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Nina Attal : la guitare au cœur [Interview]

A mi-chemin entre Rock, Pop, Blues, Folk et Americana, NINA ATTAL trace sa route depuis plus d’une quinzaine d’année et elle semble avoir trouvé une belle allure de croisière. A quelques jours de la sortie de son cinquième  album, « Tales Of A Guitar Woman », la guitariste et chanteuse affiche la sérénité d’une artiste accomplie et toujours en quête de renouveau et de découverte. Ce nouvel opus en est le parfait exemple, puisqu’il parcourt les styles qu’elle affectionne en mettant en lumière son instrument de prédilection avec beaucoup de délicatesse et une fougue jamais très loin. Entretien avec une musicienne passionnée, sincère et qui fait fi des frontières musicales pour mieux suivre sa voie.

– Comme son titre l’indique, « Tales Of A Guitar Woman » est un album de guitariste, mais où tu te mets véritablement au service des chansons. On est loin de quelque chose de démonstratif et tu alternes l’électrique et l’acoustique avec du dobro, de la slide, une guitare 12 cordes, etc… Musicalement, l’idée première était-elle de jouer le plus large éventail possible ?

C’est exactement ça, j’avais envie de mettre mon instrument au centre de l’album. J’ai voulu élargir la palette sonore de la guitare, d’autant que depuis quelques années, leur nombre a bien augmenté chez moi. L’idée était de montrer un peu tout ça. Et c’est très joliment dit quand tu dis que je me suis mise au service des chansons, car c’est vraiment mon instrument qui m’inspire. Je me laisse toujours guidé par ce que j’ai en main. Je suis entourée de toutes mes guitares et lorsque j’en prends une, cela peut être le dobro, la douze cordes ou une autre et je me laisse un peu mener par l’instrument. Les chansons se fondent dans ce côté guitaristique. Et puis, j’aime bien chiader un peu mes parties, que ce soit un peu complexe, sans que ce soit forcément très technique, mais aller au-delà de trois accords. Je suis guitariste avant tout. J’aime aussi me dire que je me challenge à jouer mes parties en même temps que de chanter et que tout cela forme une jolie chanson avec des aspects plus Pop, plus Folk ou Rock, selon les envies.

– Chacun de tes albums est différent dans son approche, même si tous se baladent autour du Blues et on te reconnaît immédiatement. Est-ce que tu considères chaque disque comme une sorte de défi à travers lequel tu te dévoiles un peu plus à chaque fois ?

Oui et c’est vrai qu’un album est toujours un morceau de vie, car l’idée est aussi de partir en tournée avec ensuite. Ça te caractérise à l’instant où tu le fais. Il y a toujours un challenge, même si à la base, tu fais de la musique pour qu’elle soit écoutée. Ce n’est pas une question d’ego-trip, même si certains sont là-dedans. Mais, pas moi. (Rires) Tu as toujours envie de faire mieux que ce soit dans la guitare, dans le chant ou le songwriting. Au final, je me suis aperçue au fil du temps que j’avais de moins en moins besoin et envie de fioritures. J’ai le désir d’être plus brute et authentique dans ma manière de m’exprimer et c’est ce que j’essaie de faire. C’est vrai que maintenant, je compose guitare-voix, seule et mes chansons sortent comme ça. Cela m’aide à concrétiser ma musique dans une forme plus épurée vers laquelle je tends de plus en plus.

– Même si « Tales Of A Guitar Woman » traite de sujets parfois douloureux, je le trouve d’une grande douceur avec ses moments plus fougueux aussi. Il dégage beaucoup de sérénité. Est-il le reflet de ton état d’esprit actuel, ou du moins de celui qui t’animait lors de sa composition ? Je le trouve presque zen dans ses sonorités…

Oui, c’est ça. Tu sais, on vieillit. Maintenant, j’ai 33 ans et, forcément, je suis plus sereine et plus en adéquation avec moi-même. Ma vie va aussi dans ce sens. Là, on parle et je suis devant les montagnes en Suisse. Il y a aussi une forme de sérénité là-dedans, même si les sujets de l’album sont très intimes. C’est ce que j’aime faire dans mes chansons : raconter des choses à la fois très personnelles et qui fassent aussi écho en chacun de nous pour que l’auditeur puisse également s’y retrouver. L’album est en adéquation avec des questionnements que tout le monde peut avoir aujourd’hui sur l’état du monde. Cela peut être l’environnement, les guerres qui se déroulent autour de nous ou des choses plus immédiates comme la maladie d’un proche, par exemple. Je ne voulais pas, non plus, que cela soit déprimant, car il y a toujours une lueur d’espoir. C’est d’ailleurs pour ça qu’on fait de la musique. Et tout ça est aussi représentatif de la personne que je suis aujourd’hui.

– Cette fois aussi, tu renoues avec des chansons en français (« L’hiver », « Jimmy » et « Pas La Peine »), ce qui était aussi le cas sur ton EP « Verso » en 2016, ainsi que sur l’album « Jump » deux ans plus tard. Quel est a été le déclic ? Un désir de retrouver d’anciennes sensations, ou plus simplement de t’exprimer dans ta langue maternelle ?

Il y a un peu de tout ça. J’ai une relation très simple avec le français. Quand je compose un morceau, j’entends la sonorité des mots et quand mon instinct me mène vers le français, je le fais. Je ne me pose pas trop de questions à ce niveau-là, quant à savoir s’il faut que l’album soit en français, en anglais ou moitié-moitié. Est-ce que ça va marcher, ou pas… Je pense que si tu ne le fais pas naturellement, ça ne fonctionne pas. En fait, je me pose avec ma guitare et certaines sont venues en français. Et puis, utiliser sa langue maternelle permet aussi de parler d’autre chose avec peut-être moins de filtres et de barrières. Je suis contente de ça. J’ai aussi une relation plus fusionnelle avec l’anglais, car mon compagnon ne parle pas français et ma langue du quotidien est devenue l’anglais depuis cinq ans. Je développe une relation plus intime avec l’anglais.

– D’ailleurs, qu’est-ce qui change dans le processus d’écriture ? Est-il le même en français et en anglais ? Ou est-ce que l’approche est assez éloignée, car les mots sonnent différemment également ?

Je ne saurais pas trop t’expliquer. Je pense que ça vient beaucoup des accords que tu choisis et de ta mélodie. On a tous une oreille musicale et je pense que certaines sonorités nous amènent inconsciemment vers des choses que l’on connait comme la chanson française, par exemple, qui sont en nous et qu’on a entendues dans notre vie. Quand je chante en français, j’essaie de ne pas trop me rapprocher de ces ‘clichés’, car ce n’est pas vraiment ma musique. Et puis, je pense aussi que ça marche, parce que la musique peut avoir des sonorités plus Americana, ou même Country, et qui vont aller à l’encontre de ce qu’on peut attendre d’une chanson en français. C’est ma vision de la chose ! (Sourires)

– Tu as écrit et composé seule l’ensemble de ce nouvel album. C’est important pour toi de rester seule aux commandes, même si Gunnar Ellwanger et Mathieu Gramoli qui le co-produit avec toi ont participé à son élaboration finale ?

C’est déjà ce que j’avais fait pour « Pieces Of Soul » en 2021 et c’est quelque chose sur laquelle je ne reviendrai pas. C’est hyper-important que je commence le processus de composition seule, parce que c’est comme ça que je me sens libre de m’exprimer et d’être aussi la plus authentique possible dans ce que je fais. C’est ce que je vais proposer aux gens et il faut que ce soit 100% moi. Et c’est la meilleure manière de l’être. En général, je compose la chanson en guitare-voix jusqu’à ce qu’elle fonctionne comme telle. Ensuite, je fais une maquette sur ordinateur où j’ajoute la batterie, la basse et les claviers. Puis, le processus d’arrangement est très important avec les musiciens, car ils le font beaucoup mieux que moi. Il faut que les morceaux les inspirent pour qu’ils amènent leur propre touche. Mon objectif est que ce soit suffisamment bien composé pour que ce soit évident pour tout le monde dans la manière dont la chanson doit être jouée. Gunnar m’aide aussi pour les paroles, même si j’ai déjà les thèmes et les grandes lignes. Il peaufine un peu les paroles pour exprimer au mieux ce que j’ai à dire. Avec Mathieu, nous avons co-produit l’album ensemble et là, il s’agit d’enregistrement des instruments, du son et globalement de ce vers quoi on va aller. J’arrive avec des références et on essaie de développer tout ça ensemble pour que ça fasse une belle unité et un bel album. C’est important d’avoir des gens qui ont un peu plus de recul que moi.

