Sa faculté à s’approprier les chansons de TEXAS est fascinante, instinctive et d’une déconcertante élégance. Bravo !
Les Finlandais risquent de devenir la nouvelle attraction Rock de ce printemps avec leur deuxième album, « The Power ». Un mois, presque jour pour jour, avant sa sortie chez Reaper Entertainment, MOON SHOT a déjà laissé échapper les singles « Yes », « Shadow Boxer » « Blackened Spiral » et « The Power », qui mettent le feu aux poudres dans les charts scandinaves et allemands depuis quelques semaines. L’occasion était belle de discuter avec Jussi Ylikoski (guitare/production) et Ville Malja (chant) de ce nouvel opus tout en puissance et en mélodie, qui vient sonner le renouveau de l’Alternative Rock européen.
– Avant l’interview, j’ai réécouté votre premier album « Confession » et la différence avec « The Power » est assez saisissante. Outre la production qui est nettement plus massive, l’intention n’est pas non plus la même. MOON SHOT a surpassé une certaine naïveté à l’œuvre sur le précédent. C’est également votre sentiment ?
Jussi : Tout d’abord, merci pour ta perspicacité. Je pense la même chose. A mon avis, l’écriture des chansons est plus riche et la production est plus sophistiquée sur « The Power ». Nous avons eu la chance de commencer à construire ce nouvel album en nous appuyant sur les acquis du précédent, donc le son et la production sont beaucoup plus délibérés, et cela donne le sentiment d’être moins naïf, c’est vrai.
Ville : Waouh, merci ! C’est bon à entendre ! Je pense que nous avons grandi ensemble en tant que groupe entre « Confession » et « The Power ». La période d’écriture des chansons a été aussi plus longue et très intensive. Nous avons travaillé avec Jussi pendant plus de deux ans sur les chansons de l’album. Et puis, il y a eu le Covid et l’invasion russe en Ukraine en même temps. Tous ces éléments ont un impact direct sur le processus. « The Power » est comme un journal très conséquent, qui raconte ce qui s’est passé au cours des 800 jours environ pendant lesquels nous avons travaillé sur le disque.
– Entre les deux albums, MOON SHOT a beaucoup grandi musicalement, tant dans la composition comme dans le son et l’approche. Quel a été le déclic ?
Jussi : Simplement l’envie d’évoluer et de faire un grand album de Rock, je suppose. En pratique, nous avons travaillé de la même manière et avec les mêmes personnes. Je pense que cela a vraiment payé. De cette façon, nous n’avons pas eu besoin de perdre de temps à chercher une autre manière de faire ou à changer nos habitudes avec un nouveau producteur, etc… J’avais largement le temps pour créer et produire suffisamment de bonnes chansons et vraiment d’en extraire toute la substance.
– Votre Alternative Rock montre une énergie incroyable et il y a même une certaine urgence dans de nombreux morceaux, comme si vous étiez pressés. Et de cette dynamique, il ressort beaucoup de sincérité et l’envie de propager un message très positif. Est-ce que c’est aussi une façon d’affronter l’état actuel de notre société ?
Jussi : C’est bien dit. Je pense qu’une bonne chanson Rock doit accélérer les battements du cœur et vous faire respirer plus vite aussi. Et la sincérité est au centre de MOON SHOT. Cela n’aurait eu aucun sens de faire cela sans être sincère. Nous n’avons pas la volonté, ou le désir, de nous cacher derrière quoi que ce soit, mais tout simplement de laisser les choses se dérouler d’elles-mêmes.
Ville : Bien sûr, et tout le monde peut aussi se cacher derrière un voile d’ironie. Tout le monde peut prendre la pose et crier ‘Fuck You !’. Mais avoir le courage de s’exprimer, d’ouvrir un dialogue et de se tenir sincèrement là où l’on est, et peu importe que cela soit effrayant, inconfortable et dérangeant, c’est ça la vérité. MOON SHOT n’est pas un groupe avec un message politique, mais nous pensons néanmoins que les plus grandes décisions ne peuvent être prises qu’en écoutant notre cœur. Il y a une boussole morale incorruptible en chacun de nous. Nous devons juste être assez courageux pour la regarder en face.
