Auteur/autrice : François Alaouret

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Metal Fusion

Slope : funky blast

Le groove est monumental, les riffs aussi funky que tranchants, la rythmique virevolte et claque et le flow du frontman est aussi accrocheur que revendicatif. SLOPE a su s’approprier les codes d’un genre né au siècle dernier : le Metal Fusion. Avec « Freak Dreams », nos amis germaniques manient de multiples ambiances avec une énergie contagieuse et un songwriting dont le processus est redoutable d’efficacité. Ca slape, ça percute, ça harangue de toutes parts pour fédérer avec une malice et une légèreté qui font mouche avec talent.

SLOPE

« Freak Dreams »

(Century Media)

A Duisburg, près de Düsseldorf, se trouvent cinq jeunes gens dont les goûts et les influences sont restés figés dans les 90’s et dans ce qu’elles avaient de plus imaginatif et explosif. Dans cette décennie bénie entre toutes, le Metal se mêlait avec ingéniosité, savoir-faire et beaucoup d’audace à d’autres styles, donnant lieu à une fusion des genres restée depuis inégalée. Si les modèles sont évidents, la créativité de SLOPE nous replonge avec plaisir dans une registre tellement rafraîchissant.

Dix ans après sa formation, le groupe continue sa remontée dans le temps et fait jaillir de belles sensations restées enfouies quelque part dans de nombreuses discothèques et aujourd’hui, malheureusement, submergées par de fades expérimentations dérivées du MetalCore et autres éléments sonores de supermarché. SLOPE se sert très habillement de cette scène un peu vintage et lui redonne du brillant et du lustre à travers une production moderne et irrépressible. Un régal.

Mais revenons à ce très bon album des Allemands, « Freak Dreams », qui fait suite à « Street Heart » (2021), lui-même précédé des EP « Helix » (2014) et « Losin’ Grip » (2017). Si le quintet est fortement imprégné des premiers Red Hot, le combo a également très bien assimilé les œuvres de RATM, Faith No Moire, Bad Brains, Suicidal Tendencies et même celles des Beasties Boys. Réjouissant, donc ! Le Metal Fusion de SLOPE se pare de Funk, de Rap et de Hard-Core avec brio et c’est la belle surprise de ce début d’année !

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Speed Metal Thrash Metal

Artillery : sans sommation

Fondé au début des années 80 par Michael Stützer, seul rescapé de la formation originelle, ARTILLERY a laissé une trace sur la scène Thrash Metal européenne et si sa route avait été moins sinueuse, elle serait même aujourd’hui bien plus importante. Qu’importe, en 2022 et après deux ans de pandémie, le combo est remontée sur scène, chez lui dans la capitale danoise, pour ce qui restera pour lui un concert d’anthologie. « Raw Live (In Copenhell) » est autant un hommage qu’il ouvre une nouvelle ère pour le groupe.

ARTILLERY

« Raw Live (In Copenhell) »

(Mighty Music)

Après 40 ans de carrière et un parcours assez chaotique avec une mise en pause assez conséquente au début des années 2000, ARTILLERY n’a pourtant jamais lâché l’affaire. Surmontant également de nombreux changements de line-up, le quintet est toujours d’attaque et ce « Raw Live (In Copenhell) » vient démontrer à quel point les Danois ont laissé une solide empreinte dans le monde du Thrash Metal. Enregistré à domicile il y a deux ans, ce live est aussi un beau témoignage.

Car malheureusement, « Raw Live (In Copenhell) » est aussi le dernier enregistrement avec le batteur Josua Madsen, disparu l’année suivante dans un accident de voiture. Depuis, les thrashers ont aussi remercié Michael Bastholm Dahl, leur frontman au chant très Heavy, et le guitariste Kraen Meier. C’est d’ailleurs Martin Steene (Iron Fire, Force Of Evil) qui se tiendra dorénavant derrière le micro. ARTILLERY se renouvelle en permanence, ce qui doit être un signe de vitalité chez lui.