– Lorsque l’on prend « Tales Of A Guitar Woman » titre par titre, on constate qu’il s’articule autour de 13 histoires différentes. C’est un schéma que l’on retrouve aussi dans l’Americana. C’est un registre qui a été une source d’inspiration cette fois, au moins dans les structures des morceaux ?

Oui, c’est une idée qui était assez claire dans ma tête depuis le départ. Je voulais vraiment que chaque chanson raconte l’histoire d’un personnage. Elle contienne d’ailleurs toutes le nom d’un personnage que ce soit Ben ou Suzy, par exemple. C’est à travers eux que je raconte des histoires personnelles. C’est une source d’inspiration que l’on retrouve aussi chez Lou Reed, Bob Dylan, David Bowie, Billy Joel et beaucoup d’autres. C’est une façon de raconter des histoires à travers les chansons. Ce processus m’a toujours beaucoup inspiré et je voulais le retranscrire dans cet album.

– Autre nouveauté sur l’album, on te retrouve en duo à deux reprises avec Victor Mechanick sur « Missed Something » et « Pas La Peine ». Même si tu es une habituée des collaborations, c’est plus inédit sur tes albums. Comment sont nées ces chansons avec cette envie d’en partager le chant ?

On se connaît depuis longtemps avec Victor. On s’est souvent croisé sur la scène parisienne avec nos amis Yarol Poupaud, Raoul Chichin et quelques autres. J’aime beaucoup ce qu’il fait sur son projet personnel. Cela faisait longtemps que l’idée me trottait dans la tête. Quand j’ai fini l’album avec Mathieu, nous nous sommes dit que ce serait sympa qu’il partage le titre « Missed Something » avec moi. La chanson était déjà composée et il est venu la chanter en studio. C’était cool et on s’est dit que c’était dommage qu’on n’écrive pas un titre ensemble. On a pris nos guitares en essayant d’écrire quelque chose et voir ce que cela donnait. On est parti sur une grille d’accords, puis sur des idées différentes et cela s’est fait assez rapidement. Ensuite, on s’est chacun mis dans un coin de la pièce pour écrire nos paroles, je faisais le couplet et lui le refrain. Et ce qui est drôle, c’est que nous ne nous sommes pas du tout concertés, ni donné de thème, de mot ou de champ lexical, et pourtant on avait pris la même direction. On a gardé la chanson, on n’a rien touché et on l’a enregistré comme ça. Et c’est devenu « Pas La Peine ». Ca fait partie des petits moments magiques en studio, c’est très sympa ! (Sourires)

– Un petit mot également au sujet de l’aventure ‘Electric Ladyland’. En t’écoutant attentivement, on perçoit facilement l’empreinte de Jimi Hendrix sur ton jeu, mais ce qui rend unique ce projet, c’est que le groupe est entièrement féminin. C’est important pour toi de faire vivre cette belle sororité sur scène ? Même si le mot est aujourd’hui un peu galvaudé…

Oui et ce qui était important pour nous, c’était de faire une sorte de pied de nez pour dire qu’il y a beaucoup de femmes qui savent très bien jouer du Rock’n’Roll en France. Et le projet hommage à Jimi Hendrix est aussi un challenge en soi, car c’est l’un des plus grands guitar-heros. Ca peut faire peur et il n’y en a d’ailleurs pas beaucoup qui s’y frottent ! (Rires) Techniquement et musicalement, ce n’est pas évident. On connaît toutes les chansons et on a toutes essayé de les jouer adolescentes. Alors aujourd’hui, les jouer sur scène et rendre un bel hommage à Jimi est quelque chose qui nous rend fières. En ce qui concerne ce groupe entièrement féminin, c’est quelque chose qui nous tenait vraiment à cœur, car on souhaitait mettre les femmes en avant, les femmes talentueuses. Et c’était aussi l’occasion de mettre en lumière des musiciennes qui n’ont pas forcément leur projet à elles en tant que lead, qui sont accompagnatrices, pour les mettre au centre d’un projet. Il y a Antonella Mazza à la basse, Laëza Massa à la batterie, Léa Worms aux claviers, … Ce sont de super musiciennes et c’était important qu’elles soient très centrales, d’autant qu’elles ont une belle carrière. Alors, même si le côté ‘femmes sur scène’ est un concept en soi, l’idée est quand même de venir nous voir en concert et de vite oublier ça ! L’essentiel est de kiffer la musique et de trouver que c’est un bel hommage à Hendrix. En tout cas, on s’amuse beaucoup sur scène, on tourne toujours et n’hésitez surtout pas à venir nous voir !

– Enfin, ce qui peut paraître étonnant, c’est que tu ne sois pas signée sur un label. On a d’ailleurs de plus en plus le sentiment que beaucoup d’artistes souhaitent évoluer en marge de l’industrie musicale traditionnelle. C’est vrai aussi que les plateformes ont bouleversé la donne, et pas forcément en bien. Cela dit, l’indépendance est-elle le salut pour de nombreux musiciens comme toi ?

Vaste sujet ! Je pourrais t’en parler des heures. Tout d’abord, cet album est co-produit par mon batteur Mathieu Gramoli et il sort sur son label LVCO, qui est indépendant. J’ai pu avoir des rendez-vous avec des gros labels ou des gens intéressés par le passé. Malheureusement, ce sont toujours des gens qui veulent te changer, te façonner à une image qui n’est pas la tienne. Cela fait 16 ans que je fais ce métier avec des valeurs et des choses auxquelles je crois. Donc, répondre à certaines attentes dans ce milieu n’est même imaginable pour moi. On essaie de vivre, parfois même de survivre, on ne va pas sentir, dans cette industrie qui est bien chargée. Se faire une place sur les plateformes est très difficile vu le nombre de sorties quotidiennes. Alors, je joue le jeu en sortant des singles en streaming, car on ne peut pas aller non plus à l’encontre du système. Mais je pense que si mon projet dure depuis si longtemps, c’est parce que tout ça est ailleurs et notamment chez ma fan-base, les vrais gens qui me suivent depuis 16 ans. D’ailleurs, on a co-produit l’album avec Mathieu, mais il a aussi été soutenu par les KissKissbankers via un financement participatif. Je me suis vraiment rendu compte à quel point les gens me suivaient et étaient au rendez-vous quand il fallait l’être. Ça m’a beaucoup ému et touché. La vraie vie se passe sur scène, sur la route et c’est là que tu vois à quel point ton projet peut durer dans le temps. On essaie de construire les choses sur la durée et pas en créant le buzz. Mais on doit aussi s’adapter pour suivre une certaine cadence. Et il faut continuer ce métier avec passion et en se faisant plaisir aussi. Et la démarche de sortir un album complet est également une chose très importante à laquelle je tiens beaucoup, même si ça peut paraître aujourd’hui un peu obsolète. L’idée est vraiment de fédérer des gens autour de la musique et ça, c’est cool et plutôt gratifiant.

L’album de NINA ATTAL, « Tales Of A Woman Guitar », sera disponible le 28 mars chez LVCO et vous pouvez précommander le vinyle et le CD en suivant les liens ci-dessous :

TALES OF A GUITAR WOMAN – NINA ATTAL (33T)
TALES OF A GUITAR WOMAN – NINA ATTAL (CD)

Photos : Marvin Trummer (1, 2, 5, 6) et Sébastien Toulorge (4)

Et retrouvez aussi la chronique de « Pieces Of Soul » :

Nina Attal : rayonnante de feeling
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Grunge Stoner Rock

The Boy That Got Away : une fuite en avant

C’est encore avec une grande discrétion que THE BOY THAT GHOT AWAY présente son quatrième effort, un peu comme s’il voulait s’éviter une trop forte exposition, une lumière aveuglante. Pourtant, le potentiel est énorme, le style racé et costaud et « Peacetime » devient même très vite addictif. Jouant sur la densité du Stoner Rock et l’intensité émotionnelle du Grunge originel, les musiciens évitent pourtant les sonorités trop 90’s et s’inscrivent même parfaitement dans leur temps. Solide, nerveux et accrocheur, il est difficile de ne pas succomber à cette authentique immersion hyper-Rock.