– J’aimerais aussi que l’on parle du son de MOON SHOT. Vous êtes les dignes héritiers des groupes scandinaves qui ont forgé une identité musicale très distincte que l’on retrouve en Finlande, mais aussi chez vos voisins et dans les mélodies surtout. Comment est-ce que la définiriez ? Ça n’a rien d’américain, par exemple…
Jussi : Il y a un fil directeur en matière de mélodies et de progressions d’accords, qui me touche vraiment. Ce décor musical est une combinaison de mélancolie, d’héritage slave avec également une touche moderne.
Ville : Nous essayons toujours de garder les choses simples. Avec Jussi, on a ce dicton : ‘ce n’est pas prêt si on ne peut plus rien ajouter, mais c’est prêt quand on ne peut plus rien enlever’. C’est en quelque sorte notre leitmotiv et la réponse à tous ceux qui s’interrogent sur les chansons de MOON SHOT.
– Toujours au niveau du son, vos morceaux contiennent des riffs puissants et amples, c’est vrai. Et plutôt (peut-être aussi ?) que d’utiliser des claviers ou des samples, il y a beaucoup de gimmicks à la guitare, qui rappellent un peu le jeu de Tom Morello, notamment. Est-ce que, justement, l’objectif est de conserver le son le plus brut et organique possible ?
Jussi : Oui, dans tous les cas. Mais la sensation brute et organique ne sert pas toujours les chansons de MOON SHOT. Il y a donc du temps et de la place pour une production plus scénique avec beaucoup plus de hauteur. Je pense que dans les riffs et les solos de guitare, le brut et l’organique fonctionnent. En tout cas, le style de Tom Morello me tient toujours à cœur.
– On parlait tout à l’heure d’urgence dans le jeu, mais vous avez aussi commencé la composition de « The Power » très peu de temps après « Confession » et les tournées qui ont suivi. C’est dû à la période de pandémie, ou à une créativité débordante amorcée dès le premier album ?
Jussi : Les deux. J’ai dû reporter la sortie de « Confession », car je sentais que j’étais sur une bonne lancée, alors j’ai décidé de profiter de ce temps d’arrêt pour commencer immédiatement à écrire de nouvelles chansons. C’était à l’été 2020.
– Il y a aussi une grande évolution dans l’écriture, qui se veut très fédératrice avec un esprit très ‘Stadium’, comme le veut l’expression consacrée. Si ça peut apporter une certaine intemporalité aux morceaux, cela les inscrit aussi dans une époque précise, non ? Dans un laps de temps défini… C’est assez paradoxal, finalement ?
Jussi : (Rires) oui ! Je suis un enfant de la scène Rock alternative et Punk/Hard-Core des 90’s et du début des années 2000. Cet héritage est profondément ancré en moi. Je pense que cela s’entend dans les chansons que j’écris, aussi ‘intemporelles’, soient-elles.
Ville : Je crois que l’intemporalité est quelque chose que l’on ne peut pas atteindre. Il n’y a pas de recette pour que les choses durent. La seule façon d’y parvenir est de faire de notre mieux et toujours un peu plus. La composition et les paroles impérissables sont toujours réalisées avec la plus haute qualité, et elle vient de l’aspect le plus sincère et le plus fidèle de l’artiste. On ne peut pas trop le concevoir ou le diriger, il suffit de s’y mettre et de respirer à travers les chansons et les paroles. Et avec un peu de chance, le résultat sera un jour de cette qualité.
– Pour « The Power », vous avez été particulièrement investi dans la production, surtout toi Jussi. L’objectif était d’obtenir le son que tu voulais dès le départ, ou est-ce que tu as découvert des possibilités qui t’ont permis de donner encore plus d’ampleur aux morceaux avec ce côté très live également ?