Porté par un public entièrement acquis à leur cause et aussi sûrement par le fait de partager l’affiche avec le gratin du Metal mondial, les Scandinaves se donnent corps et âme dans une prestation qui frôle le sans-faute, notamment celle du batteur, exalté et rugueux comme jamais. Et ARTILLERY a également peaufiné sa setlist. Onze titres musclés et rageurs qui ne laisseront personne de marbre (« Devil’s Symphony », « The Face Of Fear », « Bomb Food », « In Thrash We Trust », « Legions », « Terror Squad »).

Retrouvez la chronique de leur album précédent :

Artillery : à bout portant
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Metal Progressif

Theraphosa : une introspection du vice

Quatre ans après « Trancendence », qui l’avait propulsé au rang des formations de Metal Progressif les plus prometteuses de l’hexagone aux côtés de quelques autres, THERAPHOSA n’en a pas terminé avec son exploration de l’esprit humain et de ses tourments dans ce qu’il possède de plus obscur. Avec Rémy Deliers aux commandes (Gojira), les Français s’assurent une production très soignée et il fallait bien ça pour saisir pleinement toute la technicité de la structure des titres d’« Inferno », un modèle de finesse, de précision et de puissance.

THERAPHOSA

« Inferno »

(Circular Wave/Season Of Mist)

Depuis plus d’un millénaire, l’œuvre de Dante inspire autant qu’elle peut rebuter, tant la noirceur qu’elle décrit au cœur d’un Moyen-âge sombre à bien des égards est à la fois captivante et terrifiante. Plongeant dans les tréfonds de l’âme humaine, ce périple traverse les trois royaumes des morts en bouleversant les représentations traditionnelles et en affrontant ainsi l’indicible. En prolongeant d’une certaine manière la thématique déjà touchée du doigt sur « Transcendence », THERAPHOSA poursuit son chemin sur des terres musicales qu’il commence à bien connaître et des atmosphères qu’« Inferno » sublime un peu plus.

Presque méconnaissable depuis son EP éponyme sorti en 2018, la fratrie semble être parvenue à faire de cette empreinte très avant-gardiste un style singulier et personnel, où son Metal Progressif, très groove et mélodique, s’exprime pleinement et surtout avec une fluidité resplendissante sur ce deuxième album. Martin (batterie), Matthieu (basse) et Vincent Dubout (chant, guitare) maîtrisent parfaitement leur sujet, se montrent techniquement intraitables et nous emportent sans mal dans des sphères presque cinématographiques avec une luminosité sonore tout en contraste avec son propos.

Envoûtant et entraînant, « Inferno » se développe sur onze plages, puisque l’intro « Vestibule » est aussitôt suivi du morceau du même nom, une habille façon de donner le ton de ce nouvel opus, qui révèle quelque surprises au fil de son écoute. A commencer par « Limbo », chanté en français, où THERAPHOSA se repose sur un texte très bien écrit. Les chœurs font aussi résonnance (« Gluttony », « Heresy »), tandis que les riffs tranchants s’enchaînent sur des rythmiques galopantes et des lignes de basse relevées (« Wrath »). Le trio ne s’interdit rien et va au bout de son ambitieux projet avec un panache éblouissant.      

Photo : Denis Goria
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Classic Rock Progressif Stoner/Desert

Big Scenic Nowhere : sans limite

Ils ont beau être très occupés tous les quatre avec leur groupe respectif et différents projets annexes, les membres de BIG SCENIC NOWHERE continuent l’aventure en se livrant cette fois dans un répertoire Classic Rock, toujours emprunt de Stoner et de Desert Rock, guidé par un groove tantôt progressif, tantôt plus costaud. « The Waydown », troisième album auxquels viennent s’ajouter deux EP, plonge dans des espaces plus identifiables, certes, mais tout en mélangeant toujours des tempos et des ambiances variés.

BIG SCENIC NOWHERE

« The Waydown »

(Heavy Psych Sounds)

Fondé il y a quatre ans sous l’impulsion d’un quatuor constitué de cadors de la scène Stoner/Desert Rock, BIG SCENIC NOWHERE continue de livrer des albums toujours plus aboutis et surprenants. L’une des particularités des Américains est aussi d’évoluer au fil des réalisations devenant un collectif dans lequel viennent se greffer et se fondre des invités prestigieux qui se prêtent à l’exercice avec talent et virtuosité. « The Waydown » révèle cette fois un visage nouveau, sans pour autant renier les fondements qui ont forgé son identité sonore et musicale.