THE BOY THAT GOT AWAY

« Peacetime »

(Independant)

La pochette est ténébreuse, vierge de toute indication sur le nom du groupe et le titre de l’album. Et cela caractérise finalement assez bien la démarche très DIY et indépendante des trois Danois. Pourtant, cela fait maintenant plus de dix ans que THE BOY THAT GOT AWAY œuvre à l’explosion de son Stoner Grunge graveleux et massif. On peine à croire que le reste du monde ne s’en soit pas aperçu un peu plus tôt. Car « Peacetime » est tout de même le quatrième effort du power trio et la maîtrise et l’intelligence des morceaux sont incontestables et captivantes.

Dès « Influx », titre d’introduction instrumental qui vient poser l’ambiance, THE BOY THAT GOT AWAY instaure un climat d’une grande froideur. Enregistré, mixé et produit par Tue Madsen, la production se veut brute et très organique. Pas de superflu donc et encore moins d’effets de manche, le morceau-titre ouvre les hostilités et la puissance affichée montre un combo expérimenté et décidé. L’impression d’un Desert Rock typiquement nordique s’entend peu à peu pour nous envelopper d’une harmonie étonnamment familière et attachante, malgré un propos assez noir.

Sombre et emprunt de mélancolie, il se dégage pourtant une force incroyable de « Peacetime », due à un groove épais oscillant entre colère et quiétude. Bien sûr, THE BOY THAT GOT AWAY rappellera les premiers QOTSA avec des clins d’œil à Soundgarden, mais c’est sans compter sur l’originalité des Scandinaves. Car, quand ils lâchent les chevaux, le ton monte et les décibels grimpent en volume (« Sleepwalker », « The How », « Aesel », « Homecoming »). Et c’est la chanson semi-acoustique chantée en danois, « Boy », qui vient clore cette belle réalisation. Enthousiasmant !

Photo : Morten Rygaard

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Blues Rock Classic Rock

Ellis Mano Band : polymorphe

Un pied dans un Blues très actuel et l’autre dans un Classic Rock intemporel, ELLIS MANO BAND continue sa belle aventure en se dévoilant un peu plus sur ce quatrième opus, où il semble avoir digéré les nombreuses références qui rassemblent les cinq musiciens. Et le style n’en est pas plus resserré pour autant. Au contraire, « Morph » montre un visage aux multiples facettes, tout en se faisant très rassembleur et sans perdre le sens très affiné et raffiné de son jeu. Les disques de ce calibre se font rares et lorsqu’ils montrent autant de facilité et d’évidence dans le jeu, cela devient une réelle gourmandise, dont on dévore chaque miette.

ELLIS MANO BAND

« Morph »

(SPV Recordings)

Après un somptueux album live en mars de l’année dernière (« Access All Areas »), ELLIS MANO BAND est cette fois retourné en studio pour y enregistrer son quatrième album. Et la formation internationale y a encore fait des merveilles. Très inspirés, les cinq musiciens font parler l’expérience et se présentent avec dix nouveaux titres, plus un morceau enregistré en public, « The Fight For Peace », petit chef d’œuvre de sept minutes. Et les surprises se succèdent, tant le groupe du chanteur Chris Ellis et du guitariste Edis Mano sort de son habituel Blues Rock. Une façon aussi de franchir certaines frontières musicales et de se faire plaisir sans rien se refuser. Et avec autant de talent, tout paraît si simple et spontané.  

Car si ELLIS MANO BAND œuvre pour l’essentiel dans un Blues très contemporain sur « Morph », il n’hésite pas très longtemps à prendre le parti d’un Classic Rock solide et enlevé, histoire aussi d’appuyer son propos comme sur le génial « For All I Care » ou « Countdown To Nothing ». Les Suisses montrent une incroyable variété dans les ambiances, et ce n’est pas pour déplaire à leur frontman, qui livre une prestation entre émotion et pleine puissance (« Scars », « Virtually Love »). Le jeu d’Edis Mano est, quant à lui, toujours aussi virtuose. Le six-cordiste reste d’une dextérité et d’une fluidité absolue et se garde bien de ne pas tomber dans le démonstratif, malgré une technique souvent très impressionnante.

Toujours justes et jamais superflus, les claviers portent les mélodies, tandis que la rythmique élève un peu plus ces nouvelles compositions, comme sur « Madness And Tears » qui n’est pas sans rappeler un certain David Bowie, preuve s’il en est qu’ELLIS MANO BAND est à son aise dans des registres où on ne l’attend pas forcément.  Il est question de délicatesse aussi, bien sûr, quand le quintet se fait plus Blues (« Count Me In », « 20 Years », « Stray »). Un mot aussi de la très belle production de « Morph » qui, parfaitement équilibrée, dévoile au fil des écoutes des arrangements d’une grande finesse et des variations sonores assez stupéfiantes. Les Helvètes placent la barre toujours plus haut avec beaucoup de naturel.

Photo : Tabea Hüberli

Retrouvez la chronique de leur précédent album live :

Ellis Mano Band : un moment de grâce
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France Southern Rock

Diesel Dust : raw gasoline [Interview]

Bientôt deux décennies que les Lyonnais de DIESEL DUST distillent leur Southern Rock à travers l’hexagone. Sorti l’an dernier, « Just Another Day… » est probablement l’album le plus abouti du sextet, tant dans la qualité des compositions que dans sa production très soignée. Guitariste et fondateur du groupe, Raphaël Porcherot est l’un des garants de ce temple aussi rassembleur que généreux, et où les guitares rivalisent avec un harmonica devenu aussi emblématique de sa couleur musicale. Tout en revendiquant des références américaines, le groupe a également su trouver ses marques pour devenir une valeur sûre de la scène française. Entretien avec le principal compositeur d’une formation fraîche et pêchue.  

– Il y a un peu moins d’un an, DIESEL DUST sortait son troisième album complet près de 20 ans après « Ghost Dance » en 2006. C’est un disque positif et volontaire, qui résume finalement assez bien votre parcours et votre état d’esprit, je trouve. Est-ce aussi ton sentiment : des passages d’obstacles et l’envie comme moteur ?

Oui, je pense que cela résume exactement l’état d’esprit du groupe. Le retour de DIESEL DUST puise son fondement dans le confinement dû au Covid et les épreuves qui lui ont été liées. Isolement, enfermement, décès, etc… Pendant cette période difficile, j’ai écrit et composé quelques morceaux pour dire les choses et évacuer les idées noires, particulièrement le décès de mon père. Ce sont ces premiers morceaux qui m’ont fait décrocher le téléphone et demander à Nico (l’harmoniciste – NDR) si ça lui disait de reprendre le groupe. Sa réponse a été immédiate et positive. Ainsi, l’écriture a continué avec cette envie viscérale d’entendre à nouveau le groupe déverser son Rock. Bon, nous faisons du Rock en France, qui plus est du Southern Rock, alors les obstacles sont nombreux. Mais l’envie est à son maximum ! (Rires)

– Justement, le Rock Sudiste en général a quelque chose d’intemporel qui vient de ses fondations-mêmes. Etonnamment, c’est la réflexion que je me suis faite en écoutant « Ghost Dance », puis « Just Another Day… » dans la foulée. Il y a une réelle continuité dans le son comme dans les morceaux. Est-ce le fruit d’une démarche artistique qui s’est imposée d’elle-même et qui résume l’essence de DIESEL DUST ?