Jussi : Il y a eu beaucoup d’apprentissage et de découverte de nouvelles possibilités musicales et de production tout au long du processus de création de « The Power ». Ma vision globale du son était déjà assez claire au début, mais nous avons découvert de nouvelles et de meilleures façons de mettre cela en pratique au fur et à mesure que les choses avançaient. Dans la phase de post-production, nous avons répété les chansons plusieurs fois et nous avons trouvé des choses à améliorer à chaque fois. Chanson par chanson et petit à petit.
– Jussi, tu as déclaré que la composition de « The Power » était le fruit d’un long travail de deux ans, depuis l’écriture jusqu’à l’ultime touche finale de la production. Quelles ont été les étapes marquantes de ce long processus pour vous ?
Jussi : La première étape à la fin de la deuxième session à l’E-Studio à Sipoo, en Finlande. A ce moment-là, nous nous sommes concentrés uniquement sur l’enregistrement de la batterie. Et nous avons fini par apporter des changements assez importants aux structures des chansons. En sortant de là, j’ai senti que nous avions pris de bonnes décisions en matière d’écriture et que nous avions de superbes prises de batterie enregistrées. Je sentais que tout allait très bien fonctionner, donc c’était une grande victoire.
La deuxième étape a été lorsque Juppu (Julius Mauranen, qui a mixé et coproduit l’album – NDR) et moi avons terminé le mixage final du premier morceau. C’était après une longue et exigeante période de post-production et d’enregistrements de guitare. Même si nous avions encore un long chemin à parcourir, je savais que j’avais la recette d’un mix Rock de classe mondiale pour MOON SHOT.
Enfin, la troisième étape a été celle où nous avons terminé les mixages finaux des 15 chansons.
– Enfin, vous êtes tous les quatre des musiciens expérimentés qui avez joué au sein de Children Of Bodom, Disco Ensemble et Lapko. Est-ce qu’avec MOON SHOT, vous êtes parvenu à accomplir ce que vous attendiez d’un groupe en votre for intérieur et de votre vision du Rock en particulier ?
Jussi : Je pense que c’est un miracle en soi que ce groupe existe et que j’ai la deuxième chance de vivre le moment de créer quelque chose à partir de zéro, de ressentir et de partager cette excitation. Pour moi, le véritable accomplissement est de trouver du sens et de la passion dans la création, la lecture de la musique et de rester inspiré. Le reste suit, quoi qu’il en soit.
Ville : Quand j’étais adolescent, je rêvais de partir en tournée à l’étranger, de me réveiller dans le bus et de rire beaucoup. C’est exactement ce que nous faisons en ce moment. D’une certaine manière, MOON SHOT est un miracle. Aucun de nous n’a vu venir ce groupe, mais nous y sommes. Il est un parfait exemple de la façon dont les plus belles choses arrivent par accident. Mais après ces moments miraculeux, il reste encore beaucoup de travail à faire. En ce qui concerne ce que nous pourrions encore réaliser. Je crois honnêtement que nous n’en sommes encore qu’au tout début. Cette fusée est sur le point de s’envoler encore bien plus haut bientôt ! (Sourires)
MOON SHOT sortira son deuxième album, « The Power », le 26 avril chez Reaper Entertainment.
L’une des particularités de THE QUILL est de savoir proposer à chaque réalisation un Hard Rock hyper-Stoner qui fait aussitôt penser à un véritable travail de groupe. On sent ses membres tellement soudés que l’on s’éloigne des productions actuelles, où les compositions semblent plus tenir de la performance que de l’œuvre créative. « Wheel Of Illusion » est cru, mélodique, brut et non dépourvu de beaux arrangements. Et c’est cette unité entre les vétérans du Rock, qui transpirent sur chaque note et qui les distingue encore aujourd’hui.
THE QUILL
« Wheel Of Illusion »
(Metalville Records)
A l’aube de ses 30 ans de carrière, THE QUILL sort son dixième album et les Suédois se montrent toujours aussi solides et inspirés. « Wheel Of Illusion » fait suite au très bon « Earthrise », sorti il y a trois ans, et qui était terrassant à bien des égards. Le quatuor enfonce le clou, grâce à un Heavy Stoner Rock original. Si la base reste Hard Rock avec des teintes 70’s, le style de la formation nordique s’engouffre dans un registre qui dépasse les époques et les tendances en se distinguant brillamment, grâce à une originalité et un son qui la rendent immédiatement identifiable.