Sur des bases aussi diverses qu’inamovibles, BIG SCENIC NOWHERE explore de nombreux horizons et va encore étonner tant le champ d’investigation est spectaculaire depuis sa première production, « Vision Beyond Horizon » en 2020. Bob Balch (Fu Manchu, Slower) à la guitare et sur tous les fronts actuellement, Tony Reed (Mos Generator) à la basse, aux synthés et surtout au chant, Gary Arce (Yawning Man) à la guitare et Bill Stinson (Yawning Man) à la batterie forment une entité très soudée et capable d’atteindre des sommets de créativité.

Avec « The Waydown », c’est dans une lignée Classic Rock, toujours très infuzzée, que BIG SCENIC NOWHERE s’engouffre en proposant des morceaux lumineux et hors du temps. Loin  des jams qui l’ont toujours caractérisé, le songwriting est plus traditionnel, faisant la part belle au Rock Progressif, à la Funk Psyché, à quelques passages Surf Rock et même Soul Blues. L’interprétation est magistrale et Reeves Gabrels (The Cure, Bowie), Per Wiberg (ex-Opeth) et Eliot Lewis (Hall And Oates) viennent aussi prêter main forte sur cet opus aussi accrocheur qu’envoûtant. Monumental !

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Classic Rock Livre

Led Zeppelin : la vibration ultime [Livre]

LED ZEPPELIN a toujours été entouré de mystères, et c’est même le propre de tous les groupes de cette dimension, aussi peu nombreux soient-ils. Jouant sur les symboles occultes et une force musicale créative assez inédite pour leur époque, les Britanniques ont alimenté bien des fantasmes. Avec « Led Zeppelin en Bandes Dessinées », une vingtaine de dessinatrices et dessinateurs se sont partagés sous forme de chapitres l’épopée de cette formation qui a révolutionné le Rock et qui demeure toujours aussi intrigante et insaisissable, malgré une discographie assez courte, très dense et toujours inégalée.

LED ZEPPELIN EN BANDES DESSINEES

Par Thierry Lamy et Tony Lourenco

(Editions Petit à Petit)

On a déjà tant écrit, et peut-être même déjà tout, sur LED ZEPPELIN qu’on peut se demander en quoi un nouvel ouvrage sur ce groupe mythique se voudrait opportun. L’histoire du dirigeable, qui a réalisé neuf albums studio entre 1969 et 1982, a bouleversé le monde du Rock au sens très large du terme et influencé de multiples courants pourtant souvent lointains. Son ombre est encore très présente sur les nouvelles générations, qui ne l’ont pourtant pas connu au sommet de son art. Malgré tout, « Led Zeppelin en Bandes Dessinées » offre un regard nouveau, notamment grâce à son contenu graphique.

Dans la collection ‘Docu BD’ initiée par les Editions Petit à Petit, le livre scénarisé par Thierry Lamy et Tony Lourenco vient s’ajouter à une belle série, dans laquelle on retrouve de grands noms comme Jimi Hendrix, Pink Floyd, Prince, The Doors, Ac/Dc ou celui dédié au Metal, dont j’ai récemment parlé. LED ZEPPELIN y a bien sûr sa place, tant il pèse sur la planète Rock plus de 30 ans après la séparation du quatuor. Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones et John Bonham ont fait rêver des générations entières et on situe les ventes totales de sa discographie autour de 300 millions d’albums vendus.

Et comme toutes les légendes, le quatuor a alimenté toutes sortes de mythes. On lui a prêté des proximités très fortes avec l’ésotérisme et l’occultisme notamment, concernant surtout son guitariste, ainsi que toutes sortes de dérapages liés à la drogue. Même si tout n’est pas qu’affabulation, et si l’époque s’y prêtait très franchement, LED ZEPPELIN n’est pas si extravagant qu’il n’en a l’air. Sa musique, en revanche, traverse le temps et pénètre les âmes avec douceur et sauvagerie : une constante. Alors, l’idée de (re)découvrir les Anglais en BD est aussi ludique que cela permet des mises en situation souvent pertinentes.