L’intemporalité nous sied à merveille, elle permet d’effacer, en quelque sorte, ces années pendant lesquelles nous avons mis le groupe au repos. (Sourires)  La continuité dans le son, les messages et l’expression de DIESEL DUST ont plusieurs facteurs. Le fait que je sois jusqu’alors le seul à écrire et composer en est un. Mais le groupe fonctionnant comme une famille, on trouve un équilibre certain en live, dans la vie en général et bien entendu lorsqu’il s’agit des arrangements des morceaux. C’est la source de notre couleur artistique. Enfin, la volonté de vouloir respecter le style, avec ses origines multiples teintées de Blues, de Country et de Rock, oriente notre musique vers une véritable signature sonore qui fait que DIESEL DUST se reconnait facilement et est accepté par tous comme un véritable combo Southern Rock.

– Raphaël, tu es le principal compositeur du groupe depuis ses débuts. On peut donc affirmer que DIESEL DUST porte ton empreinte. Pourtant, vous êtes six musiciens. Es-tu le seul à avoir des velléités d’écriture, et est-ce que certaines structures ou arrangements peuvent aussi se faire de manière collégiale parfois ?

J’ai effectivement écrit l’intégralité des précédents albums, mais la nouveauté avec le line-up actuel fait que les membres de DIESEL DUST ont aussi des velléités de composition. Nous sommes donc actuellement dans une démarche de création musicale de groupe et c’est un plaisir fantastique que d’être ensemble à chercher des idées et les mettre en forme. Cela va enrichir d’autant la palette ‘Dieseliste’ et promettre un futur album encore plus enraciné dans la continuité moderne de notre son et de nos influences diverses. Je pense que nous allons intégrer ces nouvelles compos à la setlist des lives au fur et à mesure de leur finition, afin de les présenter au public.

– Comme presque toujours dans le Southern Rock, les parties de guitares sont essentielles et DIESEL DUST ne déroge pas à la règle. Outre les riffs, les solos sont primordiaux et vous n’êtes pas en reste, loin de là. Ils font d’ailleurs souvent l’objet de beaux duels sur scène. Est-ce que vous les travaillez dans ce sens avec une marge d’improvisation pour les concerts ?

Plus que des duels, ce sont de véritables voyages en communs que représentent les chorus et les questions-réponses des solos. C’est l’un des aspects magiques indéniables du Southern Rock. Les chevauchées solistes des instruments sont permises et encouragées, comme à l’époque de ses origines, dans les 70’s. Il suffit d’écouter un live des Allman Brothers ou le « Free Bird » de Lynyrd Skynyrd pour l’entendre. Cela permet à chacun de s’exprimer pleinement et de mettre ses particularités de jeu au service de l’entité du groupe. Nous avons la chance d’avoir deux guitares et un harmonica qui peuvent envoyer des solos puissants et nous en profitons. Côté improvisation, pour le moment, nous laissons peu de place à cet aspect, même si parfois nous nous offrons la liberté de sortir du chemin tracé. Nous sommes dans une période où nous souhaitons imposer l’album « Just Another Day… » et nous faisons tout pour que le public reconnaisse les différentes parties, notamment les solos qui sont écrits note par note. Mais oui, l’impro reste une merveille sur scène et nous comptons bien lui donner plus de volume à l’avenir. C’est aussi ça l’essence du Rock, ne pas rejouer les albums à l’identique.

– J’aimerais que l’on dise un mot de l’univers visuel du groupe. L’imaginaire américain est très présent avec les peuples amérindiens également. Comment s’est fait ce choix et est-ce que c’est plus ou moins incontournable dans le Rock Sudiste, selon toi ?

Comme je le disais, nous respectons le style dans lequel nous évoluons. Le Southern Rock est né dans le Sud des Etats-Unis, là où effectivement l’image de l’Amérique est quasi sacro-sainte avec ses certitudes et ses exagérations. Ce que je retiens de cet aspect des USA dans les textes est surtout du domaine des routes poussiéreuses et du sentiment de liberté intense, réelle ou imaginaire. Le volant d’un pick-up entre les mains, du Rock Sudiste à fond dans les oreilles et on fait des milliers de kilomètres sans s’en rendre compte avec le sourire aux lèvres. C’est mon image de l’Amérique, rassurante et sans aucun doute idéalisée. Les Amérindiens ont régulièrement été évoqués dans les textes de Southern Rock, mais plutôt de manière mythologique ou poétique, souvent loin de la réalité. Toutefois des groupes comme Blackfoot ont carrément intégré dans leur chanson leur héritage, musicalement évidemment, mais aussi dans leurs traditions, ne serait-ce qu’en rappelant leur rapport à la Terre. C’est ce qui m’a frappé dans la découverte de cette culture. Elle inspire nombre de mes textes. La sagesse des lettres de Sitting Bull m’a littéralement ouvert les yeux sur ces peuples. La capacité à respecter la nature et ce qu’elle offre. La résistance de la grandeur du cœur devant les horreurs comme le massacre des familles Cheyennes à Sand Creek en 1864. De même, la générosité tribale et la force de la famille sont autant de sujets, qui font que les Amérindiens font partie intégrante de notre musique, car c’est une source d’inspiration pour tenter d’ouvrir les yeux sur les dérives de notre civilisation actuelle.

– Contrairement à ce que l’on peut penser dans l’inconscient populaire, vos textes dégagent beaucoup de générosité avec des messages de paix et de tolérance, comme c’est d’ailleurs très souvent le cas dans le registre. Est-ce que l’actualité de notre société nourrit aussi vos paroles, ou ont-elles un aspect plus intemporel et universel ?

Les deux. Nous vivons dans un monde qui n’a rien appris des leçons du passé, et qui est au bord de l’effondrement à cause de la haine, de la différence, de la religion et de l’égoïsme. Autant de sources d’aveuglement et de dissentions qui poussent les hommes à oublier que leur planète est fragile, et leur vie et leur existence encore plus. Le Southern Rock est souvent critiqué et soupçonné de diverses dérives en particulier à cause du drapeau confédéré arboré par nombre de groupes du genre. S’il est historiquement un symbole de rébellion du Sud de l’esclavage dans la guerre de Sécession, il est aujourd’hui une bannière musicale pour nous. Depuis toujours, beaucoup de musiciens du genre ont diffusé des messages d’unité et de tolérance à l’instar du Allman Brothers Band. On trouvera toujours des textes pour dire le contraire, chaque artiste est maître de ses propres mots, mais de manière générale, les messages sont plutôt positifs. Le Rock Sudiste est complexe. Il reflète la richesse de la culture du Sud d’une part et les tensions raciales des Etats qui le composent d’autre part, et il s’en trouve donc décrié. C’est pour cela que je trouve qu’il est le véhicule idéal pour prêcher la bonne parole du respect des hommes, de la tolérance et de la défense de cette mère qu’est la Terre.

– Le Southern Rock de DIESEL DUST est assez complet et ne penche pas véritablement d’un côté en particulier, comme c’est souvent le cas avec certains qui portent plus sur l’aspect Blues, le Hard Rock ou la Country. Est-ce un choix qui s’est fait dès le départ, assez naturellement, ou c’est un équilibre qu’on trouve au fil du temps ?

C’est un véritable équilibre naturel depuis la création du groupe, qui prend encore plus de sens avec le line-up actuel. Même si nous surfons toujours sur les racines du Southern Rock originel, nous intégrons nos différences pour enrichir et moderniser notre musique. Avec David (guitare) qui joue du Joe Satriani, Micka (basse) qui vient de école Punk et Jazz-Rock, Joss (batteur) qui évolue dans le Metal, Max (chant) qui est issu plutôt du Rhythm’n’Blues, Nico (harmonica) du Blues et Southern rocker convaincu, et moi-même (guitare) emprunt de Blues et de musique 70’s, il y a de quoi faire des recettes détonantes et savoureuses. C’est un aspect extraordinaire du style, car il se nourrit et s’enrichit sans cesse de toutes les musiques : Jazz, Rock, Blues, Country, irlandaises, traditionnelles, etc…

– DIESEL DUST a aussi la particularité de compter dans ses rangs un harmoniciste, Nico, et pas de manière anecdotique. C’est suffisamment rare pour être souligné. Il intervient d’ailleurs un peu en électron libre. C’est un instrument que l’on entend assez peu souvent dans le Southern Rock et il forge aussi votre identité. C’est une manière de souligner votre côté bluesy et peut-être de palier l’absence de claviers ?