L’aspect rétro-futuriste encore à l’œuvre sur « Wheel Of Illusion » fait toujours plus l’effet d’une petite bombe que celui d’une madelaine de Proust. Inventif, le quatuor continue d’envoûter et d’assener ses compos avec force et vigueur. Au chant, Magnus Ekwall se montre impérial, capable d’autant de douceur que de force. THE QUILL puise justement son originalité dans ce contraste et cette dualité entre l’aspect planant d’un Stoner Psych et des accélérations très Metal. Solide, la rythmique donne le ton et Christian Carlsson distille ses riffs et ses solos avec une ferveur constante.
Poussé par une énergie folle, les Scandinaves poursuivent leur voyage musical mouvementé débuté en 1995 et, plus surprenant, parviennent sans mal à réinjecter autant de puissance que de dynamisme à un genre très maîtrisé, qui va puiser chez ses pionniers. Dès le morceau-titre en ouverture, THE QUILL affiche ses ambitions et se montre imparable sur « Elephant Head », « L.I.B.E.R. », « The Last Thing » avant l’ultime assaut « Wild Mustang », véritable pièce maîtresse de ce nouvel opus. Conquérant et accrocheur, « Wheel Of Illusion » recèle de quelques trésors et devrait enflammer les prochains concerts.
Originaire d’Antwerp (Anvers pour nous autres), SCAVENGER ressuscite avec panache d’une hibernation de quelques décennies et fait même son retour sous une formation entièrement remaniée. Avec une chanteuse à la fois fédératrice et captivante, le combo continue de marier avec la manière le Heavy de la NWOBHM, et donc des 80’s, avec un Hard Rock du même cru et quelques passages Speed Metal. Autant dire un vrai bain de jouvence pour certains et une belle initiation pour la jeune génération. Avec « Beyond The Bells », les Diables Rouges sonnent le tocsin avec force !
SCAVENGER
« Beyond The Bells »
(No Remorse Records)
Depuis la pochette de l’album jusqu’au look des musiciens et forcément à travers la production, SCAVENGER fait plus que jouer la carte du Old School et du vintage : il le vit totalement. Avec une histoire chaotique due surtout à l’arrêt des activités de son premier label, Mausoleum Records, les Belges se sont éclipsés de 1986 à 2018. Une très, très longue pause, qui se traduit par une nouveau line-up, mais aussi par un souffle nouveau, qui redonne une vigueur pleine de fraîcheur à un style d’une éternité incontestable. Pas d’accélération Power Metal, pas de lignes de violons symphoniques : juste du vrai Metal !
Malgré un retour aux affaires pourtant impulsé par les membres originels Marc Herremans à la guitare et le batteur Luc Ebinger, ceux-ci quittent le groupe juste après la sortie du single « Backslider » en 2020. Place nette donc pour ce deuxième effort de SCAVENGER, où l’on retrouve tout de même les bases posées en 1985 sur « Battlefields ». Depuis quatre ans, c’est donc un quintet entièrement refondé, qui a repris le flambeau et de très belle manière. Il est toujours question d’hymnes à la NWOBHM, de fulgurances Speed Metal et de refrains Hard Rock entêtants et accrocheurs. Et « Beyond The Bells » claque avec classe !
Sur une intro de près de deux minutes, SCAVENGER annonce la couleur : elle sera puissante et mélodique. Mené de main, et surtout de voix, de maître(sse) par sa frontwoman Tine ’Lucifera’ Callebaut, on y retrouve quelques clins d’œil à sa compatriote d’Acid, ainsi que du côté de Warlock, ce qui fait toujours très plaisir. Le nouveau duo de guitaristes réalise un travail de dingue, entre riffs tendus et solos millimétrés (« Black Witchery », « Watchout ! », « Streetfighter », « Hellfire », « Crystal Light »). Nos amis du ‘Plat Pays’ nous régalent, se font plaisir et, finalement, n’est-ce pas ce que l’on attend d’un bon album de Heavy Metal ?