160 pages / 21,90€

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Hard US Sleaze

Eve’s Bite : Forez guns

De Saint-Etienne à la Cité des Anges, le vol est direct et finalement la distance importe peu, tant les idées et la musique rapprochent inévitablement. Riffs tendus, solos millimétrés, rythmique appuyée, rien ne manque à EVE’S BITE, dont les refrains et le chant de ce premier opus sont entêtants et fédérateurs. Avec « Blessed In Hell », le groupe se montre créatif et s’inscrit dans une belle tradition à laquelle il fait vraiment honneur. L’énergie très live qu’il dégage s’ouvre sur un univers très personnel.  

EVE’S BITE

« Blessed In Hell »

(M&O Music)

A l’œuvre depuis un bon moment maintenant, le revival Hard, Heavy et Glam Metal de la fin des 80’s et des 90’s commence sérieusement à prendre de l’ampleur aux Etats-Unis bien sûr, et aussi dans nos contrées. Et il faut croire que ce bel héritage a été parfaitement digéré, car la scène hexagonale n’est pas en reste. Avec « Blessed In Hell », EVE’S BITE vient grossir les rangs et présente un premier album autoproduit sous la bannière de M&O Music. Et si la production est un peu froide, l’ensemble se veut musclé.

Certes, on est un peu loin de la chaleur californienne, mais les Stéphanois n’ont pas froid aux yeux et montrent de bien belles choses. Leur Hard Rock est racé et efficace, les mélodies sont accrocheuses et les touches Glam et Metal habillement distillées. « Blessed In Hell » court d’ailleurs sur près d’une heure, preuve que sur ses 12 morceaux, le quatuor a des choses à dire. EVE’S BITE se montre infatigable, un brin Sleaze et la puissance affichée ne manque ni de maîtrise, ni d’entrain.

Bon, on ne va pas se mentir non plus, on pense très fort au Skid Row de la belle (et unique !) époque de Sebastian Bach, notamment au niveau du chant. Pour le reste, les Français s’appuient sur des valeurs sûres comme Dokken pour le côté Heavy et Mötley Crüe pour la partie texte notamment. Appliqué et sérieux, EVE’S BITE fait preuve de beaucoup d’’explosivité et on se prend vite au jeu (« Fire, Fire, Disaster », « She’s Got More Balls Than You », « Rock Fever », « Shits On The Radio », « Waiting For The Night »). Bouillonnant !

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Stoner Doom Stoner Metal

Slower : slayerized

Reprendre l’un des plus éminents membres du ‘Big Four’ californien avec la crème de la scène Stoner Doom, c’est l’ambition de Bob Balch de Fu Manchu accompagné de musiciens de Kylesa, Kyuss, Monolord et Lowrider. Sur des ambiances sombres et chargées, SLOWER présente sa vision d’un Slayer qui passe presqu’en mid-tempo et surtout qui se pare de voix féminines aériennes et vaporeuses, loin de la rage d’Araya et de sa bande. Le projet est ambitieux et le regard apporté sur ces cinq titres incontournables a de quoi dérouter par son approche, toute en décélération, mais non sans volume.

SLOWER

« Slower »

(Heavy Psych Sounds)

Si les fans de Slayer sont inconsolables depuis cette soirée du 30 novembre 2019, où le groupe donnait son dernier concert au Forum de Los Angeles, il se peut que l’EP de SLOWER leur apporte un peu de baume au cœur. A mi-chemin entre le Tribute et la cover, l’entreprise menée par Bob Balch a de quoi de surprendre, c’est vrai, mais aussi séduire à bien des égards. Le guitariste de Fu Manchu a décidé de réinterpréter cinq morceaux des rois du Thrash Metal dans des versions… très inédites. Loin des riffs acérés de Kerry King et de Jeff Hanneman, du chant rageur de Tom Araya et surtout des rythmiques de Dave Lombardo et de Paul Bostaph, « Slower » ne manque pourtant pas de sel.  

Il est donc question ici de Stoner et de Doom, ce qui est à l’opposé du style racé et véloce du quatuor de la Bay Area, donc pas la moindre trace de Thrash à l’horizon. Pour faire court, l’idée avec SLOWER est d’avancer dans un concept ‘slow and low’, à savoir lent et bas. Et pour mener à bien l’ensemble, Balch s’est entouré d’un super-groupe avec Amy Barrysmith (Year Of The Cobra) et Laura Pleasants (Kylesa) au chant, les bassistes Peder Bergstrand (Lowrider) et Scott Reeder (Kyuss), ainsi que le batteur Esben Willems (Monolord). Leurs reprises prennent une tournure lourde, épaisse et lancinante, tellement les structures ont été repensées et refaçonnées dans un climat Doom pesant.