Il est clair que Nico apporte une identité bluesy marquée et nécessaire dans notre style. Il ne pallie pas l’absence de claviers, il est un instrument libre à part entière, qui répond tantôt au chant, tantôt joue en solo ou crée des nappes de soutien. Il apporte de la richesse à notre palette sonore. Cela fait 20 ans que nous partageons la scène et la joie de jouer ensemble est intacte. Du coup, son harmonica est indispensable à la sonorité particulière de DIESEL DUST.

– « Just Another Day… » dispose d’une très bonne production dans un ensemble équilibré et des arrangements très soignés. Et puis, il a été masterisé aux studios Abbey Road. C’était important pour la touche finale d’apporter un certain éclat ? Et en quoi cela fait-il la différence, selon toi ?

C’est un choix dès le départ que de soigner l’ensemble de la production de l’album. C’est un investissement lourd, mais notre souhait était d’offrir un joyau, tant au niveau sonore qu’au niveau design. Les arrangements sont très importants pour nous, parce qu’ils permettent de mettre un écrin autour de la composition. Le design de la cover a été concocté par Pegpixel, un jeune créateur talentueux qui s’est appliqué à marier le texte de « Just Another Day… » à l’imagerie de DIESEL DUST et c’est une parfaite réussite. Le choix d’Abbey Road, pour la seconde fois déjà, réside dans le fait que ce studio représente pour moi en particulier, mais pour nous tous, la légende du son Rock, dans lequel j’ai été bercé et aussi une certaine fierté, reconnaissons-le. (Sourires) Mais aussi et surtout, la qualité de travail hors normes qui est la leur, a mis en valeur ce que le studio de la Soierie, où nous avons enregistré et mixé, a magistralement mis en boite. Abbey Road a fabriqué les laques pour presser le double vinyle, ce qui lui confère une qualité sonore irréprochable. Le CD et les pistes pour les plateformes numériques ont aussi été édités par eux. C’est en quelque sorte une véritable déclaration d’amour au public, qui écoutera notre album, que de travailler avec des monstres techniques pareils.

– Enfin, j’aimerais qu’on dise un mot sur la scène Southern française. Elle frémit tout doucement, mais reste bien trop discrète. Quel regard as-tu sur sa situation ? Te donne-t-elle parfois des envies d’ailleurs, surtout lorsqu’on voit l’effervescence de la scène américaine ?

Il y a tant à dire sur la France et le Rock. Trouver des dates et des débouchés dans notre pays quand on officie dans le Rock est un parcours semé d’embuches, et dans le Southern Rock, une voie presque sans issue. Ce n’est pas dans la culture de notre pays que de mettre le Rock en avant, même si on voudrait tous que cela change. Il est certain que nous avons envie d’ailleurs, de ces pays comme l’Allemagne, la Belgique ou l’Espagne pour ne citer qu’eux en Europe, qui ont un véritable amour du Rock et de tous ses styles. ‘Ailleurs’ nous apparait plus ensoleillé, c’est certain. Pourtant le Southern Rock en France possède des groupes tels que Natchez, Calibre 12, Bootleggers pour parler des plus connus, mais aussi The Owl Band, The Redneck Roots Band, Mainstreet, Gunsmoke Brothers Band et bien d’autres. C’est la confidentialité de la diffusion du genre, qui donne l’impression que ce style est peu représenté dans l’hexagone. Il faudrait que les festivals se dérident un peu dans leur programmation en arrêtant de tous programmer les mêmes choses et, pourquoi pas, que nous puissions avoir en France un véritable festival de Southern Rock. A méditer…

Le dernier album de DIESEL DUST, « Just Another Day… » est disponible chez Brennus Music.

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Psych Prog Space Rock

Naxatras : open to the world

Sur un groove ensorceleur, NAXATRAS tisse sa toile dans un Rock à la fois progressif et psychédélique teinté, depuis l’arrivée de Pantelis Kargas aux claviers et aux synthétiseurs, de sonorités électroniques qu’il puise dans les années 70 essentiellement. Ce cinquième album vient rassembler les multiples influences du groupe dans une atmosphère très analogique, qui libère une authenticité qui rend ce « V » très créatif, original et qui ouvre à la formation venue de Grèce des horizons infinis dans un registre où il est passé maître.   

NAXATRAS

« V »

(Evening Star Records)

Dix ans après un premier album éponyme qui avait déjà marqué les esprits, NAXATRAS vient poser une monumentale nouvelle pierre à son édifice musical. En élargissant encore un peu plus son spectre, son Rock Psychédélique Progressif prend une ampleur quasi-spatiale. Toujours aussi organique, ce sont la technicité et l’inventivité des Grecs qui dominent et le voyage auquel nous sommes conviés est plus captivant que jamais. Sur un récit conceptuel basé sur l’exploration du monde mythologique de Narahmon, l’évasion se fait dès « Celestial Gaze » qui ouvre « V », et « Spacekeeker » nous plonge ensuite dans une atmosphère enivrante.

Si la vision de NAXATRAS reste moderne, le quatuor dégage pourtant une belle et douce saveur vintage, résultant essentiellement de ce son si proche. Autour de synthés enveloppants, la basse, la batterie, les percussions, la flûte et la guitare s’entremêlent dans une harmonie à laquelle il devient difficile de résister au fil des morceaux comme sur « Numenia » et ses effluves orientaux bousculés par un riff infernal. La maîtrise est totale, les relais entre les instruments prennent un aspect obsédant et les Hellènes nous propulsent dans un univers fait de longues plages aériennes et d’un Rock brûlant (« Breathing Fire »).

En côtoyant d’aussi près le Space Rock, NAXATRAS s’émancipe de toutes frontières musicales, se faisant même orchestral à l’occasion et distillant des couleurs moyen-orientales hypnotiques et très rythmées (« Legion »). Lointain, le chant continue sa narration entre Science-Fiction et une vision antique dans son propos. Le quatuor a de quoi impressionner, tant rien n’est laissé au hasard, que ce soit au niveau de cette production presque charnelle et des arrangements d’une exquise finesse (« Utopian Structures », « Sand Halo »). La touche rétro aux allures célestes qui englobe « V » devient très addictive. Classe ! 

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Hard Rock Heavy Rock

Big Canyon : le plein d’audace

L’ampleur et la dimension prises par le groupe sur ce nouvel effort éponyme semble marquer à elles seules le fossé qui le séparait de sa formule en trio. Sur « Big Canyon », son volume est décuplé et enfin à sa taille. Heavy Rock, Hard Rock, peu importe finalement tant les chansons respirent, cognent et deviennent familières en un claquement de doigt. Si le nouveau chanteur change forcément la donne, les autres musiciens de BIG CANYON donnent aussi l’impression d’être enfin à leur place. Tentaculaire et immédiat, il règne une proximité haletante pleine d’audace. 

BIG CANYON

« Big Canyon »

(Independant)

Que 2020 semble bien loin à l’écoute de l’album de BIG CANYON. A l’époque, le groupe évoluait encore à trois et sortait son tout premier EP. Il faut bien avouer que la métamorphose est saisissante et elle s’explique même assez facilement. Tout d’abord, l’arrivée au chant d’Andi Meacock apporte beaucoup de poids et de relief, au point de rendre le combo londonien presque méconnaissable. Un nouveau départ exaltant s’offre à lui et renforce son Heavy Rock en consolidant solidement ses fondations, grâce à une énergie folle et toute en nuances, qui vient flirter avec un Hard Rock très britannique.

Si le nouveau frontman conduit la formation avec beaucoup d’assurance et un talent indéniable, qu’il doit en partie à une puissance vocale et un grain aussi identifiable que chaleureux, il y a un autre élément important dans cette évolution sonore et musicale. Pour son premier opus complet, BIG CANYON a fait appel au producteur Dave Draper, connu pour son travail avec The Wildhearts (qui s’apprête d’ailleurs à faire son retour très bientôt) et Terrovision pour ne citer qu’eux, et ça change pas mal de choses. La puissance des guitares, la lourde rythmique et le chant trouvent un équilibre parfait.  

Si le quatuor n’élude pas quelques belles ballades, l’ensemble est plutôt costaud et fait également une place conséquente à des mélodies très travaillées, qui n’ont aucun mal à entrer dans le crâne pour ne plus en sortir. BIG CANYON a l’art de se faire fédérateur et très accrocheur et ses nouveaux titres sont franchement taillés pour la scène (« Rescue Me », « Mine In Another Time » », « Dominion Of Truth », « Beautiful Mind », « Captain Of Your Soul », « Devil In Disguise », « The Things You Do »). Bruts et authentiques, les Anglais manient les émotions avec subtilité et une implacable cohérence.

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Desert Rock post-Rock Space Rock

Yawning Balch : vertigineux

La connexion s’est établie il y a deux ans maintenant et depuis, YAWNING BALCH repousse encore et toujours ses propres limites. Tous très prolifiques et très occupés, les membres de cette formation hors-norme présentent le « Volume Three » de leur aventure désertique, où l’improvisation reste le guide, même si les détails et les arrangements pourraient laisser penser le contraire. Nous sommes ici dans une telle maîtrise qu’il est difficile de savoir si l’invitation lancée à Bob Balch par Yawning Man tient franchement du hasard…

YAWNING BALCH

« Volume Three »

(Heavy Psych Sounds)

Presque deux ans après deux premiers volumes envoûtants, YAWNING BALCH livre enfin son « Volume Three ». Enregistré au printemps dernier au Gatos Trail Studio à Joshua Tree, en Californie, il clot (sauf surprise !) une trilogie assez incroyable, aussi épique que spatiale. Car il faut reconnaître que la communion entre les membres de Yawning Man et le guitariste Bob Balch (Fu Manchu, Big Scenic Nowhere) ne manque pas d’audace et encore moins d’inspiration. Cette rencontre entre deux univers, finalement pas si différents, s’ouvre sur un incroyable champ des possibles que le quatuor s’empresse d’explorer. C’est là tout le charme et la force de ces rencontres hallucinatoires, vagabondes et si réjouissantes.

Entre post-Rock et Desert Rock avec des touches de Space Rock, YAWNING BALCH est un groupe de jam, certes, mais l’élégance avec laquelle il évolue d’un même élan est assez phénoménale et inédite. Si la rythmique composée de Mario Lalli à la basse, qui joue aussi avec Fatso Jetson, et Bill Stinson derrière les fûts se connait par chœur et montre une complicité assez rare à ce niveau, ce sont bel et bien Bob Balch et Gary Arce (également à l’œuvre chez SoftSun) qui font vibrer l’ensemble autour de leur guitare avec un naturel et une fluidité totale. Sans pour autant se montrer rival, chacun prend le lead, tour à tour, avec politesse et beaucoup de respect. Leur entente rayonne et nous emporte.   

Bardé d’effets dont ils sont probablement les seuls à détenir les secrets, nos deux six-cordistes jouent crescendo et les descentes dans des sonorités plus ‘reconnaissables’ se font discrètes. Une manière aussi peut-être de se passer le relais pour mieux repartir. Car Bob Balch et Gary Arce tiennent à la fois le lead et la rythmique sur les deux seuls morceaux tout en longueur de ce « Volume Three » (« The Taos Hum » et « Winter Widow »). YAWNING BALCH est de ces rencontres où les frontières sonores et musicales disparaissent au gré des accords et qui survolent un duo basse/batterie tout en rondeur et au feeling tellement évident. Une fois encore, le voyage est magnifique !

Retrouvez les chroniques des deux premiers volumes :

Yawning Balch : le son du désert
Yawning Balch : vers de nouveaux paysages
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Classic Rock Glam Rock International

Gyasi : glittin’ Rock [Interview]

En quelques années seulement et avec un nouvel album qui vient tout juste de sortir, GYASI s’est imposé comme un artiste à la fraîcheur outrancière. Bousculant les codes d’une scène Rock actuelle qui ne cesse de se cloner, l’Américain nous renvoie à une époque créative et insouciante, où la liberté d’explorer de nouveaux univers était presque la norme. Entre Classic Rock et Glam, le chanteur et guitariste se présente avec « Here Comes The Good Part », où il va encore plus loin dans la découverte de son propre monde. Forcément hors-norme, il a pourtant la tête sur les épaules et chaque nouveau disques se veut plus imaginatif que le précédent. L’occasion d’en parler et de revenir sur ce personnage insaisissable qu’il incarne avec beaucoup de classe et sans retenue.

– En mai dernier, tu avais sorti « Rock n’Roll Swordfight », ton premier album live. Lors de notre première interview, on avait justement parlé de cet esprit très ‘live’ qui t’animait. J’ai presque l’impression que cela s’est fait de manière très naturelle pour toi, même s’il arrive vite dans ta discographie. C’est aussi ton sentiment ?

Oui, ça s’est fait très naturellement. Sur scène, la musique devient vraiment quelque chose de vivant, qui respire et où chaque musicien contribue et interagit avec les autres et avec le public. Souvent, les concerts ne sont pas suffisamment bien enregistrés pour être publiés, donc le point de départ pour cet album était que nous ayons trois concerts enregistrés en multipiste, afin de pouvoir leur offrir un bon mix. C’était la condition sine qua none, juste avoir les enregistrements bien réalisés entre les mains. Ce que je voulais montrer, c’était comment beaucoup de chansons avaient changé et s’étaient développées au fur et à mesure que nous les jouions et que nous improvisions chaque soir en tournée. J’ai donc pensé que cela leur offrait une nouvelle perspective et qu’elles méritaient d’être publiées, même si c’était un peu tôt dans la discographie. Nous nous sommes juste dit, pourquoi pas ? Et on l’a fait !

– D’ailleurs, dans cet album live, tu nous avais dévoilé les morceaux « Cheap High », « Baby Blue » et « 23 ». Tout d’abord, aimes-tu tester tes chansons sur scène ? Et ensuite, est-ce que cela veut aussi dire que ce nouvel album était déjà prêt, du moins en partie ?

Oui, je pense que tester les chansons en live peut être utile. Parfois, cela les aide à devenir ce qu’elle doive être. D’ailleurs, nous avions joué une première version de « Sweet Thing » (qui ouvre le nouvel album – NDR) en live et il était évident qu’elle n’était pas encore terminée. Alors je suis allé la réécrire pour qu’elle soit telle qu’elle est sur le disque. Je pense souvent à la façon dont une chanson s’intégrera dans notre set live lorsque j’écris. Donc si elle semble vraiment ajouter au flux du set, alors je la joue parfois en live avant même que nous l’ayons enregistrée. Ces trois chansons ont certainement été les premières écrites pour cet album. Je les avais en tête depuis un moment, et je les ai terminées l’année dernière quand j’ai eu un peu de temps.

– On te retrouve donc avec « Here Comes The Good Part », digne successeur de « Pronounced Jah-See ». Un petit mot sur le titre : est-ce que cela veut dire que le premier était une sorte d’essai ? Un premier jet pas forcément abouti, car ce n’est pas l’impression qu’il donnait ?

Non, je pense que le premier disque était déjà abouti. C’était certainement plus une introduction. Le titre de celui-ci est plus ludique et je voulais qu’il soit ouvert à l’interprétation. Quelle est la bonne partie ? Est-ce qu’on le sait quand on l’a trouvée ? C’est tellement subjectif. Chacun se fera sa propre idée…

– Ce nouvel album est co-produit avec Bobby Holland et ton empreinte musicale semble nettement mieux définie, comme si vous étiez allés dans vos derniers retranchements en explorant beaucoup plus de sonorités. C’est dû à une plus grande maîtrise, ou y avait-il des choses que tu t’étais peut-être interdites ou que tu n’avais pas osées sur le précédent ?