Et les Américains ont choisi cinq titres parmi les plus emblématiques de Slayer : « War Ensemble », « The Antichrist », « Blood Red », « Dead Skin Mask » et « South Of Heaven ». Difficile de faire plus fédérateur… sur le papier en tout cas. Car dans les faits, les tempos sont très ralentis, même si une double grosse caisse se fait parfois délicatement entendre, et surtout, le chant exclusivement féminin donne une tout autre perspective. SLOWER s’éloigne à un tel point des versions originales qu’on peine même à les reconnaître. L’exercice est cependant très réussi, malgré la distance avec le modèle. Les thrashers de la première heure risquent de s’y perdre rapidement, tandis que les fans de Stoner Doom se régaleront.

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Metal Progressif

Caligula’s Horse : au sommet

Quand la délicatesse guide la robustesse du Metal avec autant de savoir-faire et d’inspiration, il est très difficile d’y résister. S’affirmant au fil de ses réalisations avec une créativité qui conjugue des moments éthérés avec d’autres résolument fracassants, CALIGULA’S HORSE n’a plus à chercher ou courir après une identité musicale, qui est devenue tellement évidente. « Charcoal Grace » élève encore le niveau dans des sphères où le Metal Progressif proposé n’a que très peu d’égal actuellement dans le monde.   

CALIGULA’S HORSE

« Charcoal Grace »

(InsideOut Music)

Les Australiens peuvent maudire la période du Covid. Un cinquième album, « Rise Radiant », aussi lumineux que puissant presque passé à la trappe, puis le départ du guitariste Adrian Goleby dans la foulée, ont réduit à néant les efforts dans ce (long) moment. Pas, puis très peu de scènes, CALIGULA’S HORSE s’est donc remis à l’ouvrage et même si le contenu de l’album traite du sujet qui a occupé et pollué l’esprit du quatuor, « Charcoal Grace » est de loin la production la plus ambitieuse et audacieuse du groupe depuis ses débuts. En prenant des risques, il se hisse avec force au sommet du Metal Progressif actuel… avec Soen !

Ni le changement de line-up, ni la frustration engendrée par des mois incertains n’ont remis en cause ou en question cette faculté incroyable à composer une musique dont la technique et la technicité se mettent au service de l’émotion. On reconnaît CALIGULA’S HORSE dès l’entame de « Charcoal Grace » et il ne cherche pas à révolutionner le genre, ce qui serait peine perdue. Cependant, s’il est presqu’impossible de réinventer un style déjà très riche, certains parviennent pourtant à renouveler la seule chose qui puisse l’être encore : sa beauté. Et ce sixième opus vient le démontrer avec brio sur une heure intense.

« Charcoal Grace » est un disque assez particulier puisqu’il s’articule autour de sa pièce maîtresse : le morceau-titre courant sur 24 minutes et scindé en quatre parties. Sans pour autant livrer un album-concept, CALIGULA’S HORSE impose un lien entre les morceaux, qui naviguent entre instants suspendus, charges Heavy et massives et une poésie qui croise le fer avec une énergie souvent colossale (le torturé « Golem », le rêveur « Sails », l’accrocheur « The Stormchaser », ou « Mute » et sa flûte enchanteresse). Malgré la longueur des titres, on ne s’y perd jamais, tant l’originalité du combo est unique en son genre.  

Photo : Andrew Basso
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Doom Rock Occult Rock Rock 70's

Lucifer : a dark smile

Tout en cultivant un univers occulte, la formation germano-suédoise va un peu à contre-sens d’une certaine tradition qui exigerait de la dureté et un peu de brutalité même, dans le propos comme dans la forme. Or, LUCIFER semble plutôt destiné à s’extraire de cette niche musicale souvent peu accessible pour qui se tiendrait en dehors du monde du Metal. Définitivement Rock et flirtant aussi avec la Pop, la chanteuse guide main de maître(sse) un combo de plus en plus lumineux. 