Un peu des deux. Pour moi, c’est la clef pour progresser. C’est le processus que j’aime le plus. Faire mon premier disque tout seul a été le déclic pour pouvoir faire celui-ci. Et faire celui-ci m’a également fait avancer en étant capable de faire ce que j’écris maintenant. J’explore et je me pousse toujours de manière créative. J’ai clairement exploré plus de sons sur celui-ci et Bobby Holland y a joué un rôle énorme. C’est un producteur et un ingénieur incroyablement talentueux qui m’a beaucoup aidé à traduire sur le disque ce que j’entendais dans ma tête. Avec lui, je me suis senti plus en confiance pour explorer des choses que je n’avais pas la capacité de réaliser dans ma chambre sur mon magnétophone huit pistes, comme arranger des cordes ou écrire au piano.

– Bien sûr, jouer du Glam Rock en 2025 renvoie forcément à l’âge d’or du style avec toujours les mêmes noms qui reviennent. Est-ce que ce n’est pas usant parfois d’entendre toujours les mêmes critiques, alors justement que ton jeu apporte vraiment du neuf ?

Oui, c’est fatiguant, mais je pense qu’au fil des albums, ma propre voix se solidifie. Sur chaque disque, je me demande toujours quelle est la partie qui me correspond le plus ou qui est la plus unique et comment je peux amplifier et explorer ça. Comme je suis capable de combiner mes différentes influences et de créer la musique que je veux, je pense que certaines de ces comparaisons vont se dissiper. D’un autre côté, la plupart des artistes qui sont mentionnés sont ceux que je considère comme le summum de la musique et de l’art. Donc, je suis souvent honoré d’être comparé favorablement.

– Pour rester sur le Glam Rock, vous êtes assez peu nombreux à en jouer aujourd’hui dans sa forme ‘classique’ en tout cas et en reprenant les codes du genre. Est-ce que tu te sens parfois étranger à la scène Rock actuelle, ou au contraire, cela t’ouvre beaucoup plus de portes que tu ne l’aurais pensé ?

Je me sens un peu étranger à la scène Rock actuelle, c’est vrai. Il y a beaucoup de nostalgie et peu de nouveautés qui semblent vitales et intéressantes au niveau de la création. Honnêtement, je me sens généralement plus connecté à ce que je vois se passer dans d’autres cercles que la scène Rock. Mon espoir est cependant de ramener un peu de cette vitalité créative au Rock et de le rendre passionnant et vital.

– L’impression immédiate que m’a donnée « Here Comes The Good Part » est que ta musique évolue en même temps que toi, ou que ton personnage au sens large à travers ton look notamment, et c’est précisément ce qui donne toute cette fraîcheur au disque. Est-ce que tu travailles, ou explores, ces deux facettes de manière simultanée et est-ce que l’une prend parfois le dessus sur l’autre ? Le look sur la musique, par exemple ?

Je pense qu’ils sont tous les deux en constante évolution. A mon avis, la musique vient en premier et que l’aspect visuel, c’est-à-dire le personnage, s’adapte ensuite à elle. J’élargis simplement mon univers à chaque album et donc il est amené à assumer de nouveaux rôles.

– Revenons à l’album et j’aimerais que l’on parle des arrangements, qui sont aussi nombreux que soignés. On y retrouve du piano et des cuivres, et ta guitare qui donne le ton. Est-ce que c’est un moyen de s’évader d’un Rock souvent brut et direct pour pouvoir exprimer plus d’émotions, notamment à travers des textes qui peuvent peut-être mieux respirer ?

Oui, je pense que la lumière et l’ombre sont nécessaires pour qu’une œuvre paraisse complète. J’aime aussi les surprises et, au fil d’un album, on a la possibilité d’emmener l’auditeur dans des lieux différents et de vivre d’autres émotions. C’est ce que j’aime dans l’expérience de l’album, le voyage que l’on peut faire au fil du disque. Je voulais avoir des couleurs différentes dans les arrangements pour que cela reste intéressant et surprenant et aussi pour lui donner une certaine ampleur émotionnelle.

– J’aimerais qu’on dise encore un mot sur ton look qui te donne beaucoup de relief à travers une personnalité finalement difficile à cerner. Est-ce une manière pour toi de te protéger, ou peut-être de te cacher derrière un personnage presqu’intouchable et qui ose tout ?

Oui, il y a vraiment beaucoup de ça. J’ai toujours aimé les ‘Rock Stars’ plus grandes que nature comme Little Richard, Mick Jagger ou David Bowie. C’est ce que je recherche chez un artiste, c’est pourquoi j’ai créé ce personnage pour cette musique, un personnage qui transmute la musique en un monde unique sur scène. Cela me donne la permission d’aller au-delà de ce que je pourrais être moi-même. Et cela me permet également de me libérer de tous les fardeaux de la réalité et d’entrer dans un nouveau monde avec des règles et des possibilités différentes. Et j’espère que ce monde touchera d’autres personnes et les transportera également ailleurs.

– Enfin, un petit clin d’œil au sujet de Nashville où tu résides depuis un moment déjà. Comment est-ce que cela se passe au milieu des cowboys et des cowgirls ? L’envie d’écrire un album de Country Music ne te titille pas encore ? 

(Rires) Non, pas encore ! Et c’est une voie que je ne pense pas emprunter de sitôt. La Folk ou le Blues des origines peut-être, mais la Country n’est pas vraiment dans mes cordes. Et il y en a beaucoup qui le font bien mieux que moi. Mais Nashville est un endroit formidable pour moi. J’ai trouvé tous mes groupes ici et il y a une scène musicale vraiment florissante, qui a un sens de la camaraderie que je n’ai trouvé nulle part ailleurs.

Le nouvel album de Gyasi, « Here Comes The Good Part » est disponible chez Alive Natural Sound.

Retrouvez la première interview de l’Américain…

Gyasi : extravagance Glam [Interview]

… Et la chronique du précédent album live :

Gyasi : une sauvage intensité
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Doom Rock Hard Rock International

Avatarium : dark poetry [Interview]

La liberté artistique affichée par AVATARIUM depuis quelques albums maintenant semble sans limite, tant le groupe nous plonge dans des ambiances toujours différentes, cherchant presque le contre-pied. Modelable à l’envie, le Doom Rock, très Hard Rock, des Suédois surprend une fois encore sur leur sixième album, « Between You, God, The Devil And The Dead ». Porté par son très créatif duo Marcus Jidell et Jennie-Ann Smith, les Scandinaves affiche une incroyable confiance, qui se ressent à travers des compositions aussi surprenantes qu’envoûtantes. La chanteuse et compositrice revient sur l’état d’esprit qui règne sur cette nouvelle réalisation.

– La première chose que l’on remarque sur « Between You, God, The Devil And The Dead » est qu’AVATARIUM évolue dorénavant en quatuor. Et à l’écoute de ce nouvel album, n’est-ce finalement pas la meilleure formule pour le groupe ?

Je suis reconnaissante de ce que j’ai appris au cours de ces dix années avec AVATARIUM. Nous sommes désormais un quatuor comme nous l’étions déjà sur notre premier album. Ce n’est probablement pas tant une question de nombre de personnes impliquées que du sentiment de sécurité et de confiance que l’on a dans ces relations. Je respecte Marcus, Andreas (Habo Johansson, batterie – NDR) et Mats (Rydström, basse – NDR). J’ai également du respect pour leurs grandes capacités musicales et je leur fais confiance pour être stables pour moi quand j’en ai besoin. Avoir cette sécurité me procure vraiment un sentiment de liberté et me permet de donner le meilleur de moi-même, en tant qu’auteure-compositrice et interprète.

– Sans bien sûr renier vos précédents albums, le sentiment qui domine ici est celui d’une grande liberté de composition. On retrouve les fondamentaux du groupe, à savoir le Doom, le Hard Rock et aussi cette touche nordique qui est aussi très perceptible. AVATARIUM n’a jamais donné l’impression d’autant de confiance en son jeu et dans l’écriture de ses morceaux. Est-ce aussi ton constat ?

J’espère et je sens que j’ai aussi gagné en confiance en tant qu’auteure et compositrice au cours de ces trois derniers albums que nous avons produits avec AVATARIUM. L’écriture de chansons est exigeante et parvenir à quelque chose qui se rapproche de ses propres préférences ou standards est toujours un grand défi.

– On a bien sûr longtemps associé Leif Edling à AVATARIUM dont il est l’un des fondateurs. Sans vraiment vous détacher de vos premières réalisations, ce sixième album montre une évolution notable du groupe. Est-ce qu’au fil du temps, tu as aussi cette impression que Marcus et toi avez donné une identité peut-être nouvelle aux compositions, mais aussi à votre son ?

Je pense que ce qui a fait d’AVATARIUM un groupe unique depuis ses débuts, c’est son éclectisme dans le son. Un son issu de nos origines musicales très diverses. Le fait que les talents de Marcus Jidell, Leif Edling et moi-même aient été réunis dès le début a rendu ce projet unique. Il n’y a pas eu de recherche délibérée d’équilibre, mais plutôt un bonheur accidentel que nous avons nourri au fil du temps. Tous les acteurs impliqués laisseront leur empreinte sur les arrangements et le son, et en tant qu’auteure-compositrice, je laisserai inévitablement des traces de mon moi intérieur entre les lignes.

– Pour rester sur le son et la production de « Between You, God, The Devil And Me », il est plus organique que jamais avec une intention d’immédiateté très présente également. L’objectif était-il de réaliser un album aux sonorités plus live et directes ?

Je pense que cette fois-ci, nous nous sommes concentrés sur ce que nous aimons jouer sur scène. Savoir quel genre de riffs est agréable à jouer en live, quel genre de mélodies donne la chair de poule, il s’agit toujours de viser cette énergie.

– Pour autant, il y a un énorme travail sur les arrangements et une attention toute particulière portée aux nombreux détails. En ces temps où les albums sonnent presque tous de la même manière, on sent ici beaucoup d’humanité dans la production comme si votre musique était votre guide… C’est le cas ?

En ce qui concerne la performance et le son, tout est enregistré et traité de manière très organique. Par exemple, il n’y a pas d’autotune et toutes les machines utilisées dans le processus ont été choisies pour améliorer le son organique, c’est-à-dire des mains jouant des instruments, afin qu’il soit dynamique et réel. Les détails sont importants aussi. Je suppose que je fais partie de ceux qui aiment vraiment prendre du temps et me concentrer dessus. C’est une partie tellement géniale du processus, lorsque vous avez presque terminé un morceau, ce sentiment de savoir que vous avez quelque chose de vraiment bien, et puis ces touches finales qui lient le tout. Ajouter un détail de guitare, une note de basse au piano ou un son de voix… J’adore être dans ces moments-là.

– Même si ce nouvel album est toujours axé sur les riffs, la présence du piano au niveau de la composition et aussi dans les morceaux est beaucoup plus prégnante. Il vous a fallu changer un peu vos habitudes pour peut-être trouver un nouveau souffle et un nouvel élan pour ce nouvel album ? 

Le piano est un orchestre à part entière. En fait, nous avons utilisé mon vieux piano pour écrire et enregistrer. Cela a stimulé la créativité et Marcus a initialement écrit certains des riffs de guitare de l’album sur ce piano. Cela élargit votre esprit et vos options musicales pendant l’écriture. Je pense que j’avais 19 ans quand je l’ai acheté, c’est un piano allemand des années 50, et nous l’avons rénové avant l’enregistrement et il sonne tout simplement bien.

– Il y a aussi beaucoup de fluidité et de confiance qui émanent de l’album. Est-ce qu’AVATARIUM a atteint un sommet de complicité artistique depuis vos débuts ? C’est en tout cas l’impression que donne « Between You, God, The Devil And Me »…

Merci ! Espérons que ce ne soit pas le cas et qu’il y ait encore plus à donner. Nous voulons simplement écrire et jouer du mieux que nous pouvons, c’est une bénédiction de ressentir de la curiosité pour la musique à ce stade de la vie.

– Même si l’album est peut-être plus sombre encore et aussi plus lourd que son prédécesseur, il est également et paradoxalement très vivant et personnel dans son approche. Comment êtes-vous parvenus à combiner ces deux visions, qui peuvent paraître en opposition ? 

Sombre, lourd et poétique sont les maîtres mots depuis le début d’AVATARIUM il y a 12 ans. La dynamique entre le lourd et le fragile, la lumière et l’ombre a toujours été présente dans notre travail et elle l’est toujours. Je pense aussi qu’il est extrêmement important que notre musique porte un espoir et fournisse une énergie qui aide même à traverser les passages difficiles.

– Enfin, la musique d’AVATARIUM paraît infinie et laisse encore le champ à une multitude de possibilités. Est-ce qu’écrire et composer sont des choses que tu considères comme naturelles finalement, ou cela te demande-t-il au contraire beaucoup d’efforts ?

Je pense que ce qui vous apporte de la joie et un sentiment d’accomplissement au final demande probablement beaucoup d’efforts. Apprendre à jouer d’un instrument, élever des enfants… Je ne pense pas qu’il y ait de contradiction entre ce qui vient naturellement et travailler dur, et en pensant à ce processus, c’est vraiment les deux. Ce qui est gratifiant lorsque vous travaillez dur à pratiquer votre instrument ou à améliorer votre savoir-faire en tant que compositeur, c’est que cela vous procure irrémédiablement du flow, de l’adrénaline et probablement de l’ocytocine. C’est addictif !

Le nouvel album d’AVATARIUM, « Between You, God, The Devil And The Dead », est disponible chez AFM Records.

Photos : Niklas Palmklint (1, 2 et 4)

Retrouvez la chronique du précédent album « Death Where Is Your Sting » :

Avatarium : vibrant d’intensité
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Classic Rock Heavy Rock Rock Rock US

Ginger Evil : solid as a Rock

Avec un telle entrée en matière, le combo nordique ne risque pas de passer inaperçu. Composé de musiciens chevronnés, GINGER EVIL s’aventure dans un Rock qui se fait de plus en plus rare et qui reprend les codes d’un registre efficace et mélodique. Avec « The Way It Burns », c’est une sorte de retour aux fondamentaux qu’il propose et la belle surprise vient aussi de sa chanteuse, Ella Tepponen, qui s’impose grâce à une technique irréprochable et une grande capacité à varier les intonations vocales. Très mature, ce premier album va réconcilier les fans de Rock au sens large.

GINGER EVIL

« The Way It Burns »

(Frontiers Music)

Voici la nouvelle sensation Rock finlandaise et c’est peu de le dire ! Les membres de GINGER EVIL n’en sont pas à leur coup d’essai, puisqu’on retrouve ici le guitariste Tomi Julkunen et Veli Palevaara qui faisaient tous deux partie de The Milestones. Rejoints par le batteur Toni Mustonen, le combo a enfin affiché complet avec l’arrivée d’Ella Tepponen au chant, laquelle offre au groupe sa véritable identité musicale et, entre Power et Heavy, son Rock est musclé, accrocheur et surtout parfaitement interprété.

En confiant la production de « The Way It Burns » à Teemu Aalto (Insomnium) et le mastering à Svante Forsbäck (Rammstein, Volbeat, Apocalyptica), GINGER EVIL a mis tous les atouts de son côté et ce premier opus est de ceux qui font franchement du bien. Cela dit, il ne faut pas s’attendre à une grande révolution, mais le Rock des Scandinaves a cet aspect très frais et fédérateur, qui peut faire d’eux une valeur sûre. Et puis, ce savoureux mix de Rock US, d’Alternative Rock et de Classic Rock séduit sans mal.

Très moderne dans son approche comme dans le son, GINGER EVIL ne met pas bien longtemps à tout emporter. Dès « Rainmaker », la vivacité des riffs et la puissance vocale de la frontwoman prennent le dessus et la suite s’annonce solide. Très américain dans le style, le quatuor multiplie les ambiances avec des clins aux 70’s comme à la scène californienne des 90’s (« Dead On Arrival », « Shame On », « Hands Move To Midnight », « Better Get In Line », « Not Your Fool »). Actuel et intemporel : une réussite.