LUCIFER

« Lucifer V »

(Nuclear Blast)

Depuis quelques années maintenant, c’est en Suède que LUCIFER conçoit ses albums et, comme son nom l’indique, voici le cinquième d’une discographie qui commence à avoir fière allure. Puisant désormais son inspiration dans les flammes de l’enfer scandinave, ses racines sont toujours très présentes. Très revival, le Rock à l’œuvre ici fleure bon l’occultisme, le Heavy et le Doom, façon seventies et sur fond de Pop assez décomplexée. Un mix accrocheur et explosif finalement.

La production de « Lucifer V » est toujours aussi soignée et brute. Quant à la faculté d’envoûtement de Johanna Sadonis Anderson, elle est à son sommet. Concoctés avec Nick Anderson, guitariste et batteur, ces nouveaux morceaux ont aussi la particularité de montrer autant d’authenticité que d’aspects très mainstream dans leur composition. LUCIFER semble avoir trouvé le juste milieu, nous rappelant au bon souvenir de Black Sabbath, Blue Öyster Cult et même Heart dans les harmonies.

C’est forcément avec beaucoup d’humour noir que le groupe se livre dans un Heavy Rock enflammé. Grosses guitares, lourde rythmique et des chœurs omniprésents, « Lucifer V » se montre très aussi mélodique que rugueux, faisant un bel amalgame entre des titres massifs et des refrains entêtants (« Fallen Angel », « At The Mortuary », « Riding Reaper », « A Coffin Has No Silver Lining », « Strange Sister », « Nothing Left To Lose But My Life »). Et avec ce petit côté Kim Wilde dans la voix, la frontwoman de LUCIFER est irrésistible. 

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Hard Rock

The Gems : on the Rock again

Il y a des albums qui font vraiment plaisir et celui-ci l’est même doublement, puisque la qualité est au rendez-vous. THE GEMS, trio formé à l’issue de quelques malheureuses péripéties passées, livre « Phoenix » qui scelle la renaissance du combo sous des intentions ardentes. Toutes trois ayant auparavant œuvré dans Thundermother (cf. interview ci-dessous), elles arborent aujourd’hui un nouveau blason taillé dans un Hard Rock fougueux et convaincant. Enflammées et débordantes d’enthousiasme, les Suédoises sont prêtes à (re)mettre le feu.

THE GEMS

« Phoenix »

(Napalm Records)

En mai dernier, j’avais eu le plaisir d’échanger avec la chanteuse Guernica Mancini sur son éviction de Thundermother, et aussitôt rejointe par ses deux complices Mona ‘Demona’ Lindgren (basse, guitare) et Emlee Johanson (batterie), laissant ainsi Filippa Nässil seule aux commandes de leur ancien groupe… momentanément. D’ailleurs, cette interview intervenait le lendemain de la signature de THE GEMS chez Napalm Records. Autant dire que le flou artistique n’avait pas duré bien longtemps pour nos musiciennes survitaminées.

Le trio a ainsi trouvé un second souffle et « Phoenix » est un titre très approprié pour ce premier album vif, dynamique et aux inspirations variées. Si l’ancienne bassiste n’a pas pour autant lâché son instrument sur le disque, elle retrouve en revanche sa six-corde de prédilection. Et à l’évidence, à l’écoute de ce nouvel opus, on y gagne carrément au regard du jeu nettement moins fluide et créatif de son ancienne collègue. Derrière les fûts, ça bastonne comme il faut, tandis que la frontwoman de THE GEMS rayonne littéralement.

Certes, il y a un petit côté revanchard, mais après tout, c’est de bonne guerre et puis c’est réalisé avec tellement de spontanéité et de positivité qu’on leur pardonne aisément (« Queens », « Send Me To The Wolves », « Silver Tongue », « Undiscovered Paths », « PSYCHO », « Fruits Of My Labor »). Et si le Hard Rock de THE GEMS paraît assez conventionnel, l’interprétation est remarquable, tout comme l’idée de ces interludes et de la très bonne version acoustique de « Like A Phoenix ». Premier essai plus que transformé !

Photo : Gustaf Sandholm Andersson

Retrouvez la première interview française du groupe :

The Gems : brand new start [Interview